В каталоге 30 лотов: 15 живописных работ, 4 листа оригинальной и 2 — печатной графики, 7 работ в смешанной технике, 1 фотография и 1 фарфоровая композиция

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 364 и 50-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 364-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 50-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 29 января, в 12:00.

Каталог открывает раздел русского искусства начала ХХ века.

СЕРОВ Валентин Александрович (1865–1911) Мужской портрет. 1910
Бумага, уголь, мел. 29,4 × 22,4

Искусство Валентина Александровича Серова менее чем за три десятилетия прошло путь от передвижнического реализма и импрессионизма до модерна. Блестящий живописец и рисовальщик, он имел репутацию одного из лучших портретистов своего времени и буквально был завален заказами. Живопись была основным предметом приложения сил художника, но творчество Серова никогда не ограничивалось только ею. Он пробовал себя в керамике, работал пастелью, занимался гравюрой, театральной графикой, монументальной живописью. Огромный пласт художественного наследия Валентина Серова составляют графические композиции.

Прекрасный образец поздней графики Валентина Серова, представляющий, словами эксперта, «несомненный музейный интерес», являет «Мужской портрет» (1910). На обороте работы выполнен набросок пейзажа — таким образом, наш рисунок дает представление о работе художника сразу в двух жанрах.

Личность модели неизвестна, при этом эксперт отмечает, что «в списке основных произведений художника, опубликованном в монографии Грабаря (Грабарь И. Э. Серов Валентин Александрович: жизнь и творчество. Москва: И. Кнебель, 1914) за 1910 год перечислены портреты, большая часть которых широко опубликована. Сравнение изображенного с известными портретами не выявило сходства с персонами, позировавшими Серову в 1910 году». Новому владельцу портрета предстоит заняться увлекательной работой — поисками того, кто позировал художнику, а быть может, удастся определить и место, где был выполнен пейзажный набросок на обороте рисунка.

1910-й год — предпоследний в жизни художника. Он посетил Париж, встречался с А. Матиссом; написал «Похищение Европы», создал портреты Иды Рубинштейн, Оскара и Розы Грузенберг, Ивана Абрамовича Морозова, работал над целым рядом других портретов… Где и когда состоялась встреча с неизвестной моделью нашего рисунка — пока этой тайна.

Второй раздел каталога — произведения художников Русского Зарубежья.

ПУНИ Иван Альбертович (1894–1956) Эскиз женского театрального костюма. 1921–1924
Бумага, гуашь, графитный карандаш. 47 × 28,5

«Эскиз женского театрального костюма» (1921–1924) принадлежит руке Ивана Альбертовича Пуни (1892–1956). Внук итальянского композитора и ученик Ильи Репина Иван Пуни покинул Россию в 27 лет, перейдя по льду из революционного Петрограда на другую сторону Финского залива, в имение отца. За спиной осталась бурная футуристическая молодость (знакомство и сотрудничество с братьями Бурлюками, Малевичем, Маяковским, Хлебниковым, Матюшиным, Клюном…), участие в выставках «Союза русской молодежи», «Бубнового валета», «Трамвай В», «0,10», художественное кредо «картина есть новая концепция абстрагированных реальных элементов, лишенная смысла», преподавание в петроградских ГХМ и Витебской художественной школе Шагала, оформление улиц к праздникам, работа на фарфоровом заводе, проектирование печати Совнаркома — и целая эпоха радикальных художественных новаций, эпоха становления русского авангарда.

Эксперт датирует рисунок 1921–1924 годами — временем пребывания художника в Берлине, которое было отмечено насыщенной организационной деятельностью. Художник принял активное участие в создании «Дома искусств», где встречались деятели русской культуры, участвовал в организации Союза русских художников, сотрудничал с «Ноябрьской группой», объединившей авангардистов разных направлений. В Берлине Пуни работал над оформлением книг, делал иллюстрации для газет, писал статьи в прессе. В 1921 году художник провел персональную выставку в галерее Херварта Вальдена Der Sturm. В этом же году написал и выпустил книгу «Современная живопись», в которой пересмотрел свое отношение к авангарду и подверг резкой критике русское беспредметное искусство, и свое в частности, определяя его как «беспредметное конструирование», «триста тысяч комбинаций из одного круга и пары квадратов» (liveinternet.ru).

Пуни и его жена, художница Ксения Богуславская, как пишет эксперт, «не остались в стороне и от почти “поголовной” вовлеченности в театральные интересы эмиграции. Оба художника много и с успехом оформляли театрализованные действа и отдельные номера в берлинских кабаре “Синяя птица” и “Карусель”, в “Ренессансном театре” и других антрепризах, для одной из которых и исполнена эта работа. Во многих из этих произведений была использована стилистика карнавала, а каждому из костюмов авторы старались придать “знаковость”. В берлинский период Пуни работал одновременно в нескольких творческих манерах, включая ту, что была навеяна входившей в ту пору в моду в Германии и некоторых других европейских художественных центрах так называемой “Новой вещественностью”, которая предполагала очень реалистичное, подчеркнуто объемное, воспроизведение всех форм, включая фигуры людей. В наследии И. А. Пуни работы подобной стилистики представляют особую редкость».

Дополнительную ценность эскизу придает его происхождение из знаменитого собрания танцовщика и балетмейстера Сержа Лифаря (1905–1986), на что указывает расположенный в правом верхнем углу лицевой части работы штамп в виде латинской монограммы, которая вписана в лавровый венок, увенчанный лирой.

ВАСИЛЬЕВА Мария Васильевна (1884–1957) Коллаж с изображением Богоматери. 1930-е
Картон, цветная бумага, тушь, фольга, графитный карандаш, процарапывание, чеканка, коллаж. 31 × 24

Одна из самых интересных работ каталога — «Коллаж с изображением Богоматери» (1930-е) русской художницы Парижской школы Марии Ивановны Васильевой (см.: «Художник недели: Мария Васильева»). Религиозные композиции этого творческого периода в разных техниках, к ряду которых относится и наша работа, художница упоминает в своих мемуарах, отмечая, что изображения Богоматери пользовались спросом (особенно в кризисные времена). В нашей работе художница использует ряд техник народного декоративно-прикладного искусства, которым она глубоко интересовалась и в котором была настоящим мастером.

Продолжает каталог AI Аукциона раздел творчества советских художников.

ПАХОМОВ Алексей Федорович (1900–1973) Встающая женщина и мулла. 1927–1928
Холст, масло. 68,5 × 36

Живописная работа «Встающая женщина и мулла» (1927–1928) Алексея Фёдоровича Пахомова — один из нескольких вариантов авторской разработки темы освобождения женщин Востока от веками сложившихся устоев, занимающей художника в этот период. В 1928 году на второй выставке творческого объединения «Круг», одним из организаторов и экспонентом которого был Пахомов, он представил среднеразмерную (95,5 × 52) картину «Встающая женщина» (1928), ныне хранящуюся в Музее изобразительных искусств Республики Карелия (goskatalog.ru). Еще один эскиз встающей женщины экспонировался в 2015 году на выставке «Квартира-музей» в Отделе личных коллекций ГМИИ им. А. С. Пушкина (nasledie-rus.ru).

СТОЖАРОВ Владимир Фёдорович (1926–1973) В юрте. Казбек. 1954
Картон на картоне, масло. 35,5 × 29,5 (лист), 37,5 × 31,5 (картон-подложка)

Имя Владимира Фёдоровича Стожарова, автора портрета «В юрте. Казбек» (1954), стоит в первых рядах мастеров отечественной живописи середины XX века, продолжателей лучших традиций русской реалистической школы. У любителей искусства это имя ассоциируется прежде всего с Русским Севером, где он много раз бывал, любил и как никто понимал его природу, архитектуру и людей. Написанные на Севере пейзажи Стожарова вошли в золотой фонд русского реалистического искусства. Но не менее интересны портреты работы Стожарова — как правило, образы людей труда, крестьян, отмеченные точным авторским взглядом, искренним интересом к моделям и пониманием их нелегкой жизни. Портрет мальчика, представленный в сегодняшней подборке, написан в одной из многочисленных поездок художника по стране.

Произведения Стожарова вызывают огромный интерес, хранятся в музеях и частных коллекциях, востребованы коллекционерами. К сожалению, их часто подделывают, правда топорно, но все же… (часть подделок можно увидеть на сайте В. Ф. Стожарова, созданном сыном художника Александром Владимировичем Стожаровым, глубоким знатоком и, пожалуй, лучшим экспертом по творчеству отца). Наша работа упомянута в каталоге живописи альбома «Стожаров. Каталог произведений. Живопись. Рисунок», вышедшем в издательстве «Советский художник» в 1977 году, при жизни А. В. Стожарова. О художнике читайте на AI: «Художник недели: Владимир Стожаров».

ЛАБАС Александр Аркадьевич (1900–1983) Движение
Холст на картоне, масло. 49 × 49,5

Творчество Александра Аркадьевича Лабаса сегодня представляет исключительно редкая на рынке вещь — живопись «Движение» из серии «Цветовые композиции», авторское повторение 1977 года по мотиву 1921 года.

До революции Лабас учился в императорской Строгановке, потом во ВХУТЕМАСе. Участвовал в Гражданской войне (в 1919 году ушел на Восточный фронт художником). Вернулся во ВХУТЕМАС, учился у Кончаловского, Малевича, Кандинского. Потом там же сам преподавал композицию и цвет, а также цветоведение в физической лаборатории вместе с учеными-физиками. Отсюда — его интерес к аналитическому осмыслению пластических свойств живописи. Отсюда поиски новых художественных приемов: «вибрирующих» света и цвета, необычных композиционных решений, ракурсов, подсказанных современными кино и фотографией.

«Не многие, например, знают, что ныне признанный мастер романтического пластического фигуратива с его вдохновенными поездами, самолетами и дирижаблями в 1921–1924 годы был серьезно увлечен беспредметной живописью и разрабатывал собственные идеи геометрической абстракции. Лишь в 1924 году Лабас принципиально отказался от абстракции. Но потом, в 1950-е годы и в конце 1970-х, снова возвращался к беспредметности, к цветовым композициям, которые вдохновляли его в молодости и которые 30 лет назад заинтересовали Малевича: 42-летний мэтр приходил к двадцатилетнему Лабасу в мастерскую, чтобы лично составить впечатление о его работах» (artinvestment.ru).

Одно из таких живописных «возвращений» сегодня выставлено на Аукцион AI.

Работа опубликована в книге «Личный Лабас. Александр Лабас в частных собраниях» (М., Культурная революция, 2007) и имеет устное подтверждение О. М. Бескиной-Лабас, наследницы авторского права А. Лабаса, председателя Попечительского совета Фонда содействия сохранению творческого наследия Александра Лабаса (Лабас-Фонда), что очень важно, учитывая существование на рынке художника подделок.

Об Александре Лабасе мы за годы существования сайта писали много раз. Отдельно можно порекомендовать две публикации: «Хиты аукционов ARTinvestment.RU. Александр Лабас. Цены, спрос, инвестиции» (публикация 2014 года, но, за исключением отдельных деталей, она по-прежнему актуальна и исключительно информативна) и «Художник недели. Александр Лабас» (замечательная статья 2017 года). Самые свежие ценовые и маркетинговые показатели художника смотрите в последней публикации рубрики «Художник недели».

СИДОРОВ Валентин Михайлович (1928–2021) У пруда. 2006
Холст, масло. 46 × 61

Удивительно, но живопись «У пруда» (2006) Валентина Михайловича Сидорова — единственный пейзаж в каталоге. «Пейзажи Сидорова — проекции чувств… Живопись художника отличается плавностью композиционной конструкции, мягкостью цветовых отношений, сообразных настроениям его пейзажа. Сидорову близка тема изменчивости состояний воздуха, настроения освещения в разные времена года: суровая красота зимы, светлая приветливость весны, летнее “томление”, грусть осени. Он с любовью пишет все это в разных “эмоциональных ипостасях” — на рассвете, в солнечном зените, хмурым днем, пасмурным утром, на прощальном закате. Природу он чувствует как целостный поэтичный мир, и человека в нем — как его неотъемлемую часть. Деревеньки или одинокие домики выглядят словно часть природы, как деревья, пруд или река, объединяются в гармоничную картину мира, которую утверждает художник, не всегда как данность, но как душевную необходимость. Иногда они воспринимаются как символы — жизни или ее угасания, как образы радости или грусти» (rah.ru).

Традиционно самый крупный раздел каталога — творчество шестидесятников. В этот раз большую его часть составляют произведения 1960–70-х годов.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Петух. 1961
Бумага, тушь, кисть, темпера. 52 × 48

«Петух» (1961) Владимира Николаевича Немухина — самое начало 1960-х, период ярких мощных абстракций. «…Забавный полуощипанный боевой петушок, хотя напрямую и не связан с традиционными для творчества Немухина карточными играми и раскладами, тем не менее найденный Владимиром Николаевичем образ стал прототипом и прообразом петухов на некоторых “карточных” работах, например “Игра в петуха на ящике”», — отмечает эксперт.

В отличие от множества самых разнообразных веселых, грозных или забавных «петушков», которых часто на заказ рисовали и писали шестидесятники, в этом персонаже есть особое достоинство. «Петух» — работа во всех отношениях редкая: и потому, что ранняя, и потому, что на рынке подобные композиции встречаются не часто, и по своим артистическим качествам, и по эмоциональному заряду, заложенному в нее художником.

ПЛАВИНСКИЙ Дмитрий Петрович (1937–2012) Композиция. 1970
Холст, ткань, акрил, грунтовка, коллаж. 99 × 79,5

По просьбе AI работу прокомментировала вдова художника Мария Плавинская.

***

КОМПОЗИЦИЯ 1970 года ДМИТРИЯ ПЛАВИНСКОГО
была создана в период, связанный с Православием.
Он тогда много путешествовал по стране, по монастырям и маленьким старинным городкам, и изучал древнерусское искусство и палеографию.

*

Ветхая рассыпающаяся и перевязанная веревками Книга на светлом фоне. Это Евангелие в тиснёном переплете. Видны фрагменты верхней крышки с орнаментом и изображением Евангелиста в нижнем левом углу
(в основании), листы рукописного текста, затейливая Буквица и закладка небесно-голубого цвета с крестиками в кругах.

Можно прочитать лишь отдельные слова: «Зрите …» и «Въ время…»

Великая Книга хрупка и монументальна одновременно.
Она подобна скульптуре, руине и живому существу, вырывающемуся из пут.
Еще чуть-чуть — и веревки лопнут, листы высвободятся и откроются Священные тексты. Лазоревая закладка укажет путь.

Светлый фон местами покрыт кракелюром, подобно иссохшей почве или безводной пустыне. Следы широкой кисти с густой краской сменяются более гладкими участками с то появляющимся, тоисчезающим трещинами.
Плотный монохромный фон дышит фактурой, окружая изображенное в центре.

Именно здесь, в изображении Книги, появляется пространство образа.
И выявляющие его тени.

Образ в обратной перспективе, он обращен к нам, как в иконописи.

Книга, ее объем, вес и структура уподоблены кристаллу.
Прямоугольные объемы прорастают и громоздятся друг на друге.
Меж ними включения тонких изгибающихся пластов — листы рукописного Текста.

Абрис и ощущение тяжести камня передают монументальность и статуарность образа. Это памятник Великой Книге.

Сложная структура образа, многослойное письмо, разнообразие фактур и текстур, предполагают постепенное его прочтение и рождают множество ассоциаций и реминисценций.

Краеугольный камень композиции — изображение сидящего и записывающего Евангелиста в левом нижнем углу.

Правее от земли поднимается ствол могучего дерева. Постепенно оно покрывается страницами Книги — той, что пишет Евангелист.
Выше, золотисто-охристая с киноварью процветшая Буквица.
Фланкирующий растительный орнамент довершает ассоциации.

Книга пишется и разрастается, как живое Древо —
Древо, соединяющее Землю и Небо.

Струящаяся лазоревая закладка подчеркивает эту взаимосвязь.

Временные слои проступают друг через друга.
Живое Слово Божие, ниспосланное свыше, пишется, разрастается в Книгу
с многими страницами рукописного текста, украшается буквицами, орнаментами, тисненым переплетом. Затем Книга ветшает и разрушается. Но чья-то заботливая рука собирает ее и стягивает веревкой, которая, в свою очередь, готова разорваться на наших глазах.     

Узел веревки, перехватывающей Книгу крест-накрест, находится над
композиционным центром.
Здесь все пересекается — диагонали, вертикаль, горизонталь.
Здесь же — центр круговой симметрии.

На вертикальной оси, соединяющей низ и верх, Землю и Небо, Евангелиста и его Текст, расположена закладка.

Вокруг текста, его сердцевины — замкнутое движение.

Исчезает фронтальность и статуарность образа.
Статичный и нейтральный, на первый взгляд, фон дышит, пульсирует и приуготовляет движение внутри образа.
Справа налево.
Как учил Пифагор и древние философы.

Геометрия композиции, золотая пропорция соотношения объемов, запускают движение Жизни. Оно поддержано текучими круглящимися растительными орнаментами и процветшей буквицей. Монохромная умбристая живопись озвучена и расцвечена золотом охры, киноварью и лазурью Неба.

Лазоревая закладка связывает Небо ицентр композиции.
В этой точке — символический и энергетический центр образа.

И вершина равностороннего треугольника, расширяющегося книзу.
В левом его углу — край клейма с Евангелистом,
в правом, уже за пределами Книги, на фоне картины — монограмма автора.
Один написал, другой руку приложил.
Источник вдохновения у обоих один и тот же.
Здесь царит гармония и равновесие.

Но картина Дмитрия Плавинского о другом.
— О непреходящей вневременной Тайне, сокрытой в Святом Писании,
и о беге Времени, отмеченном разрушением видимых форм. 

Образ памятника Великой Книге говорит о взаимосвязи Земли и Неба
естественной и рукотворной одновременно с особой системой координат.

Художник предлагает нам навигацию по компасу с лазоревой Стрелкой.

Герметический принцип «Что наверху, то и внизу» соответствует изложенному в Святом Писании. Дмитрий Плавинский всегда ему следовал.
Может быть, поэтому, его работы открываются не сразу.

Мария Плавинская
27 января 2021

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Дмитрий Плавинский».

ВЕЙСБЕРГ Владимир Григорьевич (1924–1985) Три больших куба. 1974
Холст, масло. 54,5 × 50

Холст «Три больших куба» (1974) Владимира Григорьевича Вейсберга относится ко времени, когда жанры его творчества уже сформировались, а иконография стала узнаваемой: натюрморт из белых предметов, портрет, обнаженная — тающие контуры объектов в пространстве, «очищенном» от всего лишнего. «Сложность восприятия живописи Вейсберга породила вокруг художника ряд упрощающих, “сигнальных” определений — “московский метафизик”, “русский Моранди”, “белое на белом”. Все они касаются внешних сторон его творчества и, называя, не призваны ничего объяснять. Истина ближе: Владимир Вейсберг — художник традиции, его творчество существует в рамках строгих правил классической живописи, его единственной программой было постижение ее законов. Связь с творчеством знаменитых старших современников — Моранди, Джакометти или Николсона — проявляется у Вейсберга в том, что широчайшие возможности классического искусства он демонстрирует в мотивах искусства современного. Его знаменитый “белый” — это следствие головокружительного усложнения цветовых отношений. Единственным манифестом Вейберга, живописца по призванию, темпераменту и образу жизни, стали его слова: “Я изучаю палитру”» (artinvestment.ru).

«В действительности “белое” произведение Вейсберга никогда не заключает в себе чистого цвета: белила использовались им только в смесях с хроматическими цветами, благодаря чему художником осуществлялось бесконечное “растягивание”, “раскладка” хроматического ряда. Тонкие нюансы цвета и тона, из которых составлялось общее цветовое решение, художник называл валерами. В начале “белого” периода он уделял внимание сложной фактуре, накладывая на холст корпусные мазки различной плотности, но потом полностью сосредоточился на проблемах пространства. В 1970-е в живописи Вейсберга появляется узнаваемая, идеально гладкая поверхность картинной плоскости, изображенное на которой окутано единой цветосветовой средой» (artinvestment.ru).

В 1994 году холст «Три больших куба» (1974) экспонировался на персональной выставке «Владимир Григорьевич Вейсберг (1924–1985). Живопись. Акварель. Рисунок» в Третьяковской галерее и указан в ее каталоге (без иллюстрации).

О художнике читайте на AI: «Художник недели: Владимир Вейсберг».

ВАСИЛЬЕВ (MON) Юрий Васильевич (1925–1990) За занавеской, или Портрет Кати. 1975
Холст, масло. 44,5 × 40

«Живописцы, окуните ваши кисти…» — эта песня Булата Окуджавы посвящена Юрию Васильевичу Васильеву (MON), автору небольшого холста «За занавеской, или Портрет Кати» (1975). Работа почти на грани фигуратива и абстракции, нежная трогательная и загадочная.

«Примерно с середины 1960-х годов Юрий Васильев, пройдя путь от экспрессионизма до сюрреализма, все чаще обращается к абстракции и особой комбинированной технике, включающей элементы коллажа, абстракции и фигуратива. Конец 1960-х — 1970-е можно считать особо ценным периодом в творчестве художника. В это время Васильев выполнил серию особенно выразительных самобытных абстрактных произведений» (artinvestment.ru).

Год 1975-й — стал очень важным в жизни и творчестве художника. 7 и 8 апреля 1975 (всего два дня) к 50-летию Васильева его семья в качестве подарка устроила домашнюю выставку в своей квартире. Эта выставка оказалась единственной: при жизни у Васильева не было ни одной персональной и даже групповой выставки живописных работ в России. В том же 1975-м закончил большое полотно «Загрязнение», а также создал огромное количество небольших работ под общим названием «циклотроны». В Японии вышла книга «Русские классики»: А. С. Пушкин («Евгений Онегин» и «Капитанская дочка»); Н. В. Гоголь («Ревизор», «Шинель») и И. С. Тургенев («Первая любовь» и «Рудин») в оформлении художника.

14 сентября 1991 года Эрнст Неизвестный писал: «Он, именно он и никто другой, первый, еще в страшные сталинские времена, начал изучать русский и западный авангард. Это он своей веселой свободой лечил многих от летаргии соцреализма. Щедрый коллекционер с широким русским размахом и кистью в руках.

 

Я уверен, что если мы сейчас взглянем на все, что он сделал, то увидим оригинального и смелого художника, боровшегося с трусливым и серым временем» (Юрий Васильев. MON. М., 1993. С. 71). Композиция «За занавеской, или Портрет Кати» (1975) упомянута (№ 367, без иллюстрации) в этом каталоге, подготовленном семьей художника. Читайте о художнике на AI: artinvestment.ru.

БЕЛЕНОК Пётр Иванович (1938–1991) Плавающие в золоте. 1976
Бумага металлизированная, акрил, тушь, бумага, коллаж. 65 × 49,5

На золотистой металлизированной бумаге в авторской технике выполнена композиция «Плавающие в золоте» (1976) Петра Ивановича Беленока. Это очень редкий материал в большом корпусе работ художника: во всяком случае, в базе AI есть всего одна подобная композиция — можно лишь предположить, что их владельцы не спешат расставаться с такими раритетами. Цвет и светоотражающие свойства бумаги автор задействует в колористическом решении работы, придавая ей дополнительную глубину и выразительность.

В 1967 году выпускник киевского института Пётр Беленок, успешный и обласканный властями скульптор в украинском городе Ровно, автор памятников вождям и героям и обладатель собственной мастерской и штата помощников, променял радужные перспективы на подвальную московскую мастерскую, снова ненавистные памятники вождям, жизнь впроголодь, неустроенность, депрессии, залитые алкоголем, полную нестабильность и случайные заработки в статусе неофициального художника.

«Вы рисуйте, вы рисуйте, вам зачтется…» — провидчески писал Булат Окуджава. Это уже потом были резонансные выставки в кафе «Синяя птица», павильон «Пчеловодство» и «Дом культуры» на ВДНХ, горкомовские выставки «Двадцатки» (в одной группе со Снегуром, Файбисовичем, Харитоновым, Худяковым и др.). Потом — западные музеи, многочисленные зарубежные выставки неофициального русского искусства, в том числе проекты глезеровского передвижного «Музея современного русского искусства в изгнании». И конечно, работы в «Другом искусстве» в Третьяковке и в Русском музее.

Вот, что пишет о Белиноке (через «и», но это в те времена, когда и Кабакова многие знали как Толю, а не Илью) художник-шестидесятник Анатолий Брусиловский в своей знаменитой книге «Студия»:

«Для заработка он ваял “Ильичей”, а для души писал абстракции с включением коллажа — несущиеся в вихре фигурки людей, то ли гибнущие в шквале стихий, то ли спасающиеся бегством. Экспрессивные черно-белые абстракции вызывали сильное ощущение конца света… В подвальной мастерской (очевидно, бывшей котельной) стояли грузные, еще недоделанные идолы “Лениных” — источник заработка, средств для существования для семьи. Среди них — контрастом — петины почти монохромные большие работы. Он нашел свою запоминающуюся манеру и тему, психологически очень созвучную тогдашнему нашему настроению. Я предложил Пете назвать свое направление — катастрофизмом… Его кумиром был французский художник более старшего поколения Анри Мишо, которого он переименовал на украинский лад: Андрiй Мiшок! Что-то созвучное было у них, какие-то стыки пластического языка. Но, разумеется, Белинок был целиком самобытен… “А как Андрэ Бретон? А Ив Танги! А помнишь у Дельво? Тристан Тцара писал по этому поводу…” А вокруг серые цементные глыбы истуканов вождя немо прислушивались к диковинным именам. Сюрреализм!» (artinvestment.ru).

Один из ключевых неофициальных художников и создатель уникального «панического реализма» (к слову, название авторское и шуточное), он умер в 1991-м в бедности и полузабвении. Сегодня работы Беленока продаются на аукционах и в галереях, входят в значимые музейные и частные собрания, пользуются популярностью у знающих и умных коллекционеров. Их увозили на Запад, они есть на аукционах в Лондоне и Нью-Йорке. Они пока еще доступны на рынке, но на фоне роста интереса к нонконформистам может вновь прозвучать тихое пророчество Окуджавы — и останется только сожалеть о сегодняшней недальновидности.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Пётр Беленок».

БЕЛЮТИН Элий Михайлович (1925–2012) Без названия. 1997
Бумага C.M.FABRIANO - 100/100 cotton, гуашь, фломастер. 69,1 × 49,8

Графика Элия Михайловича Белютина «Без названия» (1997) относится к большой серии композиций на бумаге, выполненных, так же как и наша работа, гуашью и фломастером (позже гуашью, мелками и шариковой ручкой), с изображением двух персонажей. Иногда они имеют авторские названия — «Мать и дочь», «Сатир и Нимфа», «Мы любим друг друга», отсылающие к жанровым сценам, нередко, как и наша работа, остаются без названия. Но в каждом случае автору удается передать отношения, связывающие персонажей, — любовь, дружбу, конфликт в той или иной степени накала. Сегодняшняя работа — вещь декоративная, колоритная и представляет нам эмоционально очень сложную сцену.

КАЛИНИН Вячеслав Васильевич (1939) Без названия
Цветная бумага Canson, пастель, белила, уголь. 65 × 50

К огромной серии жанровых пастелей (иногда с добавлением бутылочных этикеток и иных элементов коллажа) относится недатированная графика «Без названия» Вячеслава Васильевича Калинина, выполненная в узнаваемой авторской манере. Холсты и графика художника создают впечатление с первого взгляда, но дальше нужно всматриваться — и разглядывать детали, которые в пастелях проступают одна за другой и добавляют объем и глубину образам и всей композиции в целом.

КУПЕР Юрий Леонидович (1940) Ложка
Металлический поднос, масло, процарапывание, фанера, дерево. 39,5 × 27,2 (поднос), 43,5 × 35 (рама)

Не датирована живописная композиция «Ложка» Юрия Леонидовича Купера — подписная работа, выполненная в узнаваемой с первого взгляда сложной авторской стилистике на металлическом подносе. Работа декоративна и очень красива.

Продолжают раздел работы художников следующего поколения.

ОРЛОВ Борис Константинович (1941) Военный музыкант (красный). 1978
Фарфор, надглазурная роспись. 38,5 × 23 × 20

Единственная фарфоровая композиция в каталоге — «Военный музыкант (красный)» 1978 года Бориса Константиновича Орлова. «Уникальным для шестидесятников образцом работы в фарфоре скульптора-нонконформиста был “Музыкант” Бориса Орлова в двух вариантах — в бело-синем и бело-красном. Известная композиция, созданная скульптором еще в 1978 году при помощи бумаги и гуаши, получила новую жизнь в фарфоре» (Виктория Петухова. Фарфор как неприкладное искусство или еще одна грань нонконформизма // Фарфор шестидесятников: Выставка в галерее «Романовъ». М. : Бонфи, 2012. С. 18).

Работа из нашего тиража опубликована (Там же. С. 112).

«В русском искусстве последнего полувека Борис Орлов занимает исключительное положение: он создатель собственного мифа, собственной художественной системы, индивидуального — легко узнаваемого — образного строя и стиля. Еще в советские времена его скульптуре удалось осуществить труднодостижимое — привлечь зрителя очной ставкой разведенных историей традиций классицизма, модернизма и авангарда. И тогда, и теперь — неутомимо избегая ловушек эклектических стилизаций — художник всякий раз демонстрирует редкое единство качеств: ясность оригинальных идей, предельную точность формы, мощную энергию, интеллектуальную искушенность.

“Аполлоническое начало”, на которое любит ссылаться сам художник, вполне справедливо отождествляется им с началом героическим. Именно эту героическую линию и отстаивает Борис Орлов на сцене современного российского искусства. Речь идет не только о сюжетах и фабулах, о специфике выразительных средств, о драматургии или художественных предпочтениях, но также о твердости собственной независимой позиции в искусстве» (borisorlov.ru).

ПУРЫГИН Леонид Анатольевич (1951–1995) Без названия
Холст, масло. 40 × 31,5

Не датирована композиция «Без названия» Леонида Анатольевича Пурыгина. «Ее образы и живописный строй соответствуют последнему периоду его творчества, в котором появляется более сложный сюрреалистический мир, возникший из знакомства с искусством средневековья во время его пребывания в США, — отмечает эксперт. — Тонкие слои живописи, спокойный ровный мазок, цветовая символика и ее знаковое прочтение — все это говорит о его художественном языке 90-х годов, когда в его культуре появляется интерес к оккультизму и интеллектуальному началу. Работа, очевидно, должна была стать частью полиптиха, но по каким-то причинам замысел автора не был осуществлен, и в силу этого же она осталась не подписанной. В то же время композиция обладает самодостаточностью и качествами, по которым ценится творчество Леонида Пурыгина, — уникальность творческого мира, целостность и органическое взаимоотношение элементов, находящихся в парадоксальном диалоге».

БОРДАЧЁВ Сергей Михайлович (1948) Без названия (Абстрактная композиция с черным пятном и тремя кругами). 2018
Бумага, акварель, смешанная техника. 84,3 × 59,1

В жанровой классификации текущего каталога компанию «Движению» Александра Лабаса составляет всего лишь одна абстракция — большая работа на бумаге «Без названия (Абстрактная композиция с черным пятном и тремя кругами)» (2018) Сергея Михайловича Бордачёва. «Бордачёв много раз менял стили своих абстракций, его серии зачастую совсем не похожи. Да, у него есть свои закономерности: приверженность абстракции, выраженная экспериментальность с узнаваемыми влияниями. А еще страсть к “смягченной” геометрии прямоугольника, круга и треугольника. Но универсальную стилистическую формулу зритель вряд ли обнаружит» (artinvestment.ru), но тем и интереснее, не так ли?

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Сергей Бордачёв».

Завершающий раздел каталога — творчество художников рубежа XX и XXI веков.

САЛЬНИКОВ Владимир Александрович (1948–2015) Мандрем-Бич. Гоа. 2007
Холст, акрил. 50 × 70

Лаконичную индийскую марину «Мандрем-Бич. Гоа» (2007) Владимира Александровича Сальникова хочется разглядывать, скользя глазами вдоль почти монохромных планов песка — моря — неба и отдавая должное по-настоящему сложной композиции с большой лодкой в центре и гибкой женской фигурой в красочном сари, деликатно расположенной у края картины. Колористическое решение картины задействует только естественные, природные цвета. Зритель вслед за автором спокойно и неспешно входит в пространство картины…

Яркий, несогласный, эпатажный, носитель духа семидесятничества, книжный иллюстратор, живописец, считающий, что женские тела чаще всего куда оригинальней и индивидуальней лиц хозяек, автор и исполнитель проекта «10 тысяч левых женских ушей», испытавший счастье встретить единственную и любимую женщину, преподаватель, автор перформансов и видеоарта, искусствовед и критик, философ и т.д. и т.п.  — и это всё тоже Сальников.

«Он легко и уверенно следовал однажды принятой установке: “не быть и не стать абстрактным, просто калькулируемым, учтенным, сподручным, легко кодируемым”.

Владимир Сальников — художник, человек, критик, знаток не только современного искусства, который всегда шел наперекор основному течению, оставаясь свободным от правил, заражающих большую часть художественного мира…

Еще в юности провозгласивший себя “гением”, Владимир Сальников реализовал свое желание “остаться инфантильным, капризным, волюнтаристичным и шизоидным, вести себя, как примадонна, т.е. иметь право быть регрессивным”, утверждая, как могли бы сказать многие настоящие художники, независимо от времени их пребывания на Земле: “Это и есть для меня искусство”. И при том быть открытым и восприимчивым ко всему, что дарило ему каждое мгновение жизни. В этом мире его часто вдохновляли невероятные, парадоксальные вещи, которые становились материалом для создания нового проекта или аналитической статьи. Произведения Сальникова рождались в диалоге — с моделями и критиками, учителями и учениками, кураторами и художниками, многие из которых становились его друзьями на долгие годы, с оппонентами и великими предшественниками, и конечно, с главным человеком и художником в его жизни — Ниной Котёл» (ncca.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Владимир Сальников».

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Радуга Эльдорадо. 2020
Холст, масло. 120 × 100

«Радуга Эльдорадо» (2020) Люси Вороновой — работа радостного периода творчества, пусть даже и карантинного года, это не важно. Мифическая страна Эльдорадо, усыпанная золотом и драгоценными камнями, на холсте Люси напоминает сложнейший пэчворк из мелких лоскутков. Огромный, метр с лишним, холст выполнен настолько ювелирно, что создается впечатление драгоценного мерцания его поверхности. Обнаженная натура у Люси Вороновой — это прежде всего символ совершенной свободы, отсутствия тревог, забот и ограничений, внешних и внутренних, абсолютного слияния с природой. В 2020 году обнаженная модель в картинах Люси Вороновой встречается крайне редко. В нашей работе сложный фон подчеркивает красоту тел обнаженных девушек и сам рядом с плавными линиями и чуть светящейся кожей женских фигур кажется еще более тонким и изящным.

Одновременно с нашим штатным 364-м AI Аукционом открыт 50-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». Каталог составили работы Юрия Бабича, Наталии Глебовой, Елены Гориной, Владимира Дубосарского и Александра Виноградова, Игоря Кислицына, Pata (Паата Мерабишвили), Алексея Орловского, Ольги Пушкарёвой, Ирины Раковой, Александра Савко.

Всем желаем удачи на 364-м AI-Аукционе и 50-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.