В основном каталоге — 20 лотов: 8 живописных работ, 9 листов оригинальной и 1 — печатной графики и 2 скульптуры. Кураторский аукцион целиком посвящен современной скульптуре

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 348 и 34-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 348-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 34-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Открывает каталог раздел творчества художников Русского Зарубежья.

КОРОВИН Константин Алексеевич (1861–1939) Берендейка. Эскиз костюма для постановки оперы Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка». 1928
Бумага с водяным знаком, графитный карандаш, тушь, перо, акварель, белила, бронзовая краска. 25 × 17,9 (в свету)

Эскиз костюма Берендейки к опере Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка» был создан Константином Алексеевичем Коровиным в 1928 году для первой постановки «Частной оперы в Париже». Авторская помета на рисунке указывает, что этот праздничный женский костюм предназначен для пролога оперы, в котором берендеи веселятся на проводах Масленицы и встречают Весну. Наша молодая Берендейка, судя по высокому головному убору (скорее всего, это праздничный кокошник, покрытый шерстяным платком), — это замужняя женщина. Ее юбка и душегрея богато украшены вышивкой. Коровин выполнил множество эскизов мужских, женских, девичьих костюмов для берендеев. Эти народные сказочные костюмы очень разнообразны и каждый по-своему украшен, элементы их почти не повторяются, и на сцене актеры в костюмах, выполненных по этим эскизам, должны были представлять собой яркую, красочную толпу.

ЧЕХОНИН Сергей Васильевич (1878–1936) Орнамент с геометрическими формами. Эскиз ткани. Начало 1930-х
Бумага цветная, гуашь. 61,8 × 47 (в свету)

Музейное значение, по мнению эксперта, имеет эскиз ткани «Орнамент с геометрическими формами» (начало 1930-х) Сергея Васильевича Чехонина. «Для творчества этого художника, принадлежащего к младшему поколению “Мира искусства”, — отмечает эксперт, — было характерно обращение к различным областям прикладного и изобразительного искусства. Он проявил себя как непревзойденный мастер миниатюр в технике финифти, росписи фарфора и монументальных росписей интерьеров, работал в книжной графике, в области театрально-декорационного искусства. Оказавшись в эмиграции после 1928 года, он искал применение своему декоративному дару в новых сферах художественной деятельности». Опыт и навыки прикладника дали себя знать в новом увлечении — росписи тканей, и не просто росписи, хотя его эскизы, если судить по раппортам, приведенным в экспертном заключении и в базе AI, изящны, очень красочны и просто великолепны, а их промышленное производство. «В 1933 он заявил патент на новый способ многоцветной печати на ткани с одного цилиндра ротационной машины. Был изготовлен опытный образец. Для постройки промышленного образца Чехонин побывал в Нью-Йорке (1934), но из-за болезни сердца был вынужден вернуться в Париж. Безуспешно вел переговоры об использовании изобретения в СССР. В 1935 промышленная установка по его чертежам была построена на швейцарской красильно-печатной фабрике в г. Вейле, под Базелем».

Сергею Чехонину посвящена сегодняшняя большая статья традиционной рубрики AI «Художник недели»; анализируя состояние рынка его работ, авторы пришли к выводу, что «будущее творческого наследия Сергея Чехонина — художника, чьи работы де-юре находятся в собраниях Лувра и Метрополитен-музея, а де-факто все еще не перешагнули из “русских торгов” в международную аукционную обойму, — видится весьма оптимистичным. Однако едва фамилия Чехонина встанет в одном аукционном каталоге с Малевичем и Ротко с припиской “автор русского происхождения”, мы услышим традиционное: “Какого художника мы потеряли!”. С большой долей вероятности, это скажут те, кто не успел приобрести его по “русским” ценам».

БЕНУА Александр Николаевич (1870–1960) Молодой боярин. Эскиз костюма для постановки оперы М. П. Мусоргского «Борис Годунов». 1940–50-е
Бумага, акварель, графитный карандаш. 45,6 × 32,9

Об Александре Николаевиче Бенуа, авторе эскиза костюма Молодого боярина для постановки оперы М. П. Мусоргского «Борис Годунов» (1940–50-е), Игорь Грабарь писал: «У Бенуа много страстей, но из них самая большая — страсть к искусству, а в области искусства, пожалуй, к театру… Он самый театральный человек, какого я в жизни встречал, не менее театральный, чем сам Станиславский, чем Мейерхольд…» (цит. по: muzcentrum.ru). «В своих воспоминаниях художник особенно подчеркивает, что в детстве он был переполнен театральными впечатлениями. С самых ранних лет и в течение всей своей жизни Бенуа испытывал чувство, которое трудно назвать иначе, как культом театра. Понятие “художественности” неизменно ассоциировалось у него с понятием “театральности”; именно в искусстве театра он видел единственную возможность создать в современных условиях творческий синтез живописи, архитектуры, музыки, пластики и поэзии, осуществить то органическое слияние искусств, которое представлялось ему высшей целью художественной культуры» (А. В. Пахомова, muzcentrum.ru).

Список его театральных работ огромен, и, увы, нам не удалось установить какая из постановок «Бориса Годунова» удостоилась его оформления. Театральные работы Бенуа всегда аутентичны времени событий, художник был особенно внимателен к историческим деталям, в том числе к деталям костюма. Эксперт называет наш эскиз «памятником русского театрально-декорационного искусства».

ВАСИЛЬЕВА Мария Васильевна (1884–1957) Вид на Париж из окна мансарды. 1950
Бумага, акварель, белила, графитный карандаш. 29 × 36,5

«Русской фее с Монпарнаса», французской художнице русской эмиграции и русской художнице Парижской школы Марии Васильевне Васильевой принадлежит  яркая, красочная, с огромным количеством интереснейших деталей акварель «Вид на Париж из окна мансарды» (1950). «Личность этой женщины и ее роль в том, что искусство XX века таково, каким мы его знаем, сложно переоценить. Она позировала Модильяни, получила предложение руки и сердца от Анри Руссо, писала портреты Жана Кокто и Пикассо, а также основала “Русскую Академию”, а затем и клуб помощи художникам. Кроме того, она была талантливой художницей, чье станковое творчество было не раз отмечено на различных выставках, а занятие прикладным искусством позволило пережить самые сложные времена». Читайте о Марии Васильевой на AI: «Художник недели: Мария Васильева». В монографии немецкого историка искусства Ады Раев «Мария Васильева. Чужая своя», вышедшей в русском переводе в 2015 году, наш рисунок, датированный 1950-м годом, опубликован на странице с пометой «Рисунки, созданные в Ножане. 1950-е». Очевидно, автор монографии здесь не совсем точна: только в 1953 году, через три года после создания рисунка, Васильева поселилась в приморском городке Ножан-сюр-Марн, в доме для престарелых художников, где и скончалась в 1957-м.

БУРЛЮК Давид Давидович (1882–1967) Букет хризантем на фоне моря. 1950–60-е
Холст, масло. 96,5 × 61

1950–60-ми годами, «американским периодом» творчества Давида Давидовича Бурлюка датирует эксперт холст «Букет хризантем на фоне моря». «С 1922 года художник жил в США (с 1941 постоянно в Хэмптон-Бейзе, Лонг Айленд), где часто создавал натюрморты, отличающиеся нарочито-примитивной манерой исполнения, неожиданными сочетаниями изображаемых предметов, декоративностью, фактурностью живописной поверхности, сложной и яркой цветовой гаммой с характерным коричнево-голубым с сиреневым колоритом, красно-бордовыми акцентами, сочетаниями лимонно-желтых и бирюзово-зеленых тонов». Наш натюрморт представляет собой очередное воплощение одного из любимых авторских мотивов — яркой цветочной композиции на фоне моря.

ЦАДКИН Осип Алексеевич (1890–1967) Лист из серии литографий La Forêt Humaine [«Человеческий лес»]. 1965
Авторский экземпляр
Бумага с водяным знаком BFK Rives, литография. 76 × 56,5

Единственный образец печатной графики в каталоге — тиражный лист из серии литографий La Forêt Humaine [«Человеческий лес»] 1965 года Осипа Алексеевича Цадкина. Серия, включающая 10 литографий и титульный лист, была издана и отпечатана в типографии Erker-Presse, St. Gallen (Швейцария). Комплект, из которого происходит лист, относится к авторским экземплярам тиража. На титульном листе комплекта справа внизу имеется выполненная графитным карандашом и подписанная автором дарственная надпись, адресованная Francesco Larese — предположительно, Францу Ларезе (Franz Larese) — одному из основателей и владельцев Erker-Presse.

«Идея создания “Эркера” принадлежала двум молодым швейцарцам — Францу Ларезе и Юргу Янетту. В скором времени их галерея превратилась в своеобразную духовную мастерскую, в место встречи самых известных философов, писателей, искусствоведов, а также художников и скульпторов — представителей нефигуративного искусства и информализма.

Именно в Санкт-Галлене драматург Эжен Ионеско, создатель театра абсурда, впервые прочитал свою пьесу «Человек с чемоданами», а немецкий философ-экзистенциалист и классик феноменологии Мартин Хайдеггер разработал теорию художественного пространства. И Ионеско, и Фридрих Дюрренматт с удовольствием создавали в Санкт-Галлене литографии и считали этот вид творчества своеобразной терапией (известна литография Эжена Ионеско, созданная в Erker-Presse, с авторской дарственной надписью, тоже адресованной Francesco Larese). “Эркер” в разные времена посещали Серж Полякофф, Осип Цадкин, Александр Архипенко — скульпторы и художники родом из России.

Одной из удивительных особенностей Санкт-Галлена стала возможность творческого уединения. Вдали от шумных Нью-Йорка и Парижа, в прекрасно оборудованной мастерской представители разных направлений искусства создавали уникальные произведения на бумаге или с помощью бумаги: литографии, библиофильские книги, каталонский художник Антони Тапиес — колографии, классик немецкого послевоенного искусства Гюнтер Юккер — рельефные картины, а скульптор из Страны Басков Эдуардо Чильида — гравитационные бумажные рельефы» (kurier.hu).

«Все литографии Erker-Presse были нарисованы непосредственно на камне самими художниками. Ни цинковые пластины, ни переводная бумага не использовались. Никакой “художественной поддержки” со стороны профессиональных литографов не было» (artistposter.de). Последнее утверждение, возможно, не совсем верно: известно, что Ионеско и Дюренматт сотрудничали с профессиональным литографом (livelib.ru).

ЭРТЕ (1892–1990) Фантазия. 1987
Бронза, холодная роспись. 53 × 27 × 24

Тиражная бронзовая скульптура «Фантазия» (1987) представляет нашим участникам творчество Эрте — символа красоты, изящества и чистоты стиля ар-деко. Скульптурой Эрте увлекся в последний период творчества и чаще всего разрабатывал в этой технике свои графические работы разных лет. В 1915 году Эрте, к тому времени сотрудничавший со знаменитым модельером Полем Пуаре и сразу несколькими модными салонами в Европе и США — «Генри Бендл», «Альтман», «Лихтенштейн», — заключил контракт с журналом Harper`s Bazaar, ставший началом длительного и необычайно плодотворного сотрудничества: в последующие десятилетия Эрте выполнил для журнала в общей сложности 250 обложек. Рисунок для обложки к июльскому номеру 1920 года стал прообразом нашей сегодняшней скульптуры «Фантазия». Эрте тонко чувствовал возможности материала и техники и сумел блестяще воплотить в бронзе придуманный им 67 (!) лет назад образ девушки, окруженной бабочками.

ВЕЩИЛОВ Константин Александрович (1878–1945) Капри. Фруктовый рынок
Холст, масло. 21,3 × 26,5 (в свету)

Не датирован яркий красочный картон «Капри. Фруктовый рынок» Константина Александровича Вещилова. Творческое наследие художника включает довольно большое количество видов Капри; в базе AI содержатся наполненные солнцем марины и городские пейзажи итальянского острова, датированные 1910–30-ми годами, и более-менее точная датировка нашей работы требует инструментальных и искусствоведческих исследований. О художнике читайте на AI, в нашей постоянной рубрике «Художник недели».

Следующий раздел каталога представляет творчество мастеров, работавших в советское время.

БЫХОВСКИЙ Александр Яковлевич (1888–1978) Радист. Эскиз куклы для композиции «Движение». 1929
Бумага, графитный карандаш. 35,3 × 24 (в свету)

Имя Александра Яковлевича Быховского, автора эскиза Радиста — куклы для композиции «Движение» (1929), «почти не упоминается в исторических обзорах отечественного искусства — ни в официальных, ни в альтернативных. Он не входил в творческие объединения, редко выставлялся. Будучи одним из тех, кто искренно и безоглядно воспринял нравственные идеалы революции, всю свою долгую жизнь Александр Быховский был верен “чувству изобразительного пространства”, которое он ощутил в начале 1920-х годов» (artprivatecollections.ru). Быховский принадлежит к крупнейшим мастерам оформительского искусства своего времени. В основе его авторского стиля «лежал, как это ни парадоксально, опыт, полученный юным Быховским в иконописной мастерской… Произошло уникальное совмещение приемов иконописи с принципами конструктивизма. Быховскому удалось на практике не только выявить сходство этих столь разных изобразительных систем в сфере активного воздействия на зрителя, но и дотронуться до более глубокого философского родства иконописи и авангарда, которое будет осмыслено отечественным искусствознанием через многие десятилетия.

К этому необычному синтезу следует добавить и традицию еврейского искусства, проявление черт которой достаточно ощутимо. Столь разнородные влияния, замешанные на пафосе страстного порыва и динамического напряжения, привели художника к созданию собственного, достаточно скупого, но очень экспрессивного изобразительного языка, который наиболее очевидное отражение нашел в графике» (artprivatecollections.ru). Его графические произведения отличаются структурностью формы, что роднит мастера с конструктивистами, и лаконизмом цветового решения, построенного на сочетании ярко окрашенных плоскостей. Наш рисунок неоднократно опубликован — в частности, он вместе с другими композициями автора представляет творчество Александра Быховского в «Энциклопедии русского авангарда».

АЙЗЕНБЕРГ Нина Евсеевна (1902–1974) Господин Журден. Эскиз костюма к пьесе Ж.-Б. Мольера «Мещанин во дворянстве». 1930
Бумага на бумаге, гуашь, графитный карандаш. 48 × 36,1 (лист), 52,4 × 42,6 (подложка)

Эскиз костюма Господина Журдена к пьесе Ж.-Б. Мольера «Мещанин во дворянстве» (1930) представляет в каталоге творчество Нины Евсеевны Айзенберг — ученицы И. И. Машкова, А. А. Осмеркина и А. М. Родченко. Ее театральная деятельность началась в агитационном эстрадном театральном коллективе «Синяя блуза», куда она пришла в 1924 году и быстро стала одним из ведущих художников «живой газеты». Нина Айзенберг оформляла номера, эстрадные обозрения, писала статьи о декорационном искусстве и системе аппликативного костюма и публиковала их в журнале «Синяя блуза». Работала в разных московских театрах малой сцены. Постановка в 1930 году комедии Ж.-Б. Мольера «Мещанин во дворянстве» в Театре им. А. Сафонова (филиале Малого театра), для которой выполнен наш эскиз, была одной из первых работ художницы на большой театральной сцене. В 1935 году в Театре Санпросвета Нина Айзенберг оформила спектакль «Люди в белых халатах» по пьесе С. Кингсли (1935). Декорации к этой постановке представляли собой универсальную систему, основой которой была единая металлическая конструкция с белыми шелковыми занавесями, создававшими несколько планов, на которые проецировались изображения. В годы войны именно эту систему использовали для установки декораций все фронтовые театры и концертные коллективы. В 1930-х годах были изданы альбомы с текстом и рисованными вкладками Айзенберг: «Аппликативный костюм» и «Театральный костюм (Метод работы над театральным костюмом)». Вся творческая жизнь Нины Айзенберг была связана с театром, она работала в разных городах, на разных сценах, оформила множество спектаклей, в середине 1950-х была художником мультфильма «Сказка о Попе и работнике его Балде» и только в конце жизни обратилась к станковому творчеству. Костюмы Айзенберг всегда живописны, их отличают четкая геометрия линий и яркие сочетания цветовых пятен. Значение деталей, раскрывающих образ, усилено строгим отбором выразительных средств. Интересно отметить, что, в отличие от персонажей других эскизов к «Мещанину во дворянстве», лицо Господина Журдена отнюдь не условно, а напротив, наделено индивидуальными чертами и весьма выразительно, то есть наш эскиз — это, вероятно, портрет конкретного актера в костюме и гриме.

ФОНВИЗИН Артур Владимирович (1882–1973) Наездница. Из «Золотой серии». 1960-е
Бумага на бумаге, акварель, бронзовая краска, графитный карандаш. 20,5 × 14,8

К «Золотой серии» цирковых акварелей Артура Владимировича Фонвизина относится наша сегодняшняя «Наездница» (1960-е) (читайте на AI: «Художник недели: Артур Фонвизин»). Мистическая легенда, описанная в воспоминаниях, гласит, что в детстве он долго, чуть ли не до семи лет, не говорил, был сильно замкнут в себе. Но всё изменилось в одночасье: однажды отец отвел ребенка в цирк Чинизелли, и там, на фоне сильного потрясения, у мальчика произошел эмоциональный прорыв. Так что все эти наездницы, лошади, циркачки — это переживания из детства, во взрослой жизни превратившиеся в любимый мотив. Но взрослый мастер, работая над листами акварелей, использует профессиональные знания и умения и решает сложные и разнообразные художественные задачи. «Художник много времени проводит на репетициях в цирке, в высшей школе верховой езды. Эти впечатления… синтезируются в одной из самых больших акварельных серий — серии “Цирк”. Художник вновь и вновь обращается к одной из своих любимых тем — наездница на лошади. Для нее Фонвизин находит не только многочисленные варианты положений всадника и лошади, при новом цветовом решении — это каждый раз новый образ, который создает активная творческая воля художника, переосмысляющего мир в пластических формах» (Галина Загянская. Артур Владимирович Фонвизин. — М. : Советский художник, 1970. С. 20).

ПЕРЕДНИЙ Николай Александрович (1912–1992) Белое на белом (Обнаженная). 1980
Холст, масло. 66 × 96,4 (в свету)

Один из ряда женских образов в нашем сегодняшнем каталоге представлен на холсте «Белое на белом (Обнаженная)» (1980) Николая Александровича Переднего (читайте на AI: «Новые имена: Николай Передний»). «Росписи, иконы производили сильное впечатление. Захотелось изображать человека как икону…» (facebook.com) — это воспоминания о детстве. Годы обучения и работы в Киеве оказались связаны по большей части с монументальным искусством, и строчка из воспоминаний художника об этом периоде и, в частности, о том, что его эскизы оформления Киева к юбилею революции утвердила правительственная комиссия, сегодня кажется провидческой: «Счастливый жребий выпал мне. Но скоро пришло ощущение, что я иду не в том направлении» (facebook.com). К тому же в те же 1930-е на смену традициям монументального искусства первых лет революции постепенно, но неуклонно приходили принципы соцреализма, искусства, лишенного вдохновения. Передний перевелся в Москву, на 3-й курс Института изобразительного искусства (ныне МГАХИ им. В. И. Сурикова), в мастерскую А. А. Осмеркина. Потом была война, отступление в частях народного ополчения от Вязьмы до Москвы, отозвание с фронта и эвакуация в Самарканд вместе с институтом, защита диплома (1942), переезд и творческая работа в Новосибирске, возвращение в Москву и работа в экспериментальной творческой мастерской под руководством П. Д. Корина, знакомство с Р. Р. Фальком, переросшее в дружбу. Конец 1940-х для деятелей искусства был удушающим, Передний писал, что ему «пришлось приспосабливаться» и считал это своей «слабостью». Множество официальных портретов членов правительства (иной раз высотой в несколько этажей) принесли успех (вновь успех, и вновь не то и невозможность творчества) и давали средства к существованию, а творчество оставалось за закрытыми дверями мастерской, где, ученик Александра Осмёркина и друг Роберта Фалька, Николай Передний работал по-своему, сумев сохранить свои манеру и убеждения, живописные ценности, пиетет к постимпрессионистам начала века. В 1960–80-е годы художник экспериментировал в разных направлениях, писал натюрморты, портреты и пейзажи, то используя пуантилистскую технику, то по-своему интерпретируя творческий метод cезаннистов. Именно эти десятилетия ознаменованы расцветом в живописи Переднего, когда на первый план выступила индивидуальность художника и его собственный живописный подход к окружающему миру. Все это проявилось в нашей работе, где художнику удалось блестяще решить одновременно сразу несколько живописных задач.

РАТНЕР Владислав Исаакович (1926–2002) Пейзаж. 1989
Картон, масло. 33,5 × 48

Владислав Исаакович Ратнер, автор композиции «Пейзаж» (1989), не входил в число тех, кого сегодня называют шестидесятниками. Он был художником, который, по его собственным словам, «прятался в окопах» от советского искусства, от соцреализма. Живопись Ратнера, к счастью, в последние годы входит не только в галереи, но и в музейные собрания и на аукционные площадки. Ратнер из тех художников, которые узнаются с первого взгляда, но чтобы понять их, зрителю нужно быть внимательным и чутким — и тогда ему откроется особый мир, ни на кого не похожий, мощный, яркий, необыкновенный и неповторимый.

«Картины Ратнера — атака цветом, настоящий вызов для зрителей и для художников. Творческий метод художника основан на соединении фигуративных и абстрактных форм. Для него характерна игра цветовых контрастов и ритмизация ярких цветовых пятен и линий. <…> В пейзажных работах он находит новый способ изображения красоты окружающего мира. Здесь его интересует пульсация земли, вибрации воды и воздуха» (museum.ru).

Творчество шестидесятников сегодня представляют и хорошо знакомые нашим участникам авторы, и те, чьи работы нечасто появляются на отечественных аукционных торгах.

СИТНИКОВ Василий Яковлевич (1915–1987) Без названия (Портрет без лица). 1960-е
Фанера, масло. 66 × 43

Жизнь Василия Яковлевича Ситникова, автора композиции «Без названия (Портрет без лица)» (1960-е) состояла из множества парадоксов, грустных и грубых, трагических и драматических, творческих и житейских. Родился в селе под Лебедянью — провел последние годы жизни и умер в Нью-Йорке; нигде живописи не учился (приехал в Ленинград поступать в Академию художеств, но экзамены сдавать не стал, во ВХУТЕМАС не приняли) — но работал художником-мультипликатором на «Мосфильме»; обучался лоции, навигации и судовождению… в Москве (конечно, Москва  — город пяти морей, но все же…); поступил на рабфак в Московский институт востоковедения — и работал в метро откатчиком вагонеток (успевая при этом лепить фигурки из глины); был человеком высокой культуры — и носил прозвище «Васька-фонарщик» (которым был обязан своей работе — демонстрации диапозитивов в Суриковском институте); строил модели парусных кораблей — и три года провел в Казанской психтюрьме (арестован по доносу, но признан душевнобольным); в 1944-м, выйдя из тюрьмы, перебивался случайными заработками — а в 1956-м его работы приобрел нью-йоркский Музей современного искусства (по данным svoykrug.com).

А еще он мечтал о «домашней академии», и первые ученики пришли к нему в 1951-м. В 1998-м вышла книга «Василий Ситников. Уроки», в которой составитель и редактор Зана Плавинская собрала воспоминания учеников и друзей Ситникова вместе с его «трактатом о рисунке и живописи» в письмах. В издании приводятся и подробности о «домашней академии»: «В доме Ситникова на Лубянке ученики с мольбертами работали на лестничных площадках, а Учитель, спускаясь из своей коммуналки, поправлял их работы, втолковывая живописную премудрость. Это происходило не в академических мастерских, а на заплёванной лестнице старого московского дома с бодлеровскими пятнами плесени на стенах, с помойными кошками под ногами» (tapirr.livejournal.com, art-story.com). «…Что такое рисунок? Как надо рисовать? Рисовать надо в уме. То есть я учу рисованию видением, воображением. Надо научиться рисовать — видеть не горизонт рисуемого предмета, а его перед. О линии надо забыть и даже не знать, что это такое. Как корова. Она не знает, что такое линия. Линии вообще-то и нет. Есть горизонт, то есть заворот на невидимую сторону. Перёд формы — вот ориентиры, а их может быть сколько угодно. …Вытравлять абсолютно все, кроме единственной заботы о форме и пространстве, и этому надо научиться прежде всего. А все остальное: и пропорции, и композиции, и ритм, и гармонии — все, все, все придет само собою…» (В. Ситников). Наша работа относится к доэмиграционному периоду, времени работы «домашней академии», с которой были тесно связаны художники Владимир Вейсберг, Владимир Яковлев, Юрий Ведерников, Мария Стерлигова, Александр Харитонов, Алена Кирцова, Владимир Титов и многие другие (по данным svoykrug.com).

ЯКОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934–1998) Женский портрет. Конец 1960-х — самое начало 1970-х
Бумага, угольный карандаш, акварель, белила. 43 × 30,2

Концом 1960-х — самым началом 1970-х эксперт датирует акварельный «Женский портрет» Владимира Игоревича Яковлева, относя его к циклу акварелей и гуашей, написанных в этот период. «Это не простой период в творчестве Яковлева, у которого начинают проявляться проблемы, связанные с его здоровьем: в это время он постепенно начинает терять зрение, ухудшается его психическое состояние, что сказывается на сюжетах его картин и их цветовой гамме, — отмечает эксперт. — Его портретные композиции полны драматизма, лица персонажей искажены гримасами, черты лица гипертрофированы. Но… “Женский портрет” скорее умиротворен, спокоен. Изображенный на нем женский образ погружен в себя, сосредоточен, задумчив. Цветовая акварельная гамма приглушена, сдержанна, изысканна».

«При всей, быть может, наивной душевной открытости личностного склада Яковлева это отнюдь не “наивный”, а раннезрелый, эстетически и профессионально искушенный мастер. Все его деформации для знающего взгляда выдают мастерство рисовальщика, владение композицией и тонко развитую культуру живописца, к тому же, как известно, осведомленного в истории искусства, в том числе по тем временам актуального.

<…>

Кажется, что Яковлев вышел к некоей высшей Простоте как особой форме изощренного артистизма, художественной маэстрии» (Сергей Кусков, art-critic-kuskov.com).

ЯНКИЛЕВСКИЙ Владимир Борисович (1938–2018) Без названия. Из цикла «Пространство переживаний». 1990
Бумага цветная, пастель. 50 × 65

К большому циклу «Пространство переживаний» принадлежит пастель «Без названия» (1990) Владимира Борисовича Янкилевского. По всей видимости, эта вещь относится к ряду работ, приобретенных в 1990 году в нью-йоркской студии художника легендарной Диной Верни и ее сыном Оливье Лорканом и в том же году экспонированных Галереей Дины Верни на персональной выставке «Владимир Янкилевский: Пастели» на ярмарке FIAC (Париж) и в стенах галереи.

НЕЙ (Удино-Нежданов) Александр (1939) Цветная абстрактная голова. 1994
Терракота, роспись. 21 × 15 × 16

Александр Ней представлен в каталоге «Цветной абстрактной головой» (1994), выполненной из терракоты. Она не из тех работ автора, что узнаются сразу, — в первую очередь вспоминаются ажурные, будто связанные крючком, а на самом деле выполненные путем ювелирной работы хирургическими и стоматологическими инструментами белые терракотовые биоморфные композиции: черепа, головы, птицы и пр. Наша «Голова…» — очередное воплощение одного из любимых мотивов мастера, восходящего к культуре шумеров, африканской скульптуре и даже древним наскальным рисункам. «Его керамика, в первую очередь загадочные терракоты, — украшение любой коллекции. Работы ленинградского художника, скульптора находятся в значительных частных собраниях “другого искусства”, в фондах и в экспозициях ведущих музеев страны.

Александр Ней (Нежданов) — представитель скорее тихого, метафизического направления в “другом искусстве”. Что его отличает? Самобытный язык, 100% узнаваемость скульптур с 1970-х годов, а также выбор тем, позволяющих просто довериться красоте и мысленно сбежать от повседневности. В отличие от многих представителей своего круга, художник концентрировался прежде всего на творческих задачах, а не на протестных. Отношения с системой он выяснил иначе, уехав из СССР… в 1972 году. За спиной остались опыт реставраторской работы в Эрмитаже, работа в качестве декоратора над киношедевром Козинцева «Король Лир». Но все это было очень давно» (forum.artinvestment.ru). В 2009-м в ГЦСИ состоялась обширная персональная выставка художника «В поисках смысла», где наряду с предметами из коллекции ГЦСИ и привезенными из-за океана сыном художника демонстрировались несколько работ из московских частных коллекций. Читайте об Александре Нее на AI: «Художник недели. Александр Ней».

Завершает каталог раздел работ современных художников.

ЧХАИДЗЕ Омар Валерьянович (1944) Ожидание. 1990
Холст на картоне, масло. 44,8 × 34,8

В своеобразной авторской манере написана тонкая абстрактная композиция Омара Валерьяновича Чхаидзе «Ожидание» (1990). Живопись художника лаконична во всем — в цвете, в графике, в деталях; и этот лаконизм подчеркивает как будто неземной характер композиции.

СКОПОВ Юрий Михайлович (1947) Ночное одиночество. 1998
Холст, масло. 74,3 × 49,2

Картина «Ночное одиночество» (1998) принадлежит кисти Юрия Михайловича Скопова, художника студии Элия Белютина «Новая реальность», участника студийных выставок, а впоследствии одного из организаторов группы «Авангардная абстракция». Сегодня произведения Юрия Скопова находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи (Москва), Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), Венгерской Национальной художественной галереи (Будапешт), в других музейных и частных собраниях.

КОРКОДЫМ Владимир Николаевич (1940) Сирень. 2016
Холст, масло. 85 × 99,5

Флоральный натюрморт «Сирень» (2016) написан Владимиром Николаевичем Коркодымом, о нем мы писали в нашей постоянной рубрике «Новые имена». «Я пишу картины, потому что не могу иначе, это стало потребностью, бесконечной мукой и радостью, смыслом жизни, частью меня самого», — говорит художник. Огромный букет сирени занимает почти все пространство картины лиловым облаком. Любой другой цветок можно разглядывать, отмечая для себя форму лепестков, изящество, красоту цветочной «личности». А сирень — это всегда букет, даже если перед нами всего одна веточка. И художник пишет его (при всей своей склонности к натурализму) отчасти в импрессионистической, размытой манере, чтобы зритель почувствовал авторское восприятие этой огромной красоты. Темный глиняный горшок отвечает за строгость и натюрмортность композиции, если угодно, приземляет цветы, говорит нам, что это все же постановка, а не абстрактное цветочное облако. «От своих учителей Владимир Николаевич перенял уважение к живописи московской школы в частности и русской классической традиции в целом, и интерес к изобразительным решениям предшествующих великих эпох — итальянского Ренессанса, барокко и Золотого века нидерландской живописи» (artinvestment.ru).

«Большое и важное место в творчестве Коркодыма занимают цветы. Они настоящее воплощение буйства и разнообразия жизни. Сколько оттенков, форм и ароматов! Искренняя любовь художника к цветам отражена в его замечательных композициях с букетами. Он сам выбирает, покупает, сажает семена и луковицы, ухаживает за ними. Садовые, полевые, луговые, лесные цветы — всё воплощает его талантливая кисть. В этих натюрмортах проявляется страстная душа автора, его темперамент, задор и колористическая смелость. И в этих работах в равной степени проявляются талант живописца, композитора картины и чувство юмора, с которым составлены многие холсты. Удачно поставленный натюрморт — половина успеха. В слишком “правильном” букете художник надламывает стебель, выдёргивает пучок, нарушая симметрию, бросает опавшие лепестки на первый план. Цветочные натюрморты Коркодыма — это признание в любви ко всему растительному миру нашей планеты» (Юлия Ануфриева).

И последнее замечание. Участники аукциона, конечно, заметили, что в каталоге сразу шесть работ — это театральная графика, очень разнообразная и очень красивая. Написанная художниками разных школ в разное время и к постановкам, чьи события разделены веками, — от «Бориса Годунова», действие которого разворачивается в самом начале XVII века, до цирковой «Наездницы» середины века двадцатого. Театральная графика — это и прошлое, и будущее. От коллекционера она требует глубоких знаний в самых разных областях — не только графических техник, но и истории, театра, литературы, костюма и прочих, которые не всегда можно себе вообразить. Коллекционированию театральных меморабилий положил начало А. А. Бахрушин, выставка, приуроченная к 155-летию которого, только что открылась в музее, созданном на основании его коллекции и носящем его имя. А мы планируем на одном из ближайших вебинаров поговорить о коллекционировании театральной графики с современными коллекционерами — продолжателями бахрушинских традиций.

Одновременно с нашим штатным 348-м AI Аукционом открыт 34-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство». Куратор аукциона искусствовед Екатерина Шмакова представляет работы скульпторов Наталии Вяткиной, Михаила Дронова, Pata (Пааты Мерабишвили), Кирилла Протопопова и Олега Цхурбаева.

Всем желаем удачи на 348-м AI-Аукционе и 34-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.