В каталоге 20 лотов: девять живописных работ, четыре листа оригинальной графики, пять работ в смешанной технике, одна фотография и один лот — серия фарфоровых тарелок

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 388 и 74-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 388-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 16 июля, в 12:00.

Русское искусство XIX — начала ХХ века

Неизвестный художник. Без названия (Дама в белом). Начало XIX века (?)
Бумага на холсте, пастель. 72,5 × 57 (овал)

Открывает каталог портрет молодой дамы в белом платье, украшенном волнами кружева и голубым бантом, работы неизвестного художника. Портрет, предположительно, датируется началом XIX века.

ДУБОВСКОЙ Николай Никанорович (1959–1918) Пейзаж с сараем. 1903
Холст, масло. 11 × 17,5

Николай Никанорович Дубовской — одна из крупнейших фигур в искусстве русского «пейзажа настроения». На протяжении фактически двадцати лет Дубовской был главным идейным вдохновителем Товарищества передвижных художественных выставок, оберегая его ценности в непростое для объединения время. Художник был глубоко убежден, что искусство должно быть неотделимо от этических принципов, которые в него вкладывали близкие Дубовскому народнические круги общества. Он говорил: «В искусстве много сторон, и чисто красочные разрешения нам тоже нужны, но что дороже: внешний лоск, который завтра же будет побит ещё более нарядной живописью, или внутреннее, духовное содержание вещи, которое навсегда останется ценным? Форма есть средство для воплощения идеи, а не главная цель».

Николай Дубовской родился в 1859 году в семье потомственного казака. В 1877 году в качестве пенсионера войска Донского поступил в класс пейзажной живописи ИАХ, учился у М. К. Клодта, удостоен нескольких поощрительных серебряных медалей. В 1882-м оставил Академию, не окончив курса.

Жил в Петербурге (Петрограде). Работал как пейзажист, реже занимался портретом. В 1890-х — 1900-х неоднократно совершал поездки на Дон, Азовское море, Волгу, на Кавказ. Летние месяцы часто проводил на этюдах в Силламяэ на Балтийском побережье. Много путешествовал по европейским странам, побывал в Италии, Греции, Турции, Швейцарии, Франции, Германии.

В 1898 «за известность на художественном поприще» был удостоен звания академика. С 1911 — профессор-руководитель пейзажной мастерской Высшего художественного училища живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ. С 1910 — действительный член Общества художников им. А. И. Куинджи. Один из организаторов Союза деятелей искусств Петрограда. Коллекционировал живопись и графику русских художников, свою большую коллекцию завещал родному городу Новочеркасску. Оставил большое творческое наследие.

Еще в 1890-е годы Дубовского ставили в один ряд со знаменитейшими пейзажистами его эпохи: И. К. Айвазовским, И. И. Шишкиным, В. Д. Поленовым, И. И. Левитаном. В 1900 году три произведения Николая Никаноровича («Штиль», «Вид монастыря», «К вечеру») участвовали в экспозиции Всемирной выставки в Париже и удостоились малой серебряной медали. А об успехе картины «Родина» (1900–1905), представленной на Всемирной выставке 1911 года в Риме, автору писал из столицы Италии восхищенный И. Е. Репин: «Ах, какая это вещь! Лучший пейзаж всей выставки, всемирной, римской! Вас, Николай Никанорович, я особенно поздравляю! Еще никогда Вы не были так великолепны и могущественны. Оригинальная, живая и красивейшая картина!!!» (artinvestment.ru).

П. М. Третьяков не раз приобретал произведения Дубовского в свое собрание, а картину «Притихло» в 1890 году прямо с XVIII Передвижной выставки приобрел император Александр III (теперь картина в Русском музее), а П. М. Третьяков попросил художника написать для его коллекции ее второй вариант.

Эксперт отмечает, что «характер изобразительного мотива и особенности его художественного решения сближают исследуемую работу с эталонными этюдами, созданными Н. Н. Дубовским летом 1903 года на даче в деревне Сиверской близ Петербурга и деревне Тюрсель близ Нарвы Этюды и натурные пейзажи 1903 года “Хутор”, “Сумерки в деревне”, “На краю деревни”, “Дача у реки. Тюрсель”, “Дача в Тюрселе” экспонировались на “Выставке произведений художника — академика Н. Н. Дубовского” (Государственный Русский музей, 1938). Большинство перечисленных этюдов принадлежало сыну художника, Сергею Николаевичу Дубовскому, и впоследствии было продано его наследниками в частные собрания Москвы и Ленинграда».

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Николай Дубовской».

Искусство художников Русского Зарубежья

БЕНУА Александр Николаевич (1870–1960) Версаль. Бассейн Нептуна. 1926
Бумага верже, акварель, белила, графитный карандаш, темпера. 29 × 41,2 (в свету)

Акварель «Версаль. Бассейн Нептуна» (1926) «относится, — пишет эксперт, — к блестящему циклу архитектурных пейзажей Александра Николаевича Бенуа, над которыми он работал в 1920–40-х годах. На этих небольших листах ему блестяще удается передать дух, обаяние и атмосферу города, будь то столичный Париж, парадный королевский Версаль или маленький курортный Кассис».

ПУНИ Иван Альбертович (1894–1956) Мост метро. 1929–1930
Холст, масло. 38,5 × 46

Небольшой холст «Мост метро» (1929–1930) создан кистью Ивана Альбертовича Пуни (1892–1956). Внук итальянского композитора и ученик Ильи Репина Иван Пуни покинул Россию в 27 лет, перейдя по льду из революционного Петрограда на другую сторону Финского залива, в имение отца. За спиной осталась бурная футуристическая молодость (знакомство и сотрудничество с братьями Бурлюками, Малевичем, Маяковским, Хлебниковым, Матюшиным, Клюном…), участие в выставках «Союза русской молодежи», «Бубнового валета», «Трамвай В», «0,10», художественное кредо «картина есть новая концепция абстрагированных реальных элементов, лишенная смысла», преподавание в петроградских ГХМ и Витебской художественной школе Шагала, оформление улиц к праздникам, работа на фарфоровом заводе, проектирование печати Совнаркома — и целая эпоха радикальных художественных новаций, эпоха становления русского авангарда.

«Личность Ивана Пуни необычайно симпатична, — пишет Дмитрий Сарабьянов. — Он не стремился поразить мир, как это делали другие петроградские и московские авангардисты, не пытался всюду быть первым, не выдвигал каких-то неосуществимых идей. Его увлечения никогда не доводили его до крайностей. В своем творчестве он полагался на интуицию, которая никогда его не подводила, но не забывал и о рациональном начале, находя между ними некое равновесие» (Дмитрий Сарабьянов, цит. по: magazineart.art).

В 1923 году Пуни поселился в Париже, где сблизился с ведущими европейскими мастерами — Ф. Леже, А. Марке, Дж. Северини. Во Франции прошел более чем 30-летний и самый плодотворный период творчества художника, на протяжении которого он создал более 1200 произведений.

В конце 1920-х — начале 1930-х годов, когда был написан «Мост метро», стиль художника претерпел значительные изменения. Пуни отказывается от ранних авангардистских экспериментов, возвращается к фигуративной живописи, закономерно тяготея при этом к достижениям французской школы живописи, в частности к постимпрессионизму. Он пишет много натюрмортов и натурных пейзажей с видами города, в которых общее колористическое решение отсылает к сдержанной цветовой гамме мастеров группы «Наби» (П. Боннар, Э. Вюйар и др.).

Пуни запечатлел вид на одну из безлюдных парижских улиц, которую пересекает горизонталь наземного метромоста. Палитра работы состоит из нежных оттенков розового и серого, сочетание которых гармонизирует общий цветовой строй картины. Холст написан динамичными мазками, в свободной манере, его фактура сохраняет все следы творческого процесса. Пуни эстетизирует технические сооружения, в частности делает акцент на ритмике ажурных конструкций моста, который является композиционным и смысловым центром работы. Написанный темными контурами, он выделяется на фоне общей приглушенной палитры. Вся улица погружена в мягкую дымку, в результате чего контуры изображаемых предметов становятся плавными и теряют резкость восприятия (Мария Беликова).

Работа «Мост метро» (1929–1930) неоднократно экспонирована, воспроизведена в выставочных каталогах и вошла в каталог-резоне художника.

ГОНЧАРОВА Наталия Сергеевна (1881–1962) Маха. Эскиз костюма к балету «Гойески» на музыку Э. Гранадоса. 1940
Бумага, графитный карандаш, гуашь. 32,5 × 25

Очередной блестящий пример авторской театральной графики представляет эскиз костюма Махи к балету «Гойески» на музыку Э. Гранадоса (1940) работы Наталии Сергеевны Гончаровой.

«Испанская тема — своеобразная визитная карточка Натальи Гончаровой, — пишет эксперт. — На протяжении всего парижского периода Гончарова неоднократно исполняла эскизы декораций и костюмов на испанский сюжет. Балет “Гойески” (Capriccios Goyesque) одна из наиболее интересных работ Гончаровой 1930–40-х годов». Характеризуя общий настрой гончаровской работы над балетом «Гойески», эксперт отмечает, что «обращаясь к оформлению балета, Гончарова вслед за композитором ищет вдохновение в творчестве Ф. Гойи. Она стремится не к стилизации, а к передаче в сценическом оформлении атмосферы гойевских полотен. Как художник, она воспринимает и ощущает Испанию XVIII века как бы сквозь призму искусства Гойи. Образ рыжеволосой махи кажется сошедшим с гойевских живописных картонов с изображением сцен народных праздников».

Искусство ХХ века

ЗДАНЕВИЧ Кирилл Михайлович (1892–1969) Tiflis-Vale. 1910-е
Бумага тряпичная Arches, цветная бумага, тушь, графитный карандаш, коллаж из авторских рисунков. 56,5 × 75

Кирилл Зданевич — живописец, график, писатель, который открыл и популяризировал творчество грузинского художника Нико Пиросмани. Вместе с братом Ильей Зданевичем он стоял у истоков зарождения и формирования русского авангарда.

Десятые годы прошлого века, которыми эксперты датируют Tiflis-Vale, отмечены в биографии Зданевича активными творческими поисками и наполнены множеством событий. В частности, эти десять лет художник жил между Москвой, Петербургом, Тифлисом и Парижем. Сблизившись с ключевыми фигурами отечественного искусства — М. Ларионовым, Н. Гончаровой, М. Ле Дантю и др., он принял участие в знаковых выставках русского авангарда «Ослиный хвост» (1912), «Мишень» (1913), «№ 4» (1914). В 1914-м Зданевич был призван на военную службу, а после демобилизации снова жил в Тифлисе.

Название работы отсылает к родине художника — Грузии, в частности к городам Тифлису (ныне Тбилиси) и Вале (небольшое поселение в юго-западной части страны). Этот коллаж создан, вероятно, на основе зарисовок Зданевича, выполненных им во время путешествия по стране, и концептуально отсылает к эстетике альбомов-воспоминаний. Абстрактный геометрический фон сформирован из крупных бумажных прямоугольников золотистого и черного цвета, дополненных маленькими квадратами и треугольником лилового цвета. Из лиловой бумаги вырезано название самой работы, включенное в композицию, а также авторская подпись-монограмма KZ. Эти бумажные аппликации во многом напоминают иллюстрации, созданные Зданевичем для оформления книг его друзей — поэтов-футуристов А. Кручёных и В. Каменского.

На этом абстрактном фоне художник располагает под разными углами семь графических зарисовок, шесть из которых черно-белые, а одна цветная. «Сознательно упрощая формы, он довел фигуративное изображение до обобщения. Основным средством его изобразительного языка являлись штрихи и линия», — пишет Н. Шервашидзе о стилистике Зданевича 1910-х годов (Грузинский авангард: 1900–1930-е. Каталог выставки в ГМИИ им. А. С. Пушкина. М., 2015. С. 182). Среди этих работ можно обнаружить четыре натюрморта, на которых изображены традиционные для этого жанра атрибуты — ваза с цветами, посуда, поднос, книга, фрукты. Подобные зарисовки Зданевич переводил часто в станковый формат, создавая картины со схожими композиционными схемами и упрощенной трактовкой форм. Два оставшихся пейзажа выполнены в технике быстрого рисунка, динамичными линиями, которые дополняют общую энергию листа. Деревья, дома, холмы здесь условно прорисованы, предельно обобщены и сведены к знакам. Смещенные с центральной оси, они вывернуты в разные стороны. Цветной рисунок в оранжево-желтой гамме отсылает к эстетике уличных вывесок, в чем ощущается, несомненно, влияние Ларионова и художников его круга, также заимствовавших в своих работах черты народного творчества. Зданевич создает погрудное изображение мужского персонажа с утрированно длинными пальцами рук (возможно, это ироничный автопортрет), под которым располагается шутливая надпись-реклама «маникюр Кирилла Зд», что привносит в работу нотки юмора и сводит на нет любые попытки с академической серьезностью воспринимать посыл этого произведения. Этот коллаж прекрасно отражает эксперименты Зданевича 1910-х годов по обновлению средств художественной выразительности и обретению свободы в построении форм и организации пространства (Мария Беликова).

Судя по надписи на обороте, работа находилась в собрании почетного члена РАХ, искусствоведа и коллекционера Петра Сергеевича Навашина, внука первой жены Зданевича В. В. Валишевской.

«Коллаж К. М. Зданевича “Tiflis-Vale” представляет большую редкость и как памятник истории и культуры русского футуризма имеет музейное значение», — отмечает эксперт.

КАЛМЫКОВ Сергей Иванович (1891–1967) Абстрактная композиция. 25 ноября 1942
Холст на картоне, масло. 89 × 44

Кисти удивительного художника Сергея Ивановича Калмыкова (1891–1967, не путать с Николаем Калмаковым) принадлежит «Абстрактная композиция» (1942). Его биография — это история с мистическими поворотами: «купание красного коня», талант, едва не похороненный в провинции, юродство, конец в психиатрической больнице, забвение, неожиданное новое открытие, публикации, альбомы...

Несколько лет назад мы впервые выставили на аукционе AI его работу, сопроводив ее рассказом об авторе. Цитируем несколько фрагментов из той публикации:

По свидетельству самого Калмыкова, именно его мы видим на переднем плане в «Купании красного коня» Петрова-Водкина, его учителя. В одном из источников приводится следующее напоминание Калмыкова: «К сведению будущих составителей моей монографии. На красном коне наш милейший Кузьма Сергеевич изобразил меня. Да! В образе томного юноши на этом знамени изображен я собственной персоной. Только ноги коротки от бедра. У меня в жизни длиннее».

Есть сведения, что еще за два года до петров-водкинского коня он написал свою картину «Купание красных коней» — вещь похожей идеи, которая подвигла опытного наставника на воплощение своего самого известного сюжета.

В круговороте революционных событий и последующей расправы со старым искусством Калмыкова уберегло то, что он держался подальше от столиц. В 1918 году уехал в Оренбург, а потом, в 1935-м, переселился в Казахскую ССР, в Алма-Ату, где зарабатывал на жизнь как художник театра. С одной стороны, подальше от царей — голова будет целей. С другой стороны, жизнь в тихой провинции — это немалый риск если не выпасть совсем, то надолго потеряться для истории искусства. И в общем-то, удача, что Калмыкова фактически заново открыли в начале 2000-х, спустя 35 лет после смерти.

Исследователь творчества художника Давид Маркиш рассказывал, что Калмыков при жизни почти не продавал своих работ (вспоминаются Шварцман и Филонов). Чаще дарил. При этом работ он создал довольно много. Часть его картин и рисунков попала в случайные руки после смерти художника (подарки медсестрам и т. д.). Но все же значительная часть наследия была передана главврачом последнего в его жизни медучреждения в нынешний Государственный музей искусств Казахстана имени А. Кастеева. В России работы Калмыкова хранятся в Русском музее и ГМИИ им. А. С. Пушкина.

Последние годы Калмыков жил в амплуа городского сумасшедшего. Он говорил: «Обыватели представляют себе гения, наверное, так. Это величайшие оклады. Популярность. Растущая слава, деньги. Мы же, скромные профессиональные гении, знаем: гений — это изорванные брюки. Это худые носки. Это изношенное пальто». Экстравагантный седовласый старик в расписанных акварелью штанах, в бескозырке без лент с красным верхом, в желтом, с вечной холщовой сумкой, питающийся только хлебом и молоком, — вот образ, в котором Калмыкова запомнили жители казахской столицы. Что это было, притворство или стадия заболевания, доподлинно неизвестно.

Калмыков умер от воспаления легких в психиатрической больнице. В последние годы жизни художник в своей аскезе довел себя до истощения (artinvestment.ru).

С 1935-го и вплоть до своей смерти в 1967-м Калмыков безвыездно жил в Алма-Ате, где много лет проработал декоратором в театре оперы и балета. Там он создал огромное количество произведений — около полутора тысяч. Их стиль современные искусствоведы определяют как сочетание экспрессионизма и сюрреализма, хотя многие исследователи считают, что позднего Калмыкова нельзя причислить к какому-либо художественному течению — его творчество уникально (kulturologia.ru).

КОМАРДЁНКОВ Василий Петрович (1897–1973) Лист из серии «Русская сказочная архитектура». 1960-е
Бумага, акварель, восковые мелки, графитный карандаш. 59,3 × 42

1960-ми годами датируется забавный рисунок — лист из серии «Русская сказочная архитектура» Василия Петровича Комардёнкова. Рисунок сопровождается подтверждением сына художника.

ВИНОГРАДОВ Леонид Николаевич (1938–2021) Натюрморт с цветами. 1986
Холст, масло. 59 × 78,3

Любовью к жизни и радостным ее восприятием вдохновлены все произведения Леонида Николаевича Виноградова, в том числе, конечно, наш сегодняшний «Натюрморт с цветами» (1986).

«Люблю вставать рано утром, стараясь уловить пробуждение природы, чтобы открыть впечатления от ее красоты и мудрости, — писал Леонид Виноградов. — <…> Для меня родная природа является основным источником вдохновения. Даже зимой, в лютую стужу заставляю себя работать “на натуре”. И, как часто бывает, этот процесс начинает меня согревать, а иногда становится даже жарко. Надеюсь, что мои работы также способны согреть душу зрителя. Во всяком случае, я всегда старался работать честно и за свой многолетний труд мне не стыдно».

«Колорист божьей милостью, он пишет не отвлеченное, условно декоративное пространство, а живую среду, рожденную переменчивой игрой света и воздуха, такой разной в каждое время суток… В серьезном подходе этого незаурядного автора к художественным проблемам живописи — залог дальнейшего углубления решаемых им в искусстве задач» (С. М. Иваницкий, ГТГ).

«Виноградов обладает редким даром колориста. Но он обладает также даром видеть действительность в солнечном свете. И даже заброшенный деревенский дом — это повод для создания цветовой гармонии в зеленом и серо-голубом.

Неискушенный зритель радуется сходству, яркости красок природного мотива, не замечая тех сложных живописных преобразований, которые совершает художник. Виноградов развоплощает реальный ландшафт, раскладывая его в калейдоскоп сияющих цветов, чтобы потом снова собрать его в колористическую композицию, несущую одновременно и иллюзию жизнеподобия, и эмоциональный заряд чистой радости бытия» (А. Ю. Чудецкая, кандидат искусствоведения, научный сотрудник ГМИИ им. А. С. Пушкина).

Леонид Виноградов — заслуженный художник РФ. Его работы находятся в собрании Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), Костромского историко-архитектурного и художественного музея-заповедника, Новосибирского государственного художественного музея, Тульского областного художественного музея, Ярославского художественного музея, в отечественных и зарубежных частных коллекциях.

Творчество шестидесятников

БЕЛЕНОК Петр Иванович (1938–1991) Стихия. 1975
Бумага на оргалите, масло, тушь, коллаж. 70 × 100

В 1967 году выпускник киевского института Петр Иванович Беленок, успешный и обласканный властями скульптор в украинском городе Ровно, автор памятников вождям и героям и обладатель собственной мастерской и штата помощников, променял радужные перспективы на подвальную московскую мастерскую, снова ненавистные памятники вождям, жизнь впроголодь, неустроенность, депрессии, залитые алкоголем, полную нестабильность и случайные заработки в статусе неофициального художника.

Это уже потом были резонансные выставки в кафе «Синяя птица», павильон «Пчеловодство» и «Дом культуры» на ВДНХ, горкомовские выставки «Двадцатки» (в одной группе со Снегуром, Файбисовичем, Харитоновым, Худяковым и др.). Потом — западные музеи, многочисленные зарубежные выставки неофициального русского искусства, в том числе проекты глезеровского передвижного «Музея современного русского искусства в изгнании». И конечно, работы в «Другом искусстве» в Третьяковке и в Русском музее.

Вот, что пишет о Белиноке (через «и», но это в те времена, когда и Кабакова многие знали как Толю, а не Илью) художник-шестидесятник Анатолий Брусиловский в своей знаменитой книге «Студия»:

«Для заработка он ваял “Ильичей”, а для души писал абстракции с включением коллажа — несущиеся в вихре фигурки людей, то ли гибнущие в шквале стихий, то ли спасающиеся бегством. Экспрессивные черно-белые абстракции вызывали сильное ощущение конца света… В подвальной мастерской (очевидно, бывшей котельной) стояли грузные, еще недоделанные идолы “Лениных” — источник заработка, средств для существования для семьи. Среди них — контрастом — Петины почти монохромные большие работы. Он нашел свою запоминающуюся манеру и тему, психологически очень созвучную тогдашнему нашему настроению. Я предложил Пете назвать свое направление — катастрофизмом… Его кумиром был французский художник более старшего поколения Анри Мишо, которого он переименовал на украинский лад: Андрiй Мiшок! Что-то созвучное было у них, какие-то стыки пластического языка. Но, разумеется, Белинок был целиком самобытен… “А как Андрэ Бретон? А Ив Танги! А помнишь у Дельво? Тристан Тцара писал по этому поводу…” А вокруг серые цементные глыбы истуканов вождя немо прислушивались к диковинным именам. Сюрреализм!» (artinvestment.ru).

Один из ключевых неофициальных художников и создатель уникального «панического реализма» (к слову, название авторское и шуточное), он умер в 1991-м в бедности и полузабвении. Сегодня работы Беленока продаются на аукционах и в галереях, входят в значимые музейные и частные собрания, пользуются популярностью у знающих и умных коллекционеров. Их увозили на Запад, они есть на аукционах в Лондоне и Нью-Йорке. Они пока еще доступны на рынке, но на фоне роста интереса к нонконформистам вскоре, возможно, останется только сожалеть о сегодняшней недальновидности.

Композиция «Стихия» (1975) типичное для творчества Петра Ивановича Беленока «1970–90-х годов произведение, исполненное в придуманной им живописной системе, сочетающей вырезанные из журналов фотографии, которые он органично и остроумно включает в свои экспрессивно и мощно написанные абстрактные вещи», — пишет эксперт.

«Из картины в картину переходит мотив катастрофического космического явления, несоизмеримого с человечками, захваченными его волной, которые его либо созерцают, либо убегают от него в панике. Художник выступает в качестве демиурга, каждый раз ставящего своих героев в крайне неудобное положение, подвергающего созданный им мир встряскам, взрывам и почти что гибели» (Катерина Зайцева, mmoma.ru).

В «Стихии» нет зонирования на укоренившиеся в более поздних, композиционно лаконичных работах бо́льшую верхнюю и меньшую нижнюю зоны, но человечек уже отделен от некоего абстрактного зла: черной тушью художник ограничивает прямоугольное пространство и помещает туда белые абстрактные фигуры — сгустки мощной энергии. Эти сверхсубстанции написаны ташистскими взмахами кисти и, возможно, уже после «кропотливой работы по расположению фигур в нижнем ярусе картины. Получившаяся фигура являла собой живопись в чистом виде, её стихийная беспредметность резко контрастировала с реалистичной составляющей картины, в результате чего возникал эффект “вторжения иного мира”» (mmoma.ru).

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Пётр Беленок».

ХАРИТОНОВ Александр Васильевич (1931–1993) «Унылая пора, очей очарованье». А.С. Пушкин. 1980
Холст, масло. 30 × 34,8

От мастерской художника прослеживается провенанс холста «“Унылая пора, очей очарованье”. А. С. Пушкин» (1980) Александра Васильевича Харитонова. С 1980-х годов работа хранилась в одном собрании — художников Галины и Валентина Караваевых. Известные карикатуристы и мультипликаторы Караваевы дружили с Харитоновым много лет, покупали его работы, получали их в подарок от автора.

«Не люблю необычные, томные “левитановские” места, — писал Харитонов в одном из писем. — Нужно писать все обыкновенное, то, что видят каждый день, и делать это необыкновенным»(цит. по: newtimes.ru).

Харитонов сначала писал сюжет крупными мазками, причем без подготовки и карандашного наброска, потом использовал кисточки все меньшего и меньшего размера. Иногда таким образом он накладывал до 40 слоев красок, достигая переливчатого свечения и мерцания законченных холстов. «Моя живопись, — писал Александр Харитонов в конце жизни, — зиждется на трех китах: византийская иконопись, древнерусская иконопись и церковная вышивка драгоценными камнями, жемчугом, бисером. Моими учителями были Достоевский, Гоголь, Саврасов, Флоренский и Моцарт» (цит. по: newtimes.ru). Именно к древним техникам церковной вышивки, а вовсе не к пуантилизму, с которым нередко сравнивают манеру художника, напрямую отсылают нас его филигранные работы.

Этот пейзаж синтезирует традиции нескольких направлений отечественной истории искусства. С одной стороны, перед нами панорама с характерными видами средней полосы России, отсылающая к лирической пейзажной живописи в духе Саврасова, одного из любимых художников Харитонова. Ощущение бескрайности просторов русской природы передано за счет расширения пространственных рамок композиции, что придает пейзажу «эпическую широту», характерную и для многих саврасовских полотен. С другой стороны, общее колористическое решение работы — мерцающая серебристо-голубая дымка, покрывающая всю поверхность картины, и приглушенная палитра отсылают к произведениям русских художников круга «Голубой розы». Примечательно, что большую часть произведения занимает безграничное небесное пространство, переданное художником при помощи мельчайших тональных градаций. Несмотря на то, что в работе отсутствуют религиозные образы, часто встречающиеся в подобных картинах Харитонова (ангелы, святые), его пристальное внимание к изображению «мира горнего», вносит в полотно космическое измерение, расширяя таким образом жанровые рамки произведения вплоть до возможности его религиозно-философского прочтения и позволяя двигаться в его восприятии от пейзажа к картине всего мироздания (Мария Беликова).

СВЕШНИКОВ Борис Петрович (1927–1998) Последний поезд. 1991
Холст, масло. 70 × 80

Холст «Последний поезд» (1991) Бориса Петровича Свешникова поражает тщательностью и точностью исполнения, в нем в полной мере отражается свешниковский взгляд на мир. Своеобразную «мозаичность» графики и картин Свешникова, в частности холста «Последний поезд», проще всего рассматривать как некий графический прием, но если бы эти холсты и рисунки можно было бы увеличить так, чтобы проявился каждый кусочек «мозаики», — стало бы понятно, что составлена она из черепов (отдельные черепа «мозаики» художник прописывает, от кого-то остаются только глаза, а кто-то предстает в виде пустой геометрической фигуры), как будто ушедшие люди присутствуют среди живущих. Густая «населенность» работ Свешникова странным образом сближает его с Гоголем, с огромным количеством им поименованных и безымянных, живых и умерших персонажей, которые, раз мелькнув, навсегда исчезают из поля зрения читателя («тридцать пять тысяч одних курьеров» чего стоят!).

Восемь лет, проведенных в лагере, куда 19-летний студент Свешников попал в 1946-м по абсурдному обвинению и где чудом выжил, сильно подорвали здоровье и наложили неизгладимый след на всю его дальнейшую жизнь и творчество.

Очень часто его работы написаны на мрачные сюжеты: боль, несчастья, повешенные, люди с искаженными лицами — вот распространенные нездоровые образы страдавшего душевным недугом художника, которые, как и разнообразная символика смерти, наполняющая его работы, уходят корнями в его лагерное прошлое (artinvestment.ru).

Работам Свешникова свойственно «сочетание мелких фигур со вселенским масштабом композиции, смешение подмеченного в жизни и фантастического, современных реалий и образов прошлого, сложное пространственно-временное построение композиций, где не по законам логики, а скорее, в соответствии с логикой сна или видения трансформируются мотивы и образы. Частные вопросы, заданные в каждой отдельной сцене, при всем их многообразии и алогичном сочетании, подчинены, как правило, главным темам творчества художника — вездесущей смерти и абсурдности жизни. Свешникову удается мастерски увязать земное измерение, без которого обращение к этим темам невозможно, с вневременным характером целого» (Оксана Воронина, mmoma.ru).

«Художником очень хорошим, тонким, несколько неотмирным, как могло показаться кому-то, но на самом-то деле просто преображавшим явь по-своему, и видения создававшим на фоне страшной действительности советской, в живописи и в графике, лаконичной и удивительно тонкой, трепетной, точной, волшебной» назвал Бориса Свешникова Владимир Алейников (svpressa.ru).

КРОПИВНИЦКИЙ Лев Евгеньевич (1922–1994) Процветший жезл. 1992
Холст, масло. 169,5 × 89,2

К поздней серии полотен на библейскую тематику относится холст «Процветший жезл» (1992) Льва Евгеньевича Кропивницкого.

«Лев Кропивницкий. Художник. Авангардный, конечно. Иначе, наверно, и быть не могло. В молодости — нахлебался горя, сидел в лагерях, вместе с другом своим… Борисом Свешниковым. Испытаний разнообразных в жизни Льва Кропивницкого было предостаточно, даже с избытком. Сын Евгения Леонидовича, он и путь в искусстве избрал себе — непростой. Но — творческий. То есть — в непрерывном движении, в поиске ритмов, образов, красок, форм, новых способов и возможностей выражения мыслей, чувств, дерзких замыслов, смелых решений живописных, графической резкости в каждой линии, грубоватости, первобытной какой-то, и всё-таки, вместе с тем, элегантности, даже, я сказал бы, хорошей изысканности в том, что он создавал годами терпеливо, сосредоточенно, как и надо, впрочем, художнику настоящему в жизни…» (Владимир Алейников, svpressa.ru).

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Лев Кропивницкий».

ЯНКИЛЕВСКИЙ Владимир Борисович (1938–2018) Психоанализ Афродиты. Серия из шести тарелок. Мейсен, Германия, 2000-е. По эскизам 2003–2004
Фарфор, ручная роспись. Ø 31

Не датирована, но выполнена, предположительно, в середине 2000-х серия из шести фарфоровых тарелок «Психоанализ Афродиты» Владимира Борисовича Янкилевского, вручную расписанная в Германии по авторским эскизам 2003–2004 годов.

ВЕЧТОМОВ Николай Евгеньевич (1923–2007) Без названия
Бумага, тушь, акварель. 77 × 99

Не датирована метровая (!) акварель «Без названия» Николая Евгеньевича Вечтомова.

«Николай Вечтомов — один из немногих представителей советского неофициального круга художников, к которому правомерно может быть применим термин “сюрреалист”. Входил в “Лианозовскую группу” вместе со Львом Кропивницким, Оскаром Рабиным, Лидией Мастерковой, Владимиром Немухиным и другими. Начав с натурных композиций, через эксперименты абстрактного экспрессионизма в конце 1950-х годов, пришел к характерным для дальнейшего его творчества беспредметным композициям — фрагментам альтернативной реальности» (Сергей Попов, pop/off/art).

В творчестве Николая Вечтомова арт-критик Сергей Кусков в первую очередь отмечал, что «здесь конкретика природных и вообще земных реалий и впечатлений во многом абстрагируется, очищаясь от излишних деталей, от всякой будничности и локально конкретно узнаваемых примет знакомого повседневного окружения, обретая тем самым загадочную странность, парадоксальность, возвышенную отрешенность и специфический космизм звучания.

<…>

Присущие душевному складу нашего художника романтические устремления побуждают его искать именно все редкостное, экстраординарное, загадочно-волнующее или магично-мистическое в познаваемом им мире и, обнаружив такие мотивы или источники вдохновения, заострять, усиливать акцентировать “выпадение” их инаковости относительно всего обыденного, буднично-привычного. Данная ситуация проявляется уже на уровне формально-стилевом, когда, например, художник либо подводит в основе своей конкретно-изобразительные мотивы к границе Абстракции, либо уподобляет свои жизненные наблюдения каким-то сюрреалистическим или “метафизическим” живописным видениям, или обнаруживает и усиливает в них подобно некоей инопланетной реальности, хотя на самом деле подобное видимое в сущности возможно и здесь — на земле, но лишь в исключительных, измененных состояниях реальности» (art-critic-kuskov.com).

КУПЕР Юрий Леонидович (1940) Цветы
Металл, газетная вырезка, коллаж, смешанная техника. 68,5 × 97

Мы уже видели портрет благородного, полного достоинства ириса и целую галерею портретов тюльпанов, созданных на разных материалах в уникальной авторской технике Юрия Леонидовича Купера. Героями сегодняшней работы автор избрал совсем скромные цветы, наивные, трогательные, изящные в своей простоте.

Читайте об авторе на AI: «Интервью с художником и поэтом Юрием Купером».

Творчество современных художников

КЛАВИХО-ТЕЛЕПНЁВ Владимир (1962) Маска. Из серии «Sensuality/Чувственность». 2003
Бумага, фотопечать. 80,4 × 55,8

К серии «Sensuality/Чувственность» мастера российской фотографии Владимира Клавихо-Телепнёва относится «Маска» (2003).

«Концепция проекта Владимира Клавихо-Телепнёва состоит в том, что чувственность в изображении женского тела противопоставляется здесь фотографом откровенной сексуальности. В современной фотографии существуют два основных подхода к изображению обнаженной натуры: провокативная сексуальность и отстраненное восприятие пластической формы, причем в общих тенденциях фотосъемки обнаженного тела в последние годы все более доминируют агрессивные подходы. Например, женщины снимаются скрытой камерой в постели, в ванной и т. д.

Характерная черта фотосерии “Чувственность” состоит в отказе от палитры ярких красок, в сознательном ограничении себя в выборе выразительных средств. Все персонажи изображаются сидящими к зрителю спиной, а расшифровка чувственного образа идет через тонкую линию силуэта, пластику женского тела и некоторые детали натюрморта.

Если в проекте “Кинодивы” портреты представлены в виде определенного киносимвола, то проект Sensuality — это своего рода киноафиша, посвященная чувственности. В портретах используются элементы натюрморта, которые помогают раскрытию образа: женская спина, сидящий рядом ребенок и цветы, рука с ниткой жемчуга на раскрытой книге, ветка с зимними ягодами на фоне ажурной, вышитой деревенской ткани.

В серии “Чувственность” представлены выразительные, запоминающиеся образы красивых молодых женщин. Среди героинь — девушка в карнавальной маске с дорогими украшениями на руке как символ искушения, молодая женщина с ребенком как образ раннего материнства, девушка с книгой, вызывающая ассоциации с известными образами классической русской литературы.

Все работы выполнены в технике монохромной фотографии с использованием сложных нюансов цветовых оттенков» (clavijo.ru).

НЕСТЕРОВА Наталия Игоревна (1944) Акведук. 2017
Холст, масло. 80 × 100

«Я часто пишу людей, у которых не видно лиц. Картина не должна все рассказывать. Что-то должно быть скрыто, иначе не интересно» (portal-kultura.ru), — говорит Наталия Игоревна Нестерова, автор холста «Акведук» (2017), где мы видим лица в профиль сразу двух персонажей. Значит, загадка кроется в чем-то ином…

«Акведук» (2017) буквально затягивает взгляд в пространство картины, наполненное планами, фигурами, деталями, сюжетами. Но главное в этом холсте — движение. Нестерова вообще не сторонник «застывших форм», но в этой работе движется всё, люди, собаки, струи воды, развевающиеся полы одежды, деревья, куст, цветы на клумбах. Это движение подчеркивается и одновременно гармонизируется строгим, неярким и исключительно благородным колористическим решением картины. Пожалуй, единственная статичная деталь холста — фрагмент акведука, но он, при всей своей неподвижности, вовлечен в поток окружающей жизни, ему не страшно время: он — настоящий и потому, несмотря на свой возраст, с полным основанием присутствует в дне сегодняшнем.

ГИНТОВТ Алексей Юрьевич (1965) Гагарин. 2020
Холст, трафарет, офсетная краска, лак, поталь. 99,7 × 149,7

В авторской технике выполнена композиция «Гагарин» (2020) Алексея Юрьевича Гинтовта.

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Magenta. 2021
Холст, масло. 100 × 80

Холст Magenta (2021) Люси Вороновой — пример авторской работы самого последнего времени. Начав с экспериментов в текстиле, Люся много лет искала то, что ныне составляет ее художнический язык: находила, оставляла, возвращалась, развивая и совершенствуя. В результате сегодня она оперирует флоральными элементами и цветом, геометрическими фигурами, сложными структурами — огромным, разнообразным и гармоничным инструментарием, который близок ее душе и предоставляет ей свободу и огромные возможности для дальнейших творческих поисков. Манера художника далека от стилизации — она естественным образом вырастает из декоративно-прикладного искусства, лубка и близка его природе. 

Мозаичный стиль в сегодняшних работах Люси Вороновой — это новый взгляд в будущее; он уходит корнями в 1970-е, в работу с гобеленами. «“Клетчатый” паттерн, который она нашла тогда, не прижился на холсте и на много лет ушел из ее работ. В последних картинах, буквально сейчас, он возвращается — обновленным и с громадным потенциалом развития и совершенствования. Люся увлечена им всерьез, настолько, что, я думаю, в ее художническом языке он очень скоро займет то же место, какое занимает “личина” у Целкова, карта у Немухина или ташистская сущность у Беленока» (Георгий Воронов).

Новые работы в мозаичной стилистике до 22 августа экспонируются на персональной выставке художника «Люся Воронова. Мозаичность» в Omelchenko Gallery (Москва).

Одновременно с нашим штатным 388-м AI Аукционом открыт 74-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Галины Быстрицкой, Дианы Воубы, Наталии Вяткиной, Анатолия Горяинова, Дубосарского и Виноградова, Галины Дулькиной, Ильи Евдокимова, Николая Иванова, Ильи Комова, Ирины Корсаковой, Андрея Криволапова, Юлии Мамонтовой, Леонида Ракова.

Всем желаем удачи на 388-м AI-Аукционе и 74-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.