Открыты 365-е торги AI Аукциона и 51-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   02 февраля 2021

В каталоге 30 лотов: 20 живописных работ, 1 лист оригинальной и 3 — печатной графики, 2 скульптуры, 1 икона, 1 фарфоровый сервиз, 1 эмаль, 1 работа, выполненная цифровой печатью

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 365 и 51-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 365-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 51-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 5 февраля, в 12:00.

Каталог открывает икона святителя Григория Богослова XVII века.

Икона «Святитель Григорий Богослов». Русский Север. XVII век
Дерево, левкас, темпера. 82,3 × 36

Святитель Григорий Богослов — один из трех Вселенских святителей. Память Григория Богослова совершается 7 февраля (25 января по старому стилю) и 12 февраля (30 января по старому стилю) в Соборе трех святителей.

Отец Церкви Григорий Богослов, воспитанный в христианских традициях, был другом и однодумом святителя Василия Великого, одно время общался с Юлианом, ставшим императором, отступником и ярым гонителем христианства.

• В возрасте 26 лет Григорий принимает крещение, много времени проводит в Пустыни Василия Великого, но по просьбе престарелого отца возвращается домой и рукополагается в сан пресвитера.
• Служение в качестве священника не приносит удовлетворения святителю. Он постоянно уединяется в Пустынь для исследования Писания и общения с Богом. Там он создает свои уникальные рукописи, не утратившие актуальности и в XXI столетии.
• Его проповеди собирают тысячи христиан.
• Рукоположенный в сан архиепископа Константинополя Григорий Великий ведет ярую борьбу с арианами, защищая основы православной веры, за что терпит преследования и гонения.
• Будучи архиепископом Константинополя, он отказывается от кафедры и удаляется в пустынное место для написания своих бессмертных посланий миру (molitva-info.ru).

Святитель Григорий Богослов оставил после себя богатое литературное наследие, состоящее из 245 писем, 507 стихотворений и 45 «Слов». Вместе с Василием Великим и Григорием Нисским он вошел в число так называемых «Великих каппадокийцев» — величайших православных богословов и святых отцов Церкви (foma.ru).

За свои замечательные богословские творения св. Григорий получил от Церкви почетное наименование Богослова и вселенского учителя, а за способность проникать мыслью до самых глубоких тайн веры и выражать непостижимые ее истины с прозрачной ясностью и строгой точностью Церковь в одной из молитв называет его умом самым высоким. Проповеди его насыщены такой поэзией, что многие фразы из них были использованы (св. Иоанном Дамаскиным и другими) для праздничных песнопений (pravmir.ru).

Перед иконой Григория Богослова молятся обо всем, что тревожит, но в особенности:

• об укреплении веры;
• об указании на путь истинный;
• о помощи в молитвах к Господу;
• об исцелении души грешной;
• о помощи в новых начинаниях.

Григорий Богослов помогает людям, занимающимся строительством, и тем, кто переезжает жить на новое место (dailyhoro.ru).

Целая россыпь прекрасных пейзажей представлена в разделе произведений XIX — начала ХХ века.

МАТВЕЕВ Фёдор Михайлович (1758–1826) Вид в окрестностях Неаполя. Первая четверть XIX века
Холст, масло. 69,7 × 97

Первой четвертью XIX века датируют эксперты почти метровый пейзаж «Вид в окрестностях Неаполя» Фёдора Михайловича Матвеева — одного из основоположников русской пейзажной школы и наиболее значительных мастеров классицистического пейзажа. Созданные им виды Италии отразили идеалы эпохи, когда ландшафтный образ требовал вдумчивого отношения и строго вкуса не только от художника, но и от зрителя, и принесли автору европейскую известность.

Творчество Фёдора Матвеева, признанное современниками, пережило эпоху забвения — его произведения долгое время считались далекими от действительности и лишенными подлинного чувства, но, как и само классическое искусство, они сохранили свою притягательность до наших дней, оказавшись неподвластными моде и времени.

В биографии Фёдора Михайловича Матвеева часто встречается слово «первый». Сын солдата лейб-гвардии Измайловского полка, в 1764 Матвеев был принят в первый набор Воспитательного училища ИАХ. По-видимому, с 1776-го учился в ландшафтном классе у С. Ф. Щедрина. В 1776 по решению президента Академии был «отпущен на несколько месяцев к итальянскому художнику театральных декораций, находящемуся при обществе благородных девиц, для обучения этому художеству». В 1778 за картину по программе «представить под горою близ реки пастухов, пасущих скот» был награжден большой золотой медалью и правом пенсионерской поездки за границу. Был первым выпускником ИАХ, получившим большую золотую медаль по ландшафтному классу.

С 1779 в качестве пенсионера ИАХ жил в Риме, в начале 1780-х пользовался советами немецкого пейзажиста Я. Ф. Хаккерта. Сопровождал в поездках некоторых знатных русских путешественников, в частности Трубецкого во Флоренцию (1783), А. И. Вяземского по Северной Италии и Швейцарии (1784). В 1807 за присланную в ИАХ картину «Вид Неаполя» удостоен звания академика. Член Академии св. Луки в Риме (с 1813). В 1819 получил пожизненный пенсион за счет императора. Помимо живописных произведений окрестностей Рима и Италии, выполнил ряд альбомов с зарисовками видов Италии и Швейцарии. До конца жизни оставался в Италии. Из всех русских художников Ф. М. Матвеев явился наиболее последовательным сторонником классицизма в жанре пейзажа.

В России Матвеев имел значительное количество подражателей и копиистов.

В 2008-м в Государственной Третьяковской галерее прошла ретроспектива художника.

БОГОЛЮБОВ Алексей Петрович (1824–1896) Венеция. Пьяцетта. 1876
Холст, масло. 31,2 × 27

Алексей Петрович Боголюбов — один из лучших русских маринистов и выдающийся пейзажист, представитель академической школы. В его творчестве, почти не взаимодействуя друг с другом, существовали два направления. Одно из них было связано с формированием реалистического пленэрного пейзажа в европейском искусстве второй половины XIX века, в частности с творчеством мастеров барбизонской школы, второе — с традицией морской батальной живописи и пейзажа-ведуты в духе академического романтизма, к которому, собственно, и относится небольшой холст «Венеция. Пьяцетта» (1876).

Работа в аукционном каталоге — это зрелый период творчества Алексея Боголюбова. За спиной 52-летнего художника, внука А. Н. Радищева и сына полковника, участника Отечественной войны 1812 года, уже остались кадетские корпуса — Александровский в Царском Селе и Морской в Санкт-Петербурге, военная служба на Балтийском флоте, плавания по северным морям и Атлантике, обучение в Академии художеств, в классах пейзажной и батальной живописи, малая и большая золотые медали, звание классного художника 1-й степени и 6-летнее (продленное!) заграничное пенсионерство, поездки в европейские страны, посещение художественных мастерских, обучение у местных мастеров, назначение художником Главного Морского штаба, звание академика и — «за особое искусство и познания в художествах» — профессора ИАХ, участие в составлении атласов берегов Каспийского моря и Финского залива, занятия в ИАХ с художниками-пейзажистами в качестве «свободного профессора», членство в Совете Академии, занятия живописью с великим князем Александром Александровичем и будущей императрицей Марией Фёдоровной, путешествия по России и Европе в свите членов царской фамилии в качестве художника, множество выставок в России и Европе, экспонирование и членство в художественных объединениях: Обществе поощрения художников, ТПХВ, Московском обществе любителей художеств, Обществе выставок художественных произведений.

С 1872 Алексей Боголюбов жил в основном в Риме и Париже, ежегодно приезжал в Россию. В его мастерской, ставшей в 1870-х центром колонии русских художников в Париже, работали И. Е. Репин, В. Д. Поленов, К. А. Савицкий, И. Н. Крамской, В. М. Васнецов, А. К. Беггров и другие. По поручению ИАХ в 1872–1874 наблюдал за пенсионерами Академии в Риме, Париже, Дюссельдорфе.

«В зрелый период творчества русский художник А. П. Боголюбов проводил много времени за рубежом, в многочисленных европейских путешествиях, — отмечают эксперты. — Среди его работ выделяется серия видов Венеции, в частности виды площади Сан-Марко и Пьяцетты». Пьяцетта (дословно «маленькая площадь») Сан Марко (Piazzetta San Marco) — это небольшая территория, часть площади Сан-Марко. Раньше на месте Пьяцетты Святого Марка была гавань, но её засыпали и присоединили к основной площади в качестве атриума. Украшают Пьяцетту две большие колонны (Святого Марка и Святого Теодора), прибывшие в Венецию в 1125 году в качестве военных трофеев из Константинополя (cattur.ru). На картине видна колонна Святого Марка, увенчанная крылатым бронзовым львом, датируемым IV веком н.э.

ВАСНЕЦОВ Аполлинарий Михайлович (1856–1933) Пейзаж. На краю села. Конец 1890-х — 1900-е
Холст на картоне, масло. 19,8 × 38,8

Аполлинарий Михайлович Васнецов, автор небольшой живописной композиции «Пейзаж. На краю села» (конец 1890-х — 1900-е), не получил профессионального художественного образования, однако не только сумел достичь вершин живописного мастерства, но и стал одним из значимых действующих лиц художественной жизни России конца XIX — начала XX века. Художник семнадцать лет преподавал в пейзажном классе МУЖВЗ, был одним из основателей и, впоследствии, руководителей Союза русских художников. Вдохновенный наблюдатель старины, Аполлинарий Васнецов долгое время занимался охраной памятников Москвы, с поразительной точностью запечатлевал их в своих произведениях.

Работа «Пейзаж. На краю села» (конец 1890-х — 1900-е) создана в лучший период творчества художника. Исходя из фактов его творческой биографии, возможно, пейзаж написан на семейной даче в селе Ахтырка близ Абрамцево или в селе Демьяново под Клином.

Читайте на AI подробный и интересный рассказ о жизни и творчестве художника, а также о ценовых и маркетинговых показателях его произведений на арт-рынке в сегодняшней публикации «Художник недели: Аполлинарий Васнецов».

КРЫМОВ Николай Петрович (1884–1958) Пейзаж с коровами (Коровы в балке). 1914
Картон, масло. 24,5 × 32,5 (в свету)

В 1914 году выполнен «Пейзаж с коровами (Коровы в балке)» Николая Петровича Крымова. «В искусстве живописи нужно передавать в правдивых отношениях по свету и цвету природу или выразительность природы, — писал художник. — Для этого нужно изучать натуру, приглядываться к выразительности всего, что нас окружает, — как кошка смотрит, например, на птичку, как скупой жадно схватывает монеты и т.д. Идеал, конечно, будет, когда соединится и первое и второе, так как будет и верность отношений тонов, правдиво передающих природу, в смысле чисто живописном, плюс выразительность всего, что на картине передано. Это как раз то, что нужно» (krimov.ru).

За год до создания пейзажа была открыта посмертная выставка А. И. Куинджи, оказавшая влияние на творчество Крымова. «Многократно посетивший выставку Крымов открыл для себя главное — созвучие собственным творческим поискам тех лет. Как следствие, в его работах середины 1910-х годов использован принцип пространственного построения пейзажа на основе чередования светлых и темных планов, заметны обобщенность контуров деревьев, внимание к аппликативности цветовых плоскостей и эффектам освещения» (Иван Порто. Николай Крымов. Живопись, графика, театр [Текст] : каталог-резоне : к 125-летию со дня рождения художника : [в 2 кн.] / Иван Порто. — М., 2009. Т. 1. С. 20).

Авторские пометы о месте написания работы отсутствуют, однако можно предположить, что «Пейзаж с коровами (Коровы в балке)» (1914) написан в подмосковном поселке Красково, где Крымов жил и работал в летние месяцы 1913–1915 годов (krimov.ru).

ГОРБАТОВ Константин Иванович (1876–1945) Зимняя дорога. 1916
Фанера, масло. 21,5 × 29

Творчество Константина Ивановича Горбатова представляет в каталоге пейзаж «Зимняя дорога» (1916). К подобным малоформатным пейзажам, очень часто на фанере, художник обращался главным образом во второй половине 1910-х — начале 1920-х годов. «По уровню исполнения и времени создания, относящемуся к русскому периоду в творчестве художника», пейзаж, по мнению экспертов, имеет музейное значение. Манера художника сложилась под влиянием тенденций, которые проникли в пейзажный жанр во второй половине XIX века: он воспринял и активно задействовал впечатляющие свето-теневые эффекты и цветовые контрасты, насыщенность эмоциональными аспектами, свойственную возникшим тогда «пейзажам настроения».

Константин Горбатов родился в 1876 году в Ставрополе Самарской губернии, обучался в Классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова в Самаре (1891–1895), в Центральном училище технического рисования барона Штиглица (1903) в Петербурге, в Академии художеств — поступив на архитектурное отделение (1904), он вскоре перевелся на живописное, занимался у А. А. Киселева и Н. Н. Дубовского. В 1911 году Горбатов за картину «Приплыли» получил звание художника и отправился в пенсионерскую поездку в Испанию и Италию (1911–1913). Холст также принес ему золотую медаль на Международной художественной выставке в Мюнхене (1913).

Вернувшись на родину, художник поселился в Петербурге. Работал как пейзажист, реже обращался к портрету, натюрморту, бытовому жанру. Участвовал в выставках академистов (1906–1916) и одновременно сблизился с художниками-передвижниками, экспонировался на выставках ТПХВ. В 1910-е Горбатов много путешествовал по России и обращался к теме русского национального пейзажа, прибегая в своей трактовке исторических и сказочных сюжетов, а также изображений русской природы к приемам импрессионистов и художников-символистов. С 1910 года вошел в Общество художников им. А. И. Куинджи, и в 1916 году — в год написания нашего пейзажа — был награжден первой премией за картину «Родной уголок».

Читайте о Константине Горбатове на AI: «Художник недели: Константин Горбатов».

ТУРЖАНСКИЙ Леонид Викторович (1874–1945) Розовое облачко. 1927
Картон, масло. 25 × 35,5

Завершает раздел картон «Розовое облачко» (1927) Леонида Викторовича Туржанского.

Леонард (позднее в православном крещении — Леонид) Туржанский родился в Екатеринбурге в семье врача. Первоначальное художественное образование получил в Екатеринбургском реальном училище (1889) у художника Н. М. Плюснина. В 1895 посещал частную мастерскую Л. Е. Дмитриева-Кавказского в Петербурге. Одновременно занимался в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица. В 1896–1897 обучался в Строгановском художественно-промышленном училище. В 1898 поступил в МУЖВЗ; с 1902–1903 посещал в Училище «необязательные» классы: пейзажный, которым руководил А. М. Васнецов, и класс рисования животных, где занимался под руководством А. С. Степанова; в 1904-м был принят в художественную мастерскую жанровой и портретной живописи Училища, которой руководил В. А. Серов. За рисунок и этюд с натуры был награжден серебряными медалями. В 1903 и 1905 совершил поездки на Север: по Сухоне, Северной Двине и на Кольский полуостров. В 1907 выпущен из Училища со званием «неклассного художника живописи». В конце 1907 подал прошение в Совет московского художественного общества о принятии его в портретный класс Училища вновь и занимался там под руководством В. А. Серова и К. А. Коровина.

Жил в Москве. Работал как пейзажист и анималист. С 1904 регулярно принимал участие в выставках Союза русских художников (член объединения с 1910) и ТПХВ (вступил в Товарищество в 1911).

В 1912 году Туржанский купил небольшой домик в селе Малый Исток, в двенадцати километрах от Екатеринбурга по Сибирскому тракту, к которому была пристроена мастерская, где художник много лет работал с ранней весны и до поздней осени (russkiy-peyzazh.ru). Там же, предположительно, написан и наш пейзаж.

Во время Гражданской войны в 1919–1920 Туржанский жил в Екатеринбурге, где преподавал в Екатеринбургской художественной школе. В 1921 работал по госзаказу на коневодческих заводах в Тульской и Воронежской областях. В 1920–1941 жил в Москве. Участвовал в Первой русской художественной выставке в галерее Ван Димена в Берлине, а также в выставке русского искусства в Нью-Йорке в 1924–1925. В 1927 стал одним из учредителей Общества художников-реалистов.

Член-корреспондент Академии художеств СССР В. Ф. Загонек писал о Леониде Туржанском: «Много прелести и обаяния в натурных пейзажах Л. В. Туржанского. С юношеских лет я находился под магическим воздействием его произведений. Они были примером высокохудожественного осмысления натуры, умения из самого простого, невзрачного, на первый взгляд, мотива создать поэтический мир образов, покорить красотой удивительных красок, самим художественным решением этого простого мотива... Мы можем учиться у Туржанского живой гармонии красок, умению блестяще использовать фактуру краски. И в особенности той преданности натуре, той искренности, которые были присущи этому замечательному художнику» (russkiy-peyzazh.ru).

Произведения художников Русского Зарубежья представлены единственной работой.

ЦАДКИН Осип Алексеевич (1890–1967) Лист из серии литографий La Forêt Humaine [«Человеческий лес»]. 1965
Авторский экземпляр
Бумага с водяным знаком BFK Rives, литография. 76 × 56,5

В 1965 году была создана серия литографий Осипа Алексеевича Цадкина La Forêt Humaine [«Человеческий лес»], включающая 10 литографий и титульный лист. Комплект, из которого происходит лист, выставленный на торги, относится к авторским экземплярам тиража. На титульном листе комплекта справа внизу имеется выполненная графитным карандашом и подписанная автором дарственная надпись, адресованная Francesco Larese — предположительно, Францу Ларезе (Franz Larese) — одному из основателей и владельцев Erker-Presse.

«Идея создания “Эркера” принадлежала двум молодым швейцарцам — Францу Ларезе и Юргу Янетту. В скором времени их галерея превратилась в своеобразную духовную мастерскую, в место встречи самых известных философов, писателей, искусствоведов, а также художников и скульпторов — представителей нефигуративного искусства и информализма.

Именно в Санкт-Галлене драматург Эжен Ионеско, создатель театра абсурда, впервые прочитал свою пьесу «Человек с чемоданами», а немецкий философ-экзистенциалист и классик феноменологии Мартин Хайдеггер разработал теорию художественного пространства. И Ионеско, и Фридрих Дюрренматт с удовольствием создавали в Санкт-Галлене литографии и считали этот вид творчества своеобразной терапией (известна литография Эжена Ионеско, созданная в Erker-Presse, с авторской дарственной надписью, тоже адресованной Francesco Larese). “Эркер” в разные времена посещали Серж Полякофф, Осип Цадкин, Александр Архипенко — скульпторы и художники родом из России.

Одной из удивительных особенностей Санкт-Галлена стала возможность творческого уединения. Вдали от шумных Нью-Йорка и Парижа, в прекрасно оборудованной мастерской представители разных направлений искусства создавали уникальные произведения на бумаге или с помощью бумаги: литографии, библиофильские книги, каталонский художник Антони Тапиес — колографии, классик немецкого послевоенного искусства Гюнтер Юккер — рельефные картины, а скульптор из Страны Басков Эдуардо Чильида — гравитационные бумажные рельефы» (kurier.hu).

«Все литографии Erker-Presse были нарисованы непосредственно на камне самими художниками. Ни цинковые пластины, ни переводная бумага не использовались. Никакой “художественной поддержки” со стороны профессиональных литографов не было» (artistposter.de). Последнее утверждение, возможно, не совсем верно: известно, что Ионеско и Дюренматт сотрудничали с профессиональным литографом (livelib.ru).

Продолжает каталог AI Аукциона раздел творчества советских художников середины XX века.

СТОЖАРОВ Владимир Фёдорович (1926–1973) Корабельные снасти. Этюд. 1950
Картон, масло. 30,8 × 22,5

Этюд маслом на картоне «Корабельные снасти» (1950) — удивительно красивая, детальная и правдивая мастерская работа одного из выдающихся живописцев середины XX века, продолжателя лучших традиций русской реалистической школы Владимира Фёдоровича Стожарова. У любителей искусства его имя ассоциируется прежде всего с Русским Севером, где он много раз бывал, любил и как никто понимал его природу, архитектуру и людей. Написанные на Севере пейзажи Стожарова вошли в золотой фонд русского реалистического искусства. Не менее интересны портреты работы Стожарова — как правило, образы людей труда, крестьян, отмеченные точным авторским взглядом, искренним интересом к моделям и пониманием их нелегкой жизни.

Корабельные снасти в каком-то смысле можно считать одним из символов раннего периода в творчестве художника: в 1946–1950, во время учебы в МГАХИ им В. И. Сурикова, и в последующие годы Стожаров совершил множество творческих поездок — не раз побывал в Костромской и Ярославской областях, был на Байкале и Иссык-Куле, на Енисее и Ангаре, в Иркутске и Омске. И даже дипломную работу в 1950–1951 годах писал в Астрахани, на Волге.

Произведения Стожарова вызывают огромный интерес, хранятся в музеях и частных коллекциях, востребованы коллекционерами. К сожалению, их нередко подделывают, поэтому очень важно, что наша работа подтверждена на обороте собственноручной надписью и подписью сына художника Александра Владимировича Стожарова, который был глубоким знатоком и, пожалуй, лучшим экспертом по творчеству отца. Посмотрите созданную им на форуме AI тему об отце: «В. Ф. Стожаров. Здесь русский дух, здесь Русью пахнет».

О художнике читайте на AI: «Художник недели: Владимир Стожаров».

ПОПКОВ Виктор Ефимович (1932–1974) Окопная правда. 1956–1958
Бумага, цветная линогравюра. 49 × 41

«Уникальная ранняя цветная линогравюра Виктора Ефимовича Попкова “Окопная правда” (1956–1958), возможно сохранившаяся в одном-единственном экземпляре», «исполнена по гуаши, написанной в 1956 году, и относится к периоду обучения В. Е. Попкова в МХИ им. В. И. Сурикова у Е. А. Кибрика, — пишет эксперт. — Вероятно, эта гуашь является курсовой работой начинающего художника. В 1957–1958 годах, еще в период обучения в институте, В. Е. Попков начинает активно работать в технике линогравюры, используя в качестве эскизов свои ранее написанные гуаши и акварели. Можно предположить, что эти эстампы были частью тематического задания на факультете, но нельзя не отметить зрелости, мастерства и того качества, с которым они исполнены В. Е. Попковым. Здесь у молодого художника есть все необходимые для гравера навыки: уверенная, твердая рука, блестящее и виртуозное владение штихелями, точное понимание соотношения белой поверхности бумаги и нанесенных красочных масс, мастерское отношение к построению композиции и решению пространства эстампа».

Следующий раздел каталога — творчество шестидесятников. И снова, как и на предыдущем аукционе, 4 из 5 работ — произведения 1960–70-х годов.

СООСТЕР Юло Ильмар Йоханнесович (1924–1970) Фейерверки. 1963
Картон, масло. 48,7 × 69,5

В 1963 году написано масло «Фейерверки» (1963) Юло-Ильмара Соостера.

Соостер — один из самых известных представителей «поколения шестидесятых», едва ли не самый европейский (в смысле «заграничный») из шестидесятников первого ряда, семь из десяти отмеренных ему лет отсидевший в лагерях, участник Манежной выставки, организатор знаменитых «вторников» на улице Красина, на которых выпивала и общалась подпольная Москва. Официально — график, иллюстратор научной фантастики: «У Юло было одно любимое издательство — “Мир”, он там оформлял фантастическую литературу. Ему нравилось, что здесь его сложно контролировать, что можно дать свободу фантазии, ведь про фантастический мир никому ничего точно не известно» (Лидия Соостер, sakharov-center.ru). Неофициально — мастер экспериментальной живописи, чья персональная метафизика нашла свое отражение в своеобразном стиле, вобравшем в себя отголоски таких иноземных течений, как онейрический сюрреализм Рене Магритта и Макса Эрнста, «ар информель» и абстрактный экспрессионизм.

Судя по этикетке на монтировочном листе, работа «Фейерверки» (1963) находилась в знаменитом собрании немецких коллекционеров Якоба и Кенды Бар-Гера. Коллекционеры неофициального искусства — авангарда 1920-х, немецкого дегенеративного искусства, гонимого во времена Франко испанского искусства и, наконец, второго русского авангарда, супруги Бар-Гера с середины 1960-х не одно десятилетие собирали уникальную коллекцию советского «другого искусства». В 1996 году большая выставка их коллекции «Нонконформисты. Второй русский авангард 1955–1988. Собрание Бар-Гера» экспонировалась в Третьяковской галерее и в Русском музее, к выставке вышел одноименный фолиант. Возможно, на выставке в ГТГ была и наша работа.

В июне — августе 1997 года в составе коллекции Бар-Гера «Фейерверки» (1963) демонстрировались на выставке «Нонконформисты. Второй русский авангард. 1955–1988» в музее «Квадрат — Музей Йозефа Алберса» в немецком городе Ботропе.

В начале 2000-х супруги Бар-Гера хотели подарить свою коллекцию России, с условием создания специального музея, но что-то не получилось; позже СМИ писали, что специально для собрания в израильском городе Ашдоде в 2003-м откроется Музей «гонимого искусства», но следов этого проекта в публикациях не находится. В ноябре 2016 года часть коллекции Бар-Гера была выставлена на Sotheby’s.

О художнике читайте на AI: «Художник недели: Юло Соостер».

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Корова (Натюрморт). 1965
Бумага, масло. 62 × 85,5 (в свету)

В 1965 году выполнено большое и очень необычное масло на бумаге «Корова (Натюрморт)» Анатолия Тимофеевича Зверева.

Арт-критик Сергей Кусков, мнение которого очень ценили шестидесятники, очевидно, первым увидел творчество Зверева в непривычном ракурсе: «Зверев был завоевателем и первопроходцем, и одновременно — это был последний представитель “московско-парижской” пластической традиции, ведущей родословную от начала века.

Во многом наследуя рафинированный колористический вкус московских “парижан”, он сочетал как бы личное вчувствование в это блестяще-меркнущее наследие, с анархией бунтаря, “созидающего” разрушение, стремящегося всегда и все делать иначе, по-своему, и всегда в одиночку.

Воспринятую в культуре начала века утонченность цветосветовых вибраций он решительно очистил от всякого налета эстетизма и, напитав лиризмом и экспрессией, подарил лиризму новую жизнь. Следы былой культуры в его искусстве не исчезли бесследно, но каждый отклик традиции, каждый готовый прием напористо вовлечен в новое качество. “Наследник” не оставил камня на камне от устоявшихся живописных структур, преодолевая соблазн постфальковской “цветности”, и далеко ушел вперед. Диапазон его приемов был чрезвычайно широк: от фовизма до параллелей абстрактному экспрессионизму» (Сергей Кусков, art-critic-kuskov.com).

Масло «Корова (Натюрморт)» (1965) опубликовано и обладает подтвержденным провенансом без временны́х лакун, авторство ее подтверждено экспертом.

ХАРИТОНОВ Александр Васильевич (1931–1993) Снежное поле. 1978
Холст, масло. 27 × 45,8

Тончайший колорит отличает необыкновенно красивое масло «Снежное поле» (1978) Александра Васильевича Харитонова.

«Не люблю необычные, томные “левитановские” места, — писал Харитонов в одном из писем. — Нужно писать все обыкновенное, то, что видят каждый день, и делать это необыкновенным» (цит. по: newtimes.ru).

Харитонов сначала писал сюжет крупными мазками, причем без подготовки и карандашного наброска, потом использовал кисточки все меньшего и меньшего размера. Иногда таким образом он накладывал до 40 слоев красок, достигая переливчатого свечения и мерцания законченных холстов. «Моя живопись, — писал Александр Харитонов в конце жизни, — зиждется на трех китах: византийская иконопись, древнерусская иконопись и церковная вышивка драгоценными камнями, жемчугом, бисером. Моими учителями были Достоевский, Гоголь, Саврасов, Флоренский и Моцарт» (цит. по: newtimes.ru). Именно к древним техникам церковной вышивки, а вовсе не к пуантилизму, с которым нередко сравнивают манеру художника, напрямую отсылают нас его филигранные работы.

ШЕМЯКИН Михаил Михайлович (1943) Философ (Мистер и миссис Ростропович). Из серии «Метафизические образы». 1979
Бумага Arches France (водяной знак), литография. 70,2 × 103 (лист), 63,2 × 99,2 (изображение)

В 1979 году выполнена литография Михаила Михайловича Шемякина «Философ (Мистер и миссис Ростропович)» из серии «Метафизические образы» (или «Метафизические головы, бюсты и композиции»). Судя по английскому обращению, работа над литографией была начата в США, где, возможно, произошло знакомство Шемякина с великими русскими артистами, в 1978-м лишенными советского гражданства. Ростропович и Вишневская жили и работали в США и во Франции, Шемякин тоже, живя в Париже, бывал за океаном. Интересно, что в серии «Метафизические образы» есть всего несколько «портретов» — очевидно, тех, кто художнику был метафизически близок, общение с кем происходило на глубинном уровне.

РАБИН Оскар Яковлевич (1928–2018) Матрешки в деревне. 2009
Холст, масло. 60 × 81

Пейзаж со своеобразным стаффажем — работа «Матрёшки в деревне» (2009) Оскара Яковлевича Рабина.

БОРИСОВ Леонид Константинович (1943–2013) Композиция. Импровизация № 2. 2003
Холст, масло. 66 × 89

К более позднему поколению мастеров другого искусства, семидесятникам, относится автор среднеразмерной минималистичной живописи «Композиция. Импровизация № 2» (2003) ленинградец Леонид Константинович Борисов Художник «занимается чистой геометрической абстракцией без обычных для ленинградского андеграунда философских коннотаций. Его интересует геометрическая форма, сочетание двух-трех форм само по себе… <…> Деликатность и утонченность цветового решения, расположение форм на холсте позволяют при предельной немногословности добиваться убедительного эффекта» (Л. Гуревич. Художники ленинградского андеграунда. Биографический словарь. — СПб.: Искусство-СПб, 2007. С. 26).

Завершают каталог произведения созданные на рубеже XX — XXI веков.

ЦЕРЕТЕЛИ Зураб Константинович (1934) Святой Георгий. 1988
Металл, эмаль. 53,4 × 42,3

Торжественный и просветленный образ в благородном колорите — дивной красоты эмаль «Святой Георгий» (1988) Зураба Константиновича Церетели. Художник возродил и переосмыслил в современном ключе поразившее его творческое воображение еще в молодые годы забытое искусство эмали.

К эмали Зураб Церетели обратился в 1970-х, когда этот вид традиционного декоративно-прикладного искусства переживал второе рождение. Благодаря умению мыслить крупными масштабами, он перевел эмальерное искусство из камерного в монументальное. Мастерское владение сложной техникой перегородчатой эмали позволяет ему создавать масштабные работы, поражающие своей скульптурной выразительностью и ярким колоритом. Рисунок на медном листе-основе создается с помощью припаянной медной проволоки, пространство внутри заполняется эмальерным порошком, который при обжиге плавится, создавая ровную глянцевую поверхность. Эта техника не только трудоемка, но и непредсказуема: каким будет цвет после обжига, невозможно предугадать точно, каждый цвет обжигается при определенной температуре, а в эмалях Церетели использованы 85 цветов и оттенков (cultinfo.ru).

…Церетели создает композиции в технике эмали, виртуозно используя выразительные свойства не только цвета, но и объема. Художнику удалось так усовершенствовать технологию их изготовления, что в некоторых работах взаимопроникновение красочных пигментов практически передает трепетность живописного мазка. В них часто повторяются сюжеты его многочисленных картин и шелкографий. Однако только в эмальерных барельефах и горельефах достигаются такие сложные переливы цвета и света, игра форм и объемов, позволяющих добиться впечатления особенной глубины и насыщенности пространства, погрузить зрителя в особый праздничный, фантастический мир (rah.ru).

Юрий БАБИЧ, Геннадий ЕРШОВ, Сергей ПОТАПОВ, Юрий ВИКУЛИН. Общество Читателей Письма. Сервиз из 20 предметов. 1990
Фарфор, печать

Фарфоровый сервиз из 20 предметов, выполненный в 1990 году с использованием штампов, — артефакт Общества Читателей Письма. «Данный проект является вкладом радикального художественного сознания в устойчивую для нашей страны традицию фиксации исторических перемен в культовом фарфоре, что своеобразно преломляет эстетику советского революционного фарфора» (Ирина Романова. Декоративное искусство. № 2(399), 1991).

«Это чистый продукт ОЧП, — рассказывает один из организаторов Общества Читателей Письма, Юрий Бабич, — механизм, позволяющий открыто иронизировать по поводу явлений и понятий, всей ситуации конца 80-х. Это единственный достойный ответ времен перестройки агитационному фарфору начала XX века». Наличие штампа — прямое обращение к широким массам, а не только к эстетам и ценителям. Как агитационный фарфор был активным проводником идей революции, так сервиз ОЧП акцентирует внимание на феномене тиражирования информации, предлагает включиться в изящную интеллектуальную игру.

Историю уникального сервиза и его создателей читайте на AI: «Персона недели: Общество Читателей Письма».

БЕЛЯЕВ-ГИНТОВТ Алексей Юрьевич (1965) Из серии «Революция пространств». 2000-е
Холст, черная офсетная краска, ручная печать. 150,4 × 150

Творчество Алексея Юрьевича Беляева-Гинтовта в каталоге аукциона представляет работа из серии «Революция пространств» (2000-е).

ДЖУНА (Давиташвили Евгения Ювашевна, 1949–2015) Без названия
Холст, масло. 100 × 100

Не датирована живописная композиция Джуны «Без названия».

Возможно, именно с Джуной (Евгенией Ювашевной Давиташвили) связано появление и почти молниеносное распространение в нашей стране термина «экстрасенс». Джуну знали везде, знали как целительницу и астролога, к ней обращались страждущие из самых высоких кабинетов и самых закрытых от посторонних глаз особняков, ее помощи искало огромное количество людей, она принимала множество пациентов. Жизнь этой женщины была окутана невероятным количеством вымыслов, большую часть которых, очевидно, выдумывала она сама, тем более что близость к самым верхам предполагала секретность. Совершенно невероятно, но ей были предоставлены такие возможности, а на исследование «феномена Джуны» затрачивались такие средства, которые не снились ни одному ученому. Одни искренне верили в безграничность ее целительских возможностей, другие считали ее деятельность лженаучной, о ней снимали документальные фильмы и еще при жизни сняли художественный сериал (он вышел на экраны через три месяца после ее смерти). А еще Джуна занималась творчеством — пела, писала книги, рисовала картины, одна из которых вошла сегодня в наш каталог. «Прием у нее начинался в семь вечера и шел до двенадцати ночи. Потом она в мастерской рисовала картины, на каждой из которых оставляла свой знак — звезду. На ее рисунках преобладали синий, зеленый цвета, утонченные линии. Так она могла творить без перерыва и до 11 утра, а потом ложилась спать» (sobesednik.ru).

Одновременно с нашим штатным 365-м AI Аукционом открыт 51-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». Каталог составили работы Даши Делоне, Андрея Осташова, Ксении Пархоменко, Николая Переднего, Сергея Радюка, Романа Рахматулина, Михаила Рудакова, Бориса Смотрова, Елены Суровцевой и Константина Худякова.

Всем желаем удачи на 365-м AI-Аукционе и 51-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.