В сводном каталоге — 30 лотов: 18 живописных работ, 5 листов оригинальной и 3 — печатной графики, 3 работы в смешанной технике и 1 икона

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 351 и 37-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 351-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 37-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Открывает каталог икона «Успение Пресвятой Богородицы» середины XIX века.

Слово «успение», однокоренное со словом «усопший», означает «сон». Так в Церкви называют день кончины Пресвятой Богородицы. Успение Пресвятой Богородицы — один из двунадесятых праздников. Празднование совершается 28 августа (15 августа).

Икона «Успение Пресвятой Богородицы». Середина XIX века
Дерево (сосна), левкас, темпера, покрывная олифа. 53 × 43

«Момент перехода Богородицы в Вечность в Евангелии не описан. Детали этого события известны нам из Предания и различных апокрифических источников. Вот как оно произошло:

Богородица была предупреждена архангелом Гавриилом, что через три дня Сын заберет Ее к Себе. Пресвятая Дева ждала этой вести. Она была готова к переходу в вечность, и отведенные три дня использовала для того, чтобы проститься со всеми дорогими Ее сердцу людьми. Сразу стало понятно, что некоторых Она не сможет увидеть — например, апостолов, которые разошлись по Римской империи на проповедь. Трех дней было мало, чтоб собрать их всех, и Богородица взмолилась Сыну о помощи. На материнские молитвы Господь ответил чудом: во все края, где находились апостолы, были посланы ангелы, которые на облаках принесли их в Иерусалим к дому Пречистой.

Настал день кончины. Мария мирно лежала на одре, сияющая тихой радостью. Вокруг нее собрались самые близкие люди. Внезапно в горнице заблистал несказанный свет Божественной славы. Те, которым открыто было это видение, пришли в ужас. Они видели, что кровля горницы открыта, и сам Христос в окружении небесных сил приближался к своей Матери. Ее душа отделилась от тела и была принята на руки Спасителя, который забрал Ее с Собою. А на одре осталось тело, которое светилось благодатью, и казалось, будто Богородица не умерла, а лежит в мирной полуденной дремоте. На Ее лице застыла счастливая улыбка — наконец после долгих лет ожидания Она ушла к своему Сыну» (foma.ru).

Перед иконой молятся об исцелении болезней (душевных и телесных), укреплении веры, даровании добродетелей и избавлении от грехов, пагубных пристрастий и так далее, оправдании в случае оклеветания, обличении неправды, напутствии умирающих.

В разделе творчества художников Русского Зарубежья предлагаем вниманию участников литографию Александра Архипенко.

АРХИПЕНКО Александр Порфирьевич (1887–1964) La famille d’une forme (Семья одной формы). Композиция из папки Les Formes Vivantes (Живые формы). 1963
Бумага, литография. 76 × 56 (лист)

Литография La famille d’une forme (Семья одной формы, 1963) Александра Порфирьевича Архипенко — лист из папки Les Formes Vivantes («Живые формы»), содержащей 10 разных композиций и вышедшей в Швейцарии в 1963 году тиражом 75 экземпляров.

Раздел советского искусства охватывает период от 1934-го до 2000 года.

РОЖДЕСТВЕНСКИЙ Константин Иванович (1906–1997) Голова мужчины в профиль. Органический рост формы. 1934
Бумага, карандаш. 29 × 21 (лист с рисунком), 49,8 × 34,9 (монтировочный лист)

«Самый интересный и богатый слой, которым питаешься всю жизнь, оказался периодом, связанным с нашей молодой надеждой. …Когда рядом был Казимир», — писал Константин Иванович Рождественский, автор композиции «Голова мужчины в профиль. Органический рост формы» (1934). Работа близка к «Крестьянскому циклу» — серии, вдохновленной образами постсупрематического «Крестьянского цикла» Малевича. В этом цикле Рождественского выделяют несколько отдельных тематических разделов — фигуры крестьянок, рыжебородых мужиков, семьи в поле, снопы и т.д. Исследователи творчества художника называют время создания этого цикла, и нашей работы тоже, «порой высших достижений Рождественского в живописи». Зачастую он использует сюжет, композиционное или пластическое решение, увиденное у Малевича, однако переосмысливает его, наделяя свои вещи особым чувством, колоритом и атмосферой, почерпнутой им из собственных впечатлений. «Это и грандиозные светоносные сибирские закаты; это и рыжие сибирские мужики-крестьяне… это и золотые купола церквей на фоне густых сибирских лесов», — описывал истоки своего вдохновения художник. Год создания работы — 1934-й — год переезда из Ленинграда в Москву, где живопись осталась в жизни художника лишь в виде хобби, а основным занятием стало оформительство. О Рождественском читайте в статье рубрики «Художник недели».

БЛОХИН Иван Семёнович (1887–1954) На террасе. 1952
Холст, масло. 52,5 × 66,5

В начале 1950-х, т. е. именно тогда, когда в искусстве прокатилась очередная волна «“борьбы с космополитизмом” и всякой иностранщиной», а «импрессионизм стал вновь гоним, как когда-то на рубеже 20–30-х годов» (nasledie-rus.ru), создан холст «На террасе» (1952) Ивана Степановича Блохина — русского импрессиониста, влюбленного в искусство и прекрасно образованного в нем, удивительного художника и человека даже для того времени поразительной судьбы. Это работа позднего периода творчества. Сдержанное колористическое решение, отличающее холст «На террасе», — стилистическая черта, появившаяся у художника в 1940-х, «в отличие от ярких и солнечных картин предыдущего периода» (nasledie-rus.ru).

КУДРЯШОВ Иван Алексеевич (1896–1972) Космическая композиция. Вторая половина 1950-х — 1960-е
Холст, масляная темпера. 45,3 × 37,3

Второй половиной 1950-х — 1960-ми годами датирует эксперт «Космическую композицию» Ивана Алексеевича Кудряшова, сегодняшнего героя нашей постоянной рубрики «Художник недели». Космос, освоение человеком новых миров, идеи и теории К. Э. Циолковского вошли в жизнь будущего художника еще в детстве (отец его, столяр, делал для Циолковского деревянные модели) и на всю жизнь, они ярко и своеобразно отразились в его произведениях. Эксперт пишет: «Ученик К. Малевича, супрематист и экспериментатор, ярко зарекомендовавший себя в 1910–20-х годах, Иван Кудряшов вынужден был позднее прекратить свои творческие поиски (Лидия Мастеркова, дружившая с художником и его женой, вспоминала: «В 1926 году И.А. Кудряшов должен был отказаться письменно от всех своих творческих полетов, принудительным путем приземлиться с опущенными крылами. Но не мог не мыслить, не мог заглушить в себе творческого промысла» (gif.ru).) Только в послевоенный период (получив на фронте тяжелое ранение, за которым последовала инвалидность. — AI.) художник вернулся к абстрактной живописи. Кудряшов делал варианты своих ранних супрематических работ, разрабатывал тему космоса, которая интересовала его еще с ранних лет. Будучи поклонником теорий К. Циолковского и русского космизма, Кудряшов талантливо применил язык супрематизма к изображению космической энергии, пространства вселенной, планет и туманностей, создавая оригинальные “космические” абстракции… Творчество и сама личность И. Кудряшова, так же, как и других, чудом уцелевших в годы репрессий и сохранивших художественную активность мастеров начала ХХ века, М. Синяковой-Уречиной, Г. Стерлигова, Т. Глебовой, А. Лепорской, стали своеобразным мостиком, связавшим русский авангард начала ХХ века и советское андеграундное искусство послевоенных годов». Работы Ивана Кудряшова хранятся в Государственной Третьяковской галерее (Москва), в Государственном музее современного искусства в Салониках (Греция), Музея современного искусства MoMA (Нью-Йорк) и др. особо следует отметить Государственный музей искусств республики Каракалпакстан имени И. В. Савицкого в Нукусе: в нем собран огромный корпус работ художника — 351 единица живописи и графики.

Лидия Мастеркова писала: «Сейчас в Третьяковской галерее, в экспозиции ХХ века, есть две картины Кудряшова. Одна конструктивистская композиция без названия висит рядом с картиной Редько. Вторая — пространственная композиция театра в Оренбурге — не имеет себе равного соперника даже среди всех великих русского авангарда» (gif.ru).

АНДРОНОВ Николай Иванович (1929–1998) Весна. 1990
Холст, масло. 80 × 60

Среднеразмерным холстом «Весна» (1990) представлено творчество Николая Ивановича Андронова — одного из художников, на которого после манежной выставки «30 лет МОСХ» в 1962 году обрушились громы небесные, в том числе исключение из СХ. Принципы «сурового стиля», одним из основоположников которого был Андронов, постепенно сменялись в его картинах неким «переосмыслением идеализма молодости, надежд эпохи “оттепели”». Он обратился к пейзажу, жанру, автопортрету, «к действительности подлинного бытия своей страны и ее народа. Эту подлинность жизни он увидел в окрестностях Кириллова и Солигалича, в Ферапонтове, которое из года в год все больше ощущал как свою духовную родину, находя там не столько забвение, отдохновение, сколько очищение правдой… Очищение правдой жизни, которую художник имел редкое, непреклонное мужество воспринимать в ее истинном драматизме…

В его образном мире пустеющая северная деревня постигается словно некое сердце России… Сама здешняя природа у Андронова начисто лишена идиллистичности. Это всегда ясно чувствуется в цветовом и тональном строе его пейзажей, а в отдельных случаях даже подчеркивается названиями работ… И при всем том этот мир во всей его непридуманной зримой суровости клокочет в картинах мастера какой-то исчерна обжигающей и неодолимой энергией бытия, не имеющей словесного объяснения. Ее эквивалентом является энергетика андроновского живописания, в котором схлестываются мазки самой различной конфигурации, композиционные плоскости, пятна, вертикали, диагонали, контрасты света и мрака, розовые, зеленые, голубые, черноватые и золотистые оттенки единой землистой гаммы» (tg-m.ru). Прекрасным примером авторской энергетики и цветового решения предстает наш пейзаж.

БУХ Арон Фроимович (1923–2006) Цветы. 2000
Оргалит, масло. 59,5 × 52

Колористика Арона Фроимовича Буха, автора яркого натюрморта «Цветы» (2000),  — это особый мир, в котором есть место и огромной палитре, и вот таким сдержанным, но очень сложным в цветовом отношении композициям.

В следующем разделе мы представляем творчество мастеров неофициального искусства — и признанных нонконформистов, и тех, кто был только лишь близок к ним, и тех, кто был равно далек как от официоза, так и от шестидесятников.

В 2007 году Михаил Гробман опубликовал так называемый «список Гробмана» —список художников-авангардистов 60-х годов, то есть первого из трех, «героического» периода Второго авангарда. «Первый — “героический” – период родился в 1957 году, созрел к 1960 году и существовал до 1971 года, когда лопнул “железный занавес” и возникли принципиально новые политико-социальные условия. К 1971 году большинство “левых” окончательно осуществились — перестали появляться новые идеи. Началась стагнация художественной жизни, Москва замерла. …Второй русский авангард “героического периода” (35 человек из 250 миллионов человекоголов советской империи) — это полностью ушедшие от советской “культуры” изгои, жившие независимой эстетикой и отличными от стандарта концепциями (сюда же вплеталась не приемлемая официальным миром асоциальность)» (Михаил Гробман, magazines.gorky.media). В наш сегодняшний каталог вошли произведения 5 художников из этих 35 человек: Эрика Булатова, Анатолия Зверева, Эдуарда Зеленина, Эдуарда Курочкина и Владимира Немухина.

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Заросли. Сокольники. 1955
Бумага, масло. 24, 9 × 16,9 (в свету)

Открывает раздел пейзаж «Заросли. Сокольники» Анатолия Тимофеевича Зверева — словами эксперта, «уникальное, раннее живописное произведение А. Т. Зверева, написанное в характерной для этого периода его творчества энергичной, экспрессивной и сложной по цвету новаторской манере письма. Это одна из редчайших ранних масляных работ Зверева, написанных с натуры во время прогулок по парку Сокольники, в котором он работал оформителем Детского городка. На… пейзаже “Заросли. Сокольники” поразительно точно, с настроением, передано состояние летнего леса, где сквозь заросли ветвей елок и кустов протекает блестящий в солнечных лучах лесной ручей».

ИЗМАЙЛОВ Евгений Аскерович (1939) Без названия. 1960-е
Бумага, офорт. 56 × 46,1 (лист), 31 × 24,2 (изображение)

Евгений Аскерович Измайлов, автор офорта «Без названия» (1960-е), не входил в «обойму» нонконформистов. Да, с кем-то был дружен, да, выставлялся в Горкоме графиков на Малой Грузинской, куда его и приняли-то не сразу, но не более.

Каждая встреча с волшебными по сути и виртуозными по технике исполнения офортами Измайлова — это как встреча с романтической сказкой с хорошим, светлым концом.

Галина Ельшевская пишет, что в работах Измайлова выражена некая модель выживания романтического сознания в условиях полной его невостребованности. «То, что это сознание изначально романтично, — безусловно. В картинах Измайлова 1970-х годов прочитывается полный срез тогдашнего интеллигентского мироощущения: бездомность, неприкаянность, гордая мифология “людей воздуха”, завороженность далекой — ретроспективной и несбыточной — красотой. Помнится, и в ту пору, когда немногие из этих работ возникали на андеграундных выставках, их лексика не вызывала вопросов, и в причудливой фантасмагории, метафоры полетов, плаваний и шествий и босхо-брейгелевские реминисценции — все вкладывалось в историю романтического неприятия действительности и романтической иронии по поводу любой устойчивой данности. То есть внятен был в первую очередь литературный слой — и качество этой камерной живописи, архаическое и теплое свечение красок тоже соответствовало поэтике “иного”, вымечтанный мир, весь обращенный в прошлое или в несуществующее» (artinvestment.ru).

Сам автор определяет свою стилистику «как жанр лирической фантастики на основе пластического и цветового варьирования. Соединение абстрактного и реального, вневременного и современного, соединение разнородных начал определяет новое качество. Я принципиально не даю развернутой  трактовки своих работ, предполагая, что изображение должно рождать свободную ассоциацию, делая таким образом зрителя соучастником работы…» (Евгений Измайлов. Живопись. Графика. Проекты. Каталог выставки. М., 1998).

«Детали офортов Измайлова рождают бесконечную череду воспоминаний и ассоциаций и всегда отображают стремление к преодолению материализма и обыденности нашего суетного мира. В эпоху, когда в искусстве главенствует прагматическая концепция или абстрактная идея, а романтизм изгнан на задворки художественной мысли, Измайлов проявляет себя как неисправимый романтик» (rosgrafik.blogspot.com).

ПОТАПОВА Ольга Ананьевна (1892–1971) Без названия (Сирень). 1968
Картон, масло. 29,4 × 47,2

Имя Ольги Ананьевны Потаповой, автора композиции «Без названия (Сирень)» (1968), конечно, прекрасно известно знатокам творчества «лианозовской группы» и, шире, шестидесятников. Жена Евгения Леонидовича, мать Льва и Валентины Кропивницких, Ольга Потапова, профессиональная художница, педагог, участница выставок, всегда находилась в тени своей знаменитой семьи. Как писал Лев Кропивницкий, ее работы, в основном портреты, отличались изяществом рисунка и тонкостью проработки формы, были всегда проникновенно-интимны и полны мягкого лиризма. С 1957 года художница без колебаний приняла новые принципы в живописи. Она написала немного картин, их почти невозможно встретить в открытой продаже, и не каждое собрание другого искусства украшают собой ее удивительные композиции. «Ее многослойная живопись маслом и темперой излучает сияние драгоценного камня… В небольших картинах Потаповой столько содержательной одухотворенности, тонкого мистического чувства, возвышенного духовного начала, что трудно не подчиниться этим настроениям» (Л. Кропивницкий, 1965). В основном Ольга Потапова занималась абстракцией, но писала и фигуративные произведения, одно из которых мы сегодня представляем. Букет сирени как будто написан белой ночью, когда нет ярких цветов, только притушенные отблески, переливы, мерцания. Все тает, ускользает, растворяется…

ЗЛОТНИКОВ Юрий Савельевич (1930–2016) Коктебель. 1975
Бумага, гуашь. 46 × 74,8

Юрия Савельевича Злотникова, автора гуашевой композиции «Коктебель», называют «первым абстракционистом периода “оттепели”, на творчестве которого, как на крепком фундаменте, до сих пор держится современное русское искусство» (artifex.ru). «В ситуации культурной катастрофы, вызванной десятилетиями тоталитаризма, когда современное искусство было нелегитимным и потеряло не только весь энергетический заряд авангарда, но и сам смысл понятия “современное”, именно творчество Злотникова явилось тем спасительным мостиком, что связало художественные поиски послевоенного времени с достижениями русской культуры первой четверти века… Злотников на протяжении долгих лет, последовавших за хрущевской “оттепелью”, изыскивал и находил возможность поддерживать свои произведения в том условно-проектном статусе, столь необходимом для подлинного модернистского искусства, не опускаясь до декоративности или цитатности. Его работы представляют собой оппозицию не только “правому” крылу советского искусства, от официоза до разрешенного “молодежного” сюрреализма, но и “левому”, нонконформистскому лагерю — как поколению “шестидесятников”, так и более позднему московскому концептуализму.

Художник Юрий Савельевич Злотников преобразовал и донес до нас тот жизнестроительный импульс модернизма, у которого на всем протяжении советской истории не находилось широкого адресата» (cargocollective.com).

ЗЕЛЕНИН Эдуард Леонидович (1938–2002) Заснеженная деревня. 1980-е
Бумага на картоне, гуашь, пастель. 63 × 49,5

1980-ми годами эксперт датирует графическую композицию «Заснеженная деревня» Эдуарда Леонидовича Зеленина. Новокузнецк, Свердловск, Ленинград, снова Новокузнецк, Москва, деревня во Владимирской области, «бульдозерная выставка», показ в Измайлове, странный арест «за хулиганство» — отголосок участия в беляевском показе. В общем, так вышло, что в 1975-м Зеленин эмигрировал, по израильскому вызову, как делали тогда все, кому было сильно нужно (artinvestment.ru). А потом — работа, 10 лет выставок по всему миру, хлебосольный дом в Париже, о котором известно лишь по обрывочным воспоминаниям знакомых, замкнутость, отказ от экспозиций, ностальгия. И все время — работа. И ранний уход из жизни.

Наш пейзаж — мерцающая зимняя фантазия — написан в эмиграции. «Этот пейзаж решен в уникальной живописной декоративной системе Зеленина: цвет набран сложно, поверхность картины тщательно проработана небольшими аккуратными мазками краски и штрихами пастели, что создает эффект внутреннего свечения, драгоценного мерцания этой работы. Сюжет этого пейзажа ностальгический, сказочный», — отмечает эксперт. Читайте о художнике на AI: «Художник недели. Шестидесятник Эдуард Зеленин».

ЗЕЛЕНИН Эдуард Леонидович (1938–2002) Заснеженная деревня. 1980-е
Бумага на картоне, гуашь, пастель. 63 × 49,5

«Пейзаж с барашком» (1991) Владимира Николаевича Немухина — это, как пишет эксперт, уникальное по своим артистическим качествам редкое произведение «из небольшого цикла композиций, созданных в технике ассамбляжа, в которые мастерски и органично включены собственноручно вырезанные В. Н. Немухиным фигурки животных, рыбок и лодочек, а также электрические керамические изоляторы, провода и любимые им игральные карты. Причем иногда В. Н. Немухин распиливал вырезанные фигурки и использовал полученные половинки в двух различных картинах…

В… композиции “Пейзаж с барашком”, как и во многих вещах 1980-х — 2000-х годов, виден интерес В. Н. Немухина к творчеству художников-новаторов русского авангарда 1910–20-х годов и прежде всего К. Малевича. В данном конкретном случае, используя прием построения простого и лаконичного пейзажа цветовыми полосами, как и в поздних вещах из знаменитого “крестьянского цикла” К. Малевича, В. Н. Немухин подчеркивает свою преемственность и связь с творчеством великого новатора живописи ХХ века».

ГОРОХОВСКИЙ Эдуард Семёнович (1929–2004) Ню. 1997
Бумага, акварель, тушь. 50 × 37

Изящество, легкость и блестящее мастерство графика отличают рисунок «Ню» (1997) Эдуарда Семёновича Гороховского. Художник писал: «Сегодня я уже точно знаю, что не нужно заталкивать в картину великие идеи добра и зла. Я их оставляю за дверью мастерской, отделяя все жизненное от того, что связано с моей работой. Картина для меня — пластический объект. Моя забота — забота мастера-ремесленника: предельно виртуозно при помощи собственного метода, сообразно своим эстетическим воззрениям исполнить поставленную пластическую задачу. Я глубоко убежден, что именно эта разделенность художника и человека, где не путаются два начала и каждое из них совершенствуется по отдельности, только она — эта разделенность — приводит к таинственному их соединению где-то в околокартинном пространстве в виде чего-то неосязаемого, но именно того, что делает картину картиной». Мы предлагаем не картину, а всего лишь небольшой рисунок, но выполнен он виртуозно и передает не только фигуру, но и характер модели.

КУРОЧКИН Эдуард Степанович (1938–2014) Обнаженная. 1998
Холст, масло. 84 × 60

В 1998 году создан холст «Обнаженная» Эдуарда Степановича Курочкина — художника, о котором коллеги говорили, что он всего лишь делает вид, что пишет картины. На самом деле он создает порталы, затягивающие в ирреальные миры (dipart.livejournal.com). «Как пишет о художнике Игорь Дудинский, Эдуард Курочкин не рефлексирующий медиум, а сталкер-интеллектуал, чья миссия вполне выполнима и распространяется на целый спектр “потребителей”. Эстетам и любителям искусства он напоминает о бренности и эфемерности сущего. Несколько движений кистью — и окружающий пейзаж меняется с кинематографической стремительностью. Для более продвинутых ценителей волшебства и сновидений предусмотрена экскурсия по затейливым уголкам Зазеркалья — типа Страны Воспоминаний, где их ждут замаскированные под наших современников некие призрачные сущности — прельщающие, манящие и сулящие. Попутно художник занимается исследованиями зыбких и эфемерных границ между объективным и субъективным — Божьим твореньем и игрой зрительского воображения. Для Курочкина нет разницы между материальным и иллюзорным» (news.21.by).

«Судьба Эдуарда Курочкина — характерна для представителя той немногочисленной части послевоенного поколения, которая вместо того, чтобы по примеру подавляющего большинства сверстников любой ценой постараться наверстать упущенные возможности и “хорошо устроиться”, предпочла рискованную романтику философских и эстетических экспериментов, превратив свою жизнь в иррационально-непредсказуемую, полную приключений и авантюр езду в незнаемое» (Игорь Дудинский, dipart.livejournal.com).

Читайте об авторе на AI: «Впервые: живопись Эдуарда Курочкина на аукционе ARTinvestment.RU».

БУЛАТОВ Эрик Владимирович (1933) Слава КПСС. 2005
Бумага, литография. 60 × 60 (лист)

Литография «Слава КПСС» (2005) одного из основателей школы московского концептуализма, Эрика Владимировича Булатова воспроизводит одноименное живописное произведение, едва ли не самое известное в его творчестве. «Это воспринималось просто как лозунги советской действительности. Да, кругом написано “Слава КПСС”, плакат такой — ну и что? Или наоборот — наши философствующие диссиденты обрушивались на меня: как ты мог по нашему русскому небу написать эти жуткие слова? Пространственный смысл в моих картинах… просто не замечался. Читались сами слова: “Слава КПСС”. А больше — что еще там смотреть, и так все понятно. В лучшем случае все воспринималось как американский поп-арт, сделанный на советском материале. Так думали те, кто пытался найти тут какую-то иронию. Но никакой иронии не было. Был прямой портрет этой реальности» (Эрик Булатов, znak.com).

«…Я настаиваю на том, чтобы зритель внимательно смотрел на то, что нарисовано. Например, когда человек подходит к моей работе “Слава КПСС”, он читает надпись: “А-а, ну это я знаю”. А надо, чтобы не знал заранее, а смотрел на картину. Там между буквами и небом есть расстояние, буквы не приклеены, не написаны по небу. А раз есть расстояние — каждый живет сам по себе. И дальше смотрите сами.

Я настаиваю: понимание искусства начинается не со знания, а с ощущения. Понимание приходит или не приходит потом. Изначально понимания вообще быть не должно, оно ни при чем... Если происходит наоборот, то искусство остается неувиденным, непонятым» (Эрик Булатов, forbes.ru). Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Эрик Булатов».

Завершают каталог работы современных авторов.

ШАШКОВ Юрий Павлович (1932) Мулен Руж. 1988
Холст, масло. 50 × 60

Впервые на AI Аукционе представлена сегодня живописная работа «Мулен Руж» (1988) Юрия Павловича Шашкова. В свое время о художнике писал замечательный искусствовед и арт-критик Сергей Кусков, чье мнение очень высоко ценили шестидесятники: «Живопись художника Юрия Шашкова по-настоящему эмоциональна и искренна. Сам процесс письма насыщен той энергией, которая передает личностное мироощущение художника и обнаруживает его мощный темперамент в каждом мазке, в каждом всплеске красочных фактур, застывших на поверхности холста. Очевидно, что импрессия, понимаемая как непосредственное натурное впечатление, уступает место экспрессии — выражению с помощью живописи состояний собственной души. Энергия письма, сами витальные ритмы, присущие процессу исполнительства; динамика Почерка — все это также из пейзажных мотивов или образов цирка, давно уже увлекающих художника.

Живопись Шашкова смело можно назвать экспрессионистской, хотя это очень самобытное проявление экспрессионизма. С ярко выраженной “укорененностью” живописца в национальной художественной традиции и с со столь же ощутимым индивидуальным началом. Для художника всегда важен образ, его внушающая сила и узнаваемая подлинность, которые по ходу письма активно преобразуются силою воображения и экспрессией самой живописи. Его картины словно балансируют между воспоминанием и грезой, несущей в себе нечто сказочное, порою даже мистически загадочное...

Дух подлинной праздничности присутствует в работах Юрия Шашкова не только на уровне их сюжетов и образности. Праздником настоящего артистизма является у Шашкова сама живопись как процесс (то есть как “живопись действия”) и как воплощенный в картине результат этого процесса» (Сергей Кусков, ostshashkov.ru).

КОНЫШЕВА Натта Ивановна (1935) Семья художников. 1988
Оргалит, масло. 78,4 × 68,5

Интересный семейный портрет в интерьере представлен на картине «Семья художников» (1988) Натты Ивановны Конышевой. Автор не перегружает работу деталями, чтобы не рассеивать внимание зрителя, не отвлекать его от изображенных, использует довольно сдержанную палитру. Работа буквально пронизана любовью и дружбой. Авторский взгляд на художническую семью — теплый, веселый, с моделями ее конечно связывают тесные дружеские отношения. Но Натта Конышева не была бы собой, если бы все было канонично… Образы явно обладают портретным сходством, но выполнены с характерной авторской иронией. И что это там за птички бродят у ног главы семьи? Это намек на деревенскую жизнь или нечто совсем иное?

КАБАН-ПЕТРОВ Михаил Николаевич (1966) Рыбак. 2005
Холст, масло. 115 × 115

И еще одно новое имя на AI Аукционе — Михаил Николаевич Кабан-Петров, автор большого холста «Рыбак» (2005). Реализм восприятия окружающего мира, понимание этого мира как объективной реальности материализуется у художника в живописных размышлениях о содержании и смысле этой реальности. «В работе люблю процесс как таковой. Особенно срединную его часть, когда ты уже оттолкнулся от первоначального замысла и сама работа начинает вносить корректировки и вести тебя к конечному варианту. То есть, в итоге всегда получается немножко не то, немножко другое. Поэтому к творчеству отношусь, как к чуду. В том, что пишу или собираюсь написать, вижу прежде всего Явление. Явление-Хлеб, Явление-Лодка, Явление-Воздух, Явление-Ветер и так далее» (Михаил Кабан-Петров).

Искусствовед Ирина Маршева пишет: «Вспомним — “чем больше пауза — тем больше актер”. Живопись — это пауза времени и пространства. Художник Михаил Кабан-Петров осваивает этот удивительно действенный прием, он держит паузу, давая зрителю шанс в тишине искусства осознавать нечто важное и неизменно сущее» (russianartparisru.wordpress.com).

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Весна. 2018
Холст, масло. 100 × 80

Завершает наш каталог «Весна» (2018) Люси Вороновой — россыпь цветов, призывающая зрителя к радости, солнцу, обновлению.

Одновременно с нашим штатным 351-м AI Аукционом открыт 37-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство». В каталоге собраны работы Дианы и Алана Воуба, Ирины Корсаковой, Нины Котёл, Юлии Малининой, Ольги Пушкарёвой, Екатерины Рожковой, Мюриэль Руссо, Александра Савко, Андрея Сяглова и Андрея Туканова.

Всем желаем удачи на 351-м AI-Аукционе и 37-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.