Открыт 36-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
В каталоге — Азам Атаханов, Алексей Ваулин, Наталия Жерновская, Игорь Кислицын, Виктор Крапошин, Андрей Мунц, Кирилл Протопопов, Катя-Анна Тагути, Наталия Турнова, Татьяна Ян
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 350 и 36-го аукциона «XXI век. Современное российское искусство».
Лоты 36-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона — 7 живописных произведений, 2 композиции в смешанной технике и одна скульптура.
Азам Атаханов. Сон в Нерехте. 2011
Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атаханов, kommersant.ru).
Нерехта — небольшой город в Костромской области. Художник расцвечивает красками холст, как всегда используя обширную палитру, многое пишет локальными чистыми яркими цветами, но делает это так тонко и деликатно, что и пейзаж, и интерьер провинциального российского городка выглядят естественно. И даже утреннее солнце, освещающее обнаженную женскую фигуру, не резкое, восточное, а мягкое, среднерусское.
«Изначально задача живописи — с помощью цвета создавать и передавать образ, информацию, чувства, как в музыке с помощью звука. Всё, что касается цвета, пространства и его влияния на зрителя, — это то, чем я занимаюсь 30 лет», — говорит Атаханов.
«Чем музыка отличается от шума, живопись от раскрашенной плоскости, литература от должностной инструкции? Лишь красотой. Только истинная красота придаёт искусству смысл. Постичь и передать её — единственная подлинная задача художника».
Традиционные восточные сюжеты или женские образы, которые встречаются практически в каждой картине мастера, только на первый взгляд несут основную смысловую нагрузку в произведениях. Здесь следует говорить о переплетении смыслов, о возврате к глубоким корням, к тем временам, когда живопись опиралась на философию и религию (artmoskovia.ru).
Алексей Ваулин. Орбита жизни. 2013
…Я мог бы рассказать цветом о каждом дне своей жизни! (Алексей Ваулин).
Ваулин использует цвет как фактурную, практически скульптурную массу, из которой буквально лепит формы, а также как изящную графическую технику, рисуя цветными спонтанными линиями и пятнами; работает как декоративно, так и невероятно сложно с живописной точки зрения. В интеллектуальной абстракции Ваулина цвет достигает своей полной выразительности и свободы — он раскрывает сам себя, собственную чистоту и красоту, приравнивая живопись к философии (vaulin.info).
В современном искусстве вообще очень важен элемент неожиданности: непредсказуемость сообщает свежесть восприятию и обостряет наши чувства. Непредсказуемость стала нашим допингом, необходимой порцией «душевного экстрима», к которой все стремятся, несмотря на вечные слезы по поводу отсутствующего покоя. Современный человек — он не для покоя, он — для вечного поиска, горения, накала чувств и мыслей. У художника тем более не должно быть покоя как «внутренней тишины», убаюкивающей внимание умиротворенности. Живопись для меня — сама стихия непредсказуемости, хотя как автор я стараюсь продумывать свои композиции. Но в какой-то момент работа начинает вести тебя за собой и, взращивая ее, шлифуя её, ты вновь и вновь меняешься сам (Алексей Ваулин, vaulin.info).
Наталия Жерновская. Прогулки Короля Людовика XIV. 2001–2020
Наталия Жерновская художник известный. <…> И всякий раз, как верный последователь заветов Тимура Новикова и его Новой Академии изящных искусств (была основана в 1989 году), Наташа делает нам прививку Прекрасного.
Поначалу… это прекрасное было черно-белым. Затем начал появляться цвет… а в прелестных картинках «Прогулки короля Людовика XIV»… где королем-солнцем был сам Владик Мамышев-Монро (а кто бы смог еще?), Наташин соратник по академии и преданный приятель, она окончательно пришла к своему видению этого Прекрасного. Оно стало разноцветным. И хотя Наташа по-прежнему делает фотографии своим Nikon’ом, ее все больше и больше начинает занимать возможность изменения объективной реальности, данной нам в фотографии. Для чего она печатает снимки на акварельной бумаге разного формата. Затем ретуширует и раскрашивает пастелью и акварельными карандашами. Причем делает это в много слоев, каждый из которых покрывается лаком (Юлия Логинова, foto-video.ru).
Говоря более точно, рисует поверх фотографии, как живописец поверх карандашной прорисовки. Наталия может изменить цвет, контуры, добавить недостающие детали или убрать лишнее.
Жерновская работает в этой технике с 2000 года. Научилась она ей у Георгия Гурьянова. Раньше ее работы всегда были монохромные, в этой серии работ Наталья впервые использует различные цвета. Важно отметить, что мотивом к созданию «Прогулок короля Людовика XIV» послужила одноименная серия живописных картин Александра Бенуа. Интерес вызывает тот факт, что Бенуа и другие художники из круга «Голубой Розы» и «Мира искусства» создавали свои произведения, заимствуя образы из классических работ. Таким образом, они приближали ушедшую эпоху. Людовик XIV жил в XVII веке. Бенуа нарисовал свою серию в начале ХХ века. И вновь, в начале XXI века, Наталья Жерновская возвращается к теме Людовика XIV.
Более того, роль короля для данной серии фотографий играет Владислав Мамышев-Монро. Бесспорно, Монро обладает уникальным талантом перевоплощения. Его умение передать эпоху и интонацию монарха придало проекту убедительность. Несмотря на многовековую историю сюжета, художнице в этой серии работ удалось воссоздать эпоху барокко (club.foto.ru).
Мы все, рожденные в искусстве конца восьмидесятых — начала девяностых, воспитанные возможностью доверия идеалу в Академии Тимура Новикова, влюбленные в себя, и друг в друга, и в окружающий мир, полный сокровищ искусства и духа, остались бы навсегда простыми изваяниями той уходящей постепенно эпохи, но стиль и невесомое дыхание фотографии в произведениях и проектах Наталии Жерновской сохраняют биение жизни в мраморном сердце статуи нашего эстетического представлениях о месте человека во дворце, театре и возле огромного металлического корабля. И так далее... (Елизавета Плавинская, искусствовед).
Игорь Кислицын. Венеция. Рубедо. 1995
В образе прекрасной венецианки в роскошном красном платье Игорь Кислицын соединил старинный город, Средневековье, алхимию, магию и сделал его зримым воплощением рубедо — одного из краеугольных средневековых понятий алхимии, ее высшего этапа. Каждому этапу Великого делания соответствовал свой цвет, в зависимости от цветового изменения компонентов: так называемые «чёрная», «белая», «жёлтая» и «красная» стадии (nigredo, albedo, citrinitas и rubedo). Термином «рубедо» начиная с XV—XVI века алхимики в западной традиции определяют четвертый этап Алхимического делания, заключающийся в достижении просветлённого сознания, слияния духа и материи, создания философского камня.
В своем творчестве художник часто обращается к сакральным художественным традициям былых эпох: к древнерусской и византийской иконописи, романской фреске, готическому витражу и т. п. Уверенно поднимаясь над любой имитацией канона, художник погружается в исследование многомерных пластических кодов древних образов. Движение от поверхности в глубину, к обретению внутренней художественной формы идет не без активной интерпретации уроков русского классического авангарда.
В контексте живописи автор выстраивает личную «символографию» Духа. Пластические «иероглифы формы» существуют параллельно образно-фигуративному уровню картин. Прорези, контуры, иные начертания, подобно древнейшей стенописи, резко и метко процарапаны в толще многослойной красочной кладки.
Кислицын несомненно колорист, цвету отведена немалая роль — и как средству усиления образного воздействия картины на зрителя, и как носителю его идей. Автор уверенно и выразительно возделывает красочную поверхность, пользуясь многочисленными подкладками и лессировками; усложняя и уплотняя цветовые отношения, добивается эффекта драгоценного мерцания. Это живопись, которая, безусловно, способна радовать не только дух, но и глаз (Вера Родина).
Виктор Крапошин. Некому берёзу залом…? 2019
Предметная, с подробными деталями, ясная живопись особенно привлекает меня. Набор тем, как мне кажется, стандартный для любого человека искусства: Жизнь, Любовь, Время, Смерть, Сбывшееся и Несбывшееся, Страх и Надежда. Главная моя задача (и не только моя) — найти свой язык для отображения настоящего времени и всего, что прошло через меня; того, что было когда-то настоящим, а теперь — прошлое (Виктор Крапошин).
Картины <Крапошина> обманчиво идилличны, искусно написанный пейзажный фон кроток и умиротворен, напрямую отсылая к хорошо усвоенным урокам русской пейзажной школы. Однако зрителя не оставляет ощущение, что мир его картин очень странен, полон особой атмосферы, пронизывающей пространство, намекающей на иное, запредельное измерение (Вера Родина).
Фразу из народной песни художник завершил вопросительным знаком, приглашая зрителя задуматься не только над картиной, но и над авторской трактовкой названия. Крапошин разделяет сельский и городской пейзаж, и если первый занимает бóльшую часть холста, его образы свободнее, крупнее, то второй обладает поразительной сделанностью — его композиция закручена в тугой узел, множество мелких деталей тщательно прописаны, наглядны. Сломанная береза, проросшая из центра городского пейзажа, — центральный образ полотна — воспринимается зрителем как символ того, что на свой вопрос автор уже ответил. Другое дело — как?
Андрей Мунц. Реверс. 1998–2019
Моя концепция — это отсутствие концепции. Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям (Андрей Мунц).
Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена… внешняя логика, в нем, как будто, и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.
И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя (Наталья Сопова).
Кирилл Протопопов. Феникс с золотым треугольником. 2016
Когда человек начинает работать, участвовать в творческом процессе, он постепенно начинает понимать, что ему близко, из чего он может творить. Я начинал с живописи, с плоскости, потом перешел в рельеф. Когда я пришёл к скульптуре, то много экспериментировал и пробовал разные техники. Через какое-то время я почувствовал, что бронза — это какой-то «вечный» материал, что он мне близок. Бронза — это достаточно мягкий металл, а есть такой металл — тоже бронза, но с большим содержанием цинка, — латунь. Жёлтого цвета, более жёсткий. Я стал использовать в скульптуре именно латунь, потому что, мне кажется, она более напряжённая, более звонкая.
Ещё, когда ты делаешь скульптуру, всегда нужно думать о пропорциях. Есть такое понятие — оптический вес. Должен быть баланс. Нужно вращать композицию вокруг центра и смотреть сверху, снизу, сбоку… Ведь скульптура — она круглая (Кирилл Протопопов, st-tatiana.ru).
Феникс — мифологическая птица; предвидя свою смерть, феникс осуществлял воссожжение себя, после чего появлялся вновь из огня или же возникал из пепла, праха. Феникс считается символом вечного обновления, бессмертия. В скульптуре Кирилла Протопопова образ феникса дополнен бронзовой подвеской в форме золотого треугольника — кинетическим элементом, который в разных формах нередко встречается у автора. «Мне кажется, что эти подвески добавляют скульптуре больше декоративности, изящества, легкости. Поскольку я заканчивал дизайн, эти элементы мне очень близки и понятны» (Кирилл Протопопов, st-tatiana.ru).
Пластика Протопопова, наделенная чертами высокой ювелирной эстетики ар-деко, никогда не впадает в утилитарность. Излюбленным материалом автора является бронза с многообразием оттенков поверхности металла, камень и смальта в сочетании с традиционной и современной техникой, а также графическим дизайном. Структура и выразительность поверхности здесь особенно важна, поскольку она дает представление о внутреннем напряжении произведения, а также определяет его взаимодействие с окружающим пространством (Екатерина Шмакова, искусствовед).
Катя-Анна Тагути. Нью-Йорк. Туман. 2018
В основе моей техники — холст, фон которого может быть неоднородным; поверх этой фактуры я начинаю рисовать углем, сангиной. Затем покрываю изображение белилами и поверх них — снова уголь, сангина, акрил. Рисунок постепенно становится многослойным — своеобразный палимпсест. Что-то проступает сквозь все слои — вот это «что-то» проявляю, создавая новую оптику. Я не всегда знаю, что получится в конце, — каждый раз это борьба с материалом. Каждый раз это как путешествие с заранее известным маршрутом, но со множеством случайных встреч, происшествий, неожиданных поворотов.
Я применяю термин «палимпсест» как метафору многослойности жизни (Катя-Анна Тагути, annataguti.ru).
Туман своего рода природный аналог художнической манеры Кати-Анны Тагути. Он размывает графику улиц и очертания домов. В тумане могут вдруг проявиться знакомые и в то же время незнакомые очертания предметов. Туман лишает пейзаж привычной завершенности, и то, что казалось давно и хорошо знакомым и естественным, вдруг становится новым, обретает не бывшую прежде самостоятельность и значимость. В тумане, как и на полотнах Тагути, мы видим «настоящее, сквозь которое просматривается прошлое и на которое отсвечивает будущее» (Катя-Анна Тагути, annataguti.ru).
Наталия Турнова. Мераб Мамардашвили. 2007
«Не представляю себе философию без рыцарей чести и человеческого достоинства. Всё остальное — слова» (Мераб Мамардашвили, vk.com).
По опыту я ощущала, что человека всегда интересует человек. А жанр портрета, как нам его преподносили в 1970–90-х, оставался достаточно традиционным, реалистическим. И если ты выходил за эти пределы, то уже обращал на себя внимание. Мне было интересно поработать с традиционным портретом, чтобы он оставался живописью, но превращался во что-либо другое. Если ты брал образ известного человека, устоявшийся не только в визуальном, но и в этическом отношении, и выполнял в нетрадиционной для того времени манере, это воспринималось по-другому и понималось как живопись, а не как изображение писателя или вождя (Наталия Турнова).
Выразительное, с крупными чертами лицо философа Мераба Мамардашвили на холсте Наталии Турновой обретает новое звучание, как будто каждый чистый цвет, который использует художник, — это дополнительная краска к психологическому портрету. Зритель видит в этой работе и живопись, и портрет глубокого, незаурядного человека, который когда-то написал: «Мы живы в той мере, в какой оживляем других».
Портрет — жанр, который Турнова предпочитает многим другим. Ее интересует не портрет конкретного человека, а скорее, портрет какого-то социального явления или чувства, переживания. Лицо человека в большинстве случаев предстает в виде овального пятна, обозначенного цветом, где цвет — это синоним психологичности, сложности эмоционального переживания. Отсюда рождается ощущение новой реальности. «Мне лично человеческое лицо наиболее интересно. Это очень пластичный материал, при помощи которого можно показать очень многое. Поэтому для меня портрет — благодатная почва, если уметь ей пользоваться. Не могу сказать, что я это умею, но пытаюсь» (artinvestment.ru).
Татьяна Ян. Римский полдень. Диптих. Из серии Rome. Via sacra. 2015
Натюрморты московской художницы Татьяны Ян отличаются своеобразным «портретным» подходом к предметному миру. Современное видение цвета, формы и композиции в ее картинах сочетается с глубоким мировоззренческим содержанием, за которым — мощная традиция раннехристианского искусства и наследие мастеров прошлого (Андрей Толстой, tatyanayang.ru).
…Греко-римская античность. Она такая детская. Радость, беззаботность, дионисийское начало в ней. Непосредственность и естественность человека. Вообще, культура античности — это естественность, причем очень красивая, потому что естественность может быть только красивой (Татьяна Ян, seasons-project.ru).
Рим. Одно из сильнейших потрясений, кроме собственно города — фрески виллы Ливии, которые сейчас находятся в Палаццо Массимо. Я давно мечтала увидеть их в реальности, но первый миг, когда я вошла в это пространство, был просто сногсшибательный, на несколько секунд исчезла сила тяготения, было состояние невесомости. Понятно, что это стена — и при этом рай какой-то, абсолютно райское состояние. И все это в мерцающем синем свете.
Весь Рим — это город радости! Я это состояние нигде не испытывала. Думала, что это только мое.
Чувство счастья. В Риме испытываешь особое, очень личное, нигде прежде не бывшее, счастье. Я как-то у Зиммеля прочитала очень развернутое теоретическое объяснение этому, когда человек попадает в реальность Рима, которая состоит из осколков, фрагментов, деталей, обкатанных временем. И, находясь в этом городе, утрачиваешь все, что не есть ты сам, все наносное, чужое, остаешься подлинным, чистым (это я примитивно выражаю очень красиво сформулированную Зиммелем мысль). И ты становишься таким величественным, обкатанным вечностью осколком. Это то самое возвращение в античность, когда ты обретаешь свой истинный рост, свои формы и свое содержание (Татьяна Ян, seasons-project.ru).
Желаем удачи на аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20201005_auctionAI_xxi.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20201005_auctionAI_xxi.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
