Открыт 96-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   13 декабря 2021

В каталоге собраны произведения Анелии Алиповой, Юрия Бабича, Сергея Базилева, Сергея Бордачева, Галины Быстрицкой, Тимофея Бычкова, Дмитрия Воронина, Даши Делоне, Михаила Дронова, Евгения Зевина, Александра Кацалапа, Игоря Кислицына, Бориса Марковникова

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 410 и 96-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 96-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 13 лотов — девять живописных произведений, три скульптуры, и одна фотография.

Дополнительный стринг — 5 работ Pata (Пааты Мерабишвили): три скульптуры и две живописные композиции.

Анелия Алипова. Бушмен. Из серии «Монохром». 2018

Для меня простота, умение видеть необычное в самых простых вещах, эксперимент, постоянный поиск являются основой творчества. Я работаю в разных стилях и направлениях, иногда смешивая их (Анелия Алипова).

Все мы в далеком прошлом были частями одного целого. И о первобытной культуре можно судить как раз по тем остаткам племен, их обычаям, вере, образу жизни, которые до сих пор можно найти где-то в глубине Африки, Океании или Австралии.

Главный герой картины — бушмен, представитель одного из древних народов, чья численность сейчас составляет всего лишь около ста тысяч человек. Бушменами африканских людей называли колонисты, которые отвоевывали их земли. Эти племена были воинственны, но их оружие не могло противостоять оружию завоевателей.

Но изображаемый персонаж совершенно не похож на подобного представителя коренных племен, какими они представлялись европейским первооткрывателям новых африканских территорий. Это не конкретный человек, а скорее, собирательный образ или даже воплощенный дух народа охотников, истинных хозяев этих земель. Именно поэтому совершенно не важен возраст и половая принадлежность: все лишнее отсекается для того, чтобы подчеркнуть внутренние качества персонажа. Он — средоточие жизненной силы и энергии, олицетворение первобытного мира, до сих пор связанного с природой.

Лицо его, словно боевая маска, скрывает чувства.

Колористическое решение также максимально лаконично: черный и белый. Глухой однотонный фон словно огромная бездна времени за спиной персонажа. Асимметрия его боевой раскраски подчеркивает особенности строения черепа и выразительные черты лица. Естественным образом акцент ставится на больших глазах, которые направлены прямо на зрителя. Бушмен смотрит без тени страха, даже с вызовом. Наверное, именно так смотрели представители африканского народа на первых белых людей, вторгшихся на их территорию (Надежда Соколова, искусствовед, арт-критик, специалист по работе с современным искусством 11.12 GALLERY).

Юрий Бабич. Пирамида. 2007

Мой метод был создан для производства фотографического изображения, обладающего станковым характером. В результате получаются произведения эксклюзивного музейного качества, воссоздающие пластику дагеротипного изображения, которое, как казалось ранее, осталось в истории фотографии середины XIX века (Юрий Бабич).

Эксперименты по созданию новых методов печати фотографических изображений были начаты Юрием Бабичем ещё в 1996 году. От первых опытов до уникальной авторской технологии, позволяющей получить высококачественное дагероскопическое изображение, в полной мере воссоздающее пластику старинных дагерротипов, прошло почти 12 лет.

С технической точки зрения дагероскоп — это многослойное изображение, полученное путём последовательного спекания образующих его слоёв. Основой дагероскопического изображения служит подложка из драгоценных металлов, на которую с помощью самых современных технологий, таких как технология масштабируемой печати, нанесено фотографическое изображение, покрытое ламинатом или нейтральными в химическом отношении лаками. Благодаря многослойной основе дагероскопа изображение меняет свои свойства в зависимости от ракурса, условий освещения и наличия микро-разрывов на золотых или серебряных слоях, наносимых поверх металлического листа перед переносом на него самого изображения. С этим связан и принципиальный отказ автора от репродуцирования его работ, которые теряют при плоскостном воспроизведении большую часть своих художественных качеств.

Каждую неделю в аукционном обзоре мы пишем, что аутентично передать произведение искусства ни одно устройство не может, ибо между произведением и зрителем стоят фотоаппарат и экран. Личное восприятие не заменит никакая техника, ибо каждый человек видит картину и чувствует ее ауру по-своему. Работы Юрия Бабича видеть лично необходимо — это главное условие их правильного восприятия.

Читайте об авторе и его уникальной технологии фотопечати на AI: «Персона недели: Юрий Бабич».

Сергей Базилев. Из цикла «Под водой». 2017

Сергей Базилев — один из лидеров советского гиперреализма; ключевые проблемы которого он разрабатывает в живописи на протяжении десятилетий. Главная особенность направления и исходный материал для создания художественного произведения — фотографический образ.

Советские гиперреалисты… интригуют зрителя всеми возможными способами, начиная от выбора тем — странных, захватывающих, шокирующих — и заканчивая эффектами живописной манеры. И если американские художники методично оттачивали технику гладкого сплавленного письма, то советские зачастую интересовались техническими сбоями и акцентировали неоднородность живописной поверхности, когда пастозные мазки могли соседствовать с прозрачными лессировками. В интерпретации советских «гиперов» картина реальности расслаивается, раскалывается и выглядит повреждённой множественными разрывами.

Сергей Базилев радикально обновил свою манеру и «вышел из сумрака» напряжённых и драматичных композиций конца 1980-х. Его постсоветские серии на первый взгляд решены в мажорных интонациях и наделены пленэрными качествами, как будто художник покинул мастерскую и начал работать в открытом пространстве. Этот переход из гипер- и фотореализма в импрессионизм не имеет отношения к историческому пленэрному импрессионизму, поскольку источниками для картин Базилева по-прежнему остаются фотографии в широком диапазоне — от архивных до современных снимков. А эффекты пленэрного освещения и свободная манера письма — это мнимые свидетельства непосредственности восприятия и естественности поведения в условиях некоего «искусственного рая» в эпоху постмодерна.

Доминанта пленэрных качеств определяет и выбор тем: вместо сюжетных композиций, претендующих на глобальное обобщение, художник предпочитает камерные портреты, сцены из частной жизни, пейзажные и натюрмортные мотивы. Сама эстетика пленэра — работы на открытом воздухе — стимулирует Базилева апробировать варианты уличного искусства и сводить их с традицией гиперреализма. Пленэр располагает к дальнему видению, и многие мотивы, зафиксированные в “упор” с помощью фотоаппарата, Базилев, соответственно, пропускает через дальнее видение. Таким образом ему удаётся совместить дистанцированный взгляд снаружи и максимально приближённый взгляд “изнутри” (как в ситуации создания “селфи”) (Кирилл Светляков, искусствовед, заведующий отделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи, sergeybazilev.ru).

В серии «Под водой» художник пишет людей на фоне подводных видов. Иногда их лица и тела под водой вполне отчетливо вырисовываются, а иногда, как сейчас, виднеются лишь силуэты головы, рук и плеч, растворяющиеся в цветном калейдоскопе солнечных бликов. В интерпретации автора запечатленная сцена настолько отдаляется от фотоснимка, что теряет всякую связь с первоисточником: «В картинах Базилева фотография парадоксальным образом умирает в ритме живописных мазков, и ее смерть в первую очередь связана с потерей документальной основы», — отмечает искусствовед К. Светляков (sergeybazilev.ru). За счет имитации пленэрной живописи и использования псевдоимпрессионистических бликов создается иллюзия непосредственного натурного восприятия. Живописная фактура полотна имеет традиционную для работ Базилева зыбкую, вибрирующую поверхность, а изображаемая сцена балансирует на грани фигуративности и абстракции.

Цветовые отношения здесь явно доминируют над формальными — Базилев в очередной раз демонстрирует талант колориста, показывая богатое разнообразие оттенков в синем пространстве воды, окрашенном игрой солнечных лучей. Палитра произведения строится на сочетании синих, голубых, зеленых, желтых, коричневых, багряных, розоватых и фиолетовых оттенков. Ритм пастозных мазков передает пузырьки воды от человеческого дыхания и создает эффект движения водной массы. Таким образом, фотографический снимок, пропущенный через мнимое натурное видение, обрастает живописными качествами и превращается у Базилева в полноценную станковую картину, бросающую вызов ее первоисточнику (Мария Беликова).

Сергей Бордачёв. Желтое. 2011

Абстрактной живописью Сергей Бордачёв начинал заниматься в середине 1960-х. В его экспериментах переплелись орнаменты и письменности древних культур, искусство скифов, увиденное на раскопках древних курганов, творчество Кандинского, Малевича, Татлина. «Работы Бордачева полны цитат авангардного наследия, переосмысленного, перекроенного» (smotrim.ru). «Сергей Бордачёв демонстрирует редкое для современного художника совершенство, помноженное на его самобытное видение авангардных традиций» (Вольфганг Лехман, критик).

Живописные абстракции Сергея Бордачёва обычно не очень строги, больше тяготеют к декоративности. В отличие, например, от единожды найденных «личин» Олега Целкова, «Бордачёв много раз менял стили своих абстракций, его серии зачастую совсем не похожи. Да, у него есть свои закономерности: приверженность абстракции, выраженная экспериментальность с узнаваемыми влияниями. А еще страсть к “смягченной” геометрии прямоугольника, круга и треугольника. Но универсальную стилистическую формулу зритель вряд ли обнаружит» (artinvestment.ru).

Редкий художник, которому посчастливилось участвовать почти во всех исторических неофициальных выставках 1970-х годов. После Беляево (15 сентября 1974) картины Сергея Бордачёва были представлены и на выставке в Измайлово (29 сентября 1974), и в павильоне «Дом Культуры» на ВДНХ (20 сентября 1975). После этого его работы были на многих «квартирниках» весны 1976-го (дома у Владимира Сычёва и др.). Бордачёв участвовал в первой и последующих выставках живописной секции при горкоме графиков на Малой Грузинской, 28, с января 1977-го. Там же он позже выставлялся в составе горкомовской группы «21» (со своим другом Зверевым и др.). С конца 1970-х работы Бордачёва путешествовали по Европе и Америке в составе «Музея современного русского искусства в изгнании» Александра Глезера, участвовали во многих зарубежных выставочных проектах неофициального советского искусства (artinvestment.ru).

Галина Быстрицкая. В провинции. Франция. 2016

Галина Быстрицкая — путешественник, художник, фотограф.

У меня вся жизнь как путешествие — и ожидание путешествия, которое я считаю не-жизнью, то есть это промежутки между путешествиями, которые посвящены осознанию предыдущего материала и подготовке к следующему.

<В путешествии> ты действительно бросаешь себя полностью в новую ситуацию, ты зачеркиваешь все, что оставил. Ты абсолютно перерождаешься. Оказываясь с новыми людьми в новой ситуации, ты пытаешься проверить еще раз, каким ты можешь быть, или какой ты новый в глазах этих людей. В принципе, ты живешь новую жизнь (Галина Быстрицкая, svoboda.org)

За 2010–2017 годы мне удалось поработать в Аргентине и Перу, Вьетнаме и Камбодже, Португалии, Бельгии, Южной Африке и Индии, России и Франции, на острове Родригес и Мальдивских островах. Жажда открывать не иссякает (Галина Быстрицкая, gabystr.gallery).

«Продолжая художественную традицию, сложившуюся в европейском искусстве еще в конце XIX столетия, Быстрицкая намеренно отказывается от изображения раскрученных архитектурных объектов и узнаваемых видов, отдавая предпочтение жанровым сценкам, скрытым от глаз обыкновенного туриста. “Ее интересуют рыбаки, велосипедисты, крестьяне, баркасы у причала, собаки у пристаней, нищие, старики, дети. Сотни быстрых набросков, эскизов, великолепных динамичных рисунков, фотографий; иногда — просто запомнить, поместить в копилку зрительных-тактильных-вкусовых ощущений, которые делают такими увлекательными рассказы после возвращения”. <…> Быстрицкая пишет только в тех местах, где ее посещает вдохновение» (yandex.ru).

«Ее картины рождаются во время путешествий. Она берет с собой в дорогу… холсты и сразу пишет маслом. Главное, говорит Галина Быстрицкая, чтобы “зацепило”. Зацепить ее могут самые прозаические вещи <…> и тогда можно работать двадцать четыре часа в сутки. Так было во время поездки в Венецию, когда художница писала даже по ночам: “Через несколько дней пошел такой потрясающий импульс от города, что я не могла спать. Я работала непрерывно. У меня дрожали руки от возбуждения. То есть, я понимала, что теряю каждую минуту, если не пишу”» (tvkultura.ru).

Ее эмоциональной манере присущи яркие краски. А работает художница в основном руками, обтянутыми тонкими хирургическими перчатками, и лишь изредка прибегает к помощи мастихина. «Я просто тку из воздуха, из краски то чувство, которое мне хотелось бы передать. И поэтому самое точное касание, на самом деле, касание пальцами» (Галина Быстрицкая, tvkultura.ru).

«Галина Быстрицкая стремится объять необъятное. Ей хочется все успеть и почувствовать, острее ощутить окружающую жизнь, получить импульс для творчества. Ее картины — это сгусток энергии, симфония красок. “Это попытка пробиться к первоосновам ощущений, которые именно в этом географическом месте, как в узле, как она говорит, концентрируются”, — говорит искусствовед Анна Чудецкая» (tvkultura.ru).

Тимофей Бычков. Первый загар. 2017

Обладая классическими приемами пластики, молодой скульптор нарочито легко отходит от реалистически-иллюзорной лепки к обобщенным формам. Тимофей Бычков создает свой художественный мир, причудливый и многообразный. Его произведения несут принцип иронии и гротеска, они основаны на взаимосвязи реальности и причудливых фантазий. Все это позволяет посмотреть на обычные предметы и явления с совершенно неожиданной, необычной точки зрения. Обыденные вещи одухотворены шутливо-эмоциональным авторским видением. В современное искусство вошел скульптор впечатляющего творческого потенциала (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

Тимофей Бычков — московский скульптор, сын скульптора Сергея Бычкова. Окончил МГХПА им. С. Г. Строганова (2018). Один из трех победителей IV Конкурса молодых скульпторов-анималистов «Класс! Насекомые!» Государственного Дарвиновского музея (2019). Участник выставок с 2018. Член Союза художников с 2019.

Дмитрий Воронин. Превращение. 2021

 «В конце 90-х годов, монтируя одну из скульптурных выставок, неожиданно увидел необычную работу. Спрашиваю: кто автор? Подходит скромный, худенький молодой человек… Это был Дима Воронин, а работа называлась “Рыба”.

С тех пор встреча с каждым произведением Димы вызывает у меня удивление и восхищение.

По мастерству обращения с материалом ему нет равных, разве только скульптор Кирилл Александров.

К своим открытиям в скульптуре Дима прошел и через классическую школу Строгановки, и через реставрацию, и через работу гл. художником фрезерного завода. В разное время его учителями были такие большие скульпторы, как Лев Михайлов, Александр Белашов, Александр Бурганов. Но сильнее всего, по мнению самого автора, на него <повлияло> творчество Андрея Марца. Гротескность образа, предельная лаконичность стали основными приемами и в творчестве скульптора Дмитрия Воронина.

В своих произведениях Дима как бы балансирует на грани. Отказ от традиционной пластики, идеализация формы, предельная выявленность материала легко могут увести в холодный дизайн и потерю внутренней теплоты содержания. Не случайно автор иногда возвращается к традиционной пластике…

Очевидна безразмерность многих произведений Димы, они могут быть воплощены и в более крупных размерах.

Почему животные? У Димы с детства были животные, он любил их и наблюдал за ними. Думаю, что внутреннее восхищение божественным творчеством — неисчерпаемость форм и конструкций — подлинный фундамент творчества скульптора Дмитрия Воронина» (22 апреля 2014, скульптор Борис Чёрствый).

Дмитрий Борисович Воронин — художник-анималист, работающий в графике и станковой скульптуре. Окончил Московское высшее художественно промышленное училище (Строгановское) в 1987 году. Член Союза художников России, почётный член-корреспондент Международной академии культуры и искусства. Работы автора находятся в собрании Государственной Третьяковской галереи, Биологического музея им. К. А. Тимирязева, Государственного Дарвиновского музея, Министерства культуры России, а также в частных коллекциях России, Франции, Англии, Голландии, Польши, Кореи, США.

Даша Делоне. Над городом. 2020–2021

Даша Делоне — художник третьего русского авангарда, по определению автора термина Елизаветы Плавинской, — «хаотичного сборища художников, находящихся вне системы не только по обстоятельствам, но и по убеждениям, свободных в творческом выборе всего и объединенных только диким желанием работать».

В ее стиле живописи сочетаются такие эстетика и традиции, как наивное искусство, европейский сюрреализм, древнерусские фрески и русский авангард начала ХХ века. Пространство картин Делоне приглашает зрителя в мир личного воображения и культурных архетипов. Вселенная художника населена множеством странных и в тоже время легко узнаваемых существ: драконов, фей и фантастических животных. В работах Делоне наша повседневная реальность приобретает новое мистериальное измерение, а кажущаяся детская простота раскрывает философские глубины (Александр Панов, критик).

Откуда появилась эта странная Вселенная у художницы, чье детство и юность пришлись на последние советские десятилетия? «Началось все со средневековой русской книжности, миниатюр и реставрации средневековых церквей. Параллельно — студия графического дизайна Бориса Трофимова: изучение сетки, знака, типографики и законов длящихся композиций» (Елизавета Плавинская, куратор, критик, искусствовед). После была студия, где учили писать маслом на холсте, учеба у авангардного керамиста 1980-х Ирины Лабутиной, самостоятельные опыты с керамикой, эмалями, изучение химии, достижение чистых цветов, работа с дизайнером Аркадием Троянкером и — возвращение к живописи со всем этим огромным техническим и в первую очередь духовным багажом. «Первыми появились драконы и рыбы: “Я собиралась рисовать совсем другое, а тут он вдруг взял и появился”. Даша рисует трамвай — появляется дракон, рисует рыбу — а на нее садятся парки (тетки, ведающие судьбой).

Вот о чем я думаю в связи с искусством Даши Делоне: авангард — это не клишированное высказывание, это искусство не идеологическое и не философское. Это сказочный экзистенциализм такой. Вариант реализма — только реальность совсем экзотическая. Творчество Делоне — это авангард, опирающийся на многовековой культурный опыт столичного жителя, но не подавленный им, а, как на старом  аэроплане, улетающий все время в некий особенный климат, где драконы чувствуют себя нормально (Елизавета Плавинская).

Михаил Дронов. Осьминог. 1992

Михаил Дронов — один из ведущих отечественных скульпторов. Художник отточенной формы принадлежит к поколению «восьмидесятников», чьи творческие пути определялись временем и осознанием себя частью этого времени. Он создает свой художественный мир, причудливый и многообразный, основанный на взаимосвязи реальности, фантазий и гротеска. Скульптор — экспериментатор, и дух его поисков всегда интересен. С легкостью объединяя реалистически-иллюзорную лепку с обобщенными формами, скульптор создает станковую работу, многофигурную композицию или натюрморт, где образный мир произведений подчинен исключительно свободе мироощущения и самовыражения (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

Михаил Дронов — яркий представитель поколения художников, которые родились в годы «оттепели», сформировались в 1970-х и вступили в творческую жизнь в 1980-х. Он принадлежит к группе мастеров, широко образованных, прошедших серьезную классическую школу и внутренне свободных. Узнаваемый, яркий художественный язык Дронова строится на высочайшем профессионализме. Это позволяет ему сочетать классическую традицию с пластическими новациями.

Достигая минимальными средствами максимального эффекта, он создает фантастический, насыщенный аллегориями и символами, мир. Его остроумная образность включает и повествовательное начало — оно прочитывается не в многословной детализации формы, а через внутреннее состояние причудливых персонажей.

Монументальные произведения автора установлены в нескольких городах. На площади Рембрандта в Амстердаме — скульптурная группа «Ночной дозор». М. Дронов выполнил ее совместно с А. Таратыновым по мотивам знаменитого полотна. Жителям Москвы знакома композиция Дронова «Александр и Натали» перед храмом «Большое Вознесение» у Никитских ворот, где венчался Пушкин с Гончаровой, и изображения благоверного князя Гавриила Псковского и преподобного Варлаама Хутынского на оконной арке южного фасада храма Христа Спасителя. Еще две монументальные работы скульптора представлены в Петербурге: «Пётр I» в аэропорту Пулково и «Святой Пётр» в Александровском парке (museum.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Михаил Дронов».

Евгений Зевин. Хоровод. 2020

Главное, не поддаваться унылой прозе жизни. Мне всегда хочется передать в своих работах позитивное отношение к жизни. Светом, цветом, эмоциями. Жизнь прекрасна, даже если случается, что ты не соответствуешь ей… (Евгений Зевин, rg.ru).

В своей живописи я всегда стараюсь найти что-то новое, неизведанное, не опробованное раньше, это и есть мое авангардное устремление. Я хочу, чтобы мои картины помогали людям жить в наше непростое время, сделать их жизнь лучше, добрее, устойчивее, если хотите, надежнее. Я хотел бы морально, духовно, нравственно поддержать человека. Искусство должно давать человеку радость, доброту, нравственную и духовную опору (Евгений Зевин, ru.wikipedia.org).

Есть какая-то мистическая точность. Когда художник ее достигает, картина, независимо от своего содержания, утешает, примиряет всех нас с жизнью. Я думаю, главная цель искусства — утешать человека и Евгений Зевин почти всегда достигает этой цели. Его новаторство тут же на месте оплачивается самой верной и самой старинной монетой — талантом. (Фазиль Искандер, aris-art.ru).

Искусствоведы не раз отмечали сходство полотен Зевина с музыкальными произведениями, поскольку им также свойственны понятия формы, ритма, эмоционального окраса. Более того, многие сюжеты его произведений вдохновлены музыкальными композициями. Так, название «Время — вперёд!» отсылает к известной оркестровой сюите советского композитора Георгия Свиридова, которая задает «темп» и самому живописному произведению (Мария Беликова).

Евгений Зевин — народный художник России, Президент Российской Академии Искусств, заслуженный деятель искусств РФ, почетный член Российской академии художеств.

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Евгений Зевин».

Александр Кацалап. Знак. 2015

Александр Кацалап совмещает в своем творчестве полистилистику модернизма и концептуальное искусство, создавая оригинальные и узнаваемые произведения.

В середине 2000-х Кацалапу посчастливилось познакомиться с Владимиром Николаевичем Немухиным — одним из немногих мастеров, с именами которых связано понятие второго русского авангарда. По собственному признанию художника, Немухин оказал существенное влияние на его мировоззрение, задав концептуальный вектор его творчеству. Как и многие нонконформисты, Кацалап также переосмысливает достижения отечественного искусства 1910–20-х годов. Он совмещает супрематические формы Малевича с примитивистской эстетикой, заполняя все пространство своих работ геометризированными персонажами и отказываясь от перспективы и глубины.

Своеобразным оммажем Владимиру Немухину представляется «Знак» (2015) Александра Кацалапа. Черный знак ясно отсылает к символу лабиринта, который встречается в работах Немухина (хотя Кацалап написал его по-своему). Эта лаконичная фигура, учитывая место ее расположения в композиции, обладает множеством смыслов, которые гармонично вписываются в концепцию авторской «территории» Кацалапа.

С 2011 года художник работает над проектом «Моя территория» — серией картин, скульптур и инсталляций, объединенных мотивом личной территории человека, первообразом которой стал собственный участок художника, окруженный забором, и коттедж, где он живет. «В 2011 году я осознал простой факт, что всё, что есть на моем участке в коттеджном поселке, недалеко от Москвы, в полной мере отражает весь мир в его громадности и многообразии. На моем участке есть трава, деревья, облака, небо, солнце, звезды, птицы, а если чего и не хватает, то Интернет поможет связаться с любой точкой мира. И у меня, у художника, нет потребности в поисках новых впечатлений, нет необходимости ехать куда-либо, потому что, у меня есть всё...» (Александр Кацалап).

Работая в разных «манерах», всегда примеряя к ним критерий «сделанности», он одинаково далек как от полного увлечения чисто живописно-пластическими приемами, что заполняет нашу выставочную практику всем уже поднадоевшей «виртуозностью» абстракции, так и от «литературной зауми» сюжетного или концептуального толка. Он правдив, часто прямолинеен в отстаивании своего права, «своей территории», своего мироощущения: мира вещного, прочного, порой и с мистическими реминисценциями символов и намеков, но своего, отгороженного от суеты и мишуры повседневности (Валерий Дудаков, коллекционер, художественный критик).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Кацалап».

Игорь Кислицын. Девочка с яблоком. 1995

Народные корни искусства и сегодня влекут всех профессионалов, да не все из них могут подняться выше простой аранжировки или стилизации. Игорь Кислицын сумел уверенно претворить, «перекодировать» в новое качество типовую структуру древних композиций. Постепенно ему раскрылся весь глубинный образный «орнамент» архетипа: роль силовых линий и узлов, ритмических пауз и акцентов, «вечное» поступательное или круговое движение, здоровая гармония рисунка и цвета, знаковость и символика фигур (Лев Дьяконицын, nasledie-rus.ru).

Если говорить о традициях, которые продолжает Кислицын, то, при всей очевидности почвенного начала и принадлежности к русской традиции — от древнерусского сакрального искусства до русского классического авангарда, — он опирается на богатейшее культурное наследие всего континента Евразии. Его работы отличает цельность сплава и очень личная «органика» стиля (Вера Родина, artinvestment.ru).

В определенный период в работах [Кислицына] все настойчивее дает себя знать неразрушимая цвето-триада — Черное, Белое, Красное, символически трактуемая как Почва, Дух, Кровь... Эта цвето-триада чаще всего дополняется холодной синевой — цветом, связанным уже с христианской традицией, цветом Глубины и Высоты. (Вера Родина, artinvestment.ru).

Холст « Девочка с яблоком» написан в середине 1990-х годов. Художник в свойственном ему духе создает аллегорический образ, отсылающий в своей несколько наивной трактовке женского облика и к традициям народного искусства, и к раннехристианской живописи. В этом плоскостном обобщенном портрете ощущается стремление архетипизировать образ женщины и свести его к знаковому. Одеяние девушки и ее головной убор богато декорированы и ритмизованы линиями, разноцветными геометрическими фигурами и символами. Темный фон картины продолжает традицию русской парсуны, а собственно портрет отсылает к религиозным образам, в особенности головной убор девочки, окаймляющий все ее лицо, вызывает ассоциации с окладами икон.

Картина наполнена сакральной символикой: так, яблоко в правой руке героини является, как известно, важным атрибутом многих религиозных традиций — античной, иудейской, христианской, и может воплощать собой как вечность жизни и плодородие, так и грехопадение, искушение, плотские страсти. Яркие алые румяна на щеках девушки созвучны красному кругу на яблоке, что усиливает чувственность ее облика. Красная ленточка, виднеющаяся в ее левой руке, также, несомненно, несет в себе символическую нагрузку. Возможно, она является отсылкой к свадебным традициям некоторых восточных народов, сообразно которым к платью новобрачной пришивается красная лента, олицетворяющая чистоту невесты. В колористическом строе произведения преобладают теплые оттенки пурпурного, желтого, багряного, оранжевого. Помимо эмоционального воздействия, цвет для Кислицына всегда играет еще и важную смыслообразующую роль, определяя поэтику всего произведения. Богатая фактура полотна, следы работы кистью, потеки и потертости красочности слоя отсылают к древним фресковым росписям, сохранившим на себе следы многовековой истории, что созвучно устремлениям Кислицына к созданию сакрального образа (Мария Беликова).

Особую роль играет и характерная для картин живописца как бы возникшая из преломлений цветового спектра специфичная, писаная «рама в раме». Возникая как преграда между «реальной» жизнью за пределами холста и внутренним микрокосмом, созерцаемым внутри этой «ограды», она охраняет сердцевину этого малого мира своей геометрией (Вера Родина, artinvestment.ru).

Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Игорь Кислицын».

Борис Марковников. Пейзаж. Зима. Из серии «Дорога». 2014

... Надо остановиться и вспомнить о художественной молитве.

Все мысли, страхи, предчувствия, гнев, сексуальность, все «хочу», «могу», «дайте», «возьмите» всплывают, становятся более явными, выстраиваются в комбинации. Иногда соотношения бывают парадоксальными. Иногда из глубины появляется нечто, что вызывает очень сильное потрясение и — переживание. Настолько сильное, что невозможно не попробовать воссоздать его в материале.

Погрузись со мной в переживание, и ты будешь моим другом.

Сопереживай мне!

Чем сильнее переживание, тем лучше оно связано, с одной стороны, с первичным импульсом, а с другой — с путем, по которому зритель распознает это переживание, проходя через множество трудностей, подобно тому, как рыба-самка мечет намного больше икринок, чем в состоянии оплодотворить самец, а мальков появляется и того меньше.

Для меня «переживание» не только чувственная категория, вместе с ним приходит знание... (Борис Марковников, 1997 год, markovnikov.ru).

Становление художника Бориса Марковникова пришлось на годы перестройки, в то время художник обратился к абстрактному способу выражения… много экспериментировал с формой и материалом, создавал инсталляции. В начале 2000-х нашел свой метод работы с полотном — граттаж. Борис Марковников наносит до 15 слоев масла, а затем процарапывает их, погружаясь внутрь слоев, подобно археологу в поиске связи времен.

Процарапывание для художника является не просто расчищением поверхности холста, но и своеобразным ритуалом в поисках света, исследования его движения и оптики, наведения резкости не только на объекты вовне, но и внутрь сознания как автора, так и зрителя.

Исследование пространства, света и цвета, природы материала у Марковникова имеет глубоко личностный характер: работа художника становится в подлинном смысле трудом — напряженным духовным переживанием, направленным на переосмысление архетипов человеческого и сверхчеловеческого божественного начала, переплетение индивидуального и общего опыта. Непростота этого проекта имеет принципиальный характер, в том числе на уровне техники: метода процарапывания, к которому часто обращается художник (Никита Махов).

Полотно «Пейзаж. Зима» (2014) входит в серию «Дорога», созданную по результатам поездок художника на машине по России. «Во многом подобные опусы вдохновлены восторгом Марковникова от встречи с цветными скоростями движения по проселочным трассам, когда глаз не фиксирует что-то конкретное, но радуется мчащимся навстречу абстрактным всполохам света и гигантским цветным портьерам, что обрамляют движение в пейзаже», — пишет об этом цикле искусствовед С. Хачатуров (stengazeta.net).

Абстрактный минималистичный пейзаж сформирован тремя цветовыми плоскостями, при этом сами ландшафтные элементы не различимы, а пространственная перспектива никак не обозначена. Марковников создает аллегорический образ дорожного путешествия по бескрайним зимним русским просторам, когда внизу есть только белая заснеженная дорога, сквозь боковые окна ничего не видно, только кромешная тьма, а на лобовое стекло надвигается стена снежной пелены.

Сероватая плоскость, олицетворяющая снегопад, трактована в оригинальной авторской технике и испещрена сетью прочерков-царапин, обогащающих фактуру живописной поверхности. Художник через символический мотив дороги приходит к философскому осмыслению сути самой человеческой жизни: мы продолжаем свой путь вперед, двигаясь порой по наитию, в условиях, когда нет ни единого проблеска света (Мария Беликова).

Скульптура и живопись Пааты Мерабишвили (Pata)

В залах Галереи ARTinvestment.RU «21-й век» открыта персональная выставка Пааты Мерабишвили «Автопортрет». Выставка продлится до 30 января 2022, а в виртуальных залах на сайте AI одновременно развернута ретроспектива работ художника 1992–2021 годов.

Паата Мерабович Мерабишвили родился в 1964 году в Тбилиси и происходит из известной династии грузинских скульпторов и художников. Окончил Тбилисскую государственную художественную академию в 1990 году. В настоящее время живет и работает Москве. Произведения скульптора находятся в частных коллекциях Грузии, России, США, Германии, Израиля, Швеции, Франции, Италии, Швейцарии, Канады.

Мы включили в каталог аукциона 5 работ Пааты Мерабишвили.

От автора: Тема образа Пиросмани бесконечна. Он рисовал жизнь, которую знал и любил: герои его полотен — продавцы, односельчане, женщины с детьми… Удивительны изображения животных: у львов, жирафа, оленей человеческие глаза…

Мало известно о нем, и практически ничего не известно о его мыслях, убеждениях, взглядах. Он легендарен для Грузии, и легенды возникали уже при его жизни. Живя в подвале под лестницей, не имея окон, всегда рисовал голубое небо. Пересматривая его картины, неоднократно задумываешься о ценностях жизни, радости общения, бытия.

Скульптурный портрет рельефный и двусторонний: с лицевой стороны глаза ясные, а с оборотной стороны в глазах ночь (Паата Мерабишвили).

Паата Мерабишвили — представитель прославленной, мощной по таланту династии грузинских скульпторов. Владея в полной мере всеми приемами пластического наследия, переосмыслив стилистику классической лепки, Паата Мерабишвили четко определил свой творческий вектор. Будучи увлеченным с юных лет творчеством античных мастеров, пластикой Майоля, скульптор пришел в своих произведениях к решению модернистских задач пластики. По творческой манере скульптору всегда были близки Жак Липшиц, Александр Архипенко и Осип Цадкин, которые уделяли особое внимание фактуре и лаконичным формам.

Мерабишвили стремится выразить не саму форму, а ее внутреннюю составляющую, ее изначальный смысл в чем, несомненно, следует наследию модернистов (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

От автора: Как и любая другая цивилизация, греческая обладала своей мифологией, которая активно включала в себя элементы фантастики и мистики, что выходили за пределы понятий реального мира. С помощью этого греки пытались осмыслить и объяснить окружающий их мир природы, исследуя его и выходя далеко за его рамки.

Кентавры — одни из наиболее загадочных и сложных существ в греческой мифологии. Эти наполовину люди, наполовину кони представляли собой сочетание человеческого и природного. Образ человеческого и пластика лошади уже некая музыка чего я и добивался, создавая данную композицию (Паата Мерабишвили).

В малой скульптуре Мерабишвили 1980–90-х годов особенно ясно и оригинально выявляется синтез традиций и новаторства, органично переплетаются особенности древнегрузинской малой пластики и поиски новой выразительности линии и формы. Орнаментальность силуэтов, текучесть линии, сложная фактура поверхности отсылают нас к древнейшим произведениям грузинского искусства. Стилизованные фигуры людей и животных поражают выразительностью образов, экспрессивностью и декоративностью линий и силуэтов. Но даже в своих стремительных движениях эти фигуры замкнуты в силуэтный овал — не нарушают целостности композиции. Эти скульптуры несут в себе не только формальное сходство с древними памятниками искусства, но наполнены мистической силой первозданной природы, таинственностью, загадочностью (Нана Шервашидзе).

Несмотря на абстрактную стилистику в работах Мерабишвили, его скульптуры всегда наполнены образностью и пространственным построением форм. Автор смело экспериментирует с цветом, техникой, материалами, создавая современные образные произведения. Геометризированные, сложносоставные объёмы скульптур Мерабишвили всегда экспрессивные, динамичные, полные метафор. Автор умело воплощает стремление найти пластический прием, ассоциативно выражающий образ. Владение рисунком ощущается во всех работах автора, но его универсальное значение особенно наглядно при знакомстве с фантазиями из металлических лент и пластин, где все сосредоточено на взаимном их перетекании. Металлические плоскости словно вращаются, скручиваются и раскручиваются, пытаясь предъявить различные способы существования в трехмерном пространстве, при всем их архитектоническом единстве (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

Синий цвет — Синее вдохновение

Николоз Бараташвили — вершина поэзии грузинского романтизма, он создал целое направление стихов-размышлений, отличающихся философской глубиной и вместе с тем волнующей пластичностью, музыкальностью, выразительностью.

Синее вдохновение. Это стихотворение о чудесном «небесном синем цвете», написанное Николозом Бараташвили в 1841 году и переведённое Борисом Пастернаком в 1945-м, в год столетия со дня смерти автора.

Грузинский поэт посвятил его неразделенно любимой им княжне Екатерине Чавчавадзе, дочери известного поэта князя Александра Гарсевановича Чавчавадзе и родной сестре Нины Грибоедовой-Чавчавадзе.

Позже к стихам и переводу подключился еще один гениальный творец — Резо Габриадзе: соединив стихи, перевод, музыку, голос и создав мультфильм, он замкнул круг совершенства (Паата Мерабишвили).

Источник: youtube.com

Давно ставшие классикой художественные образы античной Греции, Амедео Модильяни, Пабло Пикассо, Жоржа Брака являются базисом, на котором строится его собственный художественный мир. Они вдохновляют автора на создание образов, полных чувственности и экспрессии, — женских фигур и портретов, композиций и коллажей. Объёмно-осязательные формы, мягкая моделировка, лиричность образа, текучесть линии сменяются стилизованными фигурами, пересечением линий и объёмов, декоративностью композиции. Полистилизм эпохи постмодернизма как один из методов изображения и достижения художественного целого используется художником во всех видах искусства артистично и выразительно, без потери индивидуальности, и задает направление развития и становления его собственной творческой манеры (Нана Шервашидзе).

От автора: Создавая образ, вспоминал, талантливого человека, выдающегося режиссера и художника, коренного тбилисца Сергея Параджанова, он неповторим!

Своим дыханием он до сих пор согревает Тбилиси. Уйдя из мира, напоминает миру о нем. О городе, в котором родился, вырос и много лет прожил в последний период своей удивительно броской и многоцветной жизни. В отличие от нее темные тона в палитре художника так и не сумели одолеть ярких красок. Однако, чтобы не раствориться бесследно в равнодушии, память нуждается в благодарности и внимании, а грёзы — в изображении (Паата Мерабишвили).

Глубокие знания мировой художественной культуры позволяют художнику блестяще реализовать свою экспериментаторскую страсть. Паата свободно оперирует художественными стилями, придумывает новые техники работы с материалами на плоскости и в пространстве, добиваясь наибольшей выразительности собственного художественного высказывания.

Для Пааты Мерабишвили быть скульптором — это «внутреннее состояние восприятия всего окружающего в пространстве, когда мысль уже имеет объем и даже цвет». Воплощение этой мысли на языке искусства на плоскости или в пространстве и есть его образ окружающего мира. Чудо, которое становится зримым благодаря творческим исканиям, разочарованиям и победам художника.

Желаем удачи на 96-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI