Самые дорогие картины русских художников

ARTinvestment.RU – 11.04.2008, 13:30

1. Марк Ротко. Оранжевое, красное, желтое. 08.05.2012. 77,5 [86,9]* миллионов долларов
2. Казимир Малевич. Супрематическая композиция. 03.11.2008. 53,5 [60] миллиона долларов
3. Василий Кандинский. Фуга. 17.05.1990. 19 [22,99] миллионов долларов
4. Алексей Явленский. Шокко в широкополой шляпе. 05.02.2008. 8,4 [9,4] миллиона фунтов
5. Хаим Сутин. Мужчина в красном шарфе. 05.02.2007. 7,8 [8,7] миллиона фунтов
6. Марк Шагал. Юбилей. 17.05.1990. 13,5 [16,3] миллиона долларов
7. Наталия Гончарова. Испанка. 02.02.2010. 5,7 [6,43] миллиона фунтов
8. Николя де Сталь. Лежащая обнаженная. 06.12.2011. 6 [7] миллионов евро
9. Тамара де Лемпицка. Сон (Рафаэла на зеленом фоне). 2.11.2011. [8,48] миллиона долларов
10. Илья Репин. Парижское кафе. 06.06.2011. 4 [4,52] миллиона фунтов
11. Василий Поленов. Кто из вас без греха? 30.11.2011. [4,07] миллиона фунтов
12. Константин Сомов. Радуга. 13.06.2007. 3,3 [3,7] миллиона фунтов
13. Соня Делоне. Рынок в Миньо. 14.06.2002. 4,59 миллиона евро
14. Иван Айвазовский. Американские суда у скалы Гибралтара. 13.06.2007. 2,4 [2,7] миллиона фунтов
15. Илья Кабаков. Жук. 28.02.2008. 2,6 [2,93] миллиона фунтов
16. Борис Кустодиев. Деревенская ярмарка. 08.06.2009. 2,5 [2,84] миллиона фунтов
17. Александр Яковлев. Портрет Василия Шухаева в его студии. 13.06.2007. 2,5 [2,82] миллиона фунтов
18. Владимир Баранов-Россине. Ритм (Адам и Ева). 24.06.2008. 2,4 [2,73] миллиона фунтов
19. Аршил Горки. Хоргом. 16.05.2007. 3,7 [4,2] миллиона долларов
20. Василий Верещагин. Тадж-Махал, Вечер. 06.06.2011. 2 [2,28] миллиона фунтов
21-22. Юрий Анненков. Портрет Александра Николаевича Тихонова. 28.11.2007. 2 [2,26] миллиона фунтов
21-22. Михаил Ларионов. Натюрморт с кувшином и иконой. 12.06.2007. 2 [2,26] миллиона фунтов

С критериями включения в рейтинг самых дорогих работ русских художников лучше не мудрствовать. Иначе под рассуждениями «как так и почему именно он» способна рассыпаться любая конструкция, а не только «русская дюжина». Решилось просто. Во-первых, к участию принимались только аукционные результаты — они мало того что достоверны и открыты, но обычно еще и превосходят по объективности галерейные сделки. Во-вторых, по вопросу принадлежности к русским художникам было принято принципиальное решение: считать таковыми по месту рождения. Родился в Российской империи или в СССР, значит, русский художник, без скидок на то, как в дальнейшем сложилась судьба. К примеру, тот факт, что у Кандинского в разные годы были гражданства и русское, и немецкое, а умер он с французским, не является основанием усомниться, что художник русский. Ну и третье правило: один художник — одна картина. То есть ситуация, когда, строго говоря, все первые места пришлось бы отвести работам Марка Ротко, разрешается так: оставляем только самую дорогую работу, а все остальные результаты для картин этого художника игнорируем. Без этого, согласитесь, было бы не интересно.

Понятно, что опираться на рейтинговые цифры при принятии инвестиционных решений не более разумно, чем судить о красоте животного мира по достижениям из «Книги рекордов Гиннеса». Впрочем, одно другому не мешает и подобное любопытство можно только приветствовать.

1. МАРК РОТКО. ОРАНЖЕВОЕ, КРАСНОЕ, ЖЕЛТОЕ. 77,5 [86,9]* МИЛЛИОНА ДОЛЛАРОВ

Маркус Яковлевич Роткович — Маркус Ротковиц — Марк Ротко… 1903–1970.

Один из самых загадочных художников современности. Его жизненный путь словно соткан из противоречий — в творческих поисках, в поступках, в жестах… Считающийся одним из идеологов и безусловно ключевой фигурой в американском абстрактном экспрессионизме, Ротко не выносил когда его работы называли абстрактными. В прошлом хорошо знавший, что такое жизнь впроголодь, демонстративно вернул заказчикам совершенно фантастический в пересчете на нынешние деньги аванс, оставив себе почти полностью законченную работу. Ждавший своего успеха и возможности зарабатывать на жизнь живописью почти пятьдесят лет, он нарочито отказывал людям, способным при желании разрушить его карьеру (что не раз бывало в истории). Как минимум социалист в душе, разделявший идеи Маркса, неприязненно относившийся к богачам и богатству, Ротко стал в итоге автором самых дорогих картин в мире, которые фактически превратились в атрибут высокого статуса своих владельцев. (Шутка ли, рекордный «Белый центр», проданный, за 65 миллионов долларов, происходил из семьи Рокфеллеров.) Мечтавший о массовом зрителе, стал в итоге создателем картин, понятных до сих пор лишь узкому кругу интеллектуалов и ценителей, если не считать народным признанием тот факт, что имя художника стало брендом, а высокая образность работ была растащена на рекламные символы (раз Ротко, значит, круто). Наконец, искавший разговора с господом через музыку своих холстов, художник, работы которого стали центральным элементом оформления церкви всех религий (http://rothkochapel.org), закончил жизненный путь совершенно отчаянным богоборческим актом…

Ротко, помнившему черту оседлости и казаков, вряд ли сильно понравилось бы, что его причисляют к русским художникам. Впрочем, антисемитизма хватало и в Америке тридцатых, не случайно художник «урезал» родовую фамилию. Но мы называем его русским не без оснований. Для начала — по факту рождения. Латвийский Двинск, нынешний Даугавпилс, на момент рождения Маркуса Ротковича — это часть России, и она будет оставаться таковой вплоть до распада империи, до 1918 года. Правда, революции Ротко уже не увидит. В 1913 году мальчика увозят в США, семья переезжает в Портленд, штат Орегон. То есть детство и отрочество прошли в России, здесь формировалось жизненное восприятие, кругозор. Кроме того что здесь он появился на свет, с Россией Ротко связывают, что интересно, и мировоззренческие темы, и конфликты. Известно, что он ценил труды Достоевского. Его собственное творчество ряд знатоков противопоставляет работам Малевича: если черный квадрат — это конец живописи, то цветовые пятна Ротко — это ее продолжение. И даже на уровне страстей Ротко предавался пороку, который в мире ассоциируется почему-то именно с русскими. Не аргумент, но еще один штрих для цельности натуры русского художника.

К своим новаторским открытиям в живописи Ротко шел долгих 15 лет. Прошедший через многие фигуративные увлечения, в том числе сюрреализм и фигуративный экспрессионизм, в середине 1940-х Ротко предельно упростил структуру своих картин, ограничив выразительные средства несколькими красочными блоками, образующими особую композицию. Интеллектуальная основа его работ — это почти всегда вопрос трактовки. Ротко обычно не давал прямых ответов, рассчитывая на соучастие зрителя в осмыслении работы. Это единственное, на что он определенно рассчитывал, — на эмоциональную работу зрителя. Его картины не для отдыха, не для релаксации и не для «визуального массажа». Они рассчитаны на сопереживание. Одни видят в них окна, позволяющие заглянуть в душу зрителя, другие — двери в иной мир. Есть мнение (возможно, наиболее близкое к истине), что его цветовые поля — это метафорические изображения бога.

Декоративная сила «цветовых полей» объясняется рядом специальных технических приемов, используемых Ротко. Его картины не терпят массивных рам — максимум тоненькие плашки-кромки и то в цвет холста. Края картин художник намеренно тонировал в градиент так, чтобы живописное поле теряло границы. Нечеткие границы внутренних квадратов — это тоже прием, способ без контраста создавать эффект дрожания, кажущегося взаимного наложения цветовых блоков, пульсации пятен, словно дрожания света электрических ламп. Это растворение цвета в цвете и мягкость переходов особенно удавались маслом, до перехода Ротко на непрозрачный акрил в конце шестидесятых. И этот найденный эффект электрической пульсации усиливается, если смотреть картины с близкого расстояния. По замыслу художника трехметровые холсты зрителю оптимально смотреть с расстояния не более полуметра.

Сегодня картины Ротко — гордость любого известного музея современного искусства. Так, в английской галерее Тейт есть зал Ротко, в котором живут девять картин из тех, что были написаны по контракту с рестораном Four Seasons. C этим проектом связана довольно показательная для характера Ротко история. В 1959 году к художнику по рекомендации обратились владельцы фешенебельного ресторана «Времена года», открывшегося в необычном нью-йоркском небоскребе Seagram Building (по названию компании — производителя алкоголя). Сумма контракта в пересчете на нынешние деньги составляла почти три миллиона долларов — весьма значительный гонорар даже для состоявшегося, признанного художника, каким в тот момент уже был Ротко. Тем не менее, когда работа была почти закончена, Ротко неожиданно вернул аванс и отказался передавать ее заказчику. Среди основных причин внезапного поступка биографы рассматривали нежелание угождать правящему классу и развлекать богачей за ужином. Есть также мнение, что Ротко расстроился, узнав, что его картин не увидят рядовые служащие, работающие в здании. Впрочем, последняя версия выглядит слишком уж романтично.

Спустя почти 10 лет часть холстов, подготовленных для Four Seasons, Ротко передал в дар лондонской Tate Gallery. По горькой иронии судьбы 25 февраля 1970 года, в тот день, когда ящики с картинами достигли английского порта, художник был найден в своей студии мертвым — с перерезанными венами и (видимо, для гарантии) огромной дозой снотворного в желудке.

Сегодня творчество Ротко переживает очередную волну искреннего интереса. Проходят семинары, открываются выставки, издаются монографии. На берегу Даугавы, на родине художника, установлен памятник.

Работы Ротко на рынке не являются исключительно редкими (как, например, живопись Малевича). Ежегодно на аукционах одних только его картин, не считая графики, выставляется примерно 10–15 штук. То есть не дефицит, однако за них платят миллионы и десятки миллионов долларов. И такие цены вряд ли случайны. Скорее это дань его новаторству, желание открыть новые смысловые слои и приобщиться к творческому феномену одного из самых загадочных русских художников.

С 2007 по 2012 самой дорогой работой Марка Ротко была картина «Белый центр (желтый, розовый и бледно-лиловый на темно-розовом)» 1950 года. В мае 2007 года ее продали за 65 миллионов долларов (72,8 миллиона долларов, если считать вместе с комиссией покупателя). Собирателям Ротко понадобилось пять лет, чтобы побить этот рекорд: 8 мая 2012 на торгах послевоенным и современным искусством Christie’s полотно «Оранжевое, красное, желтое» 1961 года ушло за 86,9 миллиона долларов с учетом комиссии. Произведение происходит из собрания пенсильванского мецената Давида Пинкуса. Работу размером 2,4 на 2,1 метра Давид и его супруга Герри купили в Marlborough Gallery, а затем долгое время предоставляли ее в аренду Филадельфийскому художественному музею. Картина «Оранжевое, красное, желтое» стала не только самой дорогой работой художника русского происхождения, но и самым дорогим произведением послевоенного и современного искусства, проданным на открытых торгах.

2.  КАЗИМИР МАЛЕВИЧ. СУПРЕМАТИЧЕСКАЯ КОМПОЗИЦИЯ. 53,5 [60] МИЛЛИОНОВ ДОЛЛАРОВ

Казимир Северинович Малевич (1878–1935), безусловно, входит в пятерку наиболее ярких революционеров искусства XX века в мировом масштабе. Философ, новатор, разработчик новых теоретических подходов, идеолог супрематизма, который стал визитной карточкой России на международной художественной арене. Работы Малевича — гордость лучших музеев мира и несбыточная мечта многих коллекционеров.

Венцом исследований Малевича можно назвать работу «Черный квадрат» 1915 года (в Третьяковской галерее хранится один из четырех сохранившихся вариантов). Вещь высокого метафорического значения — конец картины, конец живописи, отправная точка, требование к разработке проекта будущего. Supremus, по задумке создателя, есть высшая стадия авангарда, способная позволить себе геометрический лаконизм выразительных средств. В двадцатые годы Малевич распространил свою философскую систему в прикладные области: супрематизм лег в основу передового дизайна и архитектуры. Малевич реализовался и как педагог, открывший талант в своих многочисленных учениках, которые сохранили преданность его идеям даже в условиях гонений. В историю искусства вошли периоды его работы в Уновисе («Объединение утвердителей нового в искусстве», Витебск, 1919–1922), в Гинхуке (Государственный институт художественной культуры, 1923).

Конец 1920-х ознаменовался периодом репрессий в отношении разработчиков идей художественного авангарда. По сути, «школа Малевича» была разогнана, самого Малевича неоднократно арестовывали, подвергали пыткам. В 1927 году художнику удалось во время зарубежной командировки укрыть часть работ в Берлине и тем самым спасти свои идеи от запрета и искусственного забвения. Малевич умер в 1935 году в Ленинграде. А его лучшие работы, действительно, в течение десятилетий были похоронены в запасниках русских музеев. Увидеть их можно было, только обзаведясь знакомствами в музейной среде. Тем не менее силами специалистов и коллекционеров-подвижников (например, Георгия Костаки), информация об идеях Малевича, можно сказать, подпольными путями распространялась в кругах советской интеллигенции и оказала влияние на художественный язык представителей неофициального искусства, художников-шестидесятников.

Появление на открытых торгах работы столь высокого класса, как «Супрематическая композиция», — событие не просто исключительное, а единичное. Реально работы подобного уровня могут появиться на аукционных торгах только из музеев. Именно так и происходило в последние годы. Супрематические картины Малевича отсуживались адвокатами наследников по линии реституции. Предпоследний раз «Супрематическая композиция» Малевича (перекрещенные красный и черный прямоугольники), отсуженная наследниками, была продана на торгах Phillips в 2000 году за 15,5 миллиона долларов. А 3 ноября 2008 года картина сопоставимого класса была продана на Sotheby’s за 60,0025 миллиона долларов. Это первая из пяти картин, которые поступили в распоряжение наследников Малевича из голландского музея Стеделийк опять же в результате судебного решения по реституционному спору. Подробнее о судьбе этих работ можно прочитать здесь. По мнению специалистов рынка, цена на эту работу Малевича могла бы быть еще выше. К сожалению, время проведения торгов пришлось на период разворачивающегося глобального финансового кризиса, когда еще не было определенности ни по его глубине, ни по продолжительности. Не исключено, что именно в связи с этим фактором покупка шедевра Малевича прошла в относительно консервативном режиме, по цене, близкой к гарантированной ставке, заблаговременно сделанной иностранным покупателем.

Русский авангард — одно из самых востребованных, а потому и самых подделываемых направлений искусства. Поэтому вложения в авангард требуют от коллекционера и инвестора высокого уровня компетентности и осторожности. Заключения профильных экспертов высокой репутации — необходимое условие для работы с этим ценным художественным направлением.

3. ВАСИЛИЙ КАНДИНСКИЙ. ФУГА. 19 [22,99] МИЛЛИОНОВ ДОЛЛАРОВ

Почти 17 лет картина «Фуга» — импровизация Василия Кандинского 1914 года — держала абсолютный ценовой рекорд для русского искусства. Лишь в прошлом году ее потеснил «Белый центр» Ротко. Но стоит помнить, что в 1990 году российские коллекционеры и инвесторы только-только начинали участвовать в международных торгах, капитализму в стране исполнилось года полтора, шло агрессивное перераспределение собственности и нынешним участникам рынка искусства было совсем не до вопросов коллекционирования. Можно сказать, что и рынка русского искусства в современном его понимании не было. Появись эта работа на торгах в наше время, не исключено, что рекорд Ротко мог бы и «затрещать по швам». Но теперь серьезным коллекционерам остается лишь цокать языком. Вещи класса «Фуги», сопоставимого исторического значения и художественного потенциала, выставляются на открытые торги раз в двадцать лет, а то и реже. Предугадать появление подобного шедевра невозможно, почти все они уже надежно закреплены в государственных и частных музейных и коллекционных фондах, а владельцы не планируют с ними расставаться. На удивление, 19-миллионная «Фуга» (а в пересчете на нынешние деньги цена получится, наверное, миллионов под 70) не оказалась упрятанной от лишних глаз в частном собрании, а осталась в публичном доступе. Работу приобрел Фонд Бейелеров (www.beyeler.com), и за исключением нескольких дней в году любой желающий может увидеть ее в музее Фонда Бейелеров в Базеле (Швейцария) в прекрасном соседстве с произведениями Пауля Клее, Марка Ротко, Пабло Пикассо, Френсиса Бэкона и других первых имен в искусстве XX века.

Василий Васильевич Кандинский (1866–1944) — признанный русский художник мирового значения. Собственно, его подлинно новаторские идеи определили один из основных векторов развития изобразительного искусства в XX веке. Кандинский считается «отцом абстракции» — художником, который в числе первых подошел к этому открытию и дал ему теоретическое обоснование. В начале века появление абстракции было уже предопределено. «Деконструкция» классических принципов изобразительного искусства шла во всех направлениях, ставились тысячи художественных экспериментов. Так что идея витала в воздухе и сразу несколько европейских художников последовательно продвигались к ней параллельными путями, находясь кто в шаге, кто в полушаге от отвлеченной нефигуративной живописи. На «авторское свидетельство» могут претендовать слишком многие. Поэтому не существует всеми признаваемой единой даты изобретения абстракции. Срывы в абстракцию можно увидеть и в картинах Кандинского 1908–1909 годов, но именно импровизации Кандинского 1910 года, по мнению ряда специалистов, стали поворотным моментом в истории искусства. В отдельных работах именно этого года была окончательно разорвана связь с фигуративной живописью, удалены последние намеки на узнаваемые образы, появилась чистая абстракция. Не то чтобы расставание с фигуративной образностью в творчестве Кандинского произошло бесповоротно и навсегда (впоследствии он не раз к ней возвращался), но был перейден Рубикон в идеологии искусства. Так вот, человек, в 30 лет круто развернувший свою жизнь, бросивший удачно развивающуюся карьеру юриста и решивший стать художником, уже к 44 годам перенаправил реку мирового художественного процесса.

4. АЛЕКСЕЙ ЯВЛЕНСКИЙ. ШОККО В ШИРОКОПОЛОЙ ШЛЯПЕ. 8,4 [9,428] МИЛЛИОНА ФУНТОВ

Тот факт, что Алексей фон Явленский (1864–1941) и Василий Кандинский занимают соседние места в ценовом рейтинге для русского искусства, более чем символичен. Для зарубежных ценителей живописи эти фигуры сопоставимы по своему вкладу в искусство, по своей роли в качестве идеологов экспрессионизма и абстракционизма. Другое дело, что в России Кандинский представлен в лучших музеях страны, а уроженец Торжка Алексей Явленский известен преимущественно специалистам, коллекционерам и ценителям. В музеях его вещи можно увидеть лишь на редких привозных выставках, составленных из экспонатов зарубежных музеев и частных собраний (такая выставка была в 2000 году в Русском музее) и галерейных показах (работы Явленского любят привозить зарубежные участники Салона изящных искусств). Ну и конечно, русское имя запоминается по рекордным сводкам с ведущих аукционных площадок.

Алексей Явленский покинул Россию задолго до революции и не стал, как Кандинский или Шагал, приезжать из Германии для поддержки передовых идей в искусстве во благо интересов пролетариата. Потому в наших музеях и нет его работ, но роль художника при этом не умаляется. Существуют версии, что к абстракции его знаменитый коллега по «Синему всаднику» и «Новому художественному обществу» Кандинский пришел под влиянием ряда идей Явленского. Визитной карточкой Явленского стали его тематические циклы «Медитации» (прообразы ликов с проступающим крестом), «Абстрактные головы» (условно-портретные экспрессии) и «Мистические головы». Творческий багаж Явленского, накопленный к старости, попал под каток гонений нацистов на «дегенеративное искусство», так что последние годы (Явленский умер в 1941 году, на три года раньше Кандинского) художник доживал в статусе запрещенного.

Знаменитая картина «Шокко в широкополой шляпе» — вещь другой эпохи. Шедевр экспрессионизма 1910-х, вещь, в которой хорошо заметно размывание фигуративной составляющей перед шагом в абстракцию. Кроме высокого художественного и исторического значения «Шокко» — это еще и удивительный пример инвесторской удачи. Дело в том, что в данном случае имела место повторная продажа шедевра, причем недавняя, что позволяет оценить динамику роста цены, не апеллируя к незапамятным временам. Известно, что предыдущий владелец приобрел «Шокко» на Sotheby’s в 2003 году за 7,4 миллиона долларов. Цена 2008 года — 8,4 миллиона фунтов, то есть 16,56 миллиона долларов, в 2,2 раза больше. Владелец заработал на этой картине примерно 9, 16 миллиона долларов за пять лет. Случай нельзя назвать типичным, не все так дорожает, но и об уникальности речи нет. В целом же это иллюстрация того, как способны набирать в цене шедевры, особенно на фоне роста интереса к творчеству создателя.

5. ХАИМ СУТИН. МУЖЧИНА В КРАСНОМ ШАРФЕ. 7,8 [8,756] МИЛЛИОНА ФУНТОВ

Хаим Сутин (1893/1894–1943) — русский художник мирового значения, один из самых значительных представителей «парижской школы». Это имя долгое время было мало известно на родине. Сутин — уроженец Смиловичей, сейчас уже города, а тогда еврейского местечка в 27 км от Минска. Десятый ребенок в семье портного. Художественный дар у Сутина открылся рано, но, как это часто бывает, к сожалению, не в том месте и не в то время. Мальчик начал рисовать то, что видел вокруг, а в ортодоксальной иудаистской традиции запрещено изображать людей и животных. За это ему не раз доставалось от сельчан. По легенде, Хаим однажды вознамерился нарисовать раввина. За это подростку пришлось бы совсем туго, но раввин, вероятно, оказался человеком более широких взглядов, выдал Хаиму 25 рублей (весьма значительная сумма по тем временам) и отправил учиться подальше от Смиловичей. Подальше получилось аж до Парижа, куда Сутин добрался в возрасте 20 лет. Но Париж, как и Москва, слезам не верит. Середина 1910-х — годы нищеты, неустроенности, мучительной болезни и вместе с тем, по сохранившимся свидетельствам, годы самореализации и творческого счастья. Вокруг — друзья. Модильяни, Липшиц, свобода и беспутность. Выпивка. Пушкин, открытый Сутину его другом Оскаром Мещаниновым. Потом уже полегче: первые меценаты, покупатели, ценители. Есть сведения, что работу Сутина купил себе даже мэтр Пикассо. Но конечно, представить себе, что через 90 лет за холсты художника будут биться миллионеры, было невозможно.

Сегодня можно уверенно очертить круг сюжетов, которые пользуются наибольшим спросом у коллекционеров. Кому-то не без оснований покажется, что композиции с бычьими тушам, забитой птицей, перекошенными лицами с портретов старух, нищих, простолюдинов выглядят отталкивающе. Но именно в этих вещах, где есть простор для больного сутинского красного, наиболее сильно выражается его яркий талант экспрессиониста. Историки предполагают, что эти темы Сутин принес из воспоминаний о родном местечке. Такими он запомнил лица тех людей, тот быт… Так что это своего рода возвращение, схожее с возвращением Шагала. А может, и не стоит переоценивать тоску, может, все проще: любимым художником Сутина был Рембрандт, и Сутин по-своему изображал, в частности, бычьи туши, за триста лет до него вдохновившие голландца.

В 1943 году Сутин с поддельным паспортом прячется в Париже. Обострилась язва. Еврей. Город оккупирован фашистами. Даже с поддельным паспортом в больницу опасно. Тянули до последнего, но, когда тайком доставили в госпиталь, было уже поздно: перитонит. Сохранилась легенда, что за гробом Сутина шел один лишь его коллега и поклонник — Пикассо. Друзьям художника участвовать в процессии было смертельно опасно.

Самой дорогой аукционной картиной Хаима Сутина на сегодняшний день является метровый портрет «Мужчина в красном шарфе» 1921 года, проданный на Sotheby’s в 2007 году за 7,8 миллиона фунтов (15,34 миллиона долларов). Композиционно портрет близок к другим знаменитым многомиллионным работам Сутина — «Кондитер из Каня» и «Посыльный из “Максима”», хоть и уступает им по силе.

6. МАРК ШАГАЛ. ЮБИЛЕЙ. 13,5 [16,335] МИЛЛИОНА ДОЛЛАРОВ

Марк Захарович Шагал (1887–1985) — уроженец белорусского Витебска, художник-авангардист, прославивший русское искусство по обе стороны океана, ставший национальной гордостью не только нашей страны, но и Франции, Соединенных Штатов и Израиля. Самобытный художественный стиль Шагала — это особый экспрессионизм, обычно включающий элементы наивного искусства, приемы сюрреализма, а также слои актуальных для периода создания работы модных течений (например, кубизма).

В начале XX века Шагал — ученик Юрия Пэна, Льва Бакста, Мстислава Добужинского и Николая Рериха. После революции он включается в круговорот становления передового искусства, становится комиссаром художественных мастерских. Потом — разочарование, эмиграция, большой успех на Западе (во Франции, США) и долгий период замалчивания в России. Репрессивные информационные ограничения были сняты к 1970-м, мэтр Шагал даже приезжал в Москву на свою персональную выставку в Третьяковской галерее, где хранятся его лучшие работы, в том числе витебского периода.

Творчество Шагала в отличие от Сутина и Ротко было хорошо известно в нашей стране в позднее советское время по публикациям в альбомах и журналах. Неудивительно, что для нынешнего поколения русских коллекционеров и инвесторов работы Шагала являются престижной покупкой. Причем, при соблюдении относительно несложных правил, покупкой безопасной и инвестицинно-оправданной. Так, с вопросами подлинности помогает справляться Комитет Шагала, славящийся своим жестким отношением к подделкам. Учитывая обилие фальшивок, заключение комитета является совершенно необходимым условием того, чтобы работа вообще получила полноценный рыночный статус. На цену работы, кроме обычных параметров, очень влияет период создания. Подлинных работ Шагала на аукционах очень много — это плюс. Но инвестору необходимо учитывать, что вещи конца 1960-х — начала 1970-х годов, которые чаще всего выставляются на торги, — это работы уже старого, 80-летнего художника. Пусть сохранившего приверженность своим передовым идеям, технически безупречного, но без прежней мечтательности и энергетики экспрессиониста-новатора, что и понятно. Так что обычно поздние вещи стоят заметно дешевле.

«Юбилей» за 13,5 миллиона долларов — это 1923 год, ценнейший период, музейное значение, шедевр. Картина продана в 1990 году, так что сейчас сложно даже представить ее актуальную цену. Зато можно вспомнить, что в мае 2007 года на Sotheby’s была продана трехметровая композиция «Большой цирк». 1956 год, конечно, не 1923-й, но в это время Шагал еще фантастически плодотворно работает, воплощает новые идеи, начинает новые циклы, занимается книжной иллюстрацией, стенными росписями, литографирует. Так вот «Большой цирк» был продан за 12,25 миллиона долларов и с учетом комиссионных вплотную приблизился к «Юбилею» в номинальных цифрах. Так что при следующем появлении на торгах шедевра Шагала сопоставимого качества в эту статью наверняка придется вносить изменения. Остается отметить, что подлинные работы Шагала, нетиражная графика и живопись, представлены в довольно широком ценовом диапазоне, что делает их доступными не только для инвесторов, оперирующих миллионными бюджетами. А для удачных вещей художника ежегодный рост стоимости на треть вполне нормальное явление.

7.  НАТАЛИЯ ГОНЧАРОВА. ИСПАНКА. 5,7 [6,43] МИЛЛИОНА ФУНТОВ

Наталия Сергеевна Гончарова (1881–1962) вошла в русское искусство как «амазонка авангарда», новатор живописи, блестящий декоратор, живописец, график, театральный художник. В цепи самостоятельных творческих экспериментов Гончарова развивала идеи примитивистской живописи (неопримитивизма), включала в свои работы преобразованные элементы иконописи и лубка.

Считается, что ее главным учителем был муж, Михаил Ларионов, с которым Гончарова познакомилась в 1900 году. Пара осталась неразлучна и в жизни и в творчестве. Почти во всех выставках и в творческих объединениях художники участвовали вместе. Они экспонировались на всех ключевых выставках русского авангарда: «Бубновый валет», «Ослиный хвост», «Мишень»… Эта же традиция сохранилась и в эмиграции. Не случайно на оборотах картин Гончаровой нередко можно видеть подписи Larionov с инвентарным номером, что на самом деле не более чем служебные пометки устроителей выставок: все равно обычно вместе выставляются, а по «семейной» фамилии легче было не запутаться.

Гончаровой не пришлось спешно покидать Россию с началом гонений на авангард. Супруги обосновались в Европе за пару лет до революции, долгое время были обеспечены театральными заказами и до конца своих дней прожили в Париже. Считается, что наиболее высоким художественным значением обладают работы Гончаровой доэмиграционного периода и вещи, созданные до начала 1920-х годов.

Рекордной для художницы является сумма 6,43 миллиона фунтов стерлингов — столько принесла картина «Испанка» (ок. 1916), проданная на Christie’s 2 февраля 2010 года. Предреволюционные годы ознаменовались началом увлечения Гончаровой «испанской» темой, к которой она регулярно возвращалась вплоть до 1930-х годов. «Испанка» — это динамичная абстрактная конструкция из треугольных блоков, с блеском передающая неистовую энергию традиционного танца и феерическую красочность костюма. Эстимейт работы, появившейся на торгах впервые с 1971 года, составлял 4–6 миллиона фунтов. Среди ее предыдущих владельцев — такие известные дилеры, как Galerie Beyeler (Базель), Galerie Gmurzynska (Кёльн) и Leonard Hutton (Нью-Йорк).

Предыдущий рекорд принадлежал картине «Цветы», проданной 24 июня 2008 года на Christie’s за 5,52 миллиона фунтов. Работа относится к особо ценному периоду в творчестве художницы. В работе поразительно сплелись идеи и энергетика футуризма, композиционные приемы фирменного лучизма и желто-красная цветовая гамма, характерная для русского народного творчества и иконописи. «Цветы» были выставлены на торги с убедительным провенансом. История этой работы прослеживается с персональной парижской выставки 1914 года в галерее Поля Гийома. Картина хорошо известна по публикациям, участвовала в выставках и имеет интересную историю бытования (была в собрании немецких коллекционеров Хохов).

8. НИКОЛЯ ДЕ СТАЛЬ. ЛЕЖАЩАЯ ОБНАЖЕННАЯ. 6 [7] МИЛЛИОНОВ ЕВРО

Судьба художника Николая Владимировича Сталь фон Гольштейна, Николя де Сталя (Nicolas de Stael, 1914–1955) вызывает в памяти шекспировские сюжеты. Родился он в год начала Первой мировой войны в Петербурге, в семье генерала, барона, помощника коменданта Петропавловской крепости. В 1919 году семье чудом удалось перебраться в Польшу, где спустя три года мальчик потерял родителей. Воспитывался он в приемной католической семье. Учился в Бельгии, Голландии, путешествовал по всей Европе, брал уроки у знаменитого Фернана Леже. Огромное впечатление на путешественника произвела Голландия; по одной из версий, в 1933 году именно здесь, в стране богатых культурных и художественных традиций, он окончательно решил стать художником. В 1939 году судьба его совершила крутой поворот — не первый и далеко не последний: ради получения французского гражданства будущий гений авангарда променял уют мастерской на службу в Иностранном легионе в Тунисе. Правда, прослужить удалось недолго — капитуляция Франции в 1940 году вызвала раскол в рядах легионеров. Де Сталь переехал в Ниццу, в неоккупированную ее часть; а в 1943 году отправился в занятый немцами Париж к пожилому Кандинскому, выставил свои работы рядом с произведениями мэтра и получил первую серьезную известность. В 1944 году, как считается, под влиянием Ланского, его творчество целиком захватила беспредметность.

После войны мода на абстрактный экспрессионизм и известность его видного представителя достигли США; художника приглашали заокеанские галеристы, но после поездок в Новый Свет де Сталь, не приняв прелестей американского стиля жизни, возвратился в Европу.

В 1952 году ташист и абстракционист де Сталь ненадолго обратился к предметному творчеству под впечатлением вечерней игры футболистов в свете прожекторов. И этот новый стиль принес ему серьезный успех. Цены на его новые работы начали стремительно подниматься. Достигнув статуса одного из знаковых представителей послевоенного авангарда, де Сталь удивил поклонников в последний раз. В 1955 году без видимых причин сорокаоднолетний Николас де Сталь выбросился из окна своей французской студии на Антибе…

Остались загадки. Остались картины. Картины редкие. Тем более что большинство своих «компрометирующих» ранних вещей художник уничтожил.

Картины де Сталя на аукционных торгах оказываются довольно  редко. За год на арт-рынок может попасть всего один-два десятка его работ. Например, в 2010 на открытых торгах были проданы всего 11 работ де Сталя, а за весь 2011 их пока только 6. Зато аукционные продажи Николя де Сталя в этом году знаменательны не количеством, а качеством. 6 декабря 2011 на парижском аукционе ArtCurial работа 1954 года «Лежащая обнаженная» неожиданно ушла за рекордные для художника 7,033 миллиона евро (8,95 миллиона долларов). Работа более чем в два раза превысила эстимейт 2,7 миллиона евро.

Подобных продаж в аукционной карьере абстракциониста пока не было. На протяжении четырнадцати лет самым дорогим произведением живописца была картина «Сиракузы» (1954), ушедшая в 1990-м за 1,9 миллиона долларов на аукционе Ader-Picard-Tajan. Рекорд обновился в 2004-м, когда полотно «Средиземное море» было продано на лондонском Sotheby’s за 1,15 миллиона фунтов (2,1 миллиона долларов). А в 2008-м картина «Заснеженный Марсель» на Christie’s, принесла 1,5 миллиона фунтов (3 миллиона долларов).

Так что рекорд «Лежащей обнаженной» может говорить о новом взлете на хоть и узком, но перспективном рынке работ Николя де Сталя. Всего же в аукционной копилке художника уже более 20 семизначных результатов.

Стоит отметить, что названные четыре самые дорогие работы де Сталя датируются 1950-ми. Работы де Сталя, выполненные в 1950-х, входят в число самых котируемых на рынке произведений парижской школы. Особенным, поворотным годом в творчестве художника был 1954-й (к которому как раз относятся работы «Лежащая обнаженная», «Сиракузы» и «Заснеженный Марсель»). Именно тогда он изменил манеру и его живопись стала более «текучей». Кроме того, в 1954 работы де Сталя экспонировались в Нью-Йорке у известного арт-дилера Поля Розенберга (Paul Rosenberg).

9.  ТАМАРА ДЕ ЛЕМПИЦКА. СОН (РАФАЭЛА НА ЗЕЛЕНОМ ФОНЕ). [8,48]

Тамара де Лемпицка (1898–1980) является одним из наиболее выдающихся представителей стиля ар-деко в живописи и входит в число главных арт-див ХХ столетия. О перипетиях биографии Лемпицки можно говорить чуть ли не более долго и увлекательно, чем о ее творчестве. Просто бульварный роман: родилась она в знатной польской семье, а в возрасте четырнадцати лет переехала к тетушке в Петербург, где с головой окунулась в светскую жизнь. В восемнадцать будущая художница вышла замуж за красавца и ловеласа Тадеуша Лемпицкого, но счастье молодой семьи было недолгим: грянула революция, и мужа посадили в тюрьму. Воспользовавшись помощью шведского (согласно другим источникам, датского) консула, Тамара вызволила его и увезла в Париж. Там супруги поначалу жили на средства, полученные от продажи фамильных украшений, но запас ювелирных изделий оказался не бесконечным. Кроме того, у Лемпицких родилась дочка, о которой нужно было заботиться. Тадеуш, привыкший к праздной жизни, работать не хотел, и поэтому Тамара решила взять ситуацию в свои руки. Она с детства хорошо рисовала, и поэтому естественно, что ее выбор пал на то, чтобы учиться живописи. Одним из наставников Лемпицки стал художник Андре Лот (André Lhote) основоположник особой формы синтетического кубизма — такого упрощенного кубизма, кубизма-лайт, в котором новаторские приемы, впервые опробованные Пикассо (Pablo Picasso) и Браком (Georges Braque), прекрасно уживались с принципами академической живописи. Взяв за основу этот стиль, художница не прогадала: такая «примодненная» классика пришлась по вкусу парижским буржуа. У Лемпицки появилось множество заказчиков, и художница смогла осуществить свою мечту о гламурном образе жизни. Вечеринки в богатых домах, фотосессии, романы с разными мужчинами и женщинами (известными и не очень)… В 1939 году Лемпицка, уже получившая аристократический титул (ее второй муж был бароном), переехала в Соединенные Штаты, где ее слава начала увядать. Художница не испытывала недостатка в средствах, но продолжала работать: признание в художественной среде ей было столь же дорого, как и богатство. Тем не менее поздние работы Лемпицки не снискали большого успеха у критиков. В 1960-х годах, на волне возрождения популярности ар-деко, к творчеству художницы вновь возник интерес — только на этот раз как к памятнику ушедшей эпохе.

Конечно же, имя Лемпицки не осталось бы в истории искусства, не будь у нее собственного неповторимого стиля. Главное в творчестве художницы — монументальные женские портреты, напоминающие модные фотографии той эпохи, и чувственные «ню». Неудивительно, что талант Лемпицки оказался столь востребован в буржуазных кругах: любой заказчице было приятно видеть себя в образе голливудской дивы. «Межвоенная» живопись Лемпицки — это парад дорогих платьев, роскошных тел, пухлых губ, томных взглядов и властных поз. Подобно футуристам и Фернану Леже (Fernand Léger), художница воспевала современный большой город — фоном для многих ее портретов служит урбанистический пейзаж с высотными домами. В своих картинах она создавала образ стильной, современной и сексуальной женщины — неудивительно, что одной из главных собирательниц работ Лемпицки стала певица Мадонна. Произведения художницы даже фигурируют в нескольких ее видеоклипах.

2 ноября 2011 года на торгах Sotheby’s в Нью-Йорке работа «Сон (Рафаэла на зеленом фоне)» 1927 года, написанная Лемпицкой в плодотворный парижский период, ушла за 8,48 миллиона долларов (5,3 миллиона фунтов) и взлетела на первое место в списке самых дорогих творений художницы. За последние два с половиной года персональный рекорд Лемпицки обновился уже четыре раза, так что можно говорить о растущем интересе покупателей к творчеству талантливой польки. В 2009 году два дня подряд, на торгах Sotheby’s 5 мая и Christie’s 6 мая, произведения Лемпицки били рекорды цены. Сначала «Портрет Марджори Ферри» 1932 года ушел к новому владельцу за 4,9 миллиона долларов, а на следующий день «Портрет мадам М.» (1932) был продан за 6,1 миллиона долларов. А 22 июня 2011 года картина «Спящая» 1930 года ушла с молотка на Туманном Альбионе за рекордную тогда цену 4,07 миллиона фунтов (6,54 миллиона долларов).

10. ИЛЬЯ РЕПИН. ПАРИЖСКОЕ КАФЕ. 4 [4,52] МИЛЛИОНА ФУНТОВ

Великий русский художник… Такими словами можно начать любую статью о Илье Ефимовиче Репине (1844–1930). С его хрестоматийных работ начинают знакомство с живописью дети в школах, а героев его полотен знают наизусть, будь то бурлаки, запорожцы или Иван Грозный, рыдающий над убитым сыном. Когда после Октябрьской революции художник был отрезан от родины в своем имении «Пенаты» в Куоккале (Финляндия), он отказался вернуться, несмотря на неоднократные приглашения советского руководства. Но на авторитет и популярность знаменитого передвижника это нисколько не повлияло, общенародная любовь и признание никогда не покидали Репина. Тем приятнее, что столь любимый русский художник наконец-то вошел в аукционный русский Топ-20. На удивление, рейтинг не покорялся Репину много лет. . Большинство его шедевров давно украшают стены Третьяковской галереи и Русского музея, и попадание на аукцион полотна Репина музейного уровня, казалось очень маловероятным. Тем не менее это произошло.

Появление на Christie’s в июле 2011 года картины Репина «Парижское кафе» стало событием для рынка работ художника. Работа никогда не выставлялась в России и не покидала частной коллекции с 1916 года.

Репин написал «Парижское кафе» во время поездки по Европе в 1873–1876 годах. В этом путешествии молодой художник опьяненный творческой свободой, царившей во французской столице, на время отвлекся от прославивших его русских сюжетов и обратился к нетипичной для себя теме. Он изобразил представителей парижской богемы за столиками бульварного кафе. Среди прототипов героев полотна исследователи называют, например, известного салонного художника Жана-Леона Жерома, поэта Катюля Мендеса и натурщика Эмиля Бело. Взоры посетителей кафе обращены на пришедшую в кафе без сопровождения даму (Анн Жюдик).

Эту картину Репина можно назвать прообразом будущих групповых импрессионистических портретов, на которых изображался мир шумных парижских кафе. В ней реалистичная манера письма Репина выходит на новый уровень. Художника, однако, раскритиковали Владимир Стасов и Иван Крамской за отход от русского материала при выборе темы.

Аукционный дом Christie’s, уж не знаем, искренне ли, но по крайней мере активно призывал русские музеи купить эту работу, мотивируя это тем, что «такой возможности может не представиться на протяжении целого столетия». Официальных сведений о том, кто заплатил за «Парижское кафе» 4,52 миллиона фунтов, нет. Известно лишь, что в результате борьбы ставок картина досталась неизвестному покупателю, торговавшемуся  по телефону. Надо думать, что будь это один из государственных музеев, весть о покупке разнеслась бы в кратчайшие сроки. Так что, скорее всего, не видать нам «Парижского кафе» на музейных стенах.

11. ВАСИЛИЙ ПОЛЕНОВ. КТО ИЗ ВАС БЕЗ ГРЕХА? [4,07] МИЛЛИОНА ФУНТОВ

Давние друзья Илья Репин и Василий Поленов и в нашем рейтинге оказались рядом. Василий Дмитриевич Поленов (1844–1927) — живописец разносторонний. Современник Игорь Грабарь писал, что в нем «сидит или, если угодно, сидело целых три художника: средневековый, “московский” и палестинский или вообще восточный, и что все они весьма мало связаны один с другим». Действительно, пенсионерские поездки по Европе, жизнь в купеческой патриархальной Москве, путешествия на Восток наполнили творчество Поленова совершенно разными темами. Он писал полотна на сюжеты из средневековой истории Европы; посвящал свои картины красавице Москве — ее храмам, усадьбам, уютным дворикам; создал грандиозный евангельский цикл. И это далеко не все поленовские заслуги. В имении Саввы Мамонтова в Абрамцево вместе с Виктором Васнецовым Поленов придумывал проект церкви Спаса Нерукотворного, а на своей земле в Бёхово на берегу Оки выстроил по собственным проектам усадебный дом, мастерскую «Аббатство» и небольшую церковь для местных жителей. Поленов был и театральным художником — сначала в «домашнем» (создавал декорации для домашнего театра в Абрамцеве), а потом и в общегосударственном масштабе (эскизы для постановок Большого театра, Русской частной оперы Саввы Мамонтова в Москве и др.). В уже упомянутом домашнем театре в Абрамцево Поленов также актерствовал и сочинял музыку. И кроме того, художник был талантливым педагогом: тринадцать лет он преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества.

Сам Василий Поленов главным трудом своей жизни считал цикл картин «Из жизни Христа». Начало ему было положено грандиозным полотном «Христос и грешница», над которым художник работал целых шесть лет. На картине изображен Христос, который, защищая блудницу, обращается к толпе со знаменитыми словами: «Кто из вас без греха, первый брось в нее камень». Это самая крупноформатная работа Поленова (3,07 х 5,85), холст для нее пришлось заказывать в Европе, потому что в России тогда такого размера холстов не выпускали.

Для того чтобы добиться исторической достоверности, художник в 1881–1882 годах предпринял путешествие на Восток — в Египет, Сирию, Палестину (на обратном пути заехал в Грецию), в котором он сделал многочисленные этюды местной природы, архитектуры, местных жителей. Картина, оконченная в 1887 году, получила широкий резонанс у публики, что убедило Поленова в необходимости продолжить серию. Для этого на рубеже веков он совершил еще одно путешествие на Восток, а после в течение почти десяти лет писал на своих полотнах Христа «пришедшего в мир и совершающего свой путь среди народа». Оконченный в 1908 году цикл из примерно 60 картин экспонировался в Москве, Петербурге, Праге и других городах. Успех был грандиозный. Картинами заинтересовались американцы, попросившие устроить их выставку в США. Работы должны были пересечь Атлантику на печально известном «Титанике», но их не успели погрузить на злополучный корабль. В следующий раз евангельские картины Поленова решили отправить в Америку уже в 1924 году в рамках грандиозной ретроспективы русского искусства в «Гранд-Централ Палас» в Нью-Йорке, представившей американскому зрителю более 1000 произведений около сотни русских художников. Картин Поленова среди отправленных в Америку работ было 12 (по другой версии, 13). Среди уплывших за океан полотен Поленова была и авторская версия картины «Христос и грешница» — работа «Кто из вас без греха?», написанная в 1908, в год окончания евангельского цикла. Сюжет и композиция картины «Кто из вас без греха?» почти те же, что и у ее «старшей сестры» из Русского музея. Правда, она значительно меньше по размеру (118 х 239), и цветовая гамма у нее немного другая.

На нью-йоркской выставке 1924 года русские картины можно было не только увидеть, но и купить. Этой возможностью воспользовался промышленник, филантроп, дипломат и любитель русского искусства Чарльз Р. Крейн (Charles R. Crane). Он приобрел работы Поленова «Кто из вас без греха?» и «Повинен смерти», а позже подарил их одному из североамериканских университетов. И вот, спустя более 80 лет, в 2011 году этот институт решил продать работы Поленова на Bonhams. Их появление на арт-рынке словно из небытия произвело должный эффект. Предаукционная выставка проходила в Третьяковской галерее, где работы «Повинен смерти» и «Кто из вас без греха?» экспонировали в зале Поленова рядом другими произведениями мастера. Но спонсорских сил, как и в случае с Репиным, не хватило на то, чтобы выкупить работы для музея. Обе картины ушли 30 ноября 2011 года, в несколько раз превысив эстимейты. Картина «Кто из вас без греха?» установила ныне действующий рекорд для работ Поленова — 4,07 миллиона фунтов (с учетом комиссии; эстимейт 1,2–1,8 миллиона фунтов). Работа «Повинен смерти» ушла за 2,8 миллиона фунтов при эстимейте 600–800 тысяч.

В последнее время на арт-рынке чаще стали появляться важные картины русских художников, поступающие не из частных коллекций, а из американских институтов, музеев и проч. Так было в случае с Поленовым, и, к примеру, с работой «Черемисская свадьба» Николая Фешина, которую в ноябре 2011 года продал Национальный музей ковбоев. Как правило, эти институции аргументируют свое решение продать музейного уровня полотно просто: работа, мол, слишком русская и тематике нашей коллекции не соответствует; мы продаем ее, чтобы к ней получили доступ широкие массы любителей русского искусства. Но на деле этого пока не происходит. Остается утешаться тем, что, по крайней мере в случае с работой «Кто из вас без греха?», вариант получше и побольше радует публику в Русском музее.

12. КОНСТАНТИН СОМОВ. РАДУГА. 3,3 [3,7] МИЛЛИОНА ФУНТОВ

Его «Дама в голубом платье» (1897–1900) — одна из жемчужин Третьяковской галереи, шедевр русского символизма, вещь, погружающая зрителя в умиротворение и заставляющая сожалеть об ушедшей красивой, пусть и эфемерной эпохе. Константин Андреевич Сомов (1869–1939) — художник известный в нескольких творческих ипостасях: как представитель европейской романтической ветви русского символизма, как модернист с выверенным декоративным стилем, а также как график оформитель. Член общества «Мир искусства», ученик мастерской Репина.

Пусть не это главное, но Сомов — это еще и художник, не особо скрывавший свою нетрадиционную сексуальную ориентацию. Может, и не этим объясняются отдельные процессы, происходящие вокруг его творчества, а может быть, какая-то связь и существует. Как знать…

Работы Константина Сомова с 2006 года стали довольно навязчиво штурмовать ценовой рейтинг русского искусства. Неожиданно взятые высоты, признаться, вызвали недоумение целого ряда профессиональных участников рынка. Понятно, что, с одной стороны, декоративный символист Сомов —
любимец русских коллекционеров и художник безусловно национального значения. Но, с другой стороны, суммы от 5 миллионов долларов — это уже порядок цен для крепких работ художников мирового уровня. Столько не платили, например, за лучшие вещи культового де Сталя. Или Краснопевцева. А за не лучшую вещь Сомова заплатили, что и вызвало вопросы. Сначала невыдающаяся по художественным параметрам «Русская пастораль» (1922) была продана в 2006 году на Christie’s за 2,6 миллиона фунтов, с 13-кратным превышением эстимейта. А в 2007 году значительно более убедительная «Радуга» (1927) перешла к новому владельцу уже за 3,3 миллиона фунтов с более скромным, всего лишь 5,5-кратным превышением верхнего эстимейта. В пересчете в доллары на тот момент это было 6,5 миллиона — бюджет, в котором можно подобрать довольно хорошую работу почти любого мэтра мирового уровня, включая Пикассо. «Радуга» была написана Сомовым уже в эмиграции. Художник, как и ряд его коллег, не стал возвращаться из зарубежной творческой командировки, куда выехал в 1923 году, в «закручивающие гайки» Советы. С конца 1920-х и до конца жизни художник работал во Франции. Впрочем, «Радуга» 1927 года написана в том же советско-пасторальном модернистском стиле, который Сомов развивал в 1920-е годы в России.

13. СОНЯ ДЕЛОНЕ. РЫНОК В МИНЬО. 4,59 МИЛЛИОНА ЕВРО

Имя художницы Сони Терк-Делоне (1885–1979) так же, как и многих других представителей Парижской школы, если не считать самых ключевых фигур, не настолько хорошо известно широкой публике в России. Зато во Франции ее почитают как звезду европейского авангарда и крупнейшего мастера ар-деко. Достаточно того, что Соня Делоне стала первой художницей, удостоившейся персональной выставки в Лувре (в 1964 году). Впрочем, имя Сони Делоне наверняка знакомо русским любителям моды и ее истории, ведь художница сумела перенести свои творческие находки в живописи в такую изменчивую сферу искусства, как дизайн одежды. Так она воплотила свою мечту об «изменяющемся и движущемся произведении искусства».

Рожденная в Полтавской губернии еврейская девочка Сарра Ильинична (Элиевна) Штерн довольно быстро и навсегда покинула пределы родной страны. С пяти лет она жила в Петербурге у дяди, богатого адвоката Генриха Терка, от которого взяла себе творческий псевдоним «Соня Терк». Дядя часто возил ее в Европу, где девочка в итоге решила учиться живописи. В восемнадцать лет она уезжает из России — сначала в Карлсруэ, в Германию, а спустя два года перебирается в художественную столицу той эпохи — Париж.

Не только личную жизнь, но и путь Сони в искусстве во многом определил брак с французским абстрактным художником Робером Делоне, за которого она вышла в 1910-м, предварительно побывав пару лет замужем за не менее перспективным, но, по-видимому, не столь творчески близким ей человеком — коллекционером, галеристом и художественным критиком Вильгельмом Уде. Самое интересное в том, что первый муж не порывал отношений с четой Делоне и даже покупал их картины, считая их талантливыми.

Вместе Робер и Соня были способны на многое, даже на изобретение своей разновидности кубизма — орфизма. Это художественное направление, имя которому в 1912 году впервые дал поэт Гийом Аполлинер, основано на подчеркивании цветовых эффектов и динамики, скрытой в цветовых сочетаниях. К русским художникам, испытавшим влияние орфизма, относят Аристарха Лентулова, Владимира Баранова-Россине и в определенной степени Александру Экстер, Георгия Якулова и Александра Богомазова.

За свою долгую жизнь сначала вместе с Робером, а после его смерти в 1941 в одиночку Соня сумела опробовать множество жанров в искусстве. Она занималась живописью, книжной иллюстрацией, театральными эскизами (в частности, оформляла декорации дягилевского балета «Клеопатра»), дизайном одежды, интерьера, узоров на текстиле и даже тюнингом автомобилей.

Ранние портреты и абстракции Сони Делоне 1900–10-х годов, а также работы серии «Цветовые ритмы» 1950–60-х пользуются большой популярностью на международных и национальных французских аукционах. Их цены нередко доходят до нескольких сотен тысяч долларов. Причем восемь из десяти самых дорогих работ Делоне были проданы в последние годы — 2010–2011. Однако пока еще не побит главный рекорд художницы, установленный 14 июня 2002 года на парижских торгах Calmels Cohen Paris. Тогда за 4,59 миллиона евро (2,94 миллиона фунтов) была продана абстрактная работа «Рынок в Миньо», написанная в 1915 году, в период жизни четы Делоне в Испании (1914–1920).

14. ИВАН АЙВАЗОВСКИЙ. ВИД КОНСТАНТИНОПОЛЯ И БОСФОРА. 24.04.2012. 2,85 [3,23] МИЛЛИОНА ФУНТОВ

Иван Константинович Айвазовский (1817–1900) — знаменитый русский маринист армянского происхождения. Его работы — своеобразный символ эпохи становления русского рынка искусства. Именно марины Айвазовского украшали обложки каталогов первых «русских торгов» и несколько лет безраздельно возглавляли списки топ-лотов. Миллион и выше долларов стали их обычной ценой. По статистике, с 2003 года на мировых аукционах было продано 31 полотно Айвазовского по цене, превышающей миллион долларов. Такого результата даже и близко не было ни у одного русского художника.

Уроженец Феодосии, Айвазовский получил образование в петербургской Академии художеств и почти сразу после окончания учебы уехал работать в Европу. Повидал мир, вернулся на малую родину, где проработал почти пятьдесят лет. В качестве живописца главного морского штаба Айвазовский участвовал в Крымской войне и других кампаниях, под впечатлениями которых родились многие его батальные полотна.

Одной из самых известных работ Айвазовского является хранящаяся в Русском музее знаменитая катастрофа «Девятый вал» (1850). Конечно, Айвазовский писал не только морские, но и традиционные виды (горные, степные, жанровые сцены), однако в этой работе он не был успешен. Популярность Айвазовского была столь широка, что его работы начали подделывать еще при жизни художника. И сегодня картины Айвазовского, появляющиеся на торгах, требуют тщательной атрибуции и соблюдения высокой осторожности при совершении сделок. Казалось бы, в наше время мода на Айвазовского должна схлынуть. Однако интерес к маринисту по-прежнему немалый, о чем свидетельствует обновившийся в апреле 2012 года персональный рекорд. С 2007 года самым дорогим полотном Айвазовского считалась работа «Американские суда у скалы Гибралтара» (1873), проданная на Christie’s за 2,7 миллиона фунтов с учетом комиссии. Спустя почти пять лет картина шторма в Гибралтарском проливе уступила пальму первенства миролюбивому морскому виду турецкого Константинополя в проливе Босфорском. Это случилось на торгах ориентальным искусством, где за «Вид Константинополя и Босфора» боролись сразу пятеро претендентов. Счастливчику по телефону работа досталась за 3,23 миллиона фунтов (2,85, если без учета комиссии).  

15. ИЛЬЯ КАБАКОВ. ЖУК. 2,6 [2,932] МИЛЛИОНА ФУНТОВ

Илья Иосифович Кабаков (р. 1933) — лидер московского концептуализма, идеолог «коммунального пространства». Разработчик концепции «тотальной инсталляции», один из самых неоднозначных художников в глазах российской публики и выдающийся философ живописи для публики западной, Кабаков оказался человеком, способным рассказать что-то действительно новое искушенному зарубежному зрителю. Феномену художника Кабакова посвящены десятки книг, его творчество и теоретические разработки изучаются в университетах, подвергаются квалифицированному анализу. Любить или не любить, но такой интерес вряд ли можно поддерживать искусственно столь продолжительное время.

Магистральным направлением творчества Кабакова является концептуализм. Специфическим творческим «вдохновителем» художника стала коммуналка с ее непременными атрибутами: общей кухней, переполненностью, сварами и абсурдом. Понятно, что даже в тяжелых условиях бывает своя романтика, но смысловые уровни работ Кабакова чаще состоят в подчеркивании атмосферы подавления человека коммунальным бытом и отношением окружающих. Это работы о вынужденном превращении в «маленького человека», утешением которого может быть лишь погружение в светлые мечты. В узком смысле это вещи — притчи об агрессивном деморализующем влиянии советской среды. И не трудно представить, что в России в конце 1980-х такие идеи были не искусством, а реальностью, чем, возможно, и объясняется сложность восприятия Кабакова в своем отечестве. А вот на коммунально-благополучном Западе, где не знают, что такое картошку на балконе запасать, совсем другое дело и совсем другой угол зрения.

Так или иначе, восхождение к мировой славе Илья Кабаков совершил именно в эмиграции и стремительно — на зависть большинству других значительных представителей русского неофициального искусства, перебравшихся на Запад с наступлением перестройки. Успеха, сопоставимого с кабаковским, не было ни у кого. А у Кабакова еще в 1992-м была скандальная инсталляция, имитирующая советский общественный туалет, в котором восторженная публика строем проходила сквозь условные секции «М» и «Ж». А годом позже на выставке «НОМА, или Московский концептуальный круг», по воспоминаниям очевидцев, были толпы народа, желающего посмотреть концептуальную инсталляцию Кабакова из двенадцати железных кроватей, выстроенных в круг. И это только начало 1990-х, а потом, само собой, десятки выставок, каталоги, рецензии в ведущих изданиях со всеми вытекающими последствиями в виде заказов и высоких галерейных цен.

Собственно, о галерейных ценах мы знаем мало, эта информация редко попадает в публичное поле. Были публикации о том, что отдельные этапные инсталляции продавались в 1990-х и за полтора миллиона долларов, и дороже. Но на аукционах работы Кабакова, пробивающие миллионный барьер, стали появляться лишь в последние годы: картина «Номер люкс» (1981) за 2 миллиона фунтов (Phillips, 2007 год) и инсталляция «Коммунальная кухня» (1991), проданная в прошлом году тоже на Phillips за 1,21 миллиона долларов. Двухметровый «Жук» с результатом 2,6 миллиона фунтов попал в обойму «миллионеров» лишь в 2008, сразу отвоевав своему создателю несколько позиций в ценовом рейтинге русского искусства. Кабаков на сегодняшний день является автором самой дорогой работы среди ныне живущих русских художников.

16. БОРИС КУСТОДИЕВ. ДЕРЕВЕНСКАЯ ЯРМАРКА. 2,5 [2,84] МИЛЛИОНА ФУНТОВ

Борис Михайлович Кустодиев (1878–1927) — знаменитый русский живописец и график, входивший в объединения «Союз русских художников» и «Мир искусства». Кустодиев вырос в Астрахани, где он и его мать снимали небольшой флигель в доме богатого купца. Одним из самых ярких впечатлений его детства стало посещение выставки передвижников, после которой он принял решение посвятить свою жизнь искусству. В 18 лет Кустодиев поступил в петербургскую Академию художеств, где его талант был оценен по достоинству: сам Илья Репин пригласил молодого человека участвовать в написании монументального полотна «Заседание Государственного совета» (сейчас эта картина находится в собрании Русского музея).

Кустодиев оставил внушительное творческое наследие. Оно включает портреты известных людей своего времени (в числе которых другие знаменитые мирискусники и Федор Шаляпин), жанровые портреты, книжные иллюстрации, эскизы костюмов и декораций к театральным постановкам. В годы первой русской революции он создавал карикатуры для журналов «Жупел» и «Адская почта», а в 1915 году написал яркий, несколько лубочный портрет Николая II на фоне Кремля, разошедшийся большим тиражом в виде репродукций на открытках.

На заре советской эпохи Кустодиев делал панно на революционную тему и даже иллюстрировал книги о Ленине. Впрочем, насчет новой власти художник долго не обольщался: уже в 1920 году написана картина «Большевик» — чудовищный исполин с кроваво-красным знаменем в руках.

Наследие художника велико и многообразно, но у большинства любителей искусства его имя первым делом вызывает в памяти купчих, дородных русских красавиц («Купчиха за чаем», ГРМ) и идиллические сцены народных гуляний. Фраза «кустодиевская барышня» стала в русской речи нарицательной. Глядя на эти жизнерадостные полотна, трудно поверить, что их создавал безнадежно больной и понимающий это человек — Кустодиев страдал от туберкулеза позвоночника и последние двенадцать лет жизни провел в инвалидном кресле.

Список самых дорогих работ Кустодиева в течение четырех лет возглавляла одна из его «русских венер» — «Одалиска» 1919 года (не правда ли, странное название для Кустодиева?) В ноябре 2005 года она принесла на аукционе Christie’s 1,69 миллиона фунтов стерлингов при эстимейте 180–220 тысяч. Недавно, впрочем, вокруг картины разразился скандал: несколько уважаемых экспертов уверенно заявили, что она является фальшивой.

К счастью для аукционной статистики, на «русских торгах» Sotheby’s 8 июня 2009 года эту «одалиску» скинула с пьедестала картина 1920 года «Деревенская ярмарка». Полотно маленькое, точно не лучшее в творческой карьере художника. Впрочем, многим нравится радостное настроение композиции: нарядные крестьяне торгуют, пьют и веселятся на фоне приветливого летнего пейзажа. Произведение выставил на аукцион французский собиратель, купивший его на Sotheby’s в декабре 1995 года. Как сообщает каталог тех торгов, «Деревенская ярмарка» является вариантом картины 1919 года, хранящейся в Русском музее. В 1922-м она экспонировалась на выставке русского искусства в Брюсселе.

Продажа «Деревенской ярмарки» стала самым эффектным ценовым событием июньского Sotheby’s. Работа, оцененная специалистами аукционного дома в 1–1,5 миллиона фунтов, принесла 2,84 миллиона фунтов (4,65 миллиона долларов). Вещь поступила на открытые торги повторно, что само по себе является показательным моментом для оценки доходности. Расчеты показывают, что за 14 лет 49,2 тысячи фунтов, вложенные в картину прежним владельцем, преумножились в 57 раз. Результат — просто для учебника по арт-инвестициям. И это, отметим, произошло в разгар финансового кризиса. AI в своих прогнозах мог предположить уход за миллион долларов, но уж никак не за пять.

17. АЛЕКСАНДР ЯКОВЛЕВ. ПОРТРЕТ ВАСИЛИЯ ШУХАЕВА В ЕГО СТУДИИ. 2,5 [2,82] МИЛЛИОНА ФУНТОВ

Александр Евгеньевич Яковлев (1887–1938) — график, живописец, работавший в неоклассической традиции в период становления модерна. Член художественного объединения «Мир искусства» с 1912 года. Получивший академическое образование, Александр Яковлев разработал особый портретный стиль, в котором современный взгляд сочетался с техникой, свойственной классической традиции.

Довольно широкую известность художнику принесли художественные отчеты из этнографических экспедиций — рисунки, сангины, живопись. В 1917 году художник совершил большое путешествие по русскому Дальнему Востоку, потом по Монголии и Китаю. После революции Яковлев переехал во Францию, в Париж, где имел уверенный галерейный успех. В 1920-х — начале 1930-х вместе с несколькими экспедициями автомобильной компании Citroen совершил многочисленные путешествия в Африку, Центральную и Юго-Восточную Азию. Результаты поездок с этюдником и блокнотом оформлялись в эффектные портреты (особенно запоминаются портреты Яковлева, написанные сангиной), пейзажи и жанровые сцены из далеких стран. Изображенный на портрете 1928 года Василий Шухаев — очень неординарный человек, известный художник и давний друг Яковлева, хорошо знакомый и по другим работам мастера. В частности, их знаменитый двойной автопортрет «Арлекин и Пьеро» (1914), находящийся в экспозиции Русского музея, считается ключевой работой русской неоклассики.

18. ВЛАДИМИР БАРАНОВ-РОССИНЕ. РИТМ (АДАМ И ЕВА). 2,4 [2,729] МИЛЛИОНА ФУНТОВ

Шулим-Вольф Баранов, Владимир Давидович Баранов, Даниэль Россине, наконец, Владимир Давидович Баранов-Россине (1888–1944). Человек удивительной и трагической судьбы. Состоялся как художник в Париже, работал в «Улье», дружил с Шагалом, Цадкиным, Сутиным, Архипенко. В 1917 году вернулся в революционную Россию, работал в Отделе ИЗО Наркомпроса, преподавал, оформлял первую годовщину Октября в Петрограде, работал над революционными панно, оформлял спектакли Мейерхольда. В 1925-м, когда в Советской России начали «затягивать гайки», разочарованный, вернулся в любимый Париж, чтобы, так получилось, жить в стесненных обстоятельствах, а потом в 1943-м попасть в тиски депортации евреев и спустя год погибнуть в концлагере Аушвиц (Освенцим).

Имя Баранова-Россине долгие годы было известно преимущественно специалистам, изучавшим историю русского авангарда. Перипетии судьбы, а также то, что значительная часть работ хранилась в семье художника, не способствовали популярности. Но в начале нашего столетия все изменилось: в 2002 году прошла выставка в Государственной Третьяковской галерее, потом — знакомство с творчеством в Государственном Русском музее. Для российских коллекционеров и ценителей искусства это имя «выстрелило» на Sotheby’s в 2004 году, когда переходный кубистический «Натюрморт со стулом» 1911 года ушел с молотка за 1,050 миллиона долларов. В те времена это был выдающийся случай для русского искусства, и продажа получила широкий резонанс. На волне естественного интереса работы Баранова-Россине начали активно приобретаться российскими коллекционерами.

В своих парижских поисках художник испробовал почти все авангардные течения, включая кубизм, кубофутуризм, абстракцию и сюрреализм. А еще раньше прошел путь академического пейзажа и почти неминуемого для художника тех лет постимпрессионизма. Своего «изма» Баранов-Россине не изобрел, но в рамках оформлявшихся течений его работы очевидно выделялись своей самобытностью. Тяга к технологичности проявилась не только в изобразительном искусстве: Баранов, как ренессансный художник, был увлечен изобретательством. Причем все его открытия связаны с природой света и цвета. На счету художника изобретение предтечи светомузыки «оптофона», прибора для определения качества драгоценных камней «фотохронометра», раскраски-невидимки «хамелеона», позже превратившейся в военный камуфляж, и даже аппарата для производства газировки. К сожалению, все эти изобретения не принесли художнику достатка, при жизни они остались невостребованными.

Сохранившееся творческое наследие Баранова-Россине относительно невелико. По некоторым оценкам, оно составляет чуть более 500 картин и рисунков, причем далеко не все из них относятся к ценным экспериментальным периодам. Но картина «Ритм (Адам и Ева)», проданная 24 июня 2008 года на Christie’s за 2,72 миллиона фунтов, безусловно, принадлежит к числу выдающихся работ художника. В течение многих лет картина-рекордсмен находилась в собрании немецких коллекционеров Альфреда и Элизабет Хох. Работа Баранова-Россине «Ритм (Адам и Ева)» выставлялась на парижском Салоне независимых 1913 года, когда, как считается, и дебютировал предсказанный Гийомом Аполлинером орфизм. В ней присутствуют многие характерные для этого направления моменты: и ощущение музыкального ритма через взаимопроникновение цветов, и кубо-футуристическое взаимопересечение поверхностей — и все это без ущерба для традиционного восприятия красоты, свойственного скорее символизму.

19. АРШИЛ ГОРКИ. ХОРГОМ. 3,7 [4,2] МИЛЛИОНА ДОЛЛАРОВ

Аршил Горки (1904–1948). Армянский художник с трагической судьбой, ставший одним из ярчайших представителей абстрактного экспрессионизма. Его настоящее имя — Востаник Мануг Адоян. Родился он в селе Хоргом, расположенном на территории турецкой провинции Ван. В 1915 году семья будущего художника, спасаясь от геноцида, бежала в столицу. Спустя четыре года мать умерла от истощения, и Востаник с сестрой отправились в США, где уже много лет жил их отец, бежавший из Армении с целью избежать призыва в турецкую армию. Твердо решив посвятить свою жизнь искусству, юноша поступил в Новую школу дизайна в Бостоне, а в 1925-м переехал в «культурную столицу» Америки — Нью-Йорк. По приезде он решил взять себе псевдоним. Согласно некоторым источникам, художник взял имя «Аршил» из-за того, что оно было похоже на «Арчи» — Востанику нравился герой вестернов Арчи Ган. Фамилию же художник решил позаимствовать у Максима Горького. Впоследствии он не раз утверждал, что является родственником знаменитого писателя.

В своем раннем творчестве Горки экспериментировал со множеством стилей: он прошел через увлечение импрессионизмом, постимпрессионизмом, Энгром, Сезанном, Пикассо, Кандинским… В конце концов художник остановился на сюрреализме. Горки обычно упоминают в одной обойме с Поллоком, Де Кунингом, Ротко и другими представителями «Нью-йоркской школы», хотя наиболее близкими по духу для него являются Миро и Матта, под влиянием которых он населял свои полотна причудливыми органическими формами. Именно благодаря сюрреализму Горки смог внести в свое творчество спонтанность. Увидев полотно 1944 года «Печень и гребень петуха», отец сюрреализма Андре Бретон назвал его «одним из величайших произведений искусства, когда-либо созданных в Америке», а художника провозгласил «первым, кто полностью постиг тайны [сюрреализма]».

Долгое время считалось, что основной темой работ Горки были воспоминания о родном крае: это подтверждали письма художника, адресованные его сестрам. Но около десяти лет назад два биографа Горки независимо друг от друга обнаружили, что многие из писем, в которых он говорит о своей тоске по родине, были подделаны его племянником. В любом случае нет никаких сомнений в том, что главным вдохновителем его живописи была природа — на картинах художника можно разглядеть формы, напоминающие растения, фрукты, насекомых, человеческие органы…

Конец 1940-х был для художника катастрофическим. В начале десятилетия все было хорошо: женитьба на любимой женщине, рождение дочери, успехи в карьере… Но в 1946 году в мастерской Горки произошел пожар, в котором погибло огромное количество его картин. За этой бедой последовала другая: художник заболел раком и был вынужден согласиться на тяжелую операцию. Через некоторое время он попал в автомобильную аварию, в результате чего его «рабочая» рука осталась парализованной. В довершение всего от Горки ушла жена. Этот удар судьбы художник перенести не смог. В июле 1948 года он покончил жизнь самоубийством.

Произведения Аршила Горки входят в коллекции крупнейших музеев мира и продаются на самых престижных аукционах послевоенного и современного искусства. Самым дорогим его творением является картина «Хоргом» (ок. 1938), принесшая 4,1 миллиона долларов на торгах Christie’s 16 мая 2007 года. Провенанс у работы солидный: она даже провела некоторое время в нью-йоркском Музее современного искусства. В ноябре 2000 года полотно «Хоргом» было продано на Sotheby’s за 2,2 миллиона долларов, то есть за шесть с половиной лет картина подорожала в два раза.

20. ВАСИЛИЙ ВЕРЕЩАГИН. ТАДЖ-МАХАЛ, ВЕЧЕР. 2 [2,28] МИЛЛИОНА ФУНТОВ

Василий Васильевич Верещагин (1842–1904) — выдающийся русский художник-баталист, не только очевидец, но и участник нескольких военных кампаний. Перед своим творчеством он ставил не только художественные, но и общественно-просветительские задачи. Трагедию и ужасы войны он изобразил с чрезвычайным натурализмом, от его хрестоматийного произведения «Апофеоз войны» мурашки бегут по коже.

Художник всю жизнь был в дороге — как по военной надобности, так и по собственному почину. Он путешествовал по России, Европе, США, посетил Кубу, Филлипины, Японию, Сирию, Палестину. Особо Верещагин был расположен к Индии, куда ездил дважды на несколько лет. Результатом многолетних странствий стали потрясающие по своей этнографической точности циклы картин — Палестинский и Гималайский.

Верещагин по складу своей души был миротворцем, в 1901 его даже выдвинули на соискание Нобелевской премии мира. Однако, как не печально, самому живописцу не была уготована долгая и мирная жизнь — он трагически погиб при взрыве броненосца «Петропавловск» вблизи Порт-Артура в 1904 в ходе Русско-японской войны.

В последнее время на ведущих мировых аукционах русского искусства наблюдается всплеск интереса к творчеству Василия Верещагина. Шесть из десяти лучших аукционных результатов этого художника были установлены в 2011 году. Кроме того, в этом же году обновился персональный рекорд художника в связи с продажей картины «Тадж Махал. Вечер» на торгах Sotheby’s 6 июня за 2,28 миллиона фунтов (3,73 миллиона долларов). Эта сравнительно небольшая (46,3 x 60,9) картина из знаменитой индийской серии Верещагина в несколько раз превысила эстимейт 250–450 тысяч фунтов. Предыдущий рекорд, державшийся с 2007 года, принадлежал монументальной (199,4 x 151,8) картине «Стена Соломона», которую продали на нью-йоркских торгах Christie’s 18 апреля 2007 за 3,62 миллиона долларов (1,8 миллиона фунтов). Кроме того, планку в миллион долларов перешагнули еще две работы Верещагина, причем обе — в ноябре 2011 года. Это «Жемчужная мечеть в Дели», проданная 1 ноября на Sotheby’s в Нью-Йорке за 3,1 миллиона долларов (эстимейт 3–5 миллионов долларов), а также грандиозное полотно «Распятие на кресте у римлян», которое на прошедшей в конце ноября лондонской неделе русских торгов достигло цены молотка в 1,72 миллиона фунтов (эстимейт 1–1,5 миллиона фунтов).

21-22. ЮРИЙ АННЕНКОВ. ПОРТРЕТ АЛЕКСАНДРА НИКОЛАЕВИЧА ТИХОНОВА. 2 [2,26] МИЛЛИОНА ФУНТОВ

Юрий Павлович Анненков (1889–1974) — выдающийся русский живописец и график, художник театра и кино, автор многочисленных книжных иллюстраций. Член объединения «Мир искусства» (с 1917 года), ученик Мориса Дени (Maurice Denis) и Феликса Валлотона (FélixVallotton). Стиль Анненкова, который называют «новым синтетизмом» или «неореализмом», сочетает в себе элементы классики с новаторскими приемами авангардных течений — кубизма, футуризма, экспрессионизма.

Все первые места в списке самых дорогих работ этого художника занимают портреты. Кого только не писал Анненков: от знаменитых писателей и поэтов Серебряного века (Ахматова, Замятин, Горький) до политических деятелей (Ленин, Каменев, Зиновьев). Исследователи даже считают, что выполненный им портрет Троцкого предвосхитил героические образы вождей, ставшие впоследствии «общим местом» тоталитарного искусства.

Самым дорогим творением Анненкова является портрет писателя Александра Тихонова, ушедший за 2,26 миллиона фунтов на «русских» торгах Christie’s 28 ноября 2007 года. Эстимейт работы составлял 0,9–1,2 миллиона фунтов. Между прочим, предыдущим рекордом для творчества Анненкова была сумма 200 тысяч евро (136 тысяч фунтов) — столько принес портрет фотографа Мирона Шерлинга, появившийся на аукционе Nagel в апреле того же года.

Ажиотаж вокруг «Портрета Александра Николаевича Тихонова» вполне объясним: работа была выполнена в очень важный период в творчестве художника (1922 год — именно тогда вышел знаменитый альбом «Портреты»). В своем произведении Анненков виртуозно соединил реалистический рисунок с «изломанностью» кубизма, а также включил в композицию коллаж и трехмерный объект — дверной звонок. Портрет Тихонова имел большой успех у современников и даже экспонировался на Венецианской биеннале 1924 года. Вскоре после этой выставки художник эмигрировал во Францию.

На заре советской эпохи он, как и многие, активно занимался обустройством эстетической среды нового, «пролетарского» города — в частности, оформлял грандиозные массовые зрелища, такие как «Взятие Зимнего дворца» и «Гимн освобожденному труду». Кроме того, художник преподавал в Государственных свободных художественных мастерских и работал с ведущими театральными новаторами. Еще до революции Анненков, сотрудничавший с Театром Комиссаржевской и «Кривым зеркалом» Николая Евреинова, заявил о себе как смелый экспериментатор — он был одним из основоположников экспрессионизма на русской сцене, — а в 1920-х художник стал первым, кто представил на суд публики движущиеся декорации. Послереволюционные годы также считаются вершиной его карьеры в области книжной графики: в 1918-м Анненков создал легендарные иллюстрации к поэме А. Блока «Двенадцать». Но иллюзии по поводу нового строя художник испытывал недолго и, почувствовав, «куда ветер дует», покинул свою родину. Надо сказать, что решение это было весьма своевременным: в 1926 году в СССР вышел второй альбом выполненных им портретов, почти весь тираж которого, из-за наличия в нем изображений «врагов народа», был впоследствии уничтожен. Книга воспоминаний Анненкова «Дневник моих встреч», впервые вышедшая в Америке в 1966 году, была издана в России только в начале 1990-х, хотя перед этим она долго ходила в самиздате.

В эмиграции художник работал столь же плодотворно: писал портреты, пейзажи и интерьеры; создавал абстрактные композиции с трехмерными объектами, а также оформлял театральные постановки и кинофильмы. Анненков сотрудничал с такими известными режиссерами, как Фридрих Вильгельм Мурнау, Георг Вильгельм Пабст и Макс Офюльс. За костюмы к фильму последнего «Мадам де…» (1953) он даже был номинирован на «Оскар».

Произведения художника (в особенности графические) появляются на аукционах довольно часто, причем многие из них вполне доступны по цене. Надо отметить, что Анненков пока не вошел в обойму художников, чьи творения регулярно приносят на торгах миллионы. Вторую строчку в списке самых дорогих его работ занимает «Портрет знатного господина», проданный за 361 тысячу фунтов на аукционе Sotheby’s 9 июня 2008 года. Инвестиционный потенциал этого художника очень неплох: Юрий Анненков входит в рейтинг Top-10 художников по темпам ценового роста ARTinvestment.RU.

21-22. МИХАИЛ ЛАРИОНОВ. НАТЮРМОРТ С КУВШИНОМ И ИКОНОЙ. 2 [2,26] МИЛЛИОНА ФУНТОВ

Михаил Фёдорович Ларионов (1881–1964) — русский живописец и график, театральный художник, теоретик искусства, мастер эпатажа и творческой провокации. На протяжении всего творческого пути работал в тандеме со своей «второй половиной» — Наталией Гончаровой, с которой он познакомился, когда оба были еще совсем юными. В начале своей карьеры Ларионов писал картины в духе импрессионизма и постимпрессионизма, а затем увлекся «примитивом» — но не Африкой, вдохновлявшей французских авангардистов, а русским «художественным просторечьем» — лубком, народной иконописью, городскими вывесками, «заборной живописью». В 1910-м стал одним из организаторов выставки «Бубновый валет», которая дала название движению, впоследствии ставшему одним из самых влиятельных в русском авангарде. Бубнововалетцы, соединившие новаторские приемы постимпрессионизма, фовизма и кубизма с «приземленностью» народных картинок, бросили вызов как пафосу и респектабельности академической живописи, так и утонченному эстетизму символистов. Но Ларионов вскоре откололся от этого объединения и основал вместе с Гончаровой группу «Ослиный хвост», которая, впрочем, просуществовала весьма недолго. На одноименной выставке, состоявшейся в 1912 году, экспонировались не только творения авангардистов (среди которых, между прочим, были Татлин, Малевич и Шагал), но и детские рисунки и работы художников-самоучек. Сам Ларионов показал картины, созданные под впечатлением от грубоватых и нередко фривольных рисунков, украшающих стены солдатских казарм.

В 1913-м на выставке под названием «Мишень» Ларионов и Гончарова представили на суд публики новые чудеса — композиции в стиле лучизма. Художники утверждали, что раз человеческий глаз воспринимает не сами предметы, а сумму отраженных от них лучей, то изображать следует не предметы, а пересекающиеся лучи. Этот новаторский стиль не получил широкого распространения, но, тем не менее, обеспечил его изобретателям почетное место в воображаемом зале славы родоначальников абстрактного искусства.

В том же году Ларионов (совместно с Ильей Зданевичем, Михаилом Ле-Дантю и другими) начал устраивать «футуристические прогулки», своеобразные прото-хэппенинги, которые широко обсуждались в прессе. Художник предлагал мужчинам раскрашивать лица, покрывать ноги татуировкой и красить волосы, а женщинам — разрисовывать грудь. В одной из газет написали о том, как Ларионов украсил лучистым рисунком декольте и плечи некой дамы. В целом озорной, абсурдистский дух этих «пощечин общественному вкусу» впоследствии дал исследователям основания объявить Ларионова, его супругу и друзей предшественниками цюрихского дадаизма — движения, отголоски которого были слышны чуть ли не весь ХХ век.

Кроме того, художник активно занимался иллюстрацией футуристических книг и оформлением театральных постановок. В 1915-м Ларионов и Гончарова уехали в Швейцарию — работать над спектаклем «Русского балета» Сергея Дягилева. В Россию они решили не возвращаться. В 1919 году художники поселились в Париже. Там они создавали театральные декорации и костюмы, писали картины (как «лучистые», так и фигуративные), устраивали балы для художников.

Наиболее ценным у Ларионова считается доэмиграционный период. 12 июня 2007 года его «Натюрморт с кувшином и иконой» (ок. 1910–1912) был продан на аукционе Sotheby’s за 2,26 миллиона фунтов (эстимейт 1–1,5 миллиона). Работа весьма откровенно заявляет о ларионовских приоритетах той поры: античная амфора соседствует с русской иконой, а на заднем плане изображена карта Европы с Россией в самом центре — художник будто указывает зрителю, где он нашел «золотую жилу» творческого вдохновения. Впрочем, подобные артефакты интересовали Ларионова исключительно с эстетической точки зрения, ибо русским авангардистам вообще агрессивный национализм был менее присущ, чем их итальянским собратьям.

Творчество Михаила Ларионова и Наталии Гончаровой хорошо изучено в России. В музеях представлены как доэмиграционные работы, так и вещи, созданные уже после переезда за границу. В 1988 году вторая жена Ларионова, Александра Томилина, подарила Третьяковской галерее внушительных размеров архив, завещанный ей художниками, — 80 картин и более 400 графических произведений.

Владимир Богданов, Юлия Максимова, Мария Онучина, AI

---

* Здесь и далее все цены указаны в той валюте, в которой состоялась сделка, и без комиссионного вознаграждения аукционного дома. При наличии достоверной информации, цена с учетом Buyers Premium указывается в квадратных скобках. Возврат

0
Нравится
ARTinvesment.RU в Facebook