Открыты 353-и торги AI Аукциона и 39-й кураторский аукцион «Городской пейзаж» («XXI век. Современное российское искусство»)
ARTinvestment.RU   27 октября 2020

В сводном каталоге — 30 лотов: 17 живописных работ, 6 листов оригинальной графики, 5 работ в смешанной технике, 3 иконы в одном лоте и 1 бронзовая скульптура

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 353 и 39-го кураторского аукциона «Городской пейзаж» («XXI век. Современное российское искусство»).

Лоты 353-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 39-го кураторского аукциона «Городской пейзаж» («XXI век. Современное российское искусство») представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Открывает каталог лот, состоящий из трех икон.

Три иконы. Части иконостаса (Пророческий ряд и Праздничный ряд). Русский Север. Конец XVIII века
1. Икона двухчастная. Святой Пророк Даниил. Воздвижение Честного и Животворящего Креста Господня
Дерево (сосна), поволока, левкас, темпера. 107 × 32,2
2. Икона двухчастная. Святой Царь Соломон. Распятие Христа
Дерево (сосна), поволока, левкас, темпера. 107 × 34,4
3. Икона двухчастная. Святой Пророк Илия. Введение во храм Пресвятой Богородицы
Дерево (сосна), поволока, левкас, темпера. 107 × 32,2

Нижние части двухчастных икон, написанных в традициях Русского Севера в конце XVIII века, входили в Праздничный ряд иконостаса, верхние — в Пророческий ряд.

Раздел произведений русских художников середины XIX — начала ХХ века открывает «Портрет мальчика» (1847) работы Ивана Кузьмича Макарова.

МАКАРОВ Иван Кузьмич (1822–1897) Портрет мальчика. 1847
Холст, масло. 45 × 37,4 (овал в прямоугольнике)

Макаров — один из крупнейших портретистов второй половины XIX века, представитель академизма. Его произведениям свойственны некоторые черты «салонности», выраженные в умении представить модель в наиболее выгодном свете, стремлении к внешней эффектности живописных приемов, вместе с тем жизненность и убедительность характеристик. Женские и детские портреты отличаются изяществом и грациозностью. Отличительными чертами манеры являются строгость рисунка, сдержанность колорита, часто построенного на сочетании сближенных полутонов — нежных розовых, серебристых, голубоватых, светло-серых, тонкие переливы цвета, нюансированная светотеневая моделировка, простой однотонный фон-«задник». Художник часто вписывал композицию в круглую или овальную форму картины.

«Детские портреты были “специальностью” Макарова, — отмечает эксперт, — они занимают значительное место в его творчестве. Их популярность среди заказчиков была связана как с его умением “схватить” характер юных моделей, передать их непосредственность, нежный тон детской кожи и блеск глаз, так и с большой изобретательностью в композиционном решении детских портретов».

Известно, что Макаров пользовался покровительством великой княгини Марии Николаевны, дочери Николая I и супруги герцога Максимилиана Лейхтенбергского. Мария Николаевна увлекалась коллекционированием произведений искусства, в 1852 году сменила своего умершего мужа на посту президента Академии художеств. В 1846 году Макаров сопровождал ее в путешествии по Италии, Германии и Франции. Давал уроки рисования ее детям. Позже, после окончания курса в ИАХ, был отправлен на два года за границу «для усовершенствования в мастерстве» на средства Общества поощрения художников и Марии Николаевны. В 1855 возвратился в Петербург и в том же году был удостоен звания академика «за искусство и познания в живописном портретном художестве». Работал по заказам императорской фамилии, создавал иконы по частным заказам. Есть предположение, что на нашем портрете, датированном 1847 годом и написанном, очевидно, во время европейского путешествия Марии Николаевны и тесного общения художника с ее старшими детьми, изображен один из сыновей Марии Николаевны — герцог Николай Максимилианович Лейхтенбергский в 4-летнем возрасте.

БАБАДИН Валериан Витальевич (конец XIX — начало XX века) Летний пейзаж. Рыбаки у речки. 1901
Холст, масло. 104,7 × 130

Реалистический холст «Летний пейзаж. Рыбаки у речки» (1901) принадлежит кисти Валериана Витальевича Бабадина. Биографических сведений о художнике практически не сохранилось, нет даже точных дат его рождения и смерти. «Известно, — отмечает эксперт, — что художник создал обширную серию летних, осенних и зимних видов, разномасштабных по формату, которые были востребованы у местной публики. В. В. Бабадин был вхож в круг живописцев русской реалистической школы конца XIX — начала ХХ века. Посещал мастерскую популярного и востребованного художника Ю. Ю. Клевера, влияние которого прослеживается в творчестве мастера. Его работы неоднократно воспроизводились в дореволюционных изданиях».

ЛАРИОНОВ Михаил Фёдорович (1881–1964) Двусторонний рисунок. Мужчина, читающий газету. Сидящая дама. 1908–1910
Бумага, графитный карандаш. 21,2 ×16, 4

1908–1910 годами датирует эксперт двусторонний рисунок «Мужчина, читающий газету. Сидящая дама» Михаила Фёдоровича Ларионова. Рисунок не подписан, но сопровождается этикеткой с рукописной надписью Н. И. Харджиева. Как указывает эксперт, Харджиев «был близок с крупнейшими деятелями русского литературного, художественного и музыкального авангарда и посвятил изучению и коллекционированию русского футуризма всю свою жизнь. С Ларионовым и Гончаровой лично он знаком не был, так как оба художника эмигрировали из России до того, как Харджиев переселился в столицу (1925). Но он состоял с ними в активной переписке и получил значительное количество ранних работ Михаила Фёдоровича Ларионова из собрания его ученика Льва Жегина».

Раздел произведений художников, работавших в советское время, невелик, но на редкость разнообразен и интересен.

ЧЕХОНИН Сергей Васильевич (1878–1936) «Пролетарии всех стран, соединяйтесь». Эскиз герба РСФСР. 1917
Бумага на картоне, акварель. 13 × 9,7 (рисунок), 30,8 × 25,5 (подложка)

Сразу после революции, в 1917-м (!) выполнен эскиз герба РСФСР — государства, образованного 25 октября 1917, — «Пролетарии всех стран, соединяйтесь» Сергея Васильевича Чехонина. Ему посвящена одна из недавних публикаций в нашей постоянной рубрике «Художник недели». Для творчества этого художника, принадлежащего к младшему поколению «Мира искусства» было характерно обращение к различным областям прикладного и изобразительного искусства. Александр Эфрос писал о нем: «Это был очарователь и дамский кумир, это был эмальер, ювелир, фарфоровщик, акварелист богатой жизни, это был созидатель виньет и миниатюр для коллекционеров, это был гербовщик родовой плутократии и формовщик дворянских эмблем, это был поэт вековой государственности, это был воскреситель старой эстетики дней Александровых, это был чистейший чувственник прелести ампира, это был образец ретроспективизма, пай-дитя “Мира Искусства”, это был изготовитель очаровательных и драгоценных безделиц, самых хрупких и самых бесцельных вещей, какие в состоянии был произвести российский императорский декаданс» (С. Чехонин / Абрам Эфрос и Николай Пунин. М., Пг.: Государственное издательство, [1924]. С. 9–10).

Тем более удивительным для многих стало принятие Чехониным революционных событий. Более того, это было не просто принятие режима, а деятельное участие в создании символики новой власти: он оформлял уличные празднества и театральные зрелища, исполнил проект Государственного герба РСФСР, агитационные плакаты, эскизы денежных купюр, серебряных монет, а также печати Совнаркома. Тогда же он начал заниматься тем, что уже гораздо позже определило особую востребованность его творчества для отечественных и зарубежных коллекционеров, — агитационным фарфором.

В своем послереволюционном творчестве Чехонин соединяет декоративизм, свойственный мирискусникам, и последние достижения кубистов и футуристов, активно используя оказавшуюся весьма релевантной новому режиму классическую образность. Он вовсе не отвергает свою предыдущую манеру, а лишь развивает ее: «Если бы еще он изменил своему искусству, забыл свое старинное мастерство, отказался от нежнейших гирлянд и гербов, повернулся спиной к ампирному этикету… Чехонин ни от чего не отказался, своего искусства не изменил <…> — и однако же его перо и его кисть тончайше выписывали не императорские вензеля, а октябрьскую аббревиатуру “РСФСР”, и нежнейшим голоском фарфора, два века привыкшим грассировать про “веру, царя и отечество”, — выводили советскую сюиту: “долой помещиков и капиталистов”, “пролетарии всех стран, соединяйтесь”, “да здравствует октябрьская революция” и “царству рабочих и крестьян не будет конца”» (Там же. С. 10).

КЛЮН Иван Васильевич (1873–1943) Чайник. 1925
Бумага, акварель, графитный карандаш, гуашь. 19 × 25,4

Светлый, изящный графический натюрморт «Чайник» в 1925 году создан Иваном Васильевичем Клюном, сегодняшним героем нашей постоянной рубрики «Художник недели». Андрей Сарабьянов называл Клюна фигурой международного значения: «Клюн, как и многие русские авангардисты, был предтечей многого из того, что обрело впоследствии почву за рубежом» (цит. по: directorinfo.ru).

Клюн перепробовал множество стилей. В годы учебы «он увлекался творчеством передвижников, писал реалистические пейзажи и натюрморты. …В начале 1900-х годов… писал и в традициях символизма и модерна под влиянием творчества М. А. Врубеля, В. Э. Борисова-Мусатова и Н. Д. Милиоти. А еще большое впечатление на него произвели выставка современной французской живописи, которая проходила в 1908 году в редакции журнала “Золотое руно” и выставка произведений французских художников из коллекции С.И. Щукина. Клюн даже пытался писать пейзажи в импрессионистической манере» (liveinternet.ru).

В 1907 году Клюн познакомился а затем подружился с Малевичем, который ввел его в авангардные круги Москвы. «Историки пишут, что в 1910-х годах художник прошел почти через все направления модерна и начального авангарда, прежде чем окончательно “нашел себя” в кубизме, конечно же, под влиянием Малевича. <…> В 1913–1914 годах Клюн обратился к кубизму. Основной темой его картин стали бытовые приборы и посуда — граммофон, кувшин и т.д. Исследователи кубизма отмечают, что в отличие от Малевича, который видел в кубизме возможность создания “алогизма”, Клюн находил в нем прежде всего логику, его предметы расчленены, но вполне узнаваемы. <…> С 1913 года художник увлекся новыми формами, он создавал конструкции-коллажи из дерева, металла, стекла, фаянса, проволоки и других материалов, которые получили название скульптокартины или пикторельефы.

С 1915 года начинается период беспредметного творчества Клюна, то есть переход к супрематизму. В… 1918 году художник поссорился с Малевичем и решил отойти от супрематизма, назвав его трупом “с остановившимся мертвым взором”. Весной 1919 года в Москве на выставке “Беспредметное творчество и супрематизм” Клюн представил 62 работы супрематической живописи и графики под общим названием “Искусство цвета” и объявил о своем окончательном разрыве с супрематизмом и обращении к “живому” искусству цвета» (liveinternet.ru).

1920-е годы в творческом отношении «были для него временем интенсивных художественных поисков, значительно изменивших стилистические векторы его искусства. Впервые результаты своей работы последних лет И. Клюн показал именно на I выставке Общества станковистов (1925), представив несколько акварелей и картины, написанные маслом по “цветосветовому принципу”… Акварели, возможно, его первые опыты в стиле “конструктивного реализма”, отражавшие начавшийся в середине 1920-х годов процесс перехода И. Клюна к фигуративной живописи» (Графика общества станковистов. М.: Галерея Элизиум, 2009. С. 198). Наш «Чайник» — одна из этих акварелей, работа упоминается в каталоге I выставки ОСТа (1925).

«Новые работы, определяемые самим художником, как “конструктивный реализм”, Клюн впервые показал на выставке общества “Четыре искусства” в 1926 году.

Во второй половине 1920-х годов Клюн увлекся французским искусством, вспомнив юность, он стал копировать из журналов картины Пабло Пикассо, Жака Брака и Хуана Гриса. Особенно привлекло Ивана творчество французского художника и основателя пуризма в живописи Амеде Озанфана. До середины 1930-х годов Клюн создавал натюрморты в духе пуризма.

К середине 1930-х годов художник, чтобы не попасть в опалу к представителям официального искусства, вынужден был перейти к живописи правящего соцреализма, но его реалистические картины не принесли художнику успеха» (liveinternet.ru).

ЕФИМОВ Иван Семёнович (1878–1959) Голова жирафы. Фрагмент скульптуры «Жирафа». По модели в гипсе 1938 года
Кованая медь, дерево. 33 × 22,2 × 14

«Голова жирафы» Ивана Семёновича Ефимова не датирована, однако эксперт указывает, что она выполнена по модели в гипсе 1938 года, поэтому время изготовления нашего авторского (возможно, рабочего?) варианта воспроизведения фрагмента скульптуры «Жирафа», находящейся в собрании ГТГ, можно датировать периодом с 1938 до 1959 года. Работа выполнена в технике кованой меди, которая, «помимо высокого мастерства, требует также очень “чуткого” глаза, способного видеть тончайшие нюансы формы», — отмечает эксперт. «Каждый материал должен утверждать себя и раскрывать свою сущность с первого взгляда, — цитирует эксперт записки художника. — Нечего говорить, что мысль новой скульптуры рождается у меня не иначе, как уже в определенном материале. Никогда не случалось так, чтобы сначала родилась отвлеченная идея, а потом я бы ей подыскивал материал-воплощение.

Приходится всегда очень подумать, чтобы скульптура из кованой меди сразу говорила о себе, что она легкая, дутая, не литая, не тяжелая, как из бронзы.

Бронза любит, чтобы ее били молотком.

Это кустарная ковка… я один из первых скульпторов вводил этот новый в то время материал — кованый металл — и сделал в этом материале сорок работ.

Рисовал для теневого театра жирафу и решил делать в чеканной меди в 1,15 м. Это много раз у меня бывало, что вещь рождалась в скульптуре после того, как родилась первый раз в графике. …Жирафу сделать из кованой меди. …Я очень большую нежность чувствую к жирафе: тут дерзость моя нужна. Жирафу никто, кроме меня, и не сможет сделать. Как ее воспеть! В бронзе — натурально, тяжело, а это — дутый, легкий, в этом его оправдание. Восточные традиции. Фактура, получающаяся от молотка на металле, дает живую поверхность. Когда общая форма крепко ограничена и найдена, то мельчайшие неровности — ну как на земле горы — не нарушают общей формы».

Безупречен также провенанс работы. Она происходит из собрания семьи Н. И. Гилярова — учащегося, а затем и преподавателя ВХУТЕИНа (затем ВХУТЕМАСа), где в 1918–1930 годах был профессором И. С. Ефимов, который и подарил свою скульптуру молодому архитектору.

ГЕРАСИМОВ Сергей Васильевич (1885–1964) Деревенская гулянка. Эскиз. 1950-е
Картон, масло. 21,6 × 36

Живописная композиция «Деревенская гулянка» (1950-е) Сергея Васильевича Герасимова, несмотря на эскизный характер, производит впечатление вполне законченного художественного высказывания. Эксперт указывает, что «выбор мотива, горизонтальная компоновка многофигурной деревенской сцены, колористическое решение, построенное на контрастах охристого, голубого, ярких и светлых цветных платьев, свободная обобщенная трактовка фигур, манера трактовки кисти, фактура характерны для живописи художника».

ТИТОВ Дмитрий Васильевич (1915–1975) Вечер. 1967
Картон, масло. 49 × 39

Лирический пейзаж «Вечер» (1957) Дмитрия Васильевича Титова написан в лучших традициях русской пейзажной школы. Это мягкая, теплая закатная композиция затихающей природы и предвечерней тишины.

Творчество художников Русского Зарубежья представляет акварельная композиция «Вестибюль отеля барона и баронессы в поместье Ротшильд» (1979) Александра Борисовича Серебрякова.

СЕРЕБРЯКОВ Александр Борисович (1907–1995) Вестибюль отеля барона и баронессы в поместье Ротшильд. 1979
Бумага на бумаге, акварель. 49,3 × 63,4

В чистой, изящной акварельной манере сын Зинаиды Серебряковой, прекрасный акварелист и график, воспроизвел интерьер одного из исторических особняков Парижа, построенного архитектором Александром-Теодором Броньяром (фр. Alexandre-Théodore Brongniart, 1739–1813) в конце правления Людовика XVI, в 1787 году.

История этого небольшого частного отеля и его владельцев прослеживается со времени строительства до дня сегодняшнего. В ней сошлись известные персоны и фамилии. Но самое удивительное — это связь тех, кто жил здесь, с мировой и русской культурой. Так, супругой первого владельца отеля, для которого он и был построен, — Карло Себастьяно Ферреро Фиески (1760–1826), принца Массерано, — была внучка богатого финансиста Луи Антуана Кроза (большая часть доставшейся именно ему знаменитой коллекции Кроза была куплена по приказу Екатерины II и заложила основу коллекции западноевропейской живописи недавно открывшегося Эрмитажа). Ровно через столетие одним из владельцев стал граф Этьен де Бомон (1883–1956), друг Кокто, Сергея Дягилева, Брака и Пикассо. Вместе со своей женой, урожденной Эдит де Тэсн (1876–1952), Этьен де Бомон финансировал постановки авангардных фильмов и балетов, а затем, после Второй мировой войны, основал «Франко-американскую ассоциацию», которая финансирует многочисленные выставки.

Как всегда представителен раздел творчества художников-шестидесятников.

КРОПИВНИЦКИЙ Евгений Леонидович (1893–1979) Цветок на окне. 1962
Бумага на картоне, акварель. 13,5 × 19,6 (рисунок), 18 × 23,5 (подложка)

Открывает раздел акварельный натюрморт «Цветок на окне» (1962) Евгения Леонидовича Кропивницкого — изящная композиция в хорошо знакомой любителям творчества художника манере. Несмотря на кажущуюся простоту, эта работа — изысканное и тонкое поэтическое произведение художника, поэта, музыканта, духовного и идейного вдохновителя «лианозовской группы» и многих художников 1960-х годов.

СЛЕПЫШЕВ Анатолий Степанович (1932–2016) Пейзаж с лошадью. 1965
Холст, масло, процарапывание. 83 × 136

«Пейзаж с лошадью» (1965) Анатолия Степановича Слепышева, работа вдохновенных 1960-х, в которой гениальный колорист Слепышев самыми лаконичными средствами создал драматичную красивейшую композицию.

«Мой отец, Марат Рувимович Бабин, известный российский скульптор, познакомился с Анатолием Слепышевым в начале 1960-х годов и был с ним очень дружен, — пишет О. М. Бабина. — К творчеству друг друга они относились с огромным интересом и были частыми гостями друг у друга в мастерских. Анатолий Степанович в те годы работал с невероятной энергией и продуктивностью. Работы того периода отец ценил очень высоко, считал, что по динамизму и многозначности они превосходят более поздние.

“Пейзаж с лошадью” был написан в 1965 году и подарен отцу в 1968. Как ни печально, но художник, отличаясь требовательностью и взрывным темпераментом, часто уничтожал свои работы, сдирал с холста и писал новые. “Пейзаж с лошадью” ждала та же участь. Отец буквально выдернул холст. Картина с тех пор висела у него в мастерской вплоть до его гибели в 2010 году».

БРУСИЛОВСКИЙ Анатолий Рафаилович (1932) Год Обезьяны. Из серии «Китайский гороскоп». 1987
Бумага ручной отливки, акварель, тушь, гуашь, графитный карандаш, аэрограф. 67,5 × 89,4

К серии «Китайский Гороскоп» относится большой (67,5 × 89,4) рисунок аэрографом «Год Обезьяны» (1987) Анатолия Рафаиловича Брусиловского. «Я долго и упорно изучал теорию гороскопа и пришедших из глубокой древности Знаков, — пишет автор. — Сомневался, изучал, проводил исследования среди друзей и знакомых. Удивительно, но чаще всего всё сходится. Даже мелкие детали характера и событий совпадают с описаниями. Поверить в это трудно — но это факт!» Вдохновленный такой убежденностью, рисунок выглядит свободно, мощно, красиво.

ГОРОХОВСКИЙ Эдуард Семёнович (1929–2004) Ленин. 1989
Бумага, акварель. 63 × 49

В 1989 году создана акварель «Ленин» Эдуарда Семёновича Гороховского. Образ Ленина для художника был, скорее, инструментом, посредством которого он создавал свои мозаики, плакаты. В нашей работе изображение Ленина не сопровождается никакими дополнительными элементами, здесь нет вторых планов и дополнительных смыслов. Это гротеск в чистом виде.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Адам и Ева. 1991
Картон, пастель, графитный карандаш, акрил. 40 × 40 (лист), 28,5 × 28,5 (рисунок очерчен)

«Адам и Ева» (1991) Владимира Николаевича Немухина воплощает один из сюжетов, над которыми художник работал долгое время — изменял, перекраивал, экспериментировал с цветом и композицией. Эта работа относится, как отмечает эксперт, «к циклу произведений В. Н. Немухина с карточными раскладами на ломберных столах, над которым он работал в 1960-х — 2000-х годах. Именно этот карточный цикл принес его автору успех и заслуженную популярность. Не случайно, что некоторые наиболее удачные и интересные работы из этого цикла он неоднократно повторял». Ближайшим аналогом нашей композиции эксперт считает живописную работу «Адам» (1990), опубликованную в монографии «Владимир Немухин. Живопись. Графика. Скульптура. Фарфор» (М.: Бонфи, 2012. С. 230. № 158). По всей видимости, наш картон «Адам и Ева» (1991) представляет собой один из первых вариантов, созданных художником в продолжение работы над сюжетом.

АЛФЕРОВ Сергей Александрович (1951–2004) Башня. 2004
Холст, акрил, масло. 100,2 × 80,2

В 2004 году написана яркая композиция «Башня» Сергея Александровича Алфёрова. Художник родился и вырос в Ташкенте, в русской семье потомственных интеллигентов. Выставляться в Ташкенте Алферову не дали, не поняв его «странного» искусства, и в начале 1970-х он уехал в Москву где работали многие известные художники-нонконформисты. В столице первое время жил, где придется, скитался по квартирам знакомых и мастерским своих коллег. Участвовал в «бульдозерной выставке», просмотре картин в Измайлово, вступил в «живописную секцию» при Горкоме графиков на Малой Грузинской, что позволило ему стать «официальным» художником и перестать скрываться от охотившейся за «тунеядцами» милиции. На личность и творчество Алферова большое влияние оказало общение с Анатолием Зверевым, это позволило ему укрепиться в осознании правоты избранного им творческого пути.

На протяжении всей жизни он «хранил верность восточным традициям с их сказочно-декоративной основой. Будучи уже зрелым мастером, Алферов при первой же возможности уезжал в горы — набираться духовного опыта. Исходил весь Памир, посещал местных мудрецов, жил в коммунах — среди таких же, как он, искателей мистических откровений» (mmoma.ru). «Башня» вызывает ассоциации с восточными минаретами, вместе с тем круглый знак в ее центре более всего напоминает славянский солярный знак «восемь спиц», значение которого художнику, с его интересом к мифологии, было конечно известно. Безусловно, эта работа относится к ряду алферовских вещей, в которых «одна мифология органично перетекает в другую, символики наслаиваются друг на друга, приглашая зрителя в увлекательное путешествие по ушедшим и сохранившимся до наших дней цивилизациям» (mmoma.ru).

«Он творил свою мифологию из первозданного хаоса цвета. Погружался в работу на несколько суток. Посреди комнаты на циновке сидел на корточках погруженный в себя полудервиш-полухиппи — непременно в наушниках, медитирующий под восточную музыку или джаз. Вокруг — хороводы незавершенных листов. Цветы, птицы, бабочки, рыбы, черепахи, архитектурные сооружения. Все они смиренно дожидались последних прикосновений мастера — страстных, темпераментных, импульсивных. Вся помещение заставлено банками, пузырьками и тюбиками с гуашью, акварелью, тушью, темперой, чернилами, типографской краской. У ног разбросаны кисти, фломастеры, мелки. Алферов считал, что бумага сама провоцирует художника на творчество» (mmoma.ru).

ИШИН Александр Владимирович (1941–2015) Дед Мороз в деревне. 2011
Холст, масло. 70 × 70

«Дед Мороз в деревне» (2011) Александра Владимировича Ишина — работа позднего периода творчества, в той манере, которую в первую очередь связывают с именем художника. «Как и все классические шестидесятники, Ишин на всю жизнь остался романтиком с ироничным мировоззрением» (Игорь Дудинский, artinvestment.ru). «В героях Ишина теплится искорка самостоятельного существования, им присуще некоторое неразвернутое начало, скрытая потенция, внутренняя энергия.

Существенную роль играет живописная материя — наполненная и подвижная. Александр пользуется определенным набором цветов, его колорит легко узнаваем. Сложные оттенки, мерцающее красочное тесто, подвижный упругий мазок, формирующий фигуры и предметы, — все это кажется саморазвивающимся и одушевленным.

И еще одно неотъемлемое качество всего живого — несовершенство. Мир в картинах Александра такой, каков он есть, — смешной и трагический, строгий и небрежный, благообразный и разухабистый и неизбежно немного нелепый. В работах нет карикатурности и нажима — просто все изображенное, как и вообще все сущее, не свободно от недостатков. Оно чуть угловато, шероховато и серовато. Качества незавершенности, нарушенности — извечны, постоянны, а главное — близки человеку с его неизбежными оплошностями и неудачами.

Живописная вселенная Александра Ишина — родная, обжитая и понятная — несмотря на метафоричность и элементы сюрреализма. Человечески-трогательное, теплое начало, просвечивающее в картинах, негромкий, доверительный тон разговора приближает внутренний мир произведения к зрителю» (Елена Лебедева).

Картина «Дед Мороз в деревне» (2011) экспонировалась на персональной выставке «Парадоксы обыденного, или Искусство актуализировать банальное» (2011), приуроченной к 70-летию художника.

Завершающий раздел каталога — творчество современных художников.

ВОЛОГЖАНИН Николай Николаевич (1945) Троица. 1994
Холст, масло. 70 × 90

В 1994 году написан холст «Троица» Николая Николаевича Вологжанина. Познакомиться с творчеством этого замечательного мастера можно в отдельной ветке «Вологжанин Николай Николаевич» на форуме AI, за нее огромное спасибо участнику с ником spigo.

«К Вологжанину тянет… Его неуёмное стремление к достижению, к разрешению поставленной задачи порой доходит до абсурда... Но что бы ни служило этой цели, будь то портрет или пейзаж, абстрактный образ или натюрморт, поиск формы <находится> в полной зависимости от идейной и духовной направленности автора. Рассматривая творчество мастера, нельзя не заметить, что это художник глубоко русский, преданный русской теме в живописи. В своё время мне представилась возможность видеть и наблюдать, как работает Вологжанин с натуры... Это было в доме творчества имени Кардовского, что находится в городе Переславль-Залесский. Со свойственным <ему> темпераментом, острым видением природы и врождённым колористическим даром, Вологжанин создал целую серию тонких по настроению и насыщенности цветом пейзажей. Некоторые из них можно буквально назвать эпическими, ибо в них уже не фрагменты природы, натуры, а символическое видение всей России — с её неброской, неяркой природой. Но до того щемящей и бесприютной, что больно становится сердцу русского человека» (Сахаров А. И., искусствовед).

«Вологжанин — это безусловно явление в современной московской живописи, к сожалению, плохо и мало изученное сегодняшней критикой и специалистами в области искусства. Он стоит внимания» (А. Русанов).

«Троица» Вологжанина несомненно из тех вещей, что раскрываются зрителю не с первого взгляда, они требуют внимания, спокойного, неторопливого, но раскрывшись, уже не отпускают, заставляя мысленно к себе возвращаться.

КОРКОДЫМ Владимир Николаевич (1940) Сирень на фоне гобелена. 2005
Холст, масло. 95,5 × 96

Флоральный натюрморт «Сирень на фоне гобелена» (2005) написан Владимиром Николаевичем Коркодымом, о нем мы писали в нашей постоянной рубрике «Новые имена». «Я пишу картины, потому что не могу иначе, это стало потребностью, бесконечной мукой и радостью, смыслом жизни, частью меня самого», — говорит художник. «От своих учителей Владимир Николаевич перенял уважение к живописи московской школы в частности и русской классической традиции в целом, и интерес к изобразительным решениям предшествующих великих эпох — итальянского Ренессанса, барокко и Золотого века нидерландской живописи» (artinvestment.ru).

Букет сирени занимает центральную часть картины бело-лиловым облаком. Любой другой цветок можно разглядывать, отмечая для себя форму лепестков, изящество, красоту цветочной «личности». А сирень — это всегда букет, даже если перед нами всего одна веточка. И художник пишет его (при всей своей склонности к натурализму) отчасти в импрессионистической, размытой манере, чтобы зритель почувствовал авторское восприятие этой огромной красоты. В единой постановке художник объединил огромный букет сирени, фон с классическим гобеленовым рисунком пышных роз и глиняную вазу с росписью розами в жостовской стилистике — и все эти элементы сливаются у Коркодыма в какой-то абсолютной гармонии, невероятной красоте, лишь оттеняемой строгими вертикальными гранями высокой чашки костяного фарфора и лежащей веточкой сирени.

«Большое и важное место в творчестве Коркодыма занимают цветы. Они настоящее воплощение буйства и разнообразия жизни. Сколько оттенков, форм и ароматов! Искренняя любовь художника к цветам отражена в его замечательных композициях с букетами. Он сам выбирает, покупает, сажает семена и луковицы, ухаживает за ними. Садовые, полевые, луговые, лесные цветы — всё воплощает его талантливая кисть. В этих натюрмортах проявляется страстная душа автора, его темперамент, задор и колористическая смелость. И в этих работах в равной степени проявляются талант живописца, композитора картины и чувство юмора, с которым составлены многие холсты. Удачно поставленный натюрморт — половина успеха. В слишком “правильном” букете художник надламывает стебель, выдёргивает пучок, нарушая симметрию, бросает опавшие лепестки на первый план. Цветочные натюрморты Коркодыма — это признание в любви ко всему растительному миру нашей планеты» (Юлия Ануфриева).

НЕСТЕРОВА Наталия Игоревна (1944) Скачки. 2017
Холст, масло. 80 × 100

Узнаваема и очень интересна композиция «Скачки» (2017) Наталии Игоревны Нестеровой. Ну, скачут там где-то лошади с наездниками — не о них эта картина. Плотная толпа зрителей занимает первый план холста — и мы буквально чувствуем, как в болельщицком азарте напряжены их спины и плечи, прижатые друг к другу. Художница как будто специально расцветила дамские шляпки цветами и перьями, окрасила в разные, пусть и сдержанные, цвета пальто и мужские головные уборы, заставила лошадей лететь по ветру не в сбившейся массе, а по отдельности, в свободном пространстве беговой дорожки. И все для того, чтобы оттенить это невозможное напряжение.

Одновременно с нашим штатным 353-м AI Аукционом открыт 39-й кураторский аукцион «Городской пейзаж» («XXI век. Современное российское искусство»). В каталоге собраны работы Семёна Агроскина, Ильи Комова, Виктора Крапошина, Юлии Малининой, Дениса Михайлова, Андрея Мунца, Владимира Сальникова, Армана Сируняна, Кати-Анны Тагути и Елены Утёновой-Тихоновой.

Всем желаем удачи на 353-м AI-Аукционе и 39-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.