Открыт 91-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   08 ноября 2021

В каталоге собраны произведения Азама Атаханова, Сергея Базилева, Сергея Бордачёва, Дмитрия Воронина, Михаила Ермолова, Наталии Жерновской, Александра Захарова, Владимира Колесникова, Виктора Крапошина, Pata (Пааты Мерабишвили), Шамиля Надрова, Александра Савко, Анатолия Чечика

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 405 и 91-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 91-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 13 лотов — девять живописных произведений, две скульптуры, одна фотография и одна работа в смешанной технике.

Азам Атаханов. У водоема. 2012

Атаханов — художник, синтезирующий в своём творчестве культурные традиции персидского Востока, русского авангарда и европейского Ренессанса, показывает иную, метафизическую сторону реальности, лишь внешне подобную окружающей действительности» (artmoskovia.ru).

Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атахановkommersant.ru).

Для художника наиболее важными категориями живописи являются цвет и пространство: его интересуют насыщенность цвета, верно найденный тон, его «звучание» в картине. «Изначально задача живописи — с помощью цвета создавать и передавать образ, информацию, чувства, как в музыке с помощью звука. Всё, что касается цвета, пространства и его влияния на зрителя, — это то, чем я занимаюсь 30 лет», — говорит Атаханов.

Источником вдохновения мастер называет красоту природы и человека в ней; всё то, что созидается человеком: произведения искусства и архитектуры, поэзия, сады и селения, жилища и предметы народного творчества, и конечно, музыка. Искусство для Азама Атаханова — это созидание благого, истинного, атрибутом которого является прекрасное. «Чем музыка отличается от шума, живопись от раскрашенной плоскости, литература от должностной инструкции? Лишь красотой. Только истинная красота придаёт искусству смысл. Постичь и передать её — единственная подлинная задача художника».

Существование фигуры в природном пейзаже – не менее значимый элемент живописной философии Атаханова. Традиционные восточные сюжеты или женские образы, которые встречаются практически в каждой картине мастера, только на первый взгляд несут основную смысловую нагрузку в произведениях. Здесь следует говорить о переплетении смыслов, о возврате к глубоким корням, к тем временам, когда живопись опиралась на философию и религию (artmoskovia.ru).

Сергей Базилев. Селёдка. 1998

Я очень не люблю обобщений. Мне кажется, что, когда человек обобщает, он просто уходит от ответственности. Мне всегда нужна конкретика. Я люблю уточнения (Сергей Базилев, gallerix.ru ).

Сергей Базилев — один из лидеров советского гиперреализма; ключевые проблемы которого он разрабатывает в живописи на протяжении десятилетий. Главная особенность направления и исходный материал для создания художественного произведения — фотографический образ. Важно отметить, что в 1970–80-е годы технические возможности не позволяли проецировать слайд прямо на холст, поэтому художники перерисовывали изображение с маленького проектора.

Советские гиперреалисты… интригуют зрителя всеми возможными способами, начиная от выбора тем — странных, захватывающих, шокирующих — и заканчивая эффектами живописной манеры. И если американские художники методично оттачивали технику гладкого сплавленного письма, то советские зачастую интересовались техническими сбоями и акцентировали неоднородность живописной поверхности, когда пастозные мазки могли соседствовать с прозрачными лессировками. В интерпретации советских «гиперов» картина реальности расслаивается, раскалывается и выглядит повреждённой множественными разрывами.

Сергей Базилев радикально обновил свою манеру и «вышел из сумрака» напряжённых и драматичных композиций конца 1980-х. Его постсоветские серии на первый взгляд решены в мажорных интонациях и наделены пленэрными качествами, как будто художник покинул мастерскую и начал работать в открытом пространстве. Этот переход из гипер- и фотореализма в импрессионизм не имеет отношения к историческому пленэрному импрессионизму, поскольку источниками для картин Базилева по-прежнему остаются фотографии в широком диапазоне — от архивных до современных снимков. А эффекты пленэрного освещения и свободная манера письма — это мнимые свидетельства непосредственности восприятия и естественности поведения в условиях некоего «искусственного рая» в эпоху постмодерна.

Доминанта пленэрных качеств определяет и выбор тем: вместо сюжетных композиций, претендующих на глобальное обобщение, художник предпочитает камерные портреты, сцены из частной жизни, пейзажные и натюрмортные мотивы. Сама эстетика пленэра — работы на открытом воздухе — стимулирует Базилева апробировать варианты уличного искусства и сводить их с традицией гиперреализма. Пленэр располагает к дальнему видению, и многие мотивы, зафиксированные в “упор” с помощью фотоаппарата, Базилев, соответственно, пропускает через дальнее видение. Таким образом ему удаётся совместить дистанцированный взгляд снаружи и максимально приближённый взгляд “изнутри” (как в ситуации создания “селфи”) (Кирилл Светляков, искусствовед, заведующий отделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи, sergeybazilev.ru).

Сергей Бордачёв. Знаки на жёлтом. 2015

«Чувство дыхания есть в космосе, я не могу терпеть плоскости. Плоскость — это стена, можно голову расшибить» (Сергей Бордачёв, smotrim.ru).

Абстрактной живописью он начинал заниматься в середине 1960-х. В его экспериментах переплелись орнаменты и письменности древних культур, искусство скифов, увиденное на раскопках древних курганов, творчество Кандинского, Малевича, Татлина. «Работы Бордачева полны цитат авангардного наследия, переосмысленного, перекроенного» (smotrim.ru). «Сергей Бордачёв демонстрирует редкое для современного художника совершенство, помноженное на его самобытное видение авангардных традиций» (Вольфганг Лехман, критик).

Живописные абстракции Сергея Бордачёва обычно не очень строги, больше тяготеют к декоративности. В отличие, например, от единожды найденных «личин» Олега Целкова, «Бордачёв много раз менял стили своих абстракций, его серии зачастую совсем не похожи. Да, у него есть свои закономерности: приверженность абстракции, выраженная экспериментальность с узнаваемыми влияниями. А еще страсть к “смягченной” геометрии прямоугольника, круга и треугольника. Но универсальную стилистическую формулу зритель вряд ли обнаружит» (artinvestment.ru).

«Редкий художник, которому посчастливилось участвовать почти во всех исторических неофициальных выставках 1970-х годов. После Беляево (15 сентября 1974) картины Сергея Бордачёва были представлены и на выставке в Измайлово (29 сентября 1974), и в павильоне “Дом Культуры” на ВДНХ (20 сентября 1975). После этого его работы были на многих “квартирниках” весны 1976-го (дома у Владимира Сычёва и др.). Бордачёв участвовал в первой и последующих выставках живописной секции при горкоме графиков на Малой Грузинской, 28, с января 1977-го. Там же он позже выставлялся в составе горкомовской группы “21” (со своим другом Зверевым и др.). С конца 1970-х работы Бордачёва путешествовали по Европе и Америке в составе “Музея современного русского искусства в изгнании” Александра Глезера, участвовали во многих зарубежных выставочных проектах неофициального советского искусства» (artinvestment.ru).

Дмитрий Воронин. Бык. 2021

Дмитрий Воронин — скульптор-анималист. Окончил Московское высшее художественно промышленное училище (Строгановское) в 1987 году. Работы автора находятся в собрании Государственной Третьяковской галереи, Биологического музея им. К. А. Тимирязева, Государственного Дарвиновского музея, Министерства культуры России, а также в частных коллекциях России, Франции, Англии, Голландии, Польши, Кореи, США.

Бронзовая скульптура быка отличается лаконичностью художественного решения и выраженным стремлением к обобщению форм. Пластические поиски Воронина идут в русле модернистских исследований формальной выразительности и отсылают к неолитической скульптуре, для которой характерно упрощение формальных элементов, абстрактность мышления, непосредственность художественного восприятия. Скульптор запечатлел животное в динамичной эффектной позе, передающей концентрированное напряжение его тела. Конечности быка в особенности отличаются упрощенной трактовкой и отсутствием анатомических подробностей. В рассматриваемом образе наблюдается декоративная игра масштабов: массивная голова и шея быка контрастно сочетаются с его более тонкой спиной и задними ногами. Плавные изгибистые линии формируют целостную монолитную фигуру животного. Несмотря на камерный размер, рассматриваемая скульптурная композиция отличается тенденцией к монументальности образа. Острота видения и силуэтная выразительность характерны для образно-пластических поисков Воронина. Гладкая отполированная поверхность работы усиливает эстетическую привлекательность образа (Мария Беликова).

Михаил Ермолов. Паровоз. 2019

Михаил Ермолов — автор серии оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха», в которой представлены образы, ассоциирующиеся в массовом сознании с советским детством. Автор иногда с иронией, а иногда и с оттенком сентиментальной грусти воспроизводит на своих полотнах атрибуты ушедшей эпохи, которые в своей ретро-стилистике напоминают выцветшие полотна, созданные в середине прошлого века.

«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).

Как сквозь туман времени или памяти, из плотного фона прямо на зрителя движется паровоз, словно летит на красных крыльях. Удивительно, но он не производит впечатления нарисованного — он поразительно настоящий, такой, каким запечатлела его юношеская, цепкая к деталям память художника.

«Это ностальгический проект о детстве, которое живет в нас до конца дней, о детстве без гаджетов, Интернета, мобильных телефонов, видеокамер, компьютерных игр и т.д., о детстве с играми во дворах — с утра и до вечера без надзора взрослых, о побегах в кино с любимыми героями, на которых так хотелось походить. А походы в цирк с клоуном Карандашом, воскресные гуляния с родителями в парках, катание на чертовом колесе, на качелях, наперегонки на великах, на картонках с ледяных горок, а деревянные кони и другие немногочисленные игрушки, часто самодельные, грубо раскрашенные, но такие любимые? Конечно, это память поколения дедов и немолодых отцов. <…> Сегодняшнее молодое поколение, напротив, будет вспоминать, как до самого совершеннолетия их за руку водили взрослые, куда, в какие страны ездили с родителями летом, как учили языки по обмену и т.д. а виртуальная реальность и реальная жизнь не разделимы, о дворовых играх в казаки-разбойники, 12 палочек, штандер и др. будут узнавать, если прочтут, из книг. Все проходит, как рассказал нам царь Соломон» (Ирина Филатова)

«Парк — памяти и культуры, и отдыха. Как бы вместе со временем в прошлое канула и культура», — пишет искусствовед Ирина Филатова. Может, и не канула, но точно стала другой. Какими будут детские воспоминания тех, кто растет сегодня? Время покажет, но пусть в них будет хоть немного тех простых, чистых детских радостей, какие во множестве населяют Парк Михаила Ермолова!

Наталья Жерновская. Натюрморт с футболистом. 2020

Художественный путь Натальи Жерновской начался в 1991 году, когда она познакомилась с Тимуром Новиковым и поступила в его Новую Академию Изящных Искусств, которая появилась… на волне формирования нового имперского консерватизма в стране, интереса к большим стилям прошлого. Влившись в сообщество неоакадемистов, Жерновская начинает дружбу с Владиславом Мамышевым-Монро и Георгием Гурьяновым, оказавшим влияние на ее творчество, но своим «учителем» художница называет именно Тимура Новикова. В 1997 году в среде Новой Академии складывается движение «Новые серьезные», куда входят Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Егор Остров, Константин Гончаров, сама Наталья Жерновская и другие. «Новые серьезные» противопоставляли себя «шуточному» постмодернизму, особенно популярному в те годы в современном искусстве, и обращались к изучению классической живописи и шедевров старых мастеров (vladey.net).

Поворот «ко всему классическому и античному» в годы распада Советского Союза был не просто удачным коммерческим ходом, позволившим Новикову и членам его Академии занять никому не нужную в то время неоклассическую нишу. Неоакадемический проект Тимура Новикова (наряду с национал-большевистской утопией Лимонова, Дугина, Летова и Курёхина) в середине 1990-х стал одним из первых опытов постиронических художественных практик в постсоветской России. Отличительная черта постиронии — использование возможностей иронии для реализации серьезного смысла. Как отмечает российский философ и публицист Кирилл Мартынов, «постирония — это состояние, в котором границы серьезности и иронии оказываются размытыми. Постироник намеренно допускает двусмысленность своей речи, его игра состоит в том, чтобы заставить вас сомневаться: он это серьезно или нет? <…> постирония может вести к “новой искренности”, то есть позволять иронику говорить о серьезных вещах. Последний аспект самый примечательный — постирония становится культурным механизмом разрыва с постмодернизмом» (nlobooks.ru).

В творчестве Натальи Жерновской преобладают характерные для художников круга Новой Академии сюжеты — сцены с участием рабочих, моряков, людей в форме, танцоров, написанные в лаконичной, почти монохромной манере. Это можно заметить в работе «Натюрморт с футболистом» 2020 года: древнее искусство рельефа соединяется с тоталитарной эстетикой в исполнении художницы. Ее привлекает красивое в классическом понимании, и в представленной работе она любуется видимым — телом, выражением лица, посадкой одежды. Жерновская романтизирует советское реалистическое искусство, что крайне редко для российских художественных течений 90-х годов. При этом она вдохновляется и различными современными медиа — фотографией и видео. «Я рисую то, что хотела бы сфотографировать, и фотографирую то, что могла бы нарисовать», — говорит она. Благодаря этому эффектные образы с полотен Натальи Жерновской хочется рассматривать снова и снова (vladey.net).

Живопись Натальи Жерновской продолжает и развивает эстетику её знаменитых фотосессий. Ее живописная манера отличается контрастностью и светоносностью, что делает её картины исключительно красивыми и очень глубокими по смыслу. Эстетика солнечной античности и интеллектуального неоклассицизма в современную эпоху имеет прекрасное воплощение в живописных произведениях Натальи Жерновской (Елизавета Плавинская, куратор, критик, искусствовед).

Александр Захаров. Ева и Дракон. 2020

«Ева и Дракон» Александра Захарова — увиденная глазами ребенка библейская история в райских кущах. «Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения — тут и мильтоновские душистые рощи, где “пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...”, и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия» (triumph.gallery).

Огромная (70 × 70) фотография, выполненная с миниатюрного (20 × 20) живописного оригинала, проявляет почти невидную на крошечной картине скрупулезную авторскую работу: мазки, тончайшие цветовые переходы, какие-то малюсенькие капелюшки, которые при огромном увеличении обретают самостоятельность важнейших деталей. Композиция столь же гармонична, только насыщеннее, краски такие же яркие, только разнообразнее. Две «родственные» работы проявляют каждая свое лицо, и лица эти — разные.

***

Для меня как художника с некоторых пор игрушки стали окошком в мир далекого детства, дверкой, за которой развернулась волшебная страна мечты, целая Вселенная. Маленький мир разворачивается в глубину до бесконечности, так же как для нас, взрослых, «большой мир».

Созерцание маленьких вселенных сильно повлияло на характер и размер моих картин. Миниатюра наиболее удобная для меня форма выражения. Я создаю «маленькое окошко», заглянув в которое и заинтересовавшись открывшимся за ним пространством, зрителю невольно приходится как бы «уменьшаться в размере», становиться маленьким. «Превратившись» в ребенка, он получает право попасть внутрь. В открывшемся мире, с виду совершенно реальном, существует «обратная перспектива»: маленькое порой важнее большого. Начав много лет назад с огромных картин-панорам, напоминавших плоский лубок, я пришел сегодня к развернутой в глубину миниатюре (Александр Захаров, cumir.ru).

Огромные работы искажают наше нормальное восприятие. Ребенок всегда видит не просто большую картину — он видит множество деталей. Из таких деталей и состоят мои работы. На них можно смотреть долго и каждый раз находить новые подробности. Именно так мы видели в детстве окружающий мир. Я пытаюсь «расковырять» и максимально расширить пространство (Александр Захаровbolshoi.by).

У его работ есть еще одно важное свойство — «сверхплотность» поверхности: она безвоздушна, герметична, максимально концентрированна. Они как хороший цифровой исходник в тысячи пикселей, который можно растянуть на десятки метров. Чудесные приключения могут приобрести тотальность действия, странным образом конкурировать с реальностью или по крайней мере создавать параллельный поток…(triumph.gallery).

Занимаясь долгие годы художественной печатью, работая в разное время с разными технологиями — от обрезной гравюры на дереве до офсетной литографии, я обратился сегодня к новым видам печати. Каждая моя миниатюра, являясь законченной картиной, одновременно служит мне как графику-печатнику чем-то вроде “негатива” для создания на ее основе произведений печатной цветной графики. Этот маленький “негатив” я использую в качестве основы (как медную доску-оригинал в гравюре) для создания многократно увеличенных по сравнению с оригиналом печатных листов. Результатом долгой и сложной работы с цветом становится цифровая “доска”, с которой я печатаю ограниченный тираж. Это очень важная часть моего творческого метода. Увеличенный PRINT — это своеобразная помощь моему зрителю “разглядеть” пространство, иногда размером с ладонь, во всех подробностях, не прибегая к помощи увеличительных приборов. Полученные изображения — самостоятельные произведения в области цветной печати (Александр Захаровcumir.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».

Владимир Колесников. Не получилось: Черный квадрат. Триптих. 2015

Произведения Владимира Колесникова окрашены, как правило, эстетикой постмодернизма, характерными чертами которой является сочетание «высокого» и «низкого», массового и элитарного, а также ироничное переосмысление ключевых образов поп-культуры и жонглирование цитатами. Многие работы художника созданы в оригинальной авторской стилистике, для которой характерно совмещение рисунка эпохи Возрождения со стилем пин-ап.

В представленном триптихе автор обращается, пожалуй, к самой известной и узнаваемой во всем мире отечественной картине, «иконе» русского авангарда — «Черному квадрату» Казимира Малевича, вызывающему споры о его художественной ценности вот уже более ста лет. Автор средствами живописи дает развернутый и крайне ироничный ответ на типичную фразу, неоднократно брошенную в адрес работы Малевича массовым зрителем: «И я так тоже могу». Данное утверждение, обесценивающее значимость «Черного квадрата» и не учитывающее его программное значение для истории всего мирового искусства, и явилось импульсом для создания произведения. Делая три версии черного квадрата, автор намеренно добавляет в крайние работы черные и белые подтеки, а фигуру на центральном полотне располагает несколько повернутой вправо — демонстративно показывая зрителю, что сделать точную копию картины Малевича, несмотря на ее простоту, у него так и «не получилось». Произведение отличает изрядная доля иронии и юмора, а в его основе лежит тонкая постмодернистская интеллектуальная игра, рефлексирующая над достижениями искусства прошлых столетий. Так Колесников создает работу, простую по воплощению и понятную по своему смысловому посылу как знатокам искусства, так и широкому зрителю (Мария Беликова).

Виктор Крапошин. Младолюбы. 2016

Предметная, с подробными деталями, ясная живопись особенно привлекает меня. Набор тем, как мне кажется, стандартный для любого человека искусства: Жизнь, Любовь, Время, Смерть, Сбывшееся и Несбывшееся, Страх и Надежда. Главная моя задача (и не только моя) — найти свой язык для отображения настоящего времени и всего, что прошло через меня; того, что было когда-то настоящим, а теперь — прошлое (Виктор Крапошин).

Виктор Крапошин не следует какой-либо выбранной программе, не иллюстрирует идею, он движется в пространстве холста интуитивно, но всевластно, выталкивая на сцену персонажи, чья явленная на холсте жизнь озадачивает — привлекает — не отпускает — завораживает и в конце концов заставляет серьезно задуматься. Его картины всегда остаются в определенной мере загадкой, всегда есть «куда их продолжить»; задев за живое, они всплывают в памяти, будоража внутренний взор, иногда одаривая, как искрящийся поток, каким-нибудь новым бликом смысла и чуть приоткрыв свою тайну.

Добродушная ирония или едкий сарказм, гротеск, а иногда и романтическая меланхолия, исходящие от работ художника, часто прикрывают глубокую философскую идею. Большей частью в его работах представлено два среза, два сечения, два вектора движения: к истинно человеческому или от него, борьба центробежных или центростремительных сил становления человеческой формы (Вера Родина).

Как приверженец фигуративной живописи, ясной, предметной, с подробными деталями, он давно предпочел экзерсисам в области беспредметности тонкую многослойную лессировочную живопись, двигаясь в сторону реализма, реализма метафизического. Слегка деформируя формы, используя в композиции разные точки и углы зрения одновременно, художник выстраивает парадоксальный и многоплановый образ. Чтобы понять его метафизическую многозначность, зритель должен изменить ракурс «оптики», сделать его «антиномичным», отбросив логику и концепт. Минуя личину реальности, зритель вслед за художником проникает в ее сердцевину, попадая в измерение свободы, где Настоящее, включая Ушедшее и Будущее, становится единственно возможным местом При-Сутствия (Вера Родина).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Виктор Крапошин».

Pata. Несс и Деянира. 2009

Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) — представитель прославленной, мощной по таланту династии грузинских скульпторов, ученик легендарных грузинских «пятидесятников». Глубокие знания культуры и искусства, в том числе искусства народных грузинских мастеров, виртуозное владение старинными и современными технологиями обработки различных материалов, творческая фантазия и экспериментаторская страсть помогают мастеру творить свой яркий и образный художественный мир.

«Владея в полной мере всеми приемами пластического наследия, переосмыслив стилистику классической лепки, Паата Мерабишвили четко определил свой творческий вектор. Будучи увлеченным с юных лет творчеством античных мастеров, пластикой Майоля, скульптор пришел в своих произведениях к решению модернистских задач пластики. По творческой манере скульптору всегда были близки Жак Липшиц, Александр Архипенко и Осип Цадкин, которые уделяли особое внимание фактуре и лаконичным формам.

Несмотря на абстрактную стилистику в работах Мерабишвили, его скульптуры всегда наполнены образностью и пространственным построением форм. Автор смело экспериментирует с цветом, техникой, материалами, создавая современные образные произведения. Геометризированные, сложносоставные объемы скульптур Мерабишвили всегда экспрессивные, динамичные, полные метафор. Автор умело воплощает стремление найти пластический прием, ассоциативно выражающий образ. Владение рисунком ощущается во всех работах автора, но его универсальное значение особенно наглядно при знакомстве с фантазиями из металлических лент и пластин, где все сосредоточено на взаимном их перетекании. Металлические плоскости словно вращаются, скручиваются и раскручиваются, пытаясь предъявить различные способы существования в трехмерном пространстве, при всем их архитектоническом единстве.

Мерабишвили стремится выразить не саму форму, а ее внутреннюю составляющую, ее изначальный смысл в чем, несомненно, следует наследию модернистов» (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

По-своему Паата Мерабишвили трактует древнегреческий миф о кентавре Нессе и жене героя Геракла Деянире. В яростной вспышке темной страсти кентавра, пораженного красотой Деяниры, скульптор увидел то же чувство, о котором через тысячелетия Ивану Бездомному рассказывал булгаковский Мастер: «Любовь выскочила перед нами, как из-под земли выскакивает убийца в переулке, и поразила нас сразу обоих!

Так поражает молния, так поражает финский нож!»

Этому порыву любви не смогла противиться Деянира — потому что почувствовала в нем свет, который есть в каждом живом существе. Миг — и античный миф о подлом кентавре и наивной женщине вступит в свои права, но этот миг остановлен в объятиях Несса и Деяниры и запечатлен в бронзе Пааты Мерабишвили.

О художнике читайте на AI: «Персона недели: Скульптор Паата Мерабишвили — Творец создает то, что чувствует, а не то, что видит»

Шамиль Надров. Эквилибр. 2017

В своем творчестве я пытаюсь изобразить мир, который похож или отражает «действительность». И все же это другой мир. В нем присутствуют все реалии действительности, существующие во все времена, кипят те же страсти, волнения, желания, мечты. Театр, в котором участвуют маски, персонажи с определенными характерами. Театр, где постановщик играет с куклами, пытаясь в игре найти ответ на волнующие многих проблемы (Шамиль Надров).

Шамиль Надров создает удивительный мир, полный тайн и секретов, и так неожиданно похожий на наш. Этот мир — заповедная область жизни маленьких странных человечков-кукол или новых подвигов уже утвержденных в искусстве изображений. Художник легко и свободно строит композицию сюжетов, захватывая нас оригинальной трактовкой персонажей: ироничных и простоватых. Именно в композиции закладывается интрига, по драматургии аналогичная театральной. Нельзя не отметить само письмо Шамиля Надрова, разнообразие цветовых и пластических форм. Кисть то строго движется по плоскости холста, упруго вдавливая мазок в поверхность, то определяет заметно строгий ряд ритмических акцентов, то беспорядочно замешивает мазки в общем пятне, одинаково существующем с другими, подобными ему. Это придает картинам одно явно выраженное качество театральности происходящего, ощущаемого через показ эффектов иллюзии и фейерверка. Отсюда можно сделать вполне традиционный вывод о параллельности миров яви и вымысла, мира театральных действ и нашего действительного абсурдного существования... (И. Ермолаев, persona.rin.ru).

Александр Савко. Spider lunch. 2018

Абсурд в искусстве Александра Савко заключается в том, что герой американской массовой сериальной культуры помещается в единичное и неповторимое событие русской исторической живописи, всегда обращенной в прошлое. По такой же схеме он действует с шедеврами мировой живописи, вставляя физиономии героев американских сериалов вместо моделей Пикассо или персонажей социалистического реализма.

Таким образом, создается фантасмагорическая картина сложных переплетений в современной истории и культуре. Помещая образы массовой культуры в контекст классического искусства, художник иронизирует над современным обществом и восприятием традиционного. Композиции, поражающие абсурдностью и алогичностью, далекие от привычной художественной стройности, на самом деле подчеркивают болезненность общества, подверженного зависимости от навязанных образов медийной культуры и ее стандартов. Китчевые элементы, намеренно введенные художником, не только привлекают внимание зрителя нарочитой яркостью и абсурдностью, но свидетельствуют о дуалистической природе человеческого сознания, обожествляющего произведения классического искусства и одновременно возводящего в культ популизм и визуальные образы массовой культуры (Л. А. Кашук, кандидат искусствоведения, artinvestment.ru).

Из интервью Александра Савко: …Я  считаю, что самым главным оружием художника является его ирония. И хорошо когда она облачена в такие хорошие одежды, когда это привлекает к себе внимание, не выглядит как просто такое злопыхательство уличное.

Ирония может быть как конструктивной, так и деструктивной. Какая Ваша ирония?

Если заранее ставить себя в какие-то рамки — то ли это злая, то ли добрая ирония, то ли это напутствие, то ли это проклятие, то художник, таким образом, опять становится в позу такого умелого демиурга-режиссера. Путь каждый действие этой работы прочувствует на себе в зависимости от качества своей испорченности.

Вопрос «Зачем это всё сделал художник?» чаще всего просто является бессмысленным. Художник — это не писатель животрепещущих статей… Он в таком случае перестает быть художником, а становится памфлетистом, инициируя задачи, которые не имеют отношения к искусству.

Да, мне о многом хочется высказаться. Но… это должно, прежде всего, привлечь изящностью высказывания. Здесь важен не столько смысл, сколько форма подачи. Именно формой художник может привлечь к себе внимание.

Важна и самоирония…

Есть ли границы у иронии?

Искусство — это не та сфера, где должна где-то пройти красная черта. …В искусстве я не вижу границ, которые якобы художник не должен пересекать.

Помещение персонажей массовой культуры в иную среду — эстетическую, временную, стилистическую — это осознанный художественный прием. Это эксперимент, это страшно интересно, когда ты каких-то героев помещаешь в совершенно не характерную для них ситуацию. Тебе самому неизвестно, как они будут себя вести, как они вживую будут сочетаться с другим интерьером, с другим контекстом, приемлемы ли они друг для друга.

Ваши картины, при всей кажущейся несерьезности, на самом деле требуют больших знаний — изобразительного искусства, его истории, просто истории, понимания сюжетов классической литературы. Простой тинэйджер, увидев эти полотна, может просто глупо хмыкнуть: «О, Симпсоны!»

Да, они не смогут прочесть всего, потому что здесь много таких смыслов и подсмыслов, которые могут сочетаться в одном герое. Или в том антураже, куда они помещены. Это даёт совершенно новое прочтение, делая из всего этого такой взрывной продукт, который начинает рушить представление о старом мире, какое-то привычное отношение вот к этому герою…

Именно это дает возможность зрителю увидеть, что такое кроется за этими благостными картинками, что эта жевательная резника, которую они жуют каждый день, она на самом деле очень вредна и опасна.

Если у зрителя есть способность развиваться — то у него будет возможность увидеть первоисточник, познакомиться с тем, что было изначально заложено в эту работу, погрузиться в настоящую культуру и увидеть всю убогость этих современных героев, которыми он восторгается и умиляется, которые являются атрибутом и антуражем его повседневной жизни. Он поймет тогда, в какой простенький и упрощенный мир он себя вживил (cultobzor.ru).

Основой для холста «Spider lunch» (2018) Александру Савко послужила знаменитая картина Григория Мясоедова «Земство обедает» (1872, ГТГ). Это как раз тот случай, когда зрителю необходимо знать и историю России, и историю искусства. Рядом с ярко окрашенными крестьянскими персонажами Мясоедова (тем более эмоционально интересными, что это не деревенская беднота, а те крестьяне, которые, чтобы быть избранными в земство, соответствовали немалому имущественному цензу, то есть работающие, думающие) одинаковые человеки-пауки Савко смотрятся мутной безликой массой, в ярких костюмах героев, но пустой внутри.

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Савко — Пост-ирония в искусстве».

Анатолий Чечик. Я немного посижу. 2016

Анатолий Чечик — художник, сценограф, режиссер. Живописные произведения Чечика характеризуются выраженной театральностью образов и наполнены явными или скрытыми отсылками к истории мирового искусства, которую автор воспринимает как единое пространство человеческой культуры. В творчестве художника можно найти оригинальные интерпретации известных сюжетов, а среди наиболее частых мотивов, встречающихся в его произведениях, особенно выделяются античные мифы и библейские истории.

Полотно «Я немного посижу» (2016) входит в серию работ «Leporello», составивших одноименный выставочный проект. Художник выступил с идей нового жанра, обозначенного в подзаголовке выставки как «пьеса в живописи». Лепорелло — термин филокартии, обозначающий открытку (набор открыток), где изображения прикреплены друг к другу длинными сторонами, образуя «гармошку». Этимология термина восходит к опере В.-А. Моцарта «Дон Жуан», к той сцене, где слуга Дон Жуана по имени Лепорелло демонстрирует внушительный список любовных побед своего хозяина, разворачивая его через всю сцену (achechik.com).

Чечик также создал цикл картин, на котором изображены женщины, вдохновлявшие прославленных живописцев разных эпох. Так, художник переосмысливает женские образы с известных полотен Рубенса, Буше, Курбе, Гогена, Модильяни, Климта, Тулуз-Лотрека, Дега, Пикассо, Шиле, Серова, Брюллова и ряда других именитых авторов. К каждой работе Чечик подбирает броскую фразу, которую могла бы сказать натурщица художнику, запечатлевшему ее облик.

На холсте Анатолия Чечика зритель встречается с Еленой Фоурман, второй женой фламандского живописца Питера Пауля Рубенса и моделью известного портрета «Шубка. Портрет Елены Фоурман» (1636/1638, Музей истории искусств, Вена), на котором Рубенс написал ее обнаженной, слегка прикрытой шубой. Воображаемая фраза Елены в адрес своего мужа, вынесенная в название работы, призвана воссоздать обстановку долгих часов позирования, когда уставшая натурщица просит прерваться, чтобы немного передохнуть.

Короткая фраза вносит человечность в образ жены живописца, делая его более понятным и близким зрителю. Чечик лишь отталкивается от рубенсовского оригинала: в его версии Елена изображена сидящей на полу и отдыхающей, по всей видимости, после многочасовой натурной сессии. Характерное положение рук героини и черты ее лица отсылают к портрету Рубенса, тогда как в остальном Чечик интерпретирует ее образ в авторском ключе, но пишет обнаженную модель крупным планом, поэтому ее облик получился более монументальным. В работе наблюдается выраженная экспрессия образа, реализуемая посредством оригинальной техники: динамичный дробный мазок создает пульсирующую зыбкую живописную поверхность, как будто перед зрителем появляется, обретая плоть, женщина из прошлого. Художник сделал акцент на выразительных глазах Елены, давая зрителю возможность встретиться с нею взглядом.

Оживляя хорошо всем знакомых персонажей со знаменитых полотен, Чечик позволяет зрителю увидеть их в новом непривычном ракурсе. Фантазируя на тему гипотетической обстановки создания портрета, автор погружается в историю личных взаимоотношений художника и его модели, подчеркивая, что за каждым шедевром стоит своя история (Мария Беликова).

Желаем удачи на 91-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!


Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20211108_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20211108_auctionAI_XXI.html

При цитировании ссылка на https://artinvestment.ru обязательна

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.


Индексы арт-рынка ARTIMX
Индекс
Дата
Знач.
Изм.
ARTIMX
13/07
1502.83
+4,31%
ARTIMX-RUS
13/07
1502.83
+4,31%
Показать:

Топ 37

Узнайте первым об открытии аукциона!

На этом сайте используются cookie, может вестись сбор данных об IP-адресах и местоположении пользователей. Продолжив работу с этим сайтом, вы подтверждаете свое согласие на обработку персональных данных в соответствии с законом N 152-ФЗ «О персональных данных» и «Политикой ООО «АртИн» в отношении обработки персональных данных».
Наверх