Открыт 63-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   26 апреля 2021

В каталоге собраны произведения Александра Захарова, Игоря Кислицына, Сергея Максютина, Пааты Мерабишвили, Вячеслава Михайлова, Анатолия Пурлика, Ольги Пушкарёвой, Сергея Смурова, Игоря Снегура, Евгения Струлёва

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 377 и 63-го аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 63-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 10 лотов — семь живописных произведений, две работы в смешанной технике и одна скульптура

Александр Захаров. Книжник. 2016

Для меня как художника с некоторых пор игрушки стали окошком в мир далекого детства, дверкой, за которой развернулась волшебная страна мечты, целая Вселенная. Маленький мир разворачивается в глубину до бесконечности, так же как для нас, взрослых, «большой мир».

Созерцание маленьких вселенных сильно повлияло на характер и размер моих картин. Миниатюра наиболее удобная для меня форма выражения. Я создаю «маленькое окошко», заглянув в которое и заинтересовавшись открывшимся за ним пространством, зрителю невольно приходится как бы «уменьшаться в размере», становиться маленьким. «Превратившись» в ребенка, он получает право попасть внутрь. В открывшемся мире, с виду совершенно реальном, существует «обратная перспектива»: маленькое порой важнее большого. Начав много лет назад с огромных картин-панорам, напоминавших плоский лубок, я пришел сегодня к развернутой в глубину миниатюре (Александр Захаров, cumir.ru).

Огромные работы искажают наше нормальное восприятие. Ребенок всегда видит не просто большую картину — он видит множество деталей. Из таких деталей и состоят мои работы. На них можно смотреть долго и каждый раз находить новые подробности. Именно так мы видели в детстве окружающий мир. Я пытаюсь «расковырять» и максимально расширить пространство (Александр Захаров, bolshoi.by).

Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения — тут и мильтоновские душистые рощи, где «пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...», и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия (triumph.gallery).

У его работ есть еще одно важное свойство — «сверхплотность» поверхности: она безвоздушна, герметична, максимально концентрированна. Они как хороший цифровой исходник в тысячи пикселей, который можно растянуть на десятки метров (triumph.gallery).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».

Игорь Кислицын. Руна «К». 2001–2007

Практически в любой художественной традиции есть изображения всадников, в европейской — это фольклорно-сказочные богатыри, витязи, языческие по происхождению, или рыцари, крестоносцы, воины средневековой христианской традиции, в том числе и канонические иконные образы Архангела Михаила, Георгия Победоносца и т.д. и т.п.

Всадник на коне — одна из моих программных тем. Для меня это образ-символ, это знак, Крест, иероглиф Центра, который мы носим в себе. Это и символ подчинения низшей природы высшей, обуздания животных страстей. Мои всадники ощутимо вертикальны по сути, они движутся поперек-наперекор инертности плоских земных низин. Всадник устремлен вперед и ввысь, за пределы возможного, в сам эпицентр Неведомого и невидимого, чаще всего обозначаемого в моих картинах знаком Черного солнца или иного светила. Красный цвет передает здесь мужественный жар огненного покорения материи, борьбы с земнородно-подземной энергией черного (Игорь Кислицын).

Особую роль играет и характерная для картин живописца как бы возникшая из преломлений цветового спектра специфичная, писаная «рама в раме». Возникая как преграда между «реальной» жизнью за пределами холста и внутренним микрокосмом, созерцаемым внутри этой «ограды», она охраняет сердцевину этого малого мира своей геометрией (Вера Родина, artinvestment.ru).

Если говорить о традициях, которые продолжает Кислицын, то, при всей очевидности почвенного начала и принадлежности к русской традиции — от древнерусского сакрального искусства до русского классического авангарда, — он опирается на богатейшее культурное наследие всего континента Евразии. Его работы отличает цельность сплава и очень личная «органика» стиля (Вера Родина, artinvestment.ru).

Народные корни искусства и сегодня влекут всех профессионалов, да не все из них могут подняться выше простой аранжировки или стилизации. Игорь Кислицын сумел уверенно претворить, «перекодировать» в новое качество типовую структуру древних композиций. Постепенно ему раскрылся весь глубинный образный «орнамент» архетипа: роль силовых линий и узлов, ритмических пауз и акцентов, «вечное» поступательное или круговое движение, здоровая гармония рисунка и цвета, знаковость и символика фигур (Лев Дьяконицын, nasledie-rus.ru).

Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Игорь Кислицын».

Сергей Максютин. Две картины

Мои работы не должны обозначаться точными координатами, они не однозначны. Даже одно произведение, кажется, изменяет свою суть, если взглянуть на него несколько раз с небольшими перерывами. Цветовая и чувственная природа достаточно выражается даже на небольшом участке холста, который нередко можно рассматривать как полную эмоций абстракцию… Таким образом, подчас сама поверхность живописи может восприниматься абстрактно, самодостаточно определяя чувственную ткань произведения (Сергей Максютин).

В работах художника, кажется, отсутствуют рисунок и схема построения, картины словно сразу же написаны маслом.

В простых сочетаниях неярких цветов художник передает живое дыхание, движение и в то же время постоянство.

Цветовое решение работ построено на сочетании чистых, природных оттенков, которые отражают органическую природу его произведений (Л. А. Кашук, кандидат искусствоведения, artinvestment.ru).

Pata (Паата Мерабишвили). Синяя комната. 2006

Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) идентифицирует себя в первую очередь как скульптор, ключевыми понятиями его творчества являются универсальность и экспериментирование. Помимо скульптуры, Pata работает в области живописи и графики, реализуя свои художественные идеи, умело воплощенные в трехмерной форме, на плоскости.

Работы, написанные маслом, сверхэмоциональностью, динамикой и насыщенным колоритом напоминают творчество экспрессионистов. В произведениях, например «Рута» (1990-е) или «Обнаженная» (2014), автор ссылается на метод Амедео Модильяни, о чем говорят удлиненные пропорции, отсутствие зрачков у изображаемых моделей и отрешенность образов.

Как и в скульптуре, особенное влияние на манеру Pata оказывает творчество кубистов. Геометризация фигур и предметов, подчеркнутая асимметрия, сложносочиненные конструкции, аппликативный подход во многом роднят картины художника с экспериментами Жоржа Брака или Пабло Пикассо.

В последних работах Pata прослеживается и увлечение абстрактным методом, с помощью которого автор не только выстраивает композицию, но и передает общее настроение самого сюжета. Несмотря на подобные апроприации, индивидуальный почерк Pata легко узнаваем и самодостаточен. Главной задачей автора является акцентирование формы, что ему удается при помощи мастерского владения линией и цветом.

Вячеслав Михайлов. Распятие. 1982

Я уверен, что кроме воды и хлеба есть такое важное понятие, как духовность. Особенно оно важно для русского человека. Правда, сам я не очень люблю это слово и не до конца понимаю, что за ним стоит: то ли это икона, то ли храм, то ли сам человек. Но склоняюсь скорее к последнему. Я думаю, что духовность — это живой озабоченный человек. Помните, как Лев Толстой говорил: «Делай что должно, и будь что будет!» (Вячеслав Михайлов, spbdnevnik.ru).

Специфика моих работ — поверхность. Бывает, что без поверхности картина совсем не воспринимается. Мне не нравится, когда видна работа художника. Но если это концептуально, как, например, у Клода Моне, то движение кисти оправдано. А я всегда хотел, чтобы не понятен был путь делания картин, чтобы не было ощущения краски, а была поверхность, возникающая сама по себе, как в природе: кора дерева, лист.

Меня привлекает мистерия самой живописи, формы. Художник должен вторгаться в мир, как Бог, творить собственную форму, но не задирать при этом нос. Соревноваться с Богом — неверный путь. Я называю Богом солнце, холмы, реки, деревья… Когда смотришь цветок или жука, то видишь, что ничего не стоишь. И тебе к этому не приблизиться, не сделать такого, настолько форма сложная.

Художник не должен ничему себя противопоставлять. Он должен быть органичен. Органика — единственное точное ощущение, которое не позволит тебе соврать. Органика, как дар любви, — божественный дар. Не все им наделены (Вячеслав Михайлов, ru.wikipedia.org).

Основой творчества Вячеслава Михайлова является переосмысление классической художественной традиции средствами, близкими языку беспредметной живописи. Преувеличенная экспрессия манеры исполнения, акцентирование рельефной фактуры красочного слоя позволяет художнику органично сочетать в своих полотнах реальное и условное, которые неизменно дополняют и усиливают друг друга (web.archive.org).

Михайлову посчастливилось найти свой выразительный язык, делающий работы узнаваемыми и вызывающими неподдельный интерес. В его произведениях смысл и символика вызывают не меньший интерес, нежели художественные средства выразительности. Михайлов смело обращается с формой и материалом, не боится экспериментировать и отклоняться от созданной ранее и признанной зрителем манеры. Велик диапазон сюжетов, к которым обращается мастер: в его галерее образов соседствуют библейские мотивы, жанровые сцены, сложные многофигурные композиции.

Человеческое тело Михайлов всегда трактует объёмно, наделяя его особенной пластичностью и гибкостью, и кажется, его больше интересует анатомия, структура плоти, а не внешняя красота и эстетика обнаженного тела. Михайлов работает сериями, продолжительно осмысляя ту или иную тему. Художник признается, что для него важна память, ощущение включенности в мир, где есть не только сегодняшний день, но и прошлое. Творчество Михайлова не скандально и не злободневно (ru.wikipedia.org).

Анатолий Пурлик. Merlo. 2020

Бесполезно и скучно изображать реальность, ибо сама реальность уже неспособна удовлетворять автора в его желании оставаться действительно верным своей собственной природе. Тривиальное окружение уступает место воображению художника… (Анатолий Пурлик, liveinternet.ru).

Копировать на плоскости увиденное — скучно. Да и обман велик, а ну как промахнёшься, не простит ведь ни город, ни зритель. Хороший способ проверить, обладает ли картина мелодией, прост: нужно взглянуть на неё с такого расстояния, чтобы нельзя было разобрать ни сюжета, ни линий. Если мелодия присутствует в картине, значит, она имеет и смысл и запечатлевается в вашей памяти.

24 квадратных метра холста — вот, что потребуется для воплощения каждого часа ваших эмоций от пережитого.

Образы появляются, как сок спелого фрукта, способного утолять жажду творчества не испитой до конца чаши. Давать анализ происходящему тоже ведь дело неблагодарное. Остаётся только самое трудное — не сделать себя рабом правильных впечатлений (Анатолий Пурлик, eastmeetswestgallery.com).

Ольга Пушкарёва. Скрипачка. 2020

Изобразительное искусство — подобно поэзии и музыке — раскрывает зрителю глубину эмоционального восприятия мира, отраженного художником в его произведениях. Ведь «живопись — это поэзия, которую видят, а поэзия — это живопись, которую слышат…»

Мне интересна формула искусства, созвучная нашей эпохе. Интересно путем символического самовыражения в живописи и графике решать вечную проблему искусства — синтеза «высокого в малом» и «вечного в преходящем»...

Я принадлежу к художникам радостного восприятия мира.

Красота, эстетика, гуманность искусства должны радовать и сближать людей, наполняя их силой и радостью жизни, ведь язык изобразительного искусства уникален по своей абсолютной коммуникабельности, это своеобразное эсперанто, понятное всем (Ольга Пушкарёва).

Сергей Смуров. Танец. 1992

Для меня главным в скульптуре является архитектоническая конструкция человеческого тела. Скульптура напрямую происходит от формы человеческого тела, будь то кикладский идол, архаический курос или модернистский тотем. Я всегда стремлюсь к обобщению и абстрагированию, метафоричности, монументальности образа (Сергей Смуров).

Как Природа за миллионы лет создавала свои красивейшие ландшафты и уголки нашей планеты, так и Художник, пропуская через свою душу современный мир, накопленный опыт предыдущих поколений художников и природную красоту, при помощи формы, пространства и пластики, создает свой внутренний глубоко индивидуальный мир (Сергей Смуров).

Игорь Снегур. Рыба-2000. 1995

Вне зависимости от времени создания и формальных рамок, картины Игоря Снегура в любой период творчества сохраняют удивительную точность линий, мягкость цвета, глубину идеи. Во всех его картинах отражается особая философская концепция: тщательно продуманное сочетание простейших геометрических форм символически воплощает взгляды художника на отражение времени и пространства в искусстве.

Сам Игорь Снегур так характеризует свое творчество: «Я работаю в трехмерном пространстве: оно не глубокое — где-то, может быть, пять-десять сантиметров. Можно уходить и в более глубокое — это как бы путешествие художника в живописном пространстве, которое он совершает. Вид путешествия во “времени-пространстве” — вот что такое живопись и ее меняющиеся формы» (mmoma.ru).

Я неконкретен, ибо рисую абстракции. В отличие от искусства прошлого сегодня обнаружено, что любая поверхность может быть трепетной — она может ожить, сдернуть свою мертвенную завесу.

В конце концов, фактуры и контр-рельеф убедили, что можно заставить поверхность вибрировать. Это значит, что поверхность превращается в со-трудника. Художник сегодня подходит к поверхности, как к некому существу. Он подходит к плоскости как к живому субъекту.

Искусство живописи позволяет пробить брешь в плоскости всякого «занавеса», и заставляет трепетать и волноваться сам холст, который превращается в живое существо. Абстрактная живопись через энергии цвета и формы оживляет холст (Игорь Снегур, cultobzor.ru).

Евгений Струлёв. Рязанская мадонна. 1967

Рано получивший признание художник Евгений Струлёв для части своего поколения был воплощением человека «своей колеи», символом творческой независимости и непреклонности в искусстве. Так как же получилось, что в наши дни многие уже не знают этого имени?

На самом деле история скорее обыденная. Нет лучшего способа избежать музейного признания и официального вхождения в историю искусства, чем умереть в лихие годы, в эпоху перемен. Евгений Струлёв умер в 1998 году, ему не исполнилось и шестидесяти. Художнику не суждено было дожить до юбилейных ретроспектив, до альбомов и монографий, до персональных выставок в главных музеях. Судьба распорядилась так, что юбилеи Струлёва дальше без него справляли уже друзья и коллеги, вспоминали, устраивали небольшие выставки, часто по-скромному — как могли.

Программные вещи Струлёва успели попасть в музеи, но в массе своей его наследие было распылено еще при жизни. Можно сказать, что картины и рисунки разошлись по-зверевски. Струлёв сильно пил, зачастую очень дешево продавал свои работы, много вещей попросту раздаривал. Систематизировать, исследовать, выявить периодность, записать воспоминания — ничего этого в свое время сделать не успели. Не были готовы. В результате даже в Интернете много информации о художнике вы не найдете. О Струлёве остались фрагменты воспоминаний, впечатления, истории друзей, легенды о самобытном, тонко чувствующем, но при этом жестком и неуступчивом в вопросах творчества художнике.

Слово «примитивизм» Струлёв, как вспоминают, не любил. Свое искусство к этому жанру не относил. А как назвать лучше? Наивный импрессионизм? Как угодно. Тем более что Струлёв очень разный. В 1960-е — середине 1970-х его стихией был «деревенский», или тот самый «лубочный», стиль, ценимый многими историками искусства. К этому периоду относятся «Рязанская мадонна» и «Солнце село за бугор», которые вспоминают в первую очередь (artinvestment.ru).

Желаем удачи на 62-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

AI