Открыт 59-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 373 и 59-го аукциона «XXI век. Современное российское искусство».
Лоты 59-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона 10 лотов — восемь (на самом деле девять) живописных произведений и две работы, выполненные в смешанной технике
Сергей Базилев. Самый центр Москвы. 2020
Оплетен диким виноградом фрагмент старого московского дома с железной пожарной лестницей и обветшавшим балкончиком на картине Сергея Базилева. По-видимому, художнику удалось увидеть его в те, быть может, несколько минут, когда, найдя узкую лазейку меж соседних зданий, дом залили солнечные лучи и высветили фрагменты архитектурного декора полуторавековой давности. Удивительно, но в самом центре Москвы, к счастью, еще сохранились такие старые дома. Да, не древние и даже не старинные, всего лишь старые — но это историческая застройка, в которой сохраняется образ и дух нашего исчезающего на глазах города. И хотя в таких домах живут люди, а ремонта они не видали чуть ли не со времени постройки, не верится, что эти старые здания будут реставрировать или хотя бы ремонтировать — проще и намного дешевле снести и возвести на историческом месте очередной безликий новодел.
Вместе с тем Сергей Базилев создал удивительно светлую картину — и по колориту, и, главное, по настроению: он написал фрагмент старого московского дома в дни прекрасной московской осени, за окнами идет жизнь, и хочется надеяться, что этот дом не исчезнет с лица нашего города.
***
Сергей Базилев — один из лидеров советского гиперреализма; ключевые проблемы которого он разрабатывает в живописи на протяжении десятилетий. Главная особенность направления и исходный материал для создания художественного произведения — фотографический образ. Важно отметить, что в 1970–80-е годы технические возможности не позволяли проецировать слайд прямо на холст, поэтому художники перерисовывали изображение с маленького проектора.
«Его постсоветские серии на первый взгляд решены в мажорных интонациях и наделены пленэрными качествами, как будто художник покинул мастерскую и начал работать в открытом пространстве. Этот переход из гипер- и фотореализма в импрессионизм не имеет отношения к историческому пленэрному импрессионизму, поскольку источниками для картин Базилева по-прежнему остаются фотографии в широком диапазоне — от архивных до современных снимков. А эффекты пленэрного освещения и свободная манера письма — это мнимые свидетельства о непосредственности восприятия и естественности поведения в условиях некоего “искусственного рая” в эпоху постмодерна.
Доминанта пленэрных качеств определяет и выбор тем: вместо сюжетных композиций, претендующих на глобальное обобщение, художник предпочитает камерные портреты, сцены из частной жизни, пейзажные и натюрмортные мотивы. Сама эстетика пленэра — работы на открытом воздухе — стимулирует Базилева апробировать варианты уличного искусства и сводить их с традицией гиперреализма. Пленэр располагает к дальнему видению, и многие мотивы, зафиксированные в “упор” с помощью фотоаппарата, Базилев, соответственно, пропускает через дальнее видение. Таким образом ему удаётся совместить дистанцированный взгляд снаружи и максимально приближённый взгляд “изнутри” (как в ситуации создания “селфи”)» (Кирилл Светляков, искусствовед, заведующий отделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи, sergeybazilev.ru).
Даша Делоне. Рыбный мир. 2015
Пространство картин Даши Делоне приглашает зрителя в мир личного воображения и культурных архетипов. Вселенная художника населена множеством странных и в тоже время легко узнаваемых существ: драконов, фей и фантастических животных. В работах Делоне наша повседневная реальность приобретает новое мистериальное измерение, а кажущаяся детская простота раскрывает философские глубины (Александр Панов, критик).
Откуда появилась эта странная Вселенная у художницы, чье детство и юность пришлись на последние советские десятилетия? «Началось все со средневековой русской книжности, миниатюр и реставрации средневековых церквей. Параллельно — студия графического дизайна Бориса Трофимова: изучение сетки, знака, типографики и законов длящихся композиций» (Елизавета Плавинская). После была студия, где учили писать маслом на холсте, учеба у авангардного керамиста 1980-х Ирины Лабутиной, самостоятельные опыты с керамикой, эмалями, изучение химии, достижение чистых цветов, работа с дизайнером Аркадием Троянкером и — возвращение к живописи со всем этим огромным техническим и в первую очередь духовным багажом. «Первыми появились драконы и рыбы: “Я собиралась рисовать совсем другое, а тут он вдруг взял и появился”. Даша рисует трамвай — появляется дракон, рисует рыбу — а на нее садятся парки (тетки, ведающие судьбой)» (Елизавета Плавинская).
Даша Делоне — художник Третьего русского авангарда, то есть «хаотичного сборища художников, находящихся вне системы не только по обстоятельствам, но и по убеждениям, свободных в творческом выборе всего и объединенных только диким желанием работать», как определяет это явление автор термина Елизавета Плавинская.
Вот о чем я думаю в связи с искусством Даши Делоне: авангард — это не клишированное высказывание, это искусство не идеологическое и не философское. Это сказочный экзистенциализм такой. Вариант реализма — только реальность совсем экзотическая. Творчество Делоне — это авангард, опирающийся на многовековой культурный опыт столичного жителя, но не подавленный им, а, как на старом аэроплане, улетающий все время в некий особенный климат, где драконы чувствуют себя нормально (Елизавета Плавинская, куратор, искусствовед, критик).
Юлия Малинина. Две картины. 2015
Две картины Юлии Малининой не диптих. Они написаны в одном и том же месте, и мы их расположили рядом, но, согласно авторской идее, не объединили в одно произведение. Один из холстов безлюден, и о существовании человека условно напоминает только пирс. На другом присутствуют люди и главный в творчестве художницы элемент — архитектура. Таким образом, каждый из холстов обладает собственным настроением и состоянием. Абсолютная тишина первого и некий сюжет в том же медитативном пейзаже второго вместе создают не то чтобы историю, но гармонично разворачивающееся движение.
Юлия Малинина — художник с метафизическим взглядом на мир, органически присущим отечественной школе живописи. Такой взгляд обнаруживает в окружающем художника пространстве объекты, созданные человеком, и объекты природы, несущие на себе печать отрешенности от повседневного (Анна Флорковская, член-корреспондент РАХ, artcontract.ru).
Для композиции <картин Юлии Малининой> характерно приближение к нижнему краю холста объектов первого плана и определение психологически достаточного расстояния, зоны комфорта от художника до объекта. Зритель наблюдает, но напрямую не взаимодействует с изображенным на картине. При внешней отрешенности и холодности, цвет звучит как внутреннее эмоциональное состояние конструкта. Художник многократно экспериментирует с цветовым решением, формальной структурой и степенью условности пространства (artcontract.ru).
Фигуративная живопись у Юлии Малининой выглядит своего рода реконструкцией художественного языка модернизма ХХ века — будь то американский реализм Эдварда Хоппера или Чарльза Шилера или метафизические ландшафты Джорджо де Кирико cultobzor.ru).
Отвечая на вопрос о художниках прошлого или настоящего, оказавших на нее влияние, Юлия Малинина разделила их на несколько периодов:
«…Со временем пул таких виртуальных наставников или творческих ориентиров меняется. Меняюсь я, изменяется и мой художественный вкус.
Моя первая детская любовь Карл Брюллов. Для меня это было воплощением самой магии живописи! Как можно так сделать? Как можно создать настолько идеальную, приукрашенную реальность, лица без морщин, платья без заломов и складок и бархат, бархат, бархат…
Позже были импрессионисты. Отдельно Гоген. До сих пор можно проследить мое стремление в своих работах использовать характерный для него красный цвет, его умение работать с ним, так писать красный и красным. То же можно сказать о его умении передавать идею золотистости.
Наше время. Важны два художника: Джорджо де Кирико — великий метафизик — и Рене Магритт. И если у первого видна энергия на поверхности холста, мы часто видим мазок, передающий эмоцию картины, то у Рене поверхность отчужденно холодная, выглаженная до глянцевой лаковости, и в этом ее загадочная притягательность. Вместе с тем в моей личной системе иерархии оба эти художника прекрасны, гениальны. Конечно, к сожалению, на репродукциях всех этих нюансов и особенностей не увидеть. Находясь в Брюсселе, где представлены работы Магритта, я смогла в полной мере ощутить его особую манеру гладкого письма. Их смесь метафизики и сюрреализма притягательна и весьма затягивает, это тот мир, который мне очень близок.
Еще одно имя — это Фрэнсис Бэкон. Его мир также весьма близок для меня. Это тот художник, которого я сейчас достаточно серьезно изучаю» (Юлия Малинина, artuzel.com).
Важной для себя Юлия Малинина называет «концепцию чистой поверхности. Стерильность живописи без наблюдаемых мазков, без переписок. Важно, чтобы первоначальная поверхность и цвет холста не были сокрыты под большим количеством слоев и сеансов. И снова мы вернулись к Магритту и к его гладкой манере письма…» (Юлия Малинина, artuzel.com).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Юлия Малинина».
Pata. Танец с веером. 2016
«Танец с веером» (2016) принадлежит к большой серии произведений, условно называемой автором «Linear art. Graphic writing — графическое письмо». Эту работу Паата Мерабишвили начал много лет назад, но — увлекательное и важное исследование — она продолжается и сегодня, развивается и предлагает своему автору новые условия, ведет его к открытиям на плоскости и в объеме.
Каждое новое уже давно изображено в наскальных рисунках.
Древность порой настолько современна, что и по сей день наполняет сосуд мыслей идеями, вдохновляя простотой форм и богатством содержания.
Основой формообразующих элементов в наскальных рисунках были линия и пятно — специфические средства выразительности графики и живописи.
Первобытный, абстрактный уровень мышления создавал изображения, фиксирующие смысл линейно-графического письма, которые могут быть поняты без слов и знания языка, являясь истоком искусства и письменности.
Для меня как скульптора изображение линии — важная часть: это связь, транслирующая нить перехода из мысли в форму, которая бывает не просто графической, а цвето-графической, где цвету отведена своя роль (Паата Мерабишвили).
О художнике читайте на AI: «Персона недели: Скульптор Паата Мерабишвили — Творец создает то, что чувствует, а не то, что видит»
Андрей Мунц. И плывет корабль… 2018
Моя концепция — это отсутствие концепции. Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям (Андрей Мунц).
Андрей Мунц мастер писать не только архитектурные пейзажи, но и образы состояний, чувств, эмоций: «Сила, собранность, натиск…» (1998–2019), «Праздничное настроение» (2017), «Предчувствие встречи» (2017). Название нашего холста «И плывет корабль…» первым делом отсылает к почти одноименной притче Феллини. Предоставляя зрителю разбираться в живописном содержании авторской фантазии, Мунц так же, как и великий итальянец, смешивает в полуабстрактной композиции аллюзии, предметы, настроения. При этом наша картина наполнена бурлящей энергией, радостью жизни; и ее настроение резко контрастирует с атмосферой фильма Феллини. Холст залит солнцем, украшен цветами, фонтаном бьет и искрится праздничное сияние, а в уголке все-таки и корабль плывет…
Андрей Мунц — архитектор. Известно, что он успешно продолжил династическое семейное предназначение на этом поприще. Но ничуть не меньше он стал известен как живописец. Живописью он занимается давно и, на мой взгляд, немало преуспел.
С самого начала занятий живописью он выбрал абстракцию, как направление, наиболее полно соответствующее его характеру и представлениям о свободе выражения. В качестве эталонных произведений были выбраны полотна Кандинского.
На мой взгляд, это был правильный выбор, и вот почему.
Как бы ни был логичен и последователен окружающий нас мир, наполненный завершенными формами предметов, он все равно живет по законам содержания. Художники-реалисты, последовательно и скрупулезно описывая форму за формой и взаимодействия их в пространстве, транслируют свои личные переживания и размышления, связанные с изображаемым.
Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена эта последовательность и внешняя логика, в ней как будто и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.
И результат зрительского взаимодействия с работами Мунца — это палитра ощущений: часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя. И последнее, за что я люблю работы Мунца, — они красивы, всегда полноценны и уместны в любых интерьерах, всегда дистанционны, невзирая на доминирующее значение эмоциональной составляющей. В этом и проявляется высокая степень этического культурного наследия, доставшегося от предыдущих поколений (Наталья Сопова).
Николай Передний. Девушка и игрушки. 1975
Обобщенный образ русской красавицы в окружении дымковских игрушек предстает в картине Николая Переднего.
«Росписи, иконы производили сильное впечатление. Захотелось изображать человека как икону…» (facebook.com) — это воспоминания о детстве. Годы обучения и работы в Киеве оказались связаны по большей части с монументальным искусством, и строчка из воспоминаний художника об этом периоде и, в частности, о том, что его эскизы оформления Киева к юбилею революции утвердила правительственная комиссия, сегодня кажется провидческой: «Счастливый жребий выпал мне. Но скоро пришло ощущение, что я иду не в том направлении» (facebook.com).
К тому же в те же 1930-е на смену традициям монументального искусства первых лет революции постепенно, но неуклонно приходили принципы соцреализма, искусства, лишенного вдохновения. Передний перевелся в Москву, на 3-й курс Института изобразительного искусства (ныне МГАХИ им. В. И. Сурикова), в мастерскую А. А. Осмеркина. Потом была война, отступление в частях народного ополчения от Вязьмы до Москвы, отозвание с фронта и эвакуация в Самарканд вместе с институтом, защита диплома (1942), переезд и творческая работа в Новосибирске, возвращение в Москву и работа в экспериментальной творческой мастерской под руководством П. Д. Корина, знакомство с Р. Р. Фальком, переросшее в дружбу.
Конец 1940-х для деятелей искусства был удушающим, Передний писал, что ему «пришлось приспосабливаться» и считал это своей «слабостью». Множество официальных портретов членов правительства (иной раз высотой в несколько этажей) принесли успех (вновь успех, и вновь не то и невозможность творчества) и давали средства к существованию, а творчество оставалось за закрытыми дверями мастерской, где, ученик Александра Осмёркина и друг Роберта Фалька, Николай Передний работал по-своему, сумев сохранить свои манеру и убеждения, живописные ценности, пиетет к постимпрессионистам начала века.
В 1960–80-е годы художник экспериментировал в разных направлениях, писал натюрморты, портреты и пейзажи, то используя пуантилистскую технику, то по-своему интерпретируя творческий метод cезаннистов. Эти десятилетия ознаменованы расцветом в живописи Переднего, когда на первый план выступила индивидуальность художника и его собственный живописный подход к окружающему миру. Именно в этот период создана наша работа — женский портрет в окружении дымковских игрушек. Дымковская игрушка, пожалуй, один из самых ярких символов радости среди всех русских народных промыслов, в том числе и игрушечных. Возникновение игрушки связывают с весенним праздником Свистунья, к которому женское население слободы Дымково лепило свистульки из глины в виде коней, баранов, козлов, уток и других животных; их красили в разные яркие цвета. Игрушка — создание одного мастера, от лепки до росписи все делает один художник, поэтому игрушки никогда не повторяются. Каждая уникальна. Со временем праздник утратил значение, а дымковские игрушки разлетелись по всей России, радуя и приглашая в гости к сказке взрослых и детей. Вот такой узнаваемой и радостной красотой окружил художник девушку на картине.
Читайте о художнике на AI: «Новые имена: Николай Передний».
Роман Рахматулин. Васильевский туман. 2020
При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь (Роман Рахматулин, romulen.ru).
В центре картины «Васильевский туман» (2020) Романа Рахматулина Собор Покрова Пресвятой Богородицы, что на Рву — храм Василия Блаженного. Туман, пришедший с Москвы-реки, скрывает все окружение собора, оставляя только расплывшиеся огни, а сам храм проступает сквозь него, словно сказочный град Китеж. Белые огни и своеобразный «санный след» на первом плане картины создают незнакомое окружение собора. И зритель, не видя пейзажа, воспроизведенного в тысячах произведений, по-новому смотрит на собор, узнает его как будто впервые — и это поразительно. Что вдохновило художника, как не любовь?
***
Художник необыкновенно остро чувствует окружающий мир, и пытается выразить свои ощущения только ему свойственным языком. Отсюда поиск необычных приемов и техник, поскольку стандартных технологий классической живописи (которыми Роман, кстати, безукоризненно владеет) ему явно не хватает для выражения всего богатства эмоций.
Здесь и эксперименты с акриловыми смесями, с различными смешанными техниками, с использованием объема и дополнительного материала — иногда травы, иногда потали. В общем, границ у искусства нет и быть не может, если художник страстно любит этот мир и честно пытается передать свои чувства зрителю (art-gnezdo.ru).
…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами. В общем, при взаимодействии с произведением искусства советую выстроить замкнутое пространство, где будете только вы и объект. (Пространство должно блокировать исторические, культурологические и прочие пояснения и расшифровки, включая то, что про эту вещь думает критик и ваш сосед по лестничной клетке…) Оказавшись в этом пространстве, вы должны наладить исключительно ваше взаимодействие (прослушивание, просмотр, ощупывание) с объектом. Музыка, скульптура, живопись — становятся таковыми только при наличии зрителя (для природы и физики это все те же элементы, молекулы, колебания волн, а для времени — пыль); таким образом, предмет искусства без вас, без зрителя, пустышка — значит, ТЫ, зритель, — его часть и изволь функционировать как часть произведения, со всей ответственностью, не перекладывая ни на кого своей работы, не облегчая себе жизнь (Роман Рахматулин, romulen.ru).
Андрей Туканов. Снежное поле. 2011
В результате многолетних исследований художник пришел к идее того, что пространство картины должно быть расчленено и организовано заново, соответственно движению глаза по пространству. Например, как по пространству архитектуры.
И если архитектор идет от плоского рисунка к построению здания в пространстве, то Андрей Туканов, беря пространственную картину (видимый мир) как стабильность и данность, а значит, в некотором смысле и плоскость, «запускает» ее (заставляет двигаться) в выстроенное математически пространство психологического восприятия, в поля работы зрительного нерва: удивления, узнавания, воспоминания и, наконец, смотрения. Результат — синтетическая живописно-пространственная фуга, передающая мир максимально так, как он является глазу.
Картины, которые легко принять за абстракции, завораживают классической красотой и богатством того, что способна дать живопись (museum.ru).
Андрей Туканов интересен прежде всего тем, что, работая в жанре станковой картины (жанре заведомо консервативном), он развивает традиции русского авангарда. В своем творчестве художник успешно совмещает две вещи, казалось бы, несовместимые, придавая авангардному содержанию своих работ вполне традиционную форму. Интересно то, что изначальная и осознанная рассудочность самого искусства авангарда в творчестве Туканова обретает ярко выраженную эмоциональную окраску. Задачей авангарда было аналитическое разрушение изобразительной формы, приведшее в конечном счете и к разрушению единства художественного образа. Всякий анализ разрушителен, ибо всякий анализ суть препарация, или отделение. В частности, отделение эмоционального по самой своей сути творческого импульса от конечного формального эстетического результата. Андрей Туканов в своем искусстве стремится собрать разъятые авангардом части художественного образа, синтезировать его вновь, но уже на ином, «поверенном алгеброй» пластическом уровне, возвращая отточенной многолетними экспериментами изобразительной форме её природную эмоциональную насыщенность (Ольга Яблонская, andreytukanov.ru).
Мария Шалито. Мыльные пузыри. 2013
Тонкое пространство отношений, их тайна,
Непреодолимость непонимания...
Красота правды, какой бы она ни была.
Поиск формы и материала, попытка выразить то, что так трудно зацепить.
Работа создаётся медленно, во времени, методом проб и ошибок.
Шпаклёвка, коллаж, ручная работа без кисти помогают вмешаться в жизнь,
попытаться понять и скорректировать происходящее (Мария Шалито).
Образ женщины, пускающей мыльные пузыри, не раз встречается в творчестве художницы («Разговор, или Пускающая пузыри» (2012)), приглашая зрителя к размышлению о том, какую роль отводит ему Мария Шалито в своих картинах.
Задача создания пространства по сей день остается главной в каждой моей работе. Когда-то моим учителем стал добровольный затвор в мастерской, где я работала в уединении годами, с благоговением перелистывая альбомы художников Возрождения, собранные моим отцом — архитектором. Потребность расслышать себя была первостепенной моей задачей в начале творческого пути, столь же важной она остается и сейчас. <Потребность> чувствовать, слышать во время работы как бы все сразу, целиком, заставляет меня снова и снова искать средства выражения. Работы остаются как бы незавершенными, и это хорошо, потому что я не делаю картину, а просто, рисуя, не умираю (Мария Шалито).
Невозмутимая, неодушевленная красота одиноких предметов в работах Марии Шалито завораживает магией аскетизма, порой приводит в замешательство…
Мария Шалито самозабвенно занялась живописью в начале 1990-х после окончания Московского архитектурного института. Изображая в своих работах обыденные вещи, она передает нечто потустороннее, архитектонически идеальное. Будучи наследницей метафизического направления в искусстве прошлого столетия, она ориентирует зрителя на интеллектуальное прочтение своих работ, используя при этом осознанную, почти академическую манеру живописи. Оперируя чистыми предметами, она наделяет их таинственной душой и метафорическим содержанием (Андрей Ефимов, cargocollective.com).
Татьяна Ян. Лук и чеснок. 2016
Легкая, иногда античная, иногда акварельная с лучезарной улыбкой Таня Ян, столь мощная и яростная в работе — дерзновенная. Ее столы, рыбы, гранаты, инжир, цветы, являют собой торжественный смысл предмета… Атака на зрителя, происходящая из холста, есть восторг самой художницы от увиденного (Ирина Старженецкая).
Особенность живописной манеры художницы состоит с том, что, даже работая с крупным планом, она не утрачивает тяготеющего к монументальности видения вещей. При этом небольшие холсты с увеличенными деталями центральной композиции фактически становятся «портретами» (термин художницы) плодов и предметов. На этих «портретных» полотнах, в которых преобладают зеленый, фиолетово-розовый и лазурный тона, можно увидеть и самые простые, и довольно экзотичные для нас фрукты. Татьяна не приукрашивает, но старается выявить и подчеркнуть именно эстетические достоинства своих «героев»: айвы, груши, граната (Андрей Толстой, tatyanayang.ru).
В наш каталог вошел натюрморт «Лук и чеснок». Это, конечно, не гранат и не виноград, но и в совместном «портрете» лука и чеснока, помещенных на золотистый фон, так же глубоки и естественны цвета и столь же очевидна красота и осмысленность настоящей, подлинной живописи.
Желаем удачи на 59-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20210329_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20210329_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
