Открыты 57-е торги проекта «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   15 марта 2021

Каталог составили работы Азама Атаханова, Алексея Ваулина, Александра Захарова, Игоря Кислицына, Виктора Крапошина, Андрея Криволапова, Юлии Мамонтовой, Кирилла Протопопова, Елены Утёнковой-Тихоновой и Янины Ческидовой

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 371 и 57-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание аукциона: в пятницу, 19 марта, в 12:00.

Азам Атаханов. Сон в Нерехте. 2011

Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атаханов, kommersant.ru).

Нерехта — небольшой город в Костромской области. Художник расцвечивает красками холст, как всегда используя обширную палитру, многое пишет локальными чистыми яркими цветами, но делает это так тонко и деликатно, что и пейзаж, и интерьер провинциального российского городка выглядят естественно. И даже утреннее солнце, освещающее обнаженную женскую фигуру, не резкое, восточное, а мягкое, среднерусское.

«Изначально задача живописи — с помощью цвета создавать и передавать образ, информацию, чувства, как в музыке с помощью звука. Всё, что касается цвета, пространства и его влияния на зрителя, — это то, чем я занимаюсь 30 лет», — говорит Атаханов.

«Чем музыка отличается от шума, живопись от раскрашенной плоскости, литература от должностной инструкции? Лишь красотой. Только истинная красота придаёт искусству смысл. Постичь и передать её — единственная подлинная задача художника».

Традиционные восточные сюжеты или женские образы, которые встречаются практически в каждой картине мастера, только на первый взгляд несут основную смысловую нагрузку в произведениях. Здесь следует говорить о переплетении смыслов, о возврате к глубоким корням, к тем временам, когда живопись опиралась на философию и религию (artmoskovia.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Азам Атаханов».

Алексей Ваулин. Закатный пейзаж. 2014

…Я мог бы рассказать цветом о каждом дне своей жизни! (Алексей Ваулин).

Ваулин использует цвет как фактурную, практически скульптурную массу, из которой буквально лепит формы, а также как изящную графическую технику, рисуя цветными спонтанными линиями и пятнами; работает как декоративно, так и невероятно сложно с живописной точки зрения. В интеллектуальной абстракции Ваулина цвет достигает своей полной выразительности и свободы — он раскрывает сам себя, собственную чистоту и красоту, приравнивая живопись к философии (vaulin.info).

Цвет каждый раз играет разные роли: подчеркивает индивидуализм модели или выводит сюжет на уровень обобщения, сообщает то дух бунтарства, то настроение умиротворения и покорности, воспевает любовь, страсть, секс, чистоту и порок, движение и поиск. Словом, цвет в композициях Ваулина отражает все качества противоречивого, истекающего желаниями и внутренними метаниями, но такого хрупкого, ранимого и уставшего современного человека (vaulin.info).

В современном искусстве вообще очень важен элемент неожиданности: непредсказуемость сообщает свежесть восприятию и обостряет наши чувства. Непредсказуемость стала нашим допингом, необходимой порцией «душевного экстрима», к которой все стремятся, несмотря на вечные слезы по поводу отсутствующего покоя. Современный человек — он не для покоя, он — для вечного поиска, горения, накала чувств и мыслей. У художника тем более не должно быть покоя как «внутренней тишины», убаюкивающей внимание умиротворенности. Живопись для меня — сама стихия непредсказуемости, хотя как автор я стараюсь продумывать свои композиции. Но в какой-то момент работа начинает вести тебя за собой и, взращивая ее, шлифуя её, ты вновь и вновь меняешься сам (Алексей Ваулин).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Алексей Ваулин».

Александр Захаров. Утро. 2011

Для меня как художника с некоторых пор игрушки стали окошком в мир далекого детства, дверкой, за которой развернулась волшебная страна мечты, целая Вселенная. Маленький мир разворачивается в глубину до бесконечности, так же как для нас, взрослых, «большой мир».

Созерцание маленьких вселенных сильно повлияло на характер и размер моих картин. Миниатюра наиболее удобная для меня форма выражения. Я создаю «маленькое окошко», заглянув в которое и заинтересовавшись открывшимся за ним пространством, зрителю невольно приходится как бы «уменьшаться в размере», становиться маленьким. «Превратившись» в ребенка, он получает право попасть внутрь. В открывшемся мире, с виду совершенно реальном, существует «обратная перспектива»: маленькое порой важнее большого. Начав много лет назад с огромных картин-панорам, напоминавших плоский лубок, я пришел сегодня к развернутой в глубину миниатюре (Александр Захаров, cumir.ru).

Огромные работы искажают наше нормальное восприятие. Ребенок всегда видит не просто большую картину — он видит множество деталей. Из таких деталей и состоят мои работы. На них можно смотреть долго и каждый раз находить новые подробности. Именно так мы видели в детстве окружающий мир. Я пытаюсь «расковырять» и максимально расширить пространство (Александр Захаров, bolshoi.by).

Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения — тут и мильтоновские душистые рощи, где «пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...», и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия (triumph.gallery).

У его работ есть еще одно важное свойство — «сверхплотность» поверхности: она безвоздушна, герметична, максимально концентрированна. Они как хороший цифровой исходник в тысячи пикселей, который можно растянуть на десятки метров (triumph.gallery).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».

Игорь Кислицын. Амина. 1998

В своем творчестве Игорь Кислицын часто обращается к сакральным художественным традициям былых эпох: к древнерусской и византийской иконописи, романской фреске, готическому витражу и т. п. Уверенно поднимаясь над любой имитацией канона, художник погружается в исследование многомерных пластических кодов древних образов. Движение от поверхности в глубину, к обретению внутренней художественной формы идет не без активной интерпретации уроков русского классического авангарда.

Особую программную роль в этот период (1990-е. — AI.) приобретают композиции, лишь на первый взгляд могущие показаться женскими портретами, несколько напоминающие о былых парсунах или живописи староевропейских примитивов. На самом деле это менее всего натурная портретная живопись, а скорее, олицетворение женского архетипа (вроде Анимы Карла Юнга [Анима, по К. Г. Юнгу, — это женская часть психики мужчины, источник его чувства и настроения. — AI.]).

Кислицын несомненно колорист, цвету отведена немалая роль — и как средству усиления образного воздействия картины на зрителя, и как носителю его идей. Автор уверенно и выразительно возделывает красочную поверхность, пользуясь многочисленными подкладками и лессировками; усложняя и уплотняя цветовые отношения, добивается эффекта драгоценного мерцания. Это живопись, которая, безусловно, способна радовать не только дух, но и глаз.

Особую роль играет и характерная для картин живописца как бы возникшая из преломлений цветового спектра специфичная, писаная «рама в раме». Возникая как преграда, между «реальной» жизнью за пределами холста и внутренним микрокосмом, созерцаемым внутри этой «ограды», охраняет сердцевину этого малого мира своей геометрией (Вера Родина, artinvestment.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Игорь Кислицын».

Виктор Крапошин. Прошлогодний снеговик. 2020

Предметная, с подробными деталями, ясная живопись особенно привлекает меня. Набор тем, как мне кажется, стандартный для любого человека искусства: Жизнь, Любовь, Время, Смерть, Сбывшееся и Несбывшееся, Страх и Надежда. Главная моя задача (и не только моя) — найти свой язык для отображения настоящего времени и всего, что прошло через меня; того, что было когда-то настоящим, а теперь — прошлое.

Мне нравится сделанность и разумное соотношение цвета и линии, без теней. Не последнее место для меня в живописи играет техника и ремесло (Виктор Крапошин).

У мужчин моего поколения одним из самых ценных качеств считалось наличие чувства юмора. У Вити Крапошина его столько, что хватило бы и на десятерых. А самое главное, что его юмор, а иногда самый чёрный, выплёскивался в его творчество. Все его картины, как золотой патиной, пронизаны этим чисто московским сарказмом и иронией. Позволю себе одну параллель: если в литературе у нас есть потрясающий Венечка Ерофеев с гениальными «Москва — Петушки», то в живописи у нас есть не менее блестящий Витя Крапошин со всем своим творчеством. В любой его картине есть трагизм одновременно с чёрным юмором, есть философские обобщения с хулиганским хихиканьем, а главное, есть любимый мной наш российский быт с советским душком, замешанный на самом настоящим концентрированном сюрреализме.

Виктор Сидорович Крапошин, как и большинство художников его поколения, не относит себя ни к какому художественному течению. Но мне, как его другу и поклоннику, кажется, что наиболее близкое определение — это фантастический реализм. Замешав суровый советский реализм в фантасмагорию своих снов и фантазий, он получил на выходе ни на кого не похожий стиль, а именно — совершенно фантастический реализм (Константин Кошкин, художник, искусствовед, yandex.ru/q).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Виктор Крапошин».

Андрей Криволапов. Князь Борис. 2017

Стеклянная композиция Андрея Криволапова «Князь Борис» (2017) — образ святого благоверного князя-страстотерпца Бориса, вместе со своим младшим братом Глебом канонизированного как Русской, так и Константинопольской Церковью (впервые в истории).

Борис и Глеб были младшими сыновьями святого равноапостольного князя Владимира († 15 июля 1015) и без сопротивления погибли от руки убийц, подосланных их старшим братом Святополком, занявшим после смерти отца Киевский престол и не желавшим соперничать за него с Борисом.

Извещенный о вероломных намерениях Святополка, позже прозванного в народе Окаянным, князь Борис не стал скрываться и был жестоко убит. Позже та же участь постигла и Глеба.

Подвиг Бориса и Глеба состоял в том, что свою жизнь они принесли в жертву основному христианскому доброделанию — любви. «Кто говорит: «Я люблю Бога», а брата своего ненавидит, тот лжец» (1Ин.4,20).

Святые братья сделали то, что было еще ново и непонятно для языческой Руси, привыкшей к кровной мести: они показали, что за зло нельзя воздавать злом, даже под угрозой смерти. «Не бойтесь убивающих тело, души же не могущих убить» (Мф.10,28).

Андрей Криволапов последовательно избегает художественной сиюминутности. Его вдохновляют Священное Писание и средневековые сказания, былинные мотивы, сюжеты русской и античной истории.

В рельефах и скульптурных композициях из литого стекла скульптор достиг удивительного мастерства в очень редкой технологии. Моллирование, которое он использует, — это особая авторская технология отливки из расплавленного стекла в специальных формах. Аналогичные приемы использовали, например, в Древнем Египте, до изобретения сирийцами стеклодувной трубки в I в. н. э. На рубеже XVIII — XIX веков технология была популярна в северо-восточной Франции. Моллирование позволяет Андрею Криволапову не только создавать сложные и большие скульптурные формы из стекла, но раскрывает зрителю совершенно новые грани технических возможностей этого материала. А его многочастные серии не имеют аналогов в современном художественном стеклоделии.

Юлия Мамонтова. Роза. Сердце Афродиты. 2020

Живопись горячим воском — одна из древнейших. Техника была утеряна, её возрождал наш художник Василий Хвостенко в 1930–60-е годы: он с дочерью <художницей Татьяной Хвостенко> открыл секреты древних энкаустических красок и технологий, поделился рецептурами, но сейчас техника опять не распространена и почти забыта. Это сложный, трудоемкий и дорогой метод, несмотря на то, что современные достижения сделали его проще (например, не нужно разогревать воск огнем, его заменили электрические приборы, и появился огромный выбор сопровождающих материалов, красок и прочее). Воск, в частности пчелиный, непростой материал для работы. Он требует от художника особого мастерства, тщательности, трудолюбия, поскольку застывает очень быстро, зато сохраняет цвет, прозрачность, живость на века (Юлия Мамонтова, artifex.ru).

Энкаустика как сама жизнь: древняя, натуральная, яркая, быстрая… живая. Она способна передавать тончайшие, незримые нюансы того, что я пишу: не важно, портрет ли это человека с сильной энергетикой, эмоциональная абстракция или что-то другое. Сам процесс работы очень трудоемкий, медитативный требует полной отдачи и глубочайшего погружения — ведь восковые краски очень быстро застывают. Но для меня энкаустика идеальна: практически волшебным образом можно остановить мгновение (не зря пчелиный воск используется в магических культурах мира) или передать то, что хочется, поделиться живыми эмоциями и сделать мир через свое творчество немного лучше и светлее (Юлия Мамонтова, iskusstvo.pro).

Кирилл Протопопов. Женщина-Рыба. 2020

Когда человек начинает работать, участвовать в творческом процессе, он постепенно начинает понимать, что ему близко, из чего он может творить. Я начинал с живописи, с плоскости, потом перешел в рельеф. Когда я пришёл к скульптуре, то много экспериментировал и пробовал разные техники. Через какое-то время я почувствовал, что бронза — это какой-то «вечный» материал, что он мне близок. Бронза — это достаточно мягкий металл, а есть такой металл — тоже бронза, но с большим содержанием цинка, — латунь. Жёлтого цвета, более жёсткий. Я стал использовать в скульптуре именно латунь, потому что, мне кажется, она более напряжённая, более звонкая.

Ещё, когда ты делаешь скульптуру, всегда нужно думать о пропорциях. Есть такое понятие — оптический вес. Должен быть баланс. Нужно вращать композицию вокруг центра и смотреть сверху, снизу, сбоку… Ведь скульптура — она круглая (Кирилл Протопопов, st-tatiana.ru).

Творческая стилистика Кирилла Протопопова основана на союзе воображения, творчества и знания — это необходимая формула для поиска авторского баланса между материалом и воображением, натурой и совершенной формой. Его скульптура балансирует на грани между произведением искусства и интерьерным объектом.

Пластика Протопопова, наделенная чертами высокой ювелирной эстетики ар-деко, никогда не впадает в утилитарность. Излюбленным материалом автора является бронза с многообразием оттенков поверхности металла, камень и смальта в сочетании с традиционной и современной техникой, а также графическим дизайном. Структура и выразительность поверхности здесь особенно важна, поскольку она дает представление о внутреннем напряжении произведения, а также определяет его взаимодействие с окружающим пространством (Екатерина Шмакова, искусствовед).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Кирилл Протопопов».

Елена Утёнкова-Тихонова. Лёд пошёл. 2013

Мы живем между небом и землей. Земля родная, близкая, можно рукой потрогать, а небо недоступно высоко, так высоко, что если долго смотреть — голова кружится. Но есть еще одна стихия, которая низводит, возвращает нам небо на землю. Это вода.

Вода разбрасывает осколки неба в лужах под ногами или опрокидывает его все целиком в зеркальную гладь озера.

И происходит чудо.

Выходишь на берег реки и видишь, как облака плывут против течения и рыбак ловит в них свою рыбу.

Пейзаж — это состояние души художника, его нарисовавшего. Я не люблю долго рисовать с натуры, потому что на работу начинают пролезать не нужные, случайные детали. Ведь когда вспоминаешь поразившее тебя место или состояние природы через какое-то время — не помнишь всех подробностей, встаёт только главное для тебя (Елена Утёнкова-Тихонова, eutenkova.ru).

Трудно объяснить, для чего работает художник. Никакого конкретного зрителя и уж тем более покупателя не стоит перед моими глазами.

Просто однажды, идя по улице и случайно подняв голову, видишь, как из-за ближайшего дома выплывает на тебя нечто белое, большое, необъятное, чтоб, заняв полнеба и назвавшись облаком, исчезнуть неизвестно куда, оставив после себя над крышами только маленькое пушистое перышко напоминания.

И пускай облаков в атмосфере бесчисленное количество и прохожие правы, делая вид, будто ничего и не было, тебе уже не отмахнуться ни от этого облака, ни от этой улицы, ни от себя самого (Елена Утёнкова-Тихонова, cultobzor.ru).

При «общении» с настоящим произведением искусства у хорошего зрителя происходит встреча не только с художником — но и с самим собой. Если у художника что-то получилось выразить и ты это увидел, значит, вы встретились в одном общем пространстве и это пространство — Божественное, потому что мир видимый и не видимый — сотворён Богом. И иногда можно увидеть или почувствовать что-то большее, чем то, что имел в виду художник. И это тоже будет правдой. Потому что искусство — это инструмент познания жизни (Елена Утёнкова-Тихонова, eutenkova.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Елена Утёнкова-Тихонова».

Янина Ческидова. Варя приехала. 2019

Все мои картины в любой технике — это рассказы о любимых местах и людях, близких друзьях.

Я рисую слова.

Главное в творчестве — искренность.

Источник вдохновения — мелочи жизни, из которых состоит мой большой мир.

Главное не бояться ошибиться, иначе можно всю жизнь стоять на одном месте.

У меня нет определенного стиля, узнаваемы, скорее, персонажи, которые растут вместе со мной, и неожиданные темы для творчества (Яна Ческидова, yana-cheskidova.wixsite.com)

Яна Ческидова работает без эскизов и не умеет писать на заказ. Образы могут всплыть совершенно случайно: вот видела она ситуацию или человека, а подойдя к рабочему месту, вспомнила образ. У нее, что поразительно для творческих людей, нет страха перед белым холстом, она просто идет и работает. Ведь времени не так много… Художница заполняет все пространство — по ее словам, от переизбытка чувств, и выстроить его невозможно.

«Если честно, то я не знаю, как оправдаться в этой ситуации. У меня в одной картине куча народа, а в зале целая толпа. У меня есть маниакальная потребность каждый квадратный сантиметр заполнить. Пишу холсты на природе, я это всё не придумываю. Там постоянные движения. То ветер, то кошка пробежала. Каждый раз, рисуя, ты же не знаешь, что тебя ждет, а потом накрывает с головой, и ты чувствуешь, что вот оно. Любой художник, подходя к холсту, вряд ли думает: “Что я сейчас человечеству скажу!”. Трагедия, если человечество не заметит или неправильно поймёт».

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Яна Ческидова».

Желаем удачи на аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

AI