Открыты 46-е торги проекта «XXI век. Современное российское искусство»
Каталог составили работы Семёна Агроскина, Азама Атаханова, Юрия Бабича, Алексея Ваулина, Елены Гориной, Александра Захарова, Егора Кошелева, Виктора Крапошина, Александра Савко, Елены Суровцевой
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 360 и 46-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».
Лоты аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
Окончание аукциона: в пятницу, 18 декабря, в 12:00.
Семён Агроскин. Наблюдение № 6. Монтенегро. Из серии «Вуайерист». 2016
Художник будто возрождает старые жанры, но в тихом предстоянии их образов схвачен нерв современности. Реальность Агроскина поэтична, но узнаваема, она вызывает мгновенный отклик в памяти. Камерность, специфика ракурса, приглушенный колорит картин дают ощущение интимности, искренности показанного момента. В то же время эти полотна созерцательны, умозрительны, художник изымает все лишнее, сосредотачиваясь на предмете размышления, чувствования. Он доводит образы до тонкой грани между изображением самого явления и мысли о нем: «Предметный и видимый мир на грани исчезновения, растворения и схлопывания перед неизбежным концом цивилизации — вот, пожалуй, концепция, близкая мне» (vladey.net).
Стиль Агроскина лаконичен и прост. Но именно в этом и кроется индивидуальность художника. Взглянув первый раз на его картины, может показаться, что полотна бедны и однообразны из-за небольшой палитры красок, используемых художником.
Но стоит присмотреться и можно обнаружить богатство оттенков того или иного цвета. Все это дополняют причудливые формы и извилистые линии, которые так характерны для художника.
У автора есть поэтический вгляд на окружающий мир. В живописи много экспрессивных движений, но они не нарушают состояния тишины, пустоты, одиночества. В наблюдениях художника чувствуется неуловимый юмор. Есть внимательное отношение к «ничтожности», мелочам, обыденности. Все замечает, во всем находит мотив. Этот художник понимает магию поверхности, материальность, образность цвета (anysite.ru).
Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Семён Агроскин».
Азам Атаханов. На набережной Сены. 2008
Когда… Азам Атаханов проводил свой счастливый месяц в благословенном городке художников на острове Сите в Париже, то писал он исключительно своих собратьев, людей молодых и юных, студентов, начинающих художников, поэтов и музыкантов. И в этих парижских картинах, посвященных, казалось бы, самой беззаботной и летучей молодежи в мире, мы различаем прежде всего архетип, прообраз: здесь перед нами юный человек, который вглядывается в даль времени, выбирает путь, и почти благоговейно застывает то перед статуями сада Тюильри, то перед парапетом Сены. Другому показалось бы, что они бесцельно бродят среди парижских платанов или бессмысленно глазеют на уличную толчею. А для Азама Атаханова любое явление человеческой фигуры — это напоминание о каком-то молитвенном предстоянии и благоговейном возвращении к первичной сущности (Александр Якимович, cleargallery.ru).
Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атаханов, kommersant.ru).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Азам Атаханов».
Юрий Бабич. Рука 1840. 2009
Мой метод был создан для производства фотографического изображения, обладающего станковым характером. В результате получаются произведения эксклюзивного музейного качества, воссоздающие пластику дагеротипного изображения, которое, как казалось ранее, осталось в истории фотографии середины XIX века (Юрий Бабич).
Эксперименты по созданию новых методов печати фотографических изображений были начаты Юрием Бабичем ещё в 1996 году. От первых опытов до уникальной авторской технологии, позволяющей получить высококачественное дагероскопическое изображение, в полной мере воссоздающее пластику старинных дагерротипов, прошло почти 12 лет.
С технической точки зрения дагероскоп — это многослойное изображение, полученное путём последовательного спекания образующих его слоёв. Основой дагероскопического изображения служит подложка из драгоценных металлов, на которую с помощью самых современных технологий, таких как технология масштабируемой печати, нанесено фотографическое изображение, покрытое ламинатом или нейтральными в химическом отношении лаками. Благодаря многослойной основе дагероскопа изображение меняет свои свойства в зависимости от ракурса, условий освещения и наличия микро-разрывов на золотых или серебряных слоях, наносимых поверх металлического листа перед переносом на него самого изображения. С этим связан и принципиальный отказ автора от репродуцирования его работ, которые теряют при плоскостном воспроизведении большую часть своих художественных качеств.
Каждую неделю в аукционном обзоре мы пишем, что аутентично передать произведение искусства ни одно устройство не может, ибо между произведением и зрителем стоят фотоаппарат и экран. Личное восприятие не заменит никакая техника, ибо каждый человек видит картину и чувствует ее ауру по-своему. Работы Юрия Бабича видеть лично необходимо — это главное условие их правильного восприятия.
Читайте об авторе и его уникальной технологии фотопечати на AI: «Персона недели: Юрий Бабич».
Алексей Ваулин. Царский осетр. 2014
…Я мог бы рассказать цветом о каждом дне своей жизни! (Алексей Ваулин).
Ваулин использует цвет как фактурную, практически скульптурную массу, из которой буквально лепит формы, а также как изящную графическую технику, рисуя цветными спонтанными линиями и пятнами; работает как декоративно, так и невероятно сложно с живописной точки зрения (vaulin.info).
С 2011 года фигуративная живопись выступает уже на равных с абстракцией: художнику захотелось осязаемости и конкретики предметного мира. Живописные массы стали сжиматься и образовывать вполне узнаваемые формы. Так появились серии с оригинальными персонажами, выдернутыми из городской толпы, а еще необычные, но такие узнаваемые пейзажи Италии и Испании. Появились и сочные натюрморты, на которых блюда ломятся под весом устриц утрированного размера, а из темноты холстов высвечиваются фантастические животные (рыбы, драконы, фениксы) и роскошные цветы, больше похожие на разумных обитателей иных миров, чья форма жизни — гигантские растительные оболочки (Илона Лебедева, artinvestment.ru).
Цвет приобрел качество энергетического потока и своеобразный авторский символизм, где красный — это радость и праздник, черный с белым — это движение и страсть, желтый — эквивалент золота, отражающий сияние солнца и храмовых куполов, синий — радость души и океан (vaulin.info).
Читайте о художнике на AI: «Персона надели: Алексей Ваулин».
Елена Горина. Полоса ненастья (Светлый дождь). 2009
Свет и Тьма для меня — состояния мира, человека. Внутри нас и вокруг нас. Они материальны вполне.
Тьма — это не ночь, это отсутствие… во тьме всё пропадает. Есть свет — мы чувствуем и видим. Можем даже увидеть меру радости или горя. Видим цвет и форму. Настроение — холодное или тёплое. Свет земной и свет небесный, природный и человеческий пересекаются, взаимодействуют.
Постепенно и в живописи и в графике нашлись способы выражения поставленной задачи. Тема Света неисчерпаема, и каждый следующий день может принести новое открытие (Елена Горина).
Главное в живописном и графическом языке Елены Гориной — трепетное ощущение цвета, тончайших его оттенков, сочетаний тонов, когда, кажется, один рождается из другого, но уже со множеством переходов, образуя удивительную цветовую гамму, к которой подчас трудно подобрать какое-либо исчерпывающее определение. Цвет и колорит, гармония, построенная на согласии и контрастах цветовых пятен, виртуозная многослойная техника живописи, чувственная пластика рисунка позволяют ей создавать сложную свето-воздушную среду, в которой цвет — понятие, а форма — образ. Ее картины несут в себе энергию напряжения, неожиданную гармонию противоположностей. Они воспринимаются как образ нашего бытия (София Владимирова).
Александр Захаров. Заяц-монстр. 2013
Для меня как художника с некоторых пор игрушки стали окошком в мир далекого детства, дверкой, за которой развернулась волшебная страна мечты, целая Вселенная. Маленький мир разворачивается в глубину до бесконечности, так же как для нас, взрослых, «большой мир».
Миниатюра наиболее удобная для меня форма выражения. Я создаю «маленькое окошко», заглянув в которое и заинтересовавшись открывшимся за ним пространством, зрителю невольно приходится как бы «уменьшаться в размере», становиться маленьким. «Превратившись» в ребенка, он получает право попасть внутрь. В открывшемся мире, с виду совершенно реальном, существует «обратная перспектива»: маленькое порой важнее большого. Начав много лет назад с огромных картин-панорам, напоминавших плоский лубок, я пришел сегодня к развернутой в глубину миниатюре (Александр Захаров, cumir.ru).
Огромные работы искажают наше нормальное восприятие. Ребенок всегда видит не просто большую картину — он видит множество деталей. Из таких деталей и состоят мои работы. На них можно смотреть долго и каждый раз находить новые подробности. Именно так мы видели в детстве окружающий мир. Я пытаюсь «расковырять» и максимально расширить пространство (Александр Захаров, bolshoi.by).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».
Егор Кошелев. Пленница. 2014
Я представляю свое искусство зрителю и стремлюсь рассказать о нём интересно. Но когда работаю в мастерской, то превращаюсь в чудовищного зануду, который озабочен исключительно своими профессиональными интересами. И такие вопросы, как счастье, удача, успех, не значат ничего. Это мучительный период, когда восторги сменяются всплесками отчаяния, а удовлетворенность — апатией и депрессией.
Я изъясняюсь языком современного человека. Человека, который постоянно влипает в дурацкие ситуации, ежедневно сталкивается с огромным количеством собственных фэйлов и косяков. Это иронический взгляд, в том числе и на себя самого, потому что персонаж, с которым я работаю, имеет некие автопортретные черты (Егор Кошелев, artuzel.com).
Артистическое мировоззрение Кошелева сформировалось на пересечении «высокого» и «низкого» стилей, культуры дворцовой и культуры дворовой. В его манере нашли отражение «советская неоклассика» и граффити, приемы построения нарратива, родственные современному графическому роману и широкое использование вспомогательных персонажей, близкое московской концептуальной школе. За последние годы художник создал обширный корпус работ, в которых подверглись радикальному переосмыслению базовые основания современного российского искусства — академическая живописная традиция, концептуализм во всех его изводах, акционизм 90-х. Для него картинное пространство становится территорией вновь открытых возможностей — это и поле стилистического поединка, и приемник-распределитель потерявшихся образов, и место преступления против «хорошего вкуса», и потаенное убежище живописца-партизана, и роскошный чертог всевластного эстета-диктатора (Михаил Овчаренко, art.sredaobuchenia.ru)
Виктор Крапошин. Чёрный лимон. 2020
У мужчин моего поколения одним из самых ценных качеств считалось наличие чувства юмора. У Вити Крапошина его столько, что хватило бы и на десятерых. А самое главное, что его юмор, а иногда самый чёрный, выплёскивался в его творчество. Все его картины, как золотой патиной, пронизаны этим чисто московским сарказмом и иронией. Позволю себе одну параллель: если в литературе у нас есть потрясающий Венечка Ерофеев с гениальными «Москва-Петушки», то в живописи у нас есть не менее блестящий Витя Крапошин со всем своим творчеством. В любой его картине есть трагизм одновременно с чёрным юмором, есть философские обобщения с хулиганским хихиканьем, а главное, есть любимый мной наш российский быт с советским душком, замешанный на самом настоящим концентрированном сюрреализме.
Виктор Сидорович Крапошин, как и большинство художников его поколения, не относит себя ни к какому художественному течению. Но мне, как его другу и поклоннику, кажется, что наиболее близкое определение — это фантастический реализм. Замешав суровый советский реализм в фантасмагорию своих снов и фантазий, он получил на выходе ни на кого не похожий стиль, а именно — совершенно фантастический реализм (Константин Кошкин, художник, искусствовед, yandex.ru/q).
Предметная, с подробными деталями, ясная живопись особенно привлекает меня. Набор тем, как мне кажется, стандартный для любого человека искусства: Жизнь, Любовь, Время, Смерть, Сбывшееся и Несбывшееся, Страх и Надежда. Главная моя задача (и не только моя) — найти свой язык для отображения настоящего времени и всего, что прошло через меня; того, что было когда-то настоящим, а теперь — прошлое.
Мне нравится сделанность и разумное соотношение цвета и линии, без теней. Не последнее место для меня в живописи играет техника и ремесло (Виктор Крапошин).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Виктор Крапошин».
Александр Савко. Эх, говори, Москва, разговаривай, Россия! 2018
…Я считаю, что самым главным оружием художника является его ирония. И хорошо когда она облачена в такие хорошие одежды, когда это привлекает к себе внимание, не выглядит как просто такое злопыхательство уличное.
Да, мне о многом хочется высказаться. Но… это должно, прежде всего, привлечь изящностью высказывания. Здесь важен не столько смысл, сколько форма подачи. Именно формой художник может привлечь к себе внимание.
Помещение персонажей массовой культуры в иную среду — эстетическую, временную, стилистическую — это осознанный художественный прием. Это эксперимент, это страшно интересно, когда ты каких-то героев помещаешь в совершенно не характерную для них ситуацию. Тебе самому неизвестно, как они будут себя вести, как они вживую будут сочетаться с другим интерьером, с другим контекстом, приемлемы ли они друг для друга.
…Здесь много таких смыслов и подсмыслов, которые могут сочетаться в одном герое. Или в том антураже, куда они помещены. Это даёт совершенно новое прочтение, делая из всего этого такой взрывной продукт, который начинает рушить представление о старом мире, какое-то привычное отношение вот к этому герою…
Именно это дает возможность зрителю увидеть, что такое кроется за этими благостными картинками, что эта жевательная резинка, которую они жуют каждый день, она на самом деле очень вредна и опасна.
Если у зрителя есть способность развиваться — то у него будет возможность увидеть первоисточник, познакомиться с тем, что было изначально заложено в эту работу, погрузиться в настоящую культуру и увидеть всю убогость этих современных героев, которыми он восторгается и умиляется, которые являются атрибутом и антуражем его повседневной жизни. Он поймет тогда, в какой простенький и упрощенный мир он себя вживил (Александр Савко, cultobzor.ru).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Савко — Пост-ирония в искусстве».
Елена Суровцева. Бабье лето. 2006
Я делаю то, что хорошо знаю, понимаю и чувствую. У меня превалируют формы женского тела, выражающие внутреннее состояние, природную суть женщины (Елена Суровцева).
В своем творчестве Елена Суровцева часто использует тему времени, которая несет в себе следы ее личной памяти, обращенной к архаическому переживанию времени и пространства, когда отсутствуют границы между внутренним и внешним, мир предстает еще неназванным. Она гармонично сочетает образы, имеющие значение для фундаментального понимания истории, мироздания — архаичные фигуры доисторических статуэток женщин, классические античные образы и знаки-символы.
Е. Суровцева много работает с обнаженной натурой, исследуя тему телесности. В женской фигуре она стремится выразить глубинное ощущение природной стихии, пульсацию внутренней энергии. Это проявляется в наклоне поз ее героинь, в контурах их силуэтов, чем-то напоминающих манящие своей магией фигурки Майоля; в них встречается напряженное женское чувство, явленное в композициях Матисса и Ботеро, возвышенность поэтики импрессионизма, погружение в барочную культуру XVIII столетия. В камерных композициях Суровцевой скрывается глубокая нежность к человеческому телу, в котором способен отражаться драматический мир обитания человека (rah.ru).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Елена Суровцева».
Желаем удачи на аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20201214_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20201214_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
