В каталоге 30 лотов: 11 живописных работ, 3 листа оригинальной и 4 — печатной графики, 5 работ в смешанной технике, 2 скульптуры, 2 композиции, выполненные на основе фотоизображений, 1 работа из фарфора, 1 майолика и 1 коллаж

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 376 и 62-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 375-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 61-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 23 апреля, в 12:00.

Каталог 376-го AI аукциона разнообразен и с точки зрения состава авторов, и по времени создания работ, и по их техникам. Но хочется отметить, что в жанровом разнообразии произведений особое место занимают женские образы: «Московский вечер» (2020) Люси Вороновой, «Четверо на пляже» (1930–50-е) Александра Дейнеки, «Портрет девушки в зимнем пальто» (1968) Анатолия Зверева, «Обнаженная» (1950-е. Повтор работы С. Т. Конёнкова «Обнаженная». 1942. Дерево, 34 × 15 × 10. ГТГ) Галины Левицкой, «Троица с купидоном» (2017) Андрея Медведева, «Портрет Эрмине» (1945) Василия Шухаева и «Модница» (1987) Эрте.

Русское искусство начала ХХ века

ГОРБАТОВ Константин Иванович (1876–1945) Старый город. Ранняя весна. Начало 1910-х
Холст, масло. 34,3 × 47,5

Открывает каталог ранняя, начала 1910-х годов, живопись «Старый город. Ранняя весна» Константина Ивановича Горбатова.

Константин Горбатов родился в 1876 году в Ставрополе Самарской губернии, в семье провизора. В 1891–1895 учился в Классах живописи и рисования Ф Е. Бурова в Самаре, затем в Рижском политехническом институте у Дж. Кларка и в Школе рисования и живописи В. О. Блюма (1896–1903). В 1903 поступил в Высшее художественное училище при ИАХ, с 1904 года занимался в мастерской А. А. Киселева и Н. Н. Дубовского. Во время учебы неоднократно совершал поездки по старым русским городам. В 1911 году Горбатов получил звание художника и отправился в пенсионерскую поездку в Испанию и Италию (1911–1913).

Манера художника сложилась под влиянием тенденций, которые проникли в пейзажный жанр во второй половине XIX века: он воспринял и активно задействовал впечатляющие свето-теневые эффекты и цветовые контрасты, насыщенность эмоциональными аспектами, свойственную возникшим тогда «пейзажам настроения».

«…Пейзаж “Старый город. Ранняя весна” написан с натуры, в Пскове и, по-видимому, представляет собой одну из подготовительных работ к масштабной картине “Солнышко пригрело” 1911 года», — пишет эксперт.

Читайте о Константине Горбатове на AI: «Художник недели: Константин Горбатов»

ВАСНЕЦОВ Аполлинарий Михайлович (1856–1933) Цветущий луг. Первая треть XX века
Картон, масло. 10,3 × 15,9

Первой третью ХХ века датирует эксперт маленький картон «Цветущий луг» Аполлинария Михайловича Васнецова. Русская природа была для художника неизменным источником вдохновения на протяжении всей жизни. «А. М. Васнецов считал, что только среди лесов и полей можно почувствовать красоту природы и научиться передавать ее в красках на полотне», — пишет эксперт.

1890-е—1900-е годы по праву считают лучшим периодом творчества Васнецова. Начиная с 1882 года каждое лето он проводил на семейной даче в селе Ахтырка, расположенном рядом с имением Абрамцево. В начале 1890-х совершил длительную поездку по Уралу, материалы которой послужили основой для череды северных пейзажей. Мастерство, с которым Васнецов передавал эпичность русской природы, созвучно искусству А. И. Куинджи и И. И. Шишкина. Художник признавал колоссальное влияние, которое произвели на него эти «большие» живописцы: «Настолько мне нравились работы Шишкина — рисунки его пером и офорты, что меня обвиняли даже в подражании ему. Причиной особенного предпочтения его перед другими была вятская природа: леса, поля и дали; они общи для нас обоих, и я и он выросли в вятских лесах. Когда появились пейзажи Куинджи, то обаяние Шишкина отошло на второй план. В пейзажах Куинджи меня поражали свет и пространство — одни из первых, основных начал пейзажа, которые он так ясно сумел поставить».

Картины русской природы Васнецов продолжил писать в Демьянове, в имении В. И. Танеева, брата знаменитого композитора. Здесь он проводил каждое лето с 1903 по 1917 год. Творческие поиски живописца развивались в русле, заданном еще абрамцевскими произведениями, но широта и эпичность пейзажей начали уступать место интимности и камерности, а их техническая сторона все более совершенствовалась.

Точное место создания пейзажа «Цветущий луг», к сожалению, не установлено. По мнению эксперта, «пейзаж мог быть написан мастером в усадьбе Владимира Ивановича Танеева Демьяново… Там был создан художником один из лучших пейзажных циклов — “демьяновский”». Эксперт отмечает целый ряд излюбленных творческих мест, где художник черпал вдохновение: Абрамцево, Ахтырку, парки и монастыри Москвы. Кроме того, братья Васнецовы «часто бывали на родине, в Вятке, в поездках по России, где много и плодотворно работали».

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Аполлинарий Васнецов».

Искусство художников Русского Зарубежья

ШАГАЛ Марк Захарович (1887–1985) Приезд Чичикова (L'arrivée de Tchitchikov). Лист I из 1-го тома книги Гоголя «Мертвые души» (Les Âmes mortes, Париж: изд-во Tériade, 1948). 1923–1927
Бумага, офорт, сухая игла. 24,2 × 31,1 (лист в свету), 21,5 × 28 (изображение)

В 1923–1927 годах были исполнены иллюстрации Марка Захаровича Шагала к поэме Гоголя «Мертвые души», одна из которых — «Приезд Чичикова» (лист I из 1-го тома издания) — вошла в нашу подборку. Каждая из 96 иллюстраций Шагала отражает значимый момент поэмы, не всегда ключевой, но всегда интересный для понимания гоголевских образов и событий.

«Приезд Чичикова» иллюстрирует самый первый абзац поэмы. Художник замечательно передает образ губернского города NN и, точно вслед за Гоголем, не акцентирует внимания на внешности главного героя, въезд которого в город не произвел никакого шума, зато красиво выписывает… колесо брички, которое обсуждают, пожалуй, более важные персонажи рисунка: только два русские мужика, стоявшие у дверей кабака против гостиницы, сделали кое-какие замечания, относившиеся, впрочем, более к экипажу, чем к сидевшему в нем. «Вишь ты, — сказал один другому, — вон какое колесо! что ты думаешь, доедет то колесо, если б случилось, в Москву или не доедет?» — «Доедет», — отвечал другой. «А в Казань-то, я думаю, не доедет?» — «В Казань не доедет», — отвечал другой. Этим разговор и кончился.

В иллюстрациях Шагал не увлекается точным воспроизведением всех упомянутых автором деталей, но если уж детали появляются в рисунке, то они всегда значимы и помогают создать нужный образ — пейзажа ли, интерьера или даже душевного состояния того или иного героя.

С 1923 по 1925 год Марк Шагал по заказу маршана Амбруаза Воллара трудился над гравировкой 107 досок, используя технику офорта в сочетании с гравюрой сухой иглой, акватинтой и механическими способами обработки досок. К концу 1924 года он выполнил около 60 офортов, а в январе 1925-го количество сделанных офортов достигло 100.

В 1927 году был отпечатан первый тираж серии иллюстраций. Одновременно с этим Анри Монго перевел текст поэмы на французский язык. Несколько комплектов получили Воллар и Шагал, основная часть оттисков предназначалась для книги. Но Воллар не спешил печатать, а в июле 1939 года Воллар погиб.

Лишь после Второй мировой войны, в 1947 году изданием занялись дочь Шагала Ида и французский издатель Эжен Териад. Впервые книга «Мертвые души» с иллюстрациями Шагала вышла в свет осенью 1948 года. Тираж составил 368 экземпляров. Издание представляло собой два массивных несброшюрованных тома, упакованных в футляр. Иллюстрации располагались на вкладных листах. В том же году иллюстрации были удостоены Гран-при Венецианской биеннале (m-chagall.ru).

ВАСИЛЬЕВА Мария Васильевна (1884–1957) Красная фигура. 1930-е
Черная бумага на картоне, коллаж из красной бумажной фольги, графитный карандаш, процарапывание. 41 × 23
Работа оформлена в авторскую зеркальную раму (56 × 48)

Необычна композиция «Красная фигура» (1930-е) Марии Васильевны Васильевой — «русской феи с Монпарнаса», французской художницы русской эмиграции и русской художницы Парижской школы.

Личность этой женщины и ее роль в том, что искусство XX века таково, каким мы его знаем, сложно переоценить. В ранней молодости, в 1900-х годах, она брала уроки живописи у Матисса, с 1909 года выставлялась в Парижских салонах: Осеннем и Независимых. Она позировала Модильяни, получила предложение руки и сердца от Анри Руссо, писала портреты Жана Кокто и Пикассо, а также основала «Русскую Академию», а затем и клуб помощи художникам. Кроме того, она была талантливой художницей, чье станковое творчество было не раз отмечено на различных выставках, а занятие прикладным искусством позволило пережить самые сложные времена.

Среди произведений прикладного искусства в творчестве Васильевой большую известность в 1916 году получили гротескные куклы-портреты из различных материалов (папье-маше, кожи, проволоки, ткани, клеенки) — образы А. Матисса, П. Пикассо и других французских художников и поэтов, друзей художницы. Куклы-портреты она делала и позже по заказу кутюрье П. Пуаре.

Мария Васильева занималась также искусством иллюстрации, карикатурой, сценографией, декорированием мебели, оформлением интерьеров, изготовлением масок, статуэток и пр. Эксперт отмечает, что по своей натуре она была художником-декоратором, что отразилось на ее живописи, интересной не столько собственными открытиями, сколько изобретательной стилизацией под различные направления.

Из увлечения художницы декупажем и коллажем возникло ее пристрастие к цветной фольге, которую она использовала с большой изобретательностью. Особенно значительное число станковых работ с применением этого красивого и податливого материала она создала в 1930-е годы, вырезая из него изображения для коллажей или делая подобия рельефов.

«В ряду ее известных произведений, — отмечает эксперт, — значительное место занимают коллажи, которыми она увлекалась в тридцатые годы. “Красная фигура” (название условное) органично вписывается в круг этих работ <…> Плавные линии силуэта фигуры соответствуют авторской манере художницы, а игривый подбор деталей присущ многим ее произведениям.

Индивидуальные особенности фигуры молодого человека, отраженные в коллаже, свидетельствуют о реальном прототипе этого изображения, а женская головка (скульптура?), которой он любуется, говорит о его причастности к искусству. Это ироничный и остроумный дружеский шарж, обыгранный в стиле античной краснофигурной вазописи. Составной частью произведения является авторская зеркальная рама, украшающая коллаж, придающая ему законченность и усиливающая артистическую трактовку образа юноши».

Читайте о Марии Васильевой на AI: «Художник недели: Мария Васильева».

ЭРТЕ (1892–1990) Модница. 1987
Бронза, золочение, патинирование. 36 × 16,5 × 8

Тиражная бронзовая скульптура «Модница» (1987) представляет нашим участникам творчество Эрте — символа красоты, изящества, чистоты и самых разнообразных возможностей стиля ар-деко. Скульптурой Эрте увлекся в последний период творчества и чаще всего разрабатывал в этой технике свои графические работы разных лет.

Творчество советских художников

КОМАРОВ Алексей Никанорович (1879–1977) Байрам-Али. 1931
Бумага на бумаге, акварель. 53 × 25 (лист), 51 × 23 (в свету)

Лиричен и выразителен колоритный образ Байрама-Али в одноименной акварели Алексея Никаноровича Комарова 1931 года. Комаров известен прежде всего как один из лучших отечественных анималистов, его иллюстрации публиковались в журналах, не одно поколение советских детей училось любить и понимать природу по сотням его картинок в самых любимых детских книжках.

Прекрасный рисовальщик, акварелист, Комаров писал пейзажи, портреты, жанровые сцены, которые он наблюдал в многочисленных поездках по стране — от края ее и до края. Целый ряд композиций он создал в 1930-х на Востоке, культуру которого он любил, тонко понимал и чувствовал. К этому ряду, очевидно, относится красивая, романтичная композиция из нашего каталога. Авторская помета «Белудж» в нижней части рисунка указывает на национальность модели.

ДЕЙНЕКА Александр Александрович (1899–1969) Четверо на пляже. 1930–50-е
Бумага, графитный карандаш. 12,1 × 18 (в свету)

Карандашный рисунок «Четверо на пляже» Александра Александровича Дейнеки эксперт относит к серии набросков 1930–50-х годов, выполненных художником во время отдыха на Крымском побережье. Создается впечатление, что все четыре фигуры чем-то связаны, возможно играют в карты. Однако, учитывая тесноту на крымских пляжах, может быть, все четверо отдыхают по отдельности. Легкими плавными линиями художник создает контуры фигур, передает их расслабленное состояние. Эксперт указывает, что рисунок имеет несомненное музейное значение как характерный образец вспомогательной графики художника.

ШУХАЕВ Василий Иванович (1887–1973) Портрет Эрмине. 1945
Холст, масло. 60 × 49,7

«Портрет Эрмине» (1945) Василия Ивановича Шухаева написан в трагический период жизни художника. Осталось в прошлом обучение в Строгановском училище технического рисования и Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств, двухлетнее пребывание в Италии с Александром Яковлевым — Рим, Флоренция, Сиена, Равенна, Болонья, Падуя, Венеция, знакомство с шедеврами титанов Возрождения и мастеров Сиенской школы, преподавательская деятельность в Петрограде и «Цех живописцев святого Луки», переход по льду Финского залива из Советской России в Финляндию, эмиграция, четырнадцать лет жизни и работы в Париже, в том числе собственная школа рисования, возвращение в Советский Союз, квартира, мастерская, членство в ЛОССХ и МОССХ, персональная выставка в Академии художеств и… рецензия на нее Николая Радлова: «отрыв от советской действительности не прошел бесследно для Шухаева».

А дальше — обвинение в шпионаже, Колыма, Магадан, где, освобожденный в 1945 году «по отбытии срока наказания», он еще несколько лет трудился в театре магаданского Дома культуры им. М. Горького как вольнонаемный. «Портрет Эрмине» написан в том самом 1945-м. Эксперт предполагает, что на нем изображена одна из учениц или коллег художника во время его работы в магаданском театре.

Читайте о художнике сегодняшнюю публикацию в нашей постоянной рубрике «Художник недели: Василий Шухаев».

ГЕРАСИМОВ Александр Михайлович (1881–1963) Пашня. 1940–50-е
Картон масло. 20 × 33,2 (в свету)

Александр Михайлович Герасимов, автор пейзажа «Пашня» (1940–50-е), считается одним из наиболее значительных представителей советского искусства, чьи произведения стали образцами «официального» стиля сталинской эпохи. О том, как художник пришел к этому не слишком лестному определению, лучше всего рассказывает его обширная биография на нашем сайте.

Мы же обратим внимание читателя на несколько общеизвестных фактов, которые как-то стушевались, заглушенные фанфарами соцреализма.

Итак, творческий путь Александра Герасимова начался под руководством прекрасных учителей: он учился в МУЖВЗ (1903–1915) у А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина, К. А. Коровина, В. А. Серова сначала на живописном отделении, с 1910 — на архитектурном. С 1909 участвовал в выставках (ученическая МУЖВЗ). В 1915 окончил учебу, получив дипломы художника 1-й степени и архитектора.

В раннем творчестве (1910-е) тяготел к «легкой» импрессионистической живописи в традициях мастеров Союза русских художников, с сочным колоритом, этюдной манерой письма широким фактурным мазком. С середины 1920-х работал преимущественно по государственным заказам, создавая произведения в строго реалистическом ключе. Вместе с тем в 1930–40-х и особенно в 1950-х — начале 1960-х создавал пейзажи и натюрморты в свободной живописной манере, близкой ранним произведениям. Таков — и именно потому заслуживает внимания — наш пейзаж. Его «композиционное построение и колористическое решение подчинено принципам реалистического пейзажного вида, активным проводником которого выступал А. М. Герасимов», — пишет эксперт и подчеркивает, что произведение «выполнено на высоком художественном уровне».

ЛЕВИЦКАЯ Галина Петровна (1922–2004) Обнаженная. 1950-е. Повтор работы С. Т. Конёнкова «Обнаженная» (1942. Дерево, 34 × 15 × 10. ГТГ)
Майолика. 31 × 11,8 × 8,5

«Обнаженная» (1950-е) Галины Петровны Левицкой представляет собой повтор в майолике одноименной композиции своего учителя Сергея Тимофеевича Конёнкова, вырезанной из дерева в 1942 году, в период пребывания и работы художника в США.

Творчество художников-шестидесятников

РУХИН Евгений Львович (1943–1976) Натюрморт. 1967
Бумага, монотипия, масло. 54 × 41,5 (лист), 46 × 35 (изображение)

Открывает раздел редкая ранняя выполненная маслом монотипия «Натюрморт» (1967) Евгения Львовича Рухина.

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Портрет девушки в зимнем пальто. 1968
Бумага на оргалите, акварель, графитный карандаш, зубная паста, процарапывание. 57,8 × 46,8

Нежный, трогательный женский образ предстает в акварели «Портрет девушки в зимнем пальто» (1968) Анатолия Тимофеевича Зверева.

«Каждое прикосновение его кисти — бесценно», — говорил о нем Роберт Фальк.

«Зверев был завоевателем и первопроходцем, — писал о художнике арт-критик Сергей Кусков, — и одновременно — это был последний представитель “московско-парижской” пластической традиции, ведущей родословную от начала века.

Во многом наследуя рафинированный колористический вкус московских “парижан”, он сочетал как бы личное вчувствование в это блестяще-меркнущее наследие, с анархией бунтаря, “созидающего” разрушение, стремящегося всегда и все делать иначе, по-своему, и всегда в одиночку.

Воспринятую в культуре начала века утонченность цветосветовых вибраций он решительно очистил от всякого налета эстетизма и, напитав лиризмом и экспрессией, подарил лиризму новую жизнь. Следы былой культуры в его искусстве не исчезли бесследно, но каждый отклик традиции, каждый готовый прием напористо вовлечен в новое качество. “Наследник” не оставил камня на камне от устоявшихся живописных структур, преодолевая соблазн постфальковской “цветности”, и далеко ушел вперед. Диапазон его приемов был чрезвычайно широк: от фовизма до параллелей абстрактному экспрессионизму» (Сергей Кусков, art-critic-kuskov.com).

«Акварель “Портрет девушки в зимнем пальто” относится к циклу блестящих натурных портретных работ, выполненных Зверевым во второй половине 1960-х годов, — пишет эксперт. — Она написана в характерной виртуозной и свободной, экспрессивной манере Зверева широкой мягкой кисточкой, акварельные краски наносятся на смоченный и посоленный лист бумаги, свободно растекаются, причудливо смешиваются, а затем рисунок уточняется графитным карандашом и процарапыванием по непросохшей красочной поверхности. Цветовая палитра этой работы сдержанная, гармоничная, изысканная. На портрете великолепно передан нежный образ немного испуганной озябшей девушки, только что пришедшей с мороза».

ЯНКИЛЕВСКИЙ Владимир Борисович (1938–2018) Диалог. Из альбома офортов «Город — Маски». 1973
Бумага, офорт (с цинковой доски), сухая игла. 42,8 × 52,5 (лист), 23,5 × 25 (изображение)

Офорт «Диалог» Владимира Борисовича Янкилевского происходит из альбома «Город — Маски» (1973).

Владимир Янкилевский — один из главных художников-новаторов поколения шестидесятников. Изобретенный им пластический язык и смелая образность — все это и по сей день остается вызовом даже для зрителей, воспитанных в оптике рубежа 2010-х годов. И эти идеи были воплощены еще пятьдесят лет назад, в несвободном CCCP. Поразительно, как сильно художник опередил свое время. И насколько рискованным был в то время собственный независимый взгляд.

При этом Янкилевский и тогда, и сейчас остается художником «не для всех». Его произведения нельзя рекомендовать «отдыхающим» — тем, кто ищет в искусстве только комфорта и декоративной безмятежности. Работы Янкилевского требуют от зрителя вовлеченности, заставляют думать и осмысливать заложенную в них философскую программу (artinvestment.ru).

«В 60-е годы меня сильно интересовала проблема соотношения “внутренней” и “внешней” жизни человека, “раздетого“ одинокого человека и “одетого“ — социального; адекватные реакции на мир и деформация их в социуме, — писал художник. — Это столкновение идеалистических представлений и абсурда. Отсюда родились две основные темы офортов и рисунков: “Мутанты“ (с подтемами “Содом и Гоморра“, “Город — Маски“, “Функции и графики“) и “Анатомия чувств“. Цикл “Анатомия чувств“ посвящён переживанию человека самого себя и “Другого“. Это как бы рисование “изнутри“, обнажение динамики внутренней жизни. В “Мутантах“ я пытался сделать видимыми те деформации, психические мутации, которые происходят с человеком как с социальным продуктом. Впрочем мы все в той или иной степени мутанты» (Владимир Янкилевский, museum.ru).

ПЛАВИНСКИЙ Дмитрий Петрович (1937–2012) Старый рыцарь. 1975
Бумага, офорт, акватинта. 64 × 48 (изображение), 66,8 × 50,8 (лист)

Офорт «Старый рыцарь» (1975) Дмитрия Петровича Плавинского — это работа художника, который был одним из лучших мастеров гравюры не только среди нонконформистов (которые в печатных техниках достигли больших высот), но и, пожалуй, в русском искусстве вообще. «Дима учился офорту в гравюрном кабинете Пушкинского музея у старых мастеров. Одним из самых любимых был Дюрер» (Мария Плавинская, colta.ru). Другой экземпляр офорта « Старый рыцарь» из этого тиража хранится в собрании Государственной Третьяковской галереи и опубликован в монографии: Dmitri Plavinsky / J. E. Bowlt, A. Jakimovich, E. Plavinskaya-Mikhailova, D. Plavinsky. — New York: Rizzoli International Publications, 2000.

«В 1970-х Дима много писал о своих путешествиях, о своих приятелях и назвал это время “советский Ренессанс”. <…> Путешествовал один, в кедах, с рюкзачком. И на поезде, и пешком. Как угодно. Было четкое представление, что разные культуры существуют рядом друг с другом, дополняют друг друга и составляют общую культуру. Что мир невозможно разделить на Восток и Запад. И одно из важных достижений Димы, на мой взгляд, — он в своем творчестве объединил Восток и Запад. У него было целостное представление о мироздании, о Вселенной, о нашей Земле с ее геологией, археологией, географией, животными. Он — художник-космист. Он работал с символами» (Мария Плавинская, colta.ru).

РАБИН Оскар Яковлевич (1928–2018) Отели на rue d'Hauteville. 1979
Холст, масло. 100 × 80,5

Холст Оскара Яковлевича Рабина «Отели на rue d'Hauteville» (1979) написан через год после вынужденной эмиграции семьи художника.

«“Отели на улице d'Hauteville”, — пишет эксперт, — картина, относящаяся к парижскому периоду жизни и творчества Оскара Рабина. Она написана в сложной, выработанной Рабиным еще в московский период живописной системе, берущей свое начало в творчестве мастеров “Бубнового валета” и особенно Р. Р. Фалька. По всей видимости, это натурный пейзаж, написанный из окна квартиры, в которой поселилась семья Рабиных. В нем нет присущего творчеству Оскара Рабина контраста и противопоставления “высокого и низкого”, абсурдности, странности сюжета». Пейзаж опубликован в прижизненной монографии художника.

ХАРИТОНОВ Александр Васильевич (1931–1993) Пробуждение. 1981
Холст, масло. 34,5 × 34,8

В творчестве шестидесятников история бытования произведений редко прослеживается от мастерской художника до собрания нынешнего владельца: работы вывозили за рубеж, продавали, дарили, ими распоряжались случайные владельцы, не понимая их истинной ценности, и пр. — список довольно длинный. Поэтому картина, перешедшая из мастерской художника в текущее собрание и несколько десятилетий не менявшая «прописку», представляет большую ценность.

Холст «Пробуждение» (1981) Александр Васильевич Харитонов подарил и подписал своим давним друзьям и ценителям его творчества, известным художникам-карикатуристам и мультипликаторам Галине и Валентину Караваевым: «На добрую память, Галине и Валентину Караваевым от автора». Работа хранилась в их собрании с 1980-х и до сего дня.

«Не люблю необычные, томные “левитановские” места, — писал Харитонов в одном из писем. — Нужно писать все обыкновенное, то, что видят каждый день, и делать это необыкновенным» (цит. по: newtimes.ru).

Харитонов сначала писал сюжет крупными мазками, причем без подготовки и карандашного наброска, потом использовал кисточки все меньшего и меньшего размера. Иногда таким образом он накладывал до 40 слоев красок, достигая переливчатого свечения и мерцания законченных холстов. «Моя живопись, — писал Александр Харитонов в конце жизни, — зиждется на трех китах: византийская иконопись, древнерусская иконопись и церковная вышивка драгоценными камнями, жемчугом, бисером. Моими учителями были Достоевский, Гоголь, Саврасов, Флоренский и Моцарт» (цит. по: newtimes.ru). Именно к древним техникам церковной вышивки, а вовсе не к пуантилизму, с которым нередко сравнивают манеру художника, напрямую отсылают нас его филигранные работы.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Суперслон. 2009
Холст, акрил, коллаж. 60 × 50

Композиция «Суперслон» (2009) Владимира Николаевича Немухина — это характерная работа художника 1990-х — 2000-х годов, созданная, как писал В. С. Силаев, «под влиянием художественного наследия мастеров русского авангарда и, по всей вероятности и прежде всего, К. Малевича и Л. Лисицкого. Именно отсюда использование в этой композиции ярких, насыщенных цветов и конструктивная строгость геометрических построений. Надо отметить, что композиционная формула, найденная в работе "“Суперслон”, оказалась настолько удачной, что стала одной из популярных и востребованных. Не случайно, что В. Н. Немухин исполнил несколько различных повторений “Суперслона” в разные годы».

«Идея освобождения от предмета на тематическом уровне прочитывается в работе “Суперслон”. Картина написана… когда творчество художника захватило явление солнечного затмения. Мотив этот уходит корнями в историю русского авангарда. Образ (условно) красного круга, перекрытого идентичным черным кругом на формальном уровне близок супрематизму. Это не опустошенное, эта энергичное отрицание, удерживающее позитивную силу. Образно говоря, черное “затмевает” красное.

На картине Немухина статуэтку слона — не просто как предмет, но как символ мещанской культуры, сосредоточенной вокруг “вещности”, — “затмили” супрематические фигуры, которые, в свою очередь, спорят друг с другом, стремясь закрыть, подавить, пересилить. “Предмет” здесь лишен власти, но на картине вообще нельзя найти “лидера”, она полна анархического духа. И это позволяет еще одно, прямо противоположное прочтение работы: “наивысшим” оказался предмет. Не случайно название “Супер-слон” содержит иронию над supremus»(Злата Адашевская, di.mmoma.ru).

Творчество художников XXI века

НЕСТЕРОВА Наталия Игоревна (1944) Сезон устриц. 2013
Холст, масло. 60 × 81

В 2013 году во Франции написан «Сезон устриц» Наталии Игоревны Нестеровой. «У моих друзей висит потрясающая работа Димы Плавинского, на которой изображена раковина. Это мерцающее чудо — сродни врубелевскому. Мне бы хотелось, чтобы мои устрицы выглядели такими же. Пока не получается. Тем не менее к устрицам я интереса не потеряла — ни в гастрономическом, ни в художественном плане» (Наталия Нестерова, portal-kultura.ru).

«Я часто пишу людей, у которых не видно лиц. Картина не должна все рассказывать. Что-то должно быть скрыто, иначе не интересно» (Наталия Нестерова, portal-kultura.ru). Вот и у нас лицо модели полузакрыто поворотом головы. Значимы руки с устричной раковиной и лимоном, из которого сейчас брызнет в раковину сок, его запах соединится с тонким запахом цветущего каштана у самого стола в кафе. Блюдо полно, в руке первая устрица — последний миг предвкушения блаженства…

МЕДВЕДЕВ Андрей Викторович (1960) Троица с купидоном. 2017
Холст, масло. 30 × 63 (холст), 26,5 × 60 (изображение)

«Троица с купидоном» (2017) Андрея Викторовича Медведева — поразительно трогательная, проникновенная композиция. Необыкновенная нежность исходит от двух персонажей, окружающих обнаженную женскую фигуру с цветами в руках и совершенно пустым взглядом. Но купидон уже натягивает лук — и сейчас женщина преобразится. Все как в жизни: третий должен уйти… И очень хочется, чтобы купидон промахнулся — чтобы ни один из двух влюбленных персонажей не почувствовал себя лишним. Пусть у каждого из них останется надежда.

«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Московский вечер. 2020
Холст, масло. 100 × 80

«Моя палитра в холстах: красный — Жизнь, синий — Небо, черный — Вечность, охра — золото, много золота. Все так же, как в иконе, в народной культуре и искусстве классического авангарда», — говорит Люся Воронова.

В картине «Московский вечер» (2020) художник отводит красному цвету еще одну очень важную роль, и пожалуй, с таким интересным художническим приемом в работах Люси мы встречаемся впервые.

Но у коллекционеров есть и еще один повод обратить на эту картину особое внимание. Комментируя работу, Георгий Воронов пишет: «Холст “Московский вечер” (2020) и по времени создания, и по сути органично входит в большой корпус работ уже полюбившегося всем радостного периода творчества Люси Вороновой, который начался в 2018 году.

Люся очень московский художник, Москва в ее работах на бумаге — это городской пейзаж, архитектура старинных московских храмов. В этом холсте Люся говорит о Москве языком не линии, но цвета: красный в “Московском вечере” — это и Жизнь, и вдохновенный образ genius loci, духа Москвы, увиденного, а скорее, почувствованного художником.

Фон работы неоднороден, части калейдоскопа различаются по форме, цвету, рисунку, графической и цветовой насыщенности того или иного фрагмента, рядом с ними — локальный чистый красный цвет. И все это тоже часть художнического восприятия Москвы.

Образ города, сложившийся именно в последний, радостный период творчества художника, отчасти уходит корнями в работы конца 1970-х, в текстильное прошлое раннего творчества Люси. “Клетчатый” паттерн, который она нашла тогда, не прижился на холсте и на много лет ушел из ее работ. В последних картинах, буквально сейчас, он возвращается — обновленным и с громадным потенциалом развития и совершенствования. Люся увлечена им всерьез, настолько, что, я думаю, в ее художническом языке он очень скоро займет то же место, какое занимает “личина” у Целкова, карта у Немухина или ташистская сущность у Беленока».

Одновременно с нашим штатным 376-м AI Аукционом открыт 62-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Юрия Бабича, Лидии Витковской, Галины Дулькиной, Александра Жатова, Марины Колдобской, Юлии Мамонтовой, Пааты Мерабишвили, Ксении Пархоменко, Елены Суровцевой, Максима Татаринцева.

Всем желаем удачи на 376-м AI-Аукционе и 62-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.