Открыты 374-е торги AI Аукциона и 60-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   06 апреля 2021

В каталоге 30 лотов: 17 живописных работ, 3 листа оригинальной и 3 — печатной графики, 3 работы в смешанной технике, 1 фарфоровая тарелка, 1 стеклянная скульптура, 1 ассамбляж и 1 лот, содержащий 5 печатных работ

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 374 и 60-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 374-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 60-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 9 апреля, в 12:00.

Сегодняшний каталог — это настоящий подарок любителям пейзажа: сразу 5 работ выполнены в этом жанре, неизменно привлекательном для участников наших аукционов.

Традиционно начинаем с раздела искусства конца XIX — начала ХХ века.

СУРИКОВ Василий Иванович (1848–1916) Эскиз женской фигуры для картины «Боярыня Морозова». 1883–1885
Бумага, графитный карандаш. 24,5 × 17,3

Открывает описание каталога один из сегодняшних топ-лотов — эскиз женской фигуры для картины «Боярыня Морозова» (1883–1885) Василия Ивановича Сурикова. Эскизы к этой работе художник делал еще с 1881 года, но ее окончательный вариант сложился после поездки за рубеж: в Германию, Францию и Италию (1883–1884). В финальной картине сплелись опыт посещения Дрезденской галереи, Париж с его импрессионизмом, византийские мозаики и венецианская живопись XVI века с ее свето-воздушной перспективой и декоративным богатством.

Речь идет и о тональной среде, и о пышной красочности, которую М. М. Алленов связывает с полотнами Веронезе, и конечно, об открытии снега как колористического феномена, не состоявшегося бы без знакомства с французским искусством. Все эти аспекты Суриков перерабатывает в качественно новый в своей символической многосложности холст, где впервые столь отчетливо противопоставлены образы толпы и индивидуального героя, и каждая сторона этого противостояния полноценна и исторически убедительна. Многоцветное узорочье разноликой толпы, составленной из «архетипов» русской истории, получает глубокое семантическое сопоставление с не менее яркой личностью боярыни Феодосии Морозовой, дополняясь артефактами петровской эпохи, отзываясь в трагедийном пафосе мироощущения интеллигенции 1870–80-х годов. Для предельной концентрации смысла художник выстраивает совершенно особую сценографию, где каждая деталь и каждый образ играют свою роль, а жесты символически актуализированы. Как и в предыдущих работах, пространство картины живет по своим, подчиненным лишь воле живописца правилам, он сдавливает его, трансформирует, управляет законами движения для достижения нужного ему художественного эффекта. За этот отход от академической правильности некоторые из современников упрекали Сурикова в слабой живописной технике. На подобные обвинения замечательно ответил А. Н. Бенуа:

«Нам, напротив того, кажется, что техническая сторона картин Сурикова не только удовлетворительна, но прямо прекрасна, так как она вполне передает намерения автора и что, в сущности, все эти подмеченные недостатки — скорее даже достоинства, а не недостатки. В этом ... чувствуется его связь с гениально безобразной техникой Достоевского. Благодаря отсутствию перспективной глубины в Морозовой, Суриков сумел подчеркнуть типичную и, в данном случае, символическую тесноту московских улиц, несколько провинциальный характер всей сцены, так чудовищно контрастирующей с восторженным воплем главной героини. Эту картину называли, думая ее осудить, ковром, но действительно, это удивительное по своей гармонии пестрых и ярких красок произведение достойно называться прекрасным ковром уже по самому своему тону, уже по самой своей красочной музыке, переносящей в древнюю, еще самобытно-прекрасную Русь» (artinvestment.ru).

Отмечая чрезвычайную редкость рисунков В. И. Сурикова, эксперт ГТГ Елена Михайловна Жукова указывает на музейное значение нашей работы.

Читайте о художнике на AI сегодняшнюю публикацию в нашей традиционной рубрике: «Художник недели: Василий Суриков».

ТУРЖАНСКИЙ Леонид Викторович (1874–1945) Летний день. Начало 1900-х
Фанера, масло. 20,1 × 56,33

Пейзаж «Летний день» (начало 1900-х) Леонида Викторовича Туржанского, как отмечает эксперт, «органичен для произведений начала 1900-х годов», раннего периода творчества, когда Туржанский учился в МУЖВЗ, и «не избежал “захватывающего влияния” живописи К. А. Коровина». Эта работа «довольно близка его пейзажам так называемого северного цикла», созданного в путешествиях по рекам Сухоне и Каме. Лучшие из этих пейзажей тогда были куплены для Третьяковской галереи.

«Он мыслит и чувствует цветом», — говорят про Леонарда Туржанского искусствоведы.

В картинах мастера преобладают насыщенные «земляные» тона: красно-коричневые, зелено-желтые, темно-зеленые. Мастерству изобретательного колориста Туржанский учился и у своих знаменитых педагогов — Константина Коровина и Валентина Серова, и у родной уральской природы (rusimp.su).

Тарелка «Без названия (Богатырь)». Россия, Т-во М. С. Кузнецова, 1890–1917 (1916 (?))
Фарфор, надглазурная роспись, золочение. Ø 36

Фарфоровая тарелка «Без названия (Богатырь)» была выполнена на заводе Т-ва М. С. Кузнецова в 1890–1917 годах. Дата «1916» на знамени в руках Богатыря, возможно, уточняет датировку тарелки.

РОЗЕН Карл Иоганнович (1864–1934) Золотая осень. Первая четверть ХХ века
Холст, масло. 57,3 × 88,6

Первой четвертью ХХ века датирует эксперт пейзаж Карла Иоганновича Розена «Золотая осень», созданный в традициях русского реалистического пейзажа конца XIX — начала ХХ века. «Будучи выпускником ИАХ, он испытал влияние своих учителей — крупнейших русских пейзажистов И. И. Шишкина и Ю. Ю. Клевера, — отмечает эксперт. — Для его работ характерен мотив осеннего леса, часто с изображением лесной речки или озера, и яркое колористическое решение, передающее эффекты утреннего или вечернего освещения». Наша композиция продолжает ряд таких работ.

Свет в пейзаже необычный. Бывают такие осенние дни, когда при ясном небе нет резких солнечных лучей и в предсумеречный час природа как будто светится собственным светом — и трава, и деревья, и вода. Именно о таком редком состоянии природы писал Заболоцкий:

В очарованье русского пейзажа
Есть подлинная радость, но она
Открыта не для каждого и даже
Не каждому художнику видна.
С утра обремененная работой,
Трудом лесов, заботами полей,
Природа смотрит как бы с неохотой
На нас, не очарованных людей.
И лишь когда за темной чащей леса
Вечерний луч таинственно блеснет,
Обыденности плотная завеса
С ее красот мгновенно упадет.
Вздохнут леса, опущенные в воду,
И, как бы сквозь прозрачное стекло,
Вся грудь реки приникнет к небосводу
И загорится влажно и светло.
Из белых башен облачного мира
Сойдет огонь, и в нежном том огне,
Как будто под руками ювелира,
Сквозные тени лягут в глубине.
И чем ясней становятся детали
Предметов, расположенных вокруг,
Тем необъятней делаются дали
Речных лугов, затонов и излук.
Горит весь мир, прозрачен и духовен,
Теперь-то он поистине хорош,
И ты, ликуя, множество диковин
В его живых чертах распознаешь
(Николай Заболоцкий, scanpoetry.ru).

В разделе творчества художников Русского Зарубежья сегодня представлена только одна работа.

ГОРБАТОВ Константин Иванович (1876–1945) Осень. 1930-е
Холст, масло. 80,3 × 80,3

Пейзаж «Осень» Константина Ивановича Горбатова, как отмечает эксперт, близок картинам, выполненным художником в эмиграции в 1930-е годы.

Константин Горбатов родился в 1876 году в Самаре. Первоначальное художественное образование получил в 1891–1895 в Классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова в Самаре, затем учился в Рижском политехническом институте у Дж. Кларка и в Школе рисования и живописи В. О. Блюма (1896–1903). В 1903 поступил в Высшее художественное училище живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ, занимался сначала на архитектурном факультете, с 1904 — на живописном отделении в мастерской А. А. Киселева и Н. Н. Дубовского. В 1911–1913 — пенсионер ИАХ в Италии и Испании.

Жил в Петербурге (Петрограде). Работал как пейзажист, реже обращался к портрету, натюрморту, бытовому жанру. Экспонировался на академических выставках, выставках Общества русских акварелистов, Московского общества любителей художеств, ТПХВ, Товарищества независимых. В 1910 награжден второй премией на Весенней выставке ИАХ, в 1913 —  золотой медалью на Международной художественной выставке в Мюнхене, в 1916 — первой премией им. А. И. Куинджи.

Еще в годы учебы (1905–1906) как карикатурист сотрудничал в журналах «Секира», «Жало», «Зарница». В 1914–1915 как иллюстратор сотрудничал с журналом «Вершины». Работы Горбатова часто репродуцировались в журналах «Нива», «Лукоморье», «Столица и усадьба», «Солнце России».

В 1922 эмигрировал, в 1926 поселился в Берлине. Совершил несколько поездок по Европе, побывал в Палестине. Провел персональные выставки в ряде городов Германии, в Италии, Дании, Нидерландах, Великобритании. Участвовал в выставках русского искусства в Гааге, Питтсбурге, Кельне, Берлине. В годы Великой Отечественной войны безвыездно находился в Берлине. Большинство произведений Горбатова находится в музее «Новый Иерусалим».

Мотив нашей работы, как указывает эксперт, «изображающий золотую осень с одиноко стоящими березками в центре композиции и панорамным видом на озеро, часто встречается в творчестве К. И. Горбатова в различных вариациях».

О Константине Горбатове читайте в нашей постоянной рубрике «Художник недели».

Авторов, представленных в разделе творчества советских художников, объединяет только период творчества и время создания наших каталожных произведений. Поэтому не стоит удивляться, увидев рядом таких разных мастеров.

ФЁДОРОВ Герман Васильевич (1885–1976) В парке. Вторая четверть XX века
Холст, масло. 61 × 82,57

Второй четвертью ХХ века датирует эксперт пейзаж «В парке» Германа Васильевича Фёдорова, отмечая, что «композиционные и колористические особенности произведения характерны для пейзажей Г. В. Фёдорова зрелого периода творчества». Изящная женская фигура в розовом платье с белым кружевным зонтиком идет по тропинке темного парка. Ее, наверное, можно было бы назвать стаффажем, однако художник, очевидно, отводит ей более важную роль: фигурка — это лучик света в темном царстве строгих вертикалей мощных стволов, она вносит в картину не только движение, но, перекликаясь с ярким кусочком голубого неба, придает всему пейзажу позитивное настроение, которое хорошо чувствует зритель.

Герман Фёдоров учился в Строгановском училище технического рисования (1902–1904), МУЖВЗ (1905–1911), посещал студию И. И. Машкова. Писал натюрморты, пейзажи, портреты. В годы учебы сблизился с П. П. Кончаловским и другими художниками будущего объединения «Бубновый валет». Входил в состав участников и экспонентов объединения (1911–1917, с перерывами), на выставках которого демонстрировал довольно много работ (в основном пейзажей), а также, возможно, возрожденного «Мира искусства» (1917–1921), был членом-учредителем общества «Московские живописцы» (1924–1925), участником и экспонентом Общества московских художников (1928–1932). Во 2-й половине 1920-х обратился к индустриальной тематике, с которой участвовал в работе и выставках АХРР — АХР (1926–1928, с перерывами).

Преподавал живопись и рисунок в различных школах и художественных студиях Москвы (1910-е), в 1918-м работал ассистентом Кончаловского в ГСХМ, преподавал во Вхутемасе — Вхутеине (1920-е), МХУ и МПИ (с 1932).

В советское время участвовал в XIV международной выставке искусств в Венеции (1924), выставках советского искусства в Японии (1926–1927, передвижная), Турции (1927), США (1929, передвижная).

ЛЕНТУЛОВ Аристарх Васильевич (1882–1943) Девушка с арбузом (Портрет Татьяны Фоминой). Конец 1930-х
Холст, масло. 85 × 66

«Он был самым веселым художником своего поколения, пожалуй даже веселее Ларионова, “Миши Ларионова”, — главного изобретателя наших “измов”…» — писал искусствовед Абрам Маркович Эфрос об Аристархе Васильевиче Лентулове, авторе картины «Девушка с арбузом (Портрет Татьяны Фоминой)» (конец 1930-х).

Портрет написан в зрелый период творчества художника. В прошлом остались авангардные эксперименты, когда, с азартом откликаясь на всякую новую тенденцию в искусстве, Лентулов предлагал ее самую индивидуальную интерпретацию: от великого разнообразия стилистики своих ранних работ он перешел к кубофутуризму, причудливо смешивал в зрелом творчестве сезаннизм и кубизм с мотивами древнерусского искусства, блестяще проявил себя как сценограф, а в 1920-х в компании бубнововалетцев отправился на поиски нового реализма в живописи — идеи, которая сопровождала позднее его творчество.

Наша работе не просто портрет. В этой картине все напитано светом и теплом жаркого летнего дня — и образ смуглой краснощекой женщины с кудряшками темных волос на лбу, и арбуз, который остро пахнет свежестью, и только что сорванные и свежевымытые, глянцевитые в солнечных лучах спелые огурцы и помидоры. Художник пишет солнечным светом полноту и радость жизни. И вновь звучат слова А. М. Эфроса о «неизменной улыбчивости дарования» Лентулова.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Аристарх Лентулов».

ГЕРАСИМОВ Александр Михайлович (1881–1963) Летний день у воды. 1930–40-е
Картон масло. 23,8 × 30

Александр Михайлович Герасимов, автор пейзажа «Летний день у воды» (1930–40-е), считается одним из наиболее значительных представителей советского искусства, чьи произведения стали образцами «официального» стиля сталинской эпохи. О том, как художник пришел к этому не слишком лестному определению, лучше всего рассказывает его обширная биография на нашем сайте.

Мы же обратим внимание читателя на несколько общеизвестных фактов, которые как-то стушевались, заглушенные фанфарами соцреализма.

Итак, творческий путь Александра Герасимова начался под руководством прекрасных учителей: он учился в МУЖВЗ (1903–1915) у А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина, К. А. Коровина, В. А. Серова сначала на живописном отделении, с 1910 — на архитектурном. С 1909 участвовал в выставках (ученическая МУЖВЗ). В 1915 окончил учебу, получив дипломы художника 1-й степени и архитектора.

В раннем творчестве (1910-е) тяготел к «легкой» импрессионистической живописи в традициях мастеров Союза русских художников, с сочным колоритом, этюдной манерой письма широким фактурным мазком. С середины 1920-х работал преимущественно по государственным заказам, создавая произведения в строго реалистическом ключе. Вместе с тем в 1930–40-х и особенно в 1950-х — начале 1960-х создавал пейзажи и натюрморты в свободной живописной манере, близкой ранним произведениям. Таков — и именно потому заслуживает внимания — наш пейзаж. Его «композиционное построение и колористическое решение подчинено принципам реалистического пейзажного вида, — отмечает эксперт, — в небольшой картинке художнику удалось мастерски передать состояние природы, летнее марево у воды, безветренную солнечную погоду».

ФОНВИЗИН Артур Владимирович (1882–1973) Белая наездница. 1953 (?)
Бумага, акварель. 30,7 × 21,5

К «золотой серии» цирковых акварелей Артура Владимировича Фонвизина относится наша сегодняшняя «Белая наездница» (1953 (?)).

Мистическая легенда, описанная в воспоминаниях, гласит, что в детстве он долго, чуть ли не до семи лет, не говорил, был сильно замкнут в себе. Но всё изменилось в одночасье: однажды отец отвел ребенка в цирк Чинизелли, и там, на фоне сильного потрясения, у мальчика произошел эмоциональный прорыв. Так что все эти наездницы, лошади, циркачки — это переживания из детства, во взрослой жизни превратившиеся в любимый мотив. Но взрослый мастер, работая над листами акварелей, использует профессиональные знания и умения и решает сложные и разнообразные художественные задачи. «Художник много времени проводит на репетициях в цирке, в высшей школе верховой езды. Эти впечатления… синтезируются в одной из самых больших акварельных серий — серии “Цирк”. Художник вновь и вновь обращается к одной из своих любимых тем — наездница на лошади. Для нее Фонвизин находит не только многочисленные варианты положений всадника и лошади, при новом цветовом решении — это каждый раз новый образ, который создает активная творческая воля художника, переосмысляющего мир в пластических формах» (Галина Загянская. Артур Владимирович Фонвизин. — М. : Советский художник, 1970. С. 20).

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Артур Фонвизин».

В разделе творчества шестидесятников наши участники встретятся и с образцами узнаваемого авторского стиля, и с работами, которые для кого-то откроют новые грани творчества известных и любимых мастеров.

КРАСНОПЕВЦЕВ Дмитрий Михайлович (1925–1995) Портрет актрисы Елены Майвиной. 1947 (?)
Холст, масло. 58,2 × 48

Ранний творческий период Дмитрия Михайловича Краснопевцева представляет «Портрет актрисы Елены Майвиной» (1947 (?)). Такого Краснопевцева многие увидят впервые. Ранних работ художника сохранилось мало: он раздарил картины и гравюры, значительную часть уничтожил. Вот запись в тетради: «Уничтожая свои старые неудавшиеся работы, когда-то пережитые, доставлявшие волнения и радости, испытываешь и теперь, с долей грусти — радость очищения» (Цит. по: Инесса Меркурова. Дмитрий Краснопевцев. Человек и художник. В кн.: Дмитрий Краснопевцев. М.: Галерея «Дом Нащокина», 1995. С. 25).

Москвичка Елена Григорьевна Майвина была ровесницей художника, она тоже родилась в 1925 году, в 1949-м окончила Институт театрального искусства им. А. Луначарского и уехала работать в Алма-Атинский ТЮЗ, а в 1951-м поступила в Русский драматический театр Литвы в Вильнюсе, через год, после блестящего исполнения роли Дездемоны в спектакле «Отелло» У. Шекспира, стала одной из его ведущих актрис и служила в театре до своей кончины в 2008 году. «Елена Григорьевна была императрицей нашего театра: играла всегда страстно, азартно, была точна, убедительна и внутренне очень значима. До сих пор помню ее тонкий, изящный профиль и взгляд вполуоборот из-за плеча… Она была исполнена такой грации и аристократизма, что не вызывала никаких сомнений: да, это Она, та самая, с той самой картинки на древнегреческой амфоре» (facebook.com).

В 1947-м году, которым, предположительно, датирован портрет, Краснопевцев, недавно демобилизовавшийся и вернувшийся с Дальнего Востока в Москву, продолжает обучение в Московском художественном училище памяти 1905 года, а Елена Майвина учится на актрису, поэтому можно предположить, что костюм модели — театральный.

Портреты работы Краснопевцева можно пересчитать по пальцам: «в 50-х годах сюжетные композиции из живописи Краснопевцева исчезают. Их место занимает пейзаж» (Инесса Меркурова… С. 25). Наш портрет неоднократно опубликован, в том числе в трехтомнике Александра Ушакова, самом авторитетном издании о художнике.

ВАСИЛЬЕВ (MON) Юрий Васильевич (1925–1990) Подсолнухи. 1955
Холст на картоне, масло. 34,6 × 48,4

Редкая цветочная композиция «Подсолнухи» (1955) Юрия Васильевича Васильева (MON) продолжает раздел шестидесятников. В творчестве художника это был период, названный Васильевым неореализмом; в эти годы был создан ряд крупных сюжетных произведений: «Дон Кихот», «Леда», «Гомункул», «Старик и море», «Человек и арбуз» и другие. 14 сентября 1991 года Эрнст Неизвестный писал: «Он, именно он и никто другой, первый, еще в страшные сталинские времена, начал изучать русский и западный авангард. Это он своей веселой свободой лечил многих от летаргии соцреализма. Щедрый коллекционер с широким русским размахом и кистью в руках.

 

Я уверен, что если мы сейчас взглянем на все, что он сделал, то увидим оригинального и смелого художника, боровшегося с трусливым и серым временем» (Цит. по: Юрий Васильев. MON. М., 1993. С. 71).

«Подсолнухи» — это небольшая, но яркая, мощная и очень красивая вещь в узнаваемой авторской манере.

ВОРОБЬЁВ Валентин Ильич (1938) Два креста. 1966–1977
Холст, масло. 59,5 × 119,5

«Два креста» (1966–1977) — ранняя работа Валентина Ильича Воробьёва и очень редкий образец авторской техники, которой художник пользовался всего несколько лет во второй половине 1960-х. О художнике и его редкой технике рассказывает журналист и художественный критик Вадим Алексеев.

«Воробьёв родился 9 июля 1938 года в брянской глуши, рос под немецкой оккупацией, а первые уроки рисования получил у китайца на местном базаре. Первым заказом стала вывеска “Свежее Жигулевское пиво”. Школьным учителем черчения у Воробьёва был Николай Никодимович Вощинский, вернувшийся на родину по сталинскому призыву эмигрант, выпускник парижской академии Жюлиана и напарник Билинского и Вакевича по театру и кинематографу. В 1954 дядя позвал в Москву — позировать Фаворскому, Нисскому, Павлинову; в Брянске семейный совет вскоре решил отдать способного натурщика в художники.

Выбор пал на Елец, где оказался в эвакуации, да так и застрял, вплоть до закрытия в 55-м году, Орловский изотехникум. Как водится, в глухих углах страны прятались от гонений бывшие авангардисты, ставшие отличными педагогами. В Ельце рисунок вела Берта Арнольдовна Геллер, ученица Ермилова и Габо, живопись — высланный из Ленинграда сезаннист Абба Максович Кор. Дальше было чтение Грабаря, изучение древнерусской живописи в кружке «Икона», поездка на крыше скорого поезда «Ростов на Дону — Москва» на выставку Пикассо, разгон училища в Ельце и переезд в Чебоксары, больничные шахматы с сыном академика живописи Нестерова, возвращение в Красный дом Фаворского (жилой художнический дом на Новогиреевской улице в Москве, где находились мастерские В.А. Фаворского и И. С. Ефимова. — AI.), поступление с легкой руки последнего на оформительский факультет ВГИКа, где соседом по комнате стал Вася Шукшин.

Летняя практика в Тарусе — и Воробьёв остается в “Русском Барбизоне”, где, за 101-м километром, собралась замечательная компания вольных и высланных интеллигентов во главе с поэтом и переводчиком Аркадием Штейнбергом. Его сыновья Эдик и Борух надолго станут Воробьёвскими друзьями, в год выхода знаменитого альманаха “Тарусские страницы” вместе они организуют в Тарусе первую в СССР бесцензурную выставку. На звенигородской даче потомков Льва Толстого сторож Воробьёв находит чердак с никому не нужными сокровищами авангарда — брошенным наследием Любови Поповой — и вскоре прибывает меценат Георгий Костаки и скупает все собрание целиком. Одна из самых значимых работ, отреставрированный Воробьёвым “Контррельеф” Поповой, сегодня находится в Третьяковской галерее.

Настоящая, неофициальная жизнь Москвы 60-х шла в подвалах и на чердаках художников-нонконформистов. Воробьёв — активный участник ее главных событий: выставки двенадцати в клубе “Дружба”, “бульдозерной” и “измайловской” выставок. В отсутствие связи с внешним миром, художники на ощупь искали собственный язык и друг друга: Воробьёвский подвал стал центром паломничества богемной публики — поэтов, диссидентов, фарцовщиков, дипломатов, джазистов, манекенщиц. Постоянными жителями подвала Воробьёва на Сухаревке были Игорь Холин и Анатолий Зверев, из школы слепых на Сретенке спускался Владимир Яковлев, из Питера приезжали Жарких и Арефьев. Затем — знакомство с Анной Давид и переезд в 1975 году в Париж.

Ранние работы Воробьёва еще несут в себе следы мощного влияния Фаворского. Сочетание геометризма в духе кубистов и интереса к древнерусскому искусству Воробьёвым воспринято в полной мере. К середине шестидесятых Воробьёв находит индивидуальную тему. С этого момента большинство его работ посвящено архаическим сюжетам. Персонажи теряют привязку к пестуемой в Красном доме Фаворского национальной традиции. Изучая икону, Воробьёв обратил внимание на особое пространство, метафизический слой атмосферы, разделяющий изображение и зрителя. “На очищенных от многолетней копоти иконах вибрирующее свечение мягкого, зеленоватого санкира жило само по себе”. В серии “королей” он вводил лессировку частями, по методике Сезанна, а в 64-м, случайно опрокинув лессировочный флакон на изображение, обнаружил новый тон картины: непостижимое сфумато иконы создавала трехслойная лессировка. В изысканных, приглушенных тонах блеклой умбры и земляной сажи, с буквами из киновари, Воробьёв работал до 67-го года. Лучшие вещи этого периода пропали в частных собраниях, несколько можно увидеть в бохумском музее Бар-Гера. Его техника конца 60-х годов виртуозна: он наносит небольшие мазки так, что картина кажется витражом из бесчисленного количества кусочков цветного стекла» (Вадим Алексеев, artinvestment.ru).

Полностью очерк Вадима Борисовича Алексеева о Валентине Воробьёве и искусстве нонконформистов, предоставленный автором для публикации AI, читайте: «Пещерный декоратор. К 75-летию Валентина Воробьёва».

ЯНКИЛЕВСКИЙ Владимир Борисович (1938–2018) № 20. Из альбома «Анатомия чувств». 5 мая 1972
Бумага, офорт, сухая игла. 37,5 × 55,4 (лист), 24,2 × 31 (изображение)
Тираж 10 экземпляров, экземпляр № 2

Офорт № 20 (1972) из альбома «Анатомия чувств» представляет в каталоге творчество Владимира Борисовича Янкилевского. «Представьте себе, что Вы описываете человека, описываете его переживания, его внутреннюю жизнь, но также и его физиологию, и одежду, и погружение в социум. Это пытаюсь сделать я, и этим объясняется кажущийся разрыв между живописью и графикой. Но на самом деле в пластической основе того и другого лежат одни и те же принципы — пространство переживаний, о которых я уже говорил. И то и другое проходит через мое переживание и заряжено одной и той же энергией — анатомией чувств» (Владимир Янкилевский, artinvestment.ru).

Творчество Владимира Борисовича Янкилевского выпадает из любых рядов и направлений как отечественного, так и зарубежного современного искусства, одновременно наследуя лучшим мировым традициям. Его можно было бы назвать эпической экспрессией. Предельная чувственность и эротизм соединяются здесь с высочайшим уровнем концептуализации действительности (artinvestment.ru).

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Натюрморт с черным кругом. 2002
Холст, акрил, игральная карта, коллаж. 100 × 100

«Натюрморт с черным кругом» (2002) Владимира Николаевича Немухина — авторский вариант одного из тех сюжетов, над которыми он работал на протяжении нескольких лет, иногда десятилетий. Варианты никогда не повторяются: автор исследует изменения композиции, колористического решения, графики, состава предметов в натюрмортах, элементов ассамбляжа, даже карточных индексов и рубашек.

Художник освоил и задействовал в своих композициях разрезы, отсылающие к творчеству итальянского художника-модерниста и новатора Лючио Фонтана (1899–1968), картины которого с прорезями и разрывами принесли ему широкую известность. В середине 1990-х В. Н. Немухин экспериментировал с порезами на своих картинах, а в нашей работе их роль играют уверенные линии.

Это яркая, заряженная вещь, к тому же обладающая другими инвестиционными достоинствами: хорошим сюжетом, узнаваемой авторской манерой, декоративностью, отличным размером и пр. «Натюрморт с черным кругом» (2002) выставлялся в ММСИ и опубликован в его каталоге.

ПИВОВАРОВ Виктор Дмитриевич (1937) Длинная нога. 2002
Бумага, литография. 53 × 67 (лист), 45 × 59 (изображение)
Тираж 49 экземпляров. Экземпляр № 39

Легкая, наполненная воздухом литография «Длинная нога» основоположника московского концептуализма Виктора Дмитриевича Пивоварова — смесь жанра и сюрреализма, которая рассказывает историю человека, большими шагами бегущего к горизонту. Эта работа важна для художника: именно ее он поместил на фронтиспис книги «Виктор Пивоваров. Влюбленный агент» (М.: Новое литературное обозрение, 2001).

БУЛАТОВ Эрик Владимирович (1933) Пять новогодних открыток и два конверта, адресованные Жоржу и Надежде Мачерет. 2004–2019

Нашим участникам уже знакомы веселые новогодние открытки от Эрика Владимировича Булатова. Сегодня мы предлагаем сразу несколько отпечатанных открыток, которые автор и его жена Наташа отправили Жоржу и Надежде Мачерет. Открытки охватывают пятнадцать лет, с 2004 по 2019 год, и очень интересно наблюдать, как менялись сюжеты, избранные автором.

Жорж Мачерет работал в посольстве Франции в Москве. Интересные воспоминания о семье Мачерет, их московском доме и знакомстве с нонконформистами опубликовал художник Никита Алексеев.

КУПЕР Юрий Леонидович (1940) Цветы
Металл, газета, акрил, коллаж, смешанная техника. 68,5 × 97

Мы уже видели портрет благородного, полного достоинства ириса и целую галерею портретов тюльпанов, созданных на разных материалах в уникальной авторской технике Юрия Леонидовича Купера. Героями сегодняшней работы автор избрал совсем скромные цветы, наивные, трогательные, изящные в своей простоте и очень красивые.

Читайте об авторе на AI: «Интервью с художником и поэтом Юрием Купером».

Завершающий раздел каталога — произведения наших современников, созданные на рубеже XX и XXI веков.

МЕДВЕДЕВ Андрей Викторович (1960) Встреча. 1998
Холст, масло. 49 × 68 (холст), 44 × 64 (изображение)

Мы уже привыкли встречаться с персонажами Андрея Викторовича Медведева либо на театральной сцене, либо на загородной прогулке. На картине «Встреча» (1998) художник, отправив своих персонажей на очередную вечернюю прогулку, организует их встречу лицом к лицу.

И… мы снова видим лица без эмоций и образы без красок. Знакомы ли странные персонажи, испытают ли они радость от встречи, вступят ли в конфликт, проявят досаду от заминки на дороге или просто разъедутся в разные стороны? Погруженные в себя, отстраненные друг от друга, и от зрителя, и от земли, по которой они движутся, они притягивают взгляд, побуждая зрителя то ли разгадать их, то ли самому придумать их истории так, чтобы краски проявились, — словом, оживить их, ни больше ни меньше!

«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).

СИТНИКОВ Александр Григорьевич (1945) 3. Из серии «Числа». 2017
Дерево, темпера, ассамбляж, шнурок, коллаж. 21 × 22 × 8,3

Небольшой черно-белый ассамбляж «3» (2017) из серии «Числа» Александра Григорьевича Ситникова демонстрирует разнообразную и многодельную технику, в которой даже трехмерному шнурку, довольно (хотя и не совершенно) свободно существующему в пространстве, поручена важная роль организующей всю композицию линии, двухмерного элемента.

В творчестве художника более известны и привычны зрительскому глазу яркие разноцветные холсты и ассамбляжи, фигуративные и абстрактные, изобилующие мифологическими отсылками и культурными кодами, которые ловят зрителя в лабиринт своих наслаивающихся форм, линий и ярких красок и оставляют его разгадывать философские шарады их создателя. В нашей работе авторский образ лаконичен по цвету, но обладает весьма непростой геометрией форм и точно так же приглашает зрителя к диалогу.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Александр Ситников».

БЕЛЯЕВ-ГИНТОВТ Алексей Юрьевич (1965) Гагарин. 2020
Холст, трафарет, офсетная краска, лак, поталь. 99,7 × 149,7

В авторской технике выполнена композиция «Гагарин» (2020) Алексея Юрьевича Беляева-Гинтовта.

Алексей Гинтовт сегодня, возможно, главный художник в современном русском искусстве, развивающий идею Тимура Новикова «будущее — в прошлом». Вот уже почти 30 лет Алексей Гинтовт убеждает, что авангардом сегодня является не суетливый поиск чего-то нового, а, наоборот, обращение к традиции, к давно известным ценностям. Объясняет он это порой нарочито жестко, без анестезии — на языке «нового ампира», традиционализма, имперского авангарда.

Болезненные манипуляции в искусстве способны терпеть далеко не все. Поэтому не удивительно, что число почитателей творчества Гинтовта вряд ли превосходит количество его критиков. Впрочем, нужно помнить, что для искусства любая яростная дискуссия — это скорее добрый знак (artinvestment.ru).

Приемы Гинтовта давно тяготеют к технической лаконичности. В последние десять лет основной инвентарь художника — это холст, черная или красная типографская офсетная краска, золото или имитирующая его поталь, трафареты да голые руки, которыми он наносит краску. Ставку на минимум средств Гинтовт сделал намеренно: «Чем ограниченнее художник в выборе средств, тем значительнее результат. Избыточность вредит проекту. …Мне всегда была важно найти то решение, проще которого быть не может. Продолжая эту линию предельной экономии, можно говорить о том, что рисование отпечатками пальцев — это есть та последняя степень скупости средств».

Читайте о художнике и его творчестве на AI: «“Звезда” Алексея Гинтовта на AI Аукционе».

Одновременно с нашим штатным 374-м AI Аукционом открыт 60-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Азама Атаханова, Андрея Бартенева, Александра Захарова, Игоря Кислицына, Ирины Корсаковой, Андрея Криволапова, Юлии Малининой, Андрея Мунца, Роберта Хачатряна и Янины Ческидовой.

Всем желаем удачи на 374-м AI-Аукционе и 60-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.