Идут 370-е торги AI Аукциона и 56-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   11 марта 2021

В каталоге 30 лотов: 15 живописных работ, 4 листа оригинальной и 5 — печатной графики, 4 работы в смешанной технике, 1 скульптура и 1 фотография

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 370 и 56-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 370-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 56-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 12 марта, в 12:00.

Каталог открывает раздел искусства русских художников конца XIX — начала ХХ века.

ВАСИЛЬКОВСКИЙ Сергей Иванович (1854–1917) На реке Донце. Харьковщина. 1890-е — 1900-е
Картон, масло. 34 × 23,5

Натурный этюд «На реке Донце. Харьковщина» (1890-е — 1900-е) представляет в каталоге творчество выдающегося мастера лирического пейзажа, жанриста и пейзажиста Сергея Ивановича Васильковского. Уроженец города Изюма Харьковской губернии, 22-летний Васильковский приехал в Петербург и поступил в ИАХ; учился в пейзажном классе у М К. Клодта и В. Д. Орловского. За ученические работы неоднократно награждался медалями. Окончил Академию с большой золотой медалью, выпущен со званием классного художника первой степени и правом пенсионерской поездки за границу на четыре года. В качестве пенсионера ИАХ в 1886 отправился в Европу, жил преимущественно в Париже, где изучал живопись барбизонцев и других современных французских пейзажистов. Там же познакомился с блестящим живописцем И. П. Похитоновым, впоследствии оказавшим на его творчество огромное влияние. Совершил поездки по Франции, Германии, Англии, Испании, Северной Африке. Исполнил значительное количество небольших по размерам пейзажей Франции и Испании, часть которых была приобретена в крупнейшие отечественные собрания. В 1888 возвратился в Россию до окончания срока пенсионерства. Жил в Харькове. С 1885 участвовал в академических выставках, с 1886 — в выставках Московского общества любителей художеств. В 1892 стал членом и активным участником выставок (до 1917) Общества русских акварелистов. С 1894 — член и экспонент Санкт-Петербургского Общества художников. Много путешествовал по России — по Украине, Крыму, Кавказу.

«В 1890-х годах (период создания нашей работы. — AI.) творчество Васильковского получает большое признание. Его работы приобретаются музеями и частными коллекционерами…

Картины Васильковского отличались небольшими размерами. Он любил писать на прессованных картонках или на французских буковых дощечках. Его художественной манере свойственна особая аккуратность и точность, даже старательность. С особым искусством художник передает вибрацию света и воздуха, игру солнечного света» (vsdn.ru).

СЕРЕБРЯКОВА Зинаида Евгеньевна (1884–1967) Портрет Петра Соколова. 1910-е
Бумага, гуашь. 60,8 × 45 (в свету)
На обороте: Наброски обнаженной женской натуры
Бумага, графитный карандаш, гуашь. 45 × 60,8 (в свету)

«Портрет Петра Соколова» (на обороте — наброски обнаженной женской натуры) Зинаиды Евгеньевны Серебряковой эксперты датируют 1910-ми годами, доэмиграционным периодом. Поэтому мы с большой радостью рассказываем об этой работе в первом разделе каталога.

1910-е — период творческого подъема и первой славы Зинаиды Серебряковой. В 1910-м на VII выставке Союза русских художников она впервые представила автопортрет «За туалетом» (1909), имевший шумный успех у публики и критики и прямо из экспозиции, вместе с работами «Зеленя» (1908) и «Молодуха» (1909), купленный в собрание Третьяковской галереи. Портретная живопись 1900–1910-х принадлежит к лучшим образцам творчества художницы.

Живописец, график и педагог Петр Иванович Соколов (1892–1937) занимался сценографией и книжной иллюстрацией. Мастерству он учился в Иркутске в студии рисования и живописи И. Л. Копылова (1912–1913). Затем учился в частных студиях в Париже (1913–1914), в ПГСХУМ (с марта 1918 на архитектурном отделении, с сентября 1918–1922 — в индивидуальной мастерской К. С. Петрова-Водкина). Входил в художественное объединение «Жар-Цвет». Преподавал в студии, организованной̆ Б. Н. Эссен (1923); на Северном факультете Восточного института имени А. Енукидзе (1926–1928). С 1930 года работал художником-постановщиком ГАБТ (Москва), по контрактам с театрами страны (1932–1934). Один из ведущих художников Детгиза. Работал и общался с обэриутами (с конца 1920-х, nukus.open-museum.ne). Друг Б. Житкова, Е. Шварца, неоднократно упоминается в нескольких стихотворениях Д. Хармса. Известно, что в комнате Хармса висели его картины. Сохранился билет на вечер «Три левых часа» на имя Соколова за подписью Хармса (domvrazreze.ru). 10 января 1935 года арестован в Ленинграде, осужден по «кировскому делу»; отбывал наказание в поселке Долинка в Казахстане. В начале 1937 — досрочно освобожден. Работал с театром «Красный факел» в Новосибирске. 3 декабря 1937 — арестован повторно по обвинению в «причастности к контрреволюционной повстанческой кадетско-монархической организации». 9 декабря 1937 расстрелян. Реабилитирован в 1957 году (tramvaiiskusstv.ru).

Из воспоминаний художника Алисы Ивановны Порет: Я училась в Академии художеств у К.С. Петрова-Водкина. В дипломной мастерской работали Чупятов, Бенита Эссен, Лаппо-Данилевский и Пётр Соколов. Про него Водкин раз сказал: «Мне бы одну десятую его таланта — и я был бы спокоен, что что-то могу сделать». Я недоверчиво на него посмотрела и улыбнулась. «Вы мне не верите — пойдемте, я Вас сведу к нему в мастерскую».

Мы поднялись по чугунной лестнице на верхний этаж. В огромной мастерской, перед большим холстом стоял высокий человек с негритянского типа лицом. П.-В. нас познакомил и велел Соколову приглашать меня, когда будет натура. «Он Вас научит лучше, чем я», — сказал он, уходя.

Мы быстро подружились. Откуда берутся такие девушки, говорил С. Откуда появляются такие таланты, думала я. Для меня началась новая жизнь.

Он написал мой портрет и дарил мне лучшие свои рисунки. Постепенно на них стали появляться надписи — «Ледяной Деве», «Святая Алиса», «Ленинградская Сольвейг» и в этом роде. Я делала вид, что не умею читать. Потом он сделал очень красивую акварель с льдинами и весенними красными стволами и написал на обороте своим мелким, бисерным почерком: «Когда тронется лед?». Я как-то показала акварель Водкину. Он сказал: «Вот видите, какой молодец — я Вам говорил, что он лучше всех». Повернув бумагу, он прочел надпись. «Дайте мне резинку», — строго прибавил он и тщательно стер карандаш. «Больше я Вам ничего не скажу», — и вышел, не простившись. А мне и не нужно было ничего говорить. Я знала, что у него в Англии жена (дочь Бенуа) и двое детей, и настоящий взрослый роман с Лизой Р.

<…>

Нрав у него был крутой, переменчивый. Он увлекался то одним, то другим, и пугал меня каким-то буйным непостоянством и приступами отчаянного неверия в себя…

Все, что он мне дарил, прекрасные его письма, рисунки, все погибло в Ленинграде, во время блокады. Никто не знает, кроме меня, какой он был замечательный художник. Самая лучшая его работа — эскиз к конкурсной картине «Летучий Голландец» — была мне подарена, и Петров-Водкин сказал мне: «Повесьте это у себя и, выражаясь старомодным языком, пусть это будет Вашей путеводной звездой.

Оба они были моим высшим образованием, а то мне пришлось бы ограничиться Академией художеств» (Алиса Порет, цит. по: domvrazreze.ru).

О Зинаиде Серебряковой читайте сегодняшнюю публикацию на AI: «Художник недели: Зинаида Серебрякова».

В необычно большом разделе произведений художников Русского Зарубежья представлена роскошная театральная графика, портреты и работа в смешанном жанре натюрморта и пейзажа.

ПОЖИДАЕВ Григорий Анатольевич (1894–1977) Кармен и Эскамильо. Эскиз театральных костюмов для постановки оперы Ж. Бизе «Кармен». 1930
Бумага, графитный карандаш, акварель, белила. 53 × 42 (в свету)

К сожалению, неизвестно, для какого именно театра и какой страны в 1930 году выполнен эскиз костюмов Кармен и Эскамильо к опере Ж. Бизе «Кармен» Григория Анатольевича Пожидаева. И мы, увы, не можем сказать, воплотилась ли в жизнь эта эскизная разработка.

Уехав из России не ранее 1921 года, художник жил и работал в Берлине, Вене и, наконец, в 1925-м поселился в Париже. Работал для театра «Летучая мышь» Н. Ф. Балиева, оформлял спектакли русского репертуара в Мадриде и Барселоне. В 1927 создал эскизы костюмов и написал 62 портрета для съемочных интерьеров фильма «Страсти Жанны д’Арк» (режиссер К.-Т. Дрейер): «Чудесны его перевоплощения в переходах от рейнгардтовских эскизов к иезуитам и солдатам к Орлеанской Деве, и от них — к боярщине русского средневековья», — писала об этих портретах эмигрантская газета «Русское время» 16 ноября 1927 года. Сотрудничал с кинорежиссером Абелем Гансом — в частности, в 1928 году был художником его фильма «Конец мира».

По-видимому, самую полную и выверенную биографию художника, содержащую архивные материалы о доэмиграционном периоде жизни художника (в отношении которого существует огромное количество недостоверной информации и вообще большая путаница), можно прочитать на AI: «Художник недели: Григорий Пожидаев».

ВАСИЛЬЕВА Мария Васильевна (Ивановна, Михайловна; 1884–1957) Материнство. 1933
Фольга на бумаге, продавливание, проскребание, графитный карандаш. 30,5 × 24,2

Очень красива изящная и тонкая композиция «Материнство» (1933) Марии Васильевны Васильевой — «русской феи с Монпарнаса», французской художницы русской эмиграции и русской художницы Парижской школы.

Личность этой женщины и ее роль в том, что искусство XX века таково, каким мы его знаем, сложно переоценить. В ранней молодости, в 1900-х годах, она брала уроки живописи у Матисса, с 1909 года выставлялась в Парижских салонах: Осеннем и Независимых. Она позировала Модильяни, получила предложение руки и сердца от Анри Руссо, писала портреты Жана Кокто и Пикассо, а также основала «Русскую Академию», а затем и клуб помощи художникам. Кроме того, она была талантливой художницей, чье станковое творчество было не раз отмечено на различных выставках, а занятие прикладным искусством позволило пережить самые сложные времена.

Среди произведений прикладного искусства в творчестве Васильевой большую известность в 1916 году получили гротескные куклы-портреты из различных материалов (папье-маше, кожи, проволоки, ткани, клеенки) — образы А. Матисса, П. Пикассо и других французских художников и поэтов, друзей художницы. Куклы-портреты она делала и позже по заказу кутюрье П. Пуаре.

Мария Васильева занималась также искусством иллюстрации, карикатурой, сценографией, декорированием мебели, оформлением интерьеров, изготовлением масок, статуэток и пр. Эксперт отмечает, что по своей натуре она была художником-декоратором, что отразилось на ее живописи, интересной не столько собственными открытиями, сколько изобретательной стилизацией под различные направления.

Из увлечения художницы декупажем и коллажем возникло ее пристрастие к цветной фольге, которую она использовала с большой изобретательностью. Особенно значительное число станковых работ с применением этого красивого и податливого материала она создала в 1930-е годы, вырезая из него изображения для коллажей или делая подобия рельефов.

Работа «Материнство» (1933) изготовлена из цельного листа фольги способом продавливания рисунка, нанесенного на обороте, остроконечным инструментом и обработки листа наждаком. Достигнуто подобие «старинного» рельефа из металла. Такая сложная авторская техника позволяет воспринимать работу одновременно и как тонкий пластический рельеф и как станковую вещь — фактурную и выразительную. Эксперт указывает, что изображение молодой парижанки в шляпке, с модной прической 1930-х годов, обнимающей сына-подростка, дополнено нимбом вокруг головы, что роднит нашу работу с многочисленными коллажами Васильевой на тему Мадонны. В то же время у изображенных людей, вероятнее всего, были прототипы, так как в образах и женщины, и мальчика угадываются вполне портретные черты.

Намеренно смешение жанров и видов искусства (портрета с иконой, рисунка с чеканкой по металлу) создает игровой эффект, свойственный творчеству Марии Васильевой в целом. Она свободно использовала различные приемы и стили, иронично переиначивая их, фантазируя, что составляет ее творческую индивидуальность.

Читайте о Марии Васильевой на AI: «Художник недели: Мария Васильева».

ДОБУЖИНСКИЙ Мстислав Валерианович (1875–1957) Эскиз декораций для постановки балета П. И. Чайковского «Лебединое озеро». 1936
Бумага, графитный карандаш, тушь, гуашь. 16 × 24

«Эскиз декорации для постановки балета П. И. Чайковского “Лебединое озеро”» (1936) Мстислава Валериановича Добужинского — работа чрезвычайно редкая. Достаточно сказать, что в разделе «Театрально-декорационная живопись» каталога произведений художника за 1894–1939, опубликованного в монографии Г. И. Чугунова «Добужинский» (Л. : Художник РСФСР, 1984. С. 277), отмечены всего два известных эскиза декораций к этой постановке, один из которых, «Озеро», находится в собрании наследников художника в Париже, а другой хранится в Национальном музее в Праге.

В январе 1935 года балетная труппа Литовского Государственного театра (ЛГТ) впервые выехала на гастроли в Монако — один из центров балетного искусства Европы в эти годы. Были представлены два балета — «Раймонда» А. К. Глазунова и «Коппелия» Л. Делиба — оба в постановке Н. М. Зверева и художественном оформлении Добужинского. Успех литовцев был так велик, что в другом центре европейского балета — Лондоне заинтересовались этими гастролями настолько, что пригласили труппу продолжить выступления в лондонском театре Альгамбра.

Добужинский выехал из Каунаса в Монте-Карло 2 января 1935 года в связи с гастролями ЛГТ, а 23 февраля 1935 в связи с продолжением гастролей театра переехал из Монте-Карло в Лондон, где жил до августа 1937 года (с поездками в Брюссель, Спа, Каунас, Париж).

В театре Монте-Карло существовало несколько дирекций, в том числе наиболее значительная и известная — дирекция Ренэ Блюма, организованная на базе Дягилевского балета после смерти Дягилева в 1929 году. В 1933 году совместно с полковником В. де Базилем Р. Блюм организовал «Русский балет Монте-Карло». Балетный спектакль «Лебединое озеро» планировался дирекцией Ренэ Блюма «Русского балета Монте-Карло» (Монако) в хореографии Н. М. Зверева (по Л. И. Иванову). Всю работу в эскизах Добужинский делал в январе — феврале (закончил 3 февраля) 1936 в Лондоне, однако постановка так и не была осуществлена.

ГОНЧАРОВА Наталия Сергеевна (1881–1962) Испанка. Эскиз костюма. 1920–40-е
Бумага, графитный карандаш, гуашь, коллаж. 61 × 35,4

Испанская тема считается своеобразной визитной карточкой Наталии Сергеевны Гончаровой, автора эскиза костюма «Испанка» (1920–40-е). Первые «испанские» эскизы были сделаны в 1916 по заказу С. П. Дягилева для планирующихся и так и не реализованных постановок «Испания» на музыку М. Равеля и «Триана» на музыку И. Альбениса. В 1920–1921 годах художница выполнила эскизы испанских костюмов для номеров танцовщицы Элизабет Тулемон (псевдоним — Кариатис). На протяжении 1930–40-х годов Гончарова исполняла эскизы костюмов и декораций для спектаклей на испанскую тему: «Болеро» М. Равеля (1932) в постановке Брониславы Нижинской и «Колдовская любовь» де Фальи (1934), «Гойески» Э. Гранадоса (1939), многочисленных хореографических миниатюр. «Так как очень немногие эскизы были подписаны или датированы, то на данный момент разграничить, какие именно работы для каких постановок были созданы, затруднительно», — отмечает эксперт. Поэтому в нашей работе мы видим роскошный испанский женский костюм к неизвестной — пока неизвестной — постановке.

ДМИТРИЕВСКАЯ Лидия (1895–1967) Зимний натюрморт. 1950-е
Оргалит, масло. 37,7 × 45,9

«Зимний натюрморт» (1950-е) кисти Лидии Дмитриевской — удивительная работа, оригинальным образом совмещающая сразу два живописных жанра. По словам эксперта, натюрморт написан Дмитриевской «в выработанной ею к 1950-м годам характерной, стильной манере, удачно сочетающей в себе натурность и декоративность. В этом небольшом натюрморте чувствуется вкус, настроение, контрастное противопоставление сдержанной, зимней, спящей природы и цветовой игры ярких, насыщенных, недавно срезанных, живых тюльпанов».

ПУНИ Иван Альбертович (1894–1956) Арлекин. Не ранее 1946–1947
Бумага с водяным знаком Arches, цветная литография. 48,1 × 64,2 (лист)
Тираж 150 экземпляров, экземпляр № 78

Цветная литография «Арлекин» принадлежит руке Ивана Ивана Альбертовича Пуни (1892–1956). Внук итальянского композитора и ученик Ильи Репина Иван Пуни покинул Россию в 27 лет, перейдя по льду из революционного Петрограда на другую сторону Финского залива, в имение отца. За спиной осталась бурная футуристическая молодость (знакомство и сотрудничество с братьями Бурлюками, Малевичем, Маяковским, Хлебниковым, Матюшиным, Клюном…), участие в выставках «Союза русской молодежи», «Бубнового валета», «Трамвай В», «0,10», художественное кредо «картина есть новая концепция абстрагированных реальных элементов, лишенная смысла», преподавание в петроградских ГХМ и Витебской художественной школе Шагала, оформление улиц к праздникам, работа на фарфоровом заводе, проектирование печати Совнаркома — и целая эпоха радикальных художественных новаций, эпоха становления русского авангарда.

«Личность Ивана Пуни необычайно симпатична, — пишет Дмитрий Сарабьянов. — Он не стремился поразить мир, как это делали другие петроградские и московские авангардисты, не пытался всюду быть первым, не выдвигал каких-то неосуществимых идей. Его увлечения никогда не доводили его до крайностей. В своем творчестве он полагался на интуицию, которая никогда его не подводила, но не забывал и о рациональном начале, находя между ними некое равновесие» (Дмитрий Сарабьянов, цит. по: magazineart.art).

В позднем творчестве Пуни Арлекин занял главное место, именно ему отведена роль alter ego художника. «Арлекин у Пуни — скорее созерцатель, чем шут, — пишет Дмитрий Сарабьянов. — Конечно, шутовское обличье — его органичная черта. Шутовство изменило его взгляд на жизнь. Он стал двусмысленным. Смешное и красивое сблизились друг с другом настолько, что их нельзя разделить. Сама ирония приобрела изящество. А лик Арлекина соединил в себе разнообразные, трудно совместимые черты — усмешку и страдание, боль и игру. Маска не застилает, а обнажает внутреннее существо героя. Она срастается с лицом, а не отгораживает его от внешнего мира. И хотя это лицо во всех вариантах однотипно и не меняется в зависимости от того, чем занят Арлекин — курит ли он трубку, играет на гитаре, сидит за мольбертом или просто смотрит мимо вас на окружающий мир, хотя оно несет на себе следы застылости, — в деталях, в нюансах в нем выражается состояние человека (а значит — и самого художника). Взгляд Арлекина то меланхоличен, то напряжен и сосредоточен, то равнодушен или непроницаем. Но в самом его существе есть что-то завораживающее и загадочное. Мир, который окружает художника, сложен и неустойчив, он таит в себе и добро, и зло, и радость, и печаль. А сам Арлекин-художник подвержен тем же опасностям, каким подвержены все проявления этого мира — живые люди или одушевленные вещи».

Цветная литография «Арлекин» автором не датирована, но, исходя из датировки оригинального живописного произведения 1946–1947 годами, можно полагать, что литография выполнена не ранее этого времени в Париже.

Географически примыкает к этому разделу недатированная литография «Мельница» французского художника Бернара Бюффе.

БЮФФЕ Бернар (фр. Buffet Bernard; 1928–1999) Мельница
Бумага, литография. 31,8 × 50 (изображение), 38,2 × 57 (лист)
Тираж 200 экземпляров, экземпляр № 137

Следующий раздел каталога — творчество советских художников.

НИССКИЙ Георгий Григорьевич (1903–1987) Лодки у берега. 1957
Картон, масло. 34,2 × 47,3

Небольшая композиция «Лодки у берега» (1957) представляет в каталоге творчество Георгия Григорьевича Нисского. «Тема водного пространства, лодок — из ведущих в творчестве художника,  — пишет эксперт. — Георгий Нисский сам был страстным яхтсменом, на своем шверботе “Кайра” прошел много сотен километров по Клязьме, Оке и Волге. Особенно много работ, посвященных водному спорту, было создано в конце 1940-х — 1950-е годы.

Пронизывающее работу тонкое пространственное чувство отличает лучшие картины Г. Г. Нисского. Произведению присуще то “широкое дыхание”, которое мастер любил вносить в пейзаж: “В моей работе над пейзажем организация пространства имеет колоссальное значение. Понятие пространства не совпадает с понятием линейной перспективы, пересчитыванием планов от носков башмаков до горизонта. Я говорю об организации пространства ритмом силуэтов, цветом; придумываю и компоную вещь в целом, отбрасывая второстепенное, подчеркивая то, что считаю главным, делая планы светлее или темнее в зависимости от того, как этого требует общее решение”».

Наша работа не просто наполнена воздухом — пространство буквально насыщено чистым свежим ветром, запахом реки (это редкий дар, которым Нисский обладал в полной мере). Палитра художника сдержанна, но благодаря этой цветовой сдержанности зритель еще сильнее ощущает объем пространства, освещаемого неяркими солнечными лучами. Опытный яхтсмен, Нисский всегда точен в деталях любых плавучих средств и всего, что с ними связано (разумеется, в той мере, которую диктует конкретная работа — набросок, этюд или законченная вещь), и эта особенность манеры художника отчетливо проявляется в нашем картоне и делает его глубже, значительнее.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Георгий Нисский».

ПОПОВ Игорь Александрович (1927–1999) Василий Блаженный. 1962
Картон, масло. 74 × 104,3

Городской пейзаж «Василий Блаженный» (1962) создан кистью Игоря Александровича Попова.

Игорь Попов учился в Московской средней художественной школе (1939–1945) у В. В. Почиталова, А. П. Шорчева, П. Т. Кошевого. Окончил Московский Государственный художественный институт имени В. И. Сурикова по мастерской С. В Герасимова, где преподавали также Б. Л. Заказной и Н. X. Максимов (1951). Член Союза художников СССР (1954). В 1952–1968 много ездил по Северу России и древним русским городам вместе с В. Стожаровым, Г. Дарьиным, Ю. Семенюком, Е. Зверьковым.

Писал пейзажи, жанровые картины, портреты, натюрморты. Создал большую серию портретов рыбаков из Галича (1960-е), за которую в 1970-м был удостоен медали Академии художеств СССР.

В конце 1950-х — 1960-х в манере Попова проявлялись черты и пластика «сурового стиля», они хорошо заметны и в нашем городском пейзаже. Однако, как пишет В. С. Манин, «групповая выставка московских художников 1967 года, где участвовал Попов, заставила его пересмотреть собственную живопись. Она представилась ему черной на фоне всеобщего “посветления” в декоративной яркости. В многообразии стилевых тенденций доминирующим казался радужный или напряженно-красочный декоративизм. Как будто “суровый стиль” исчерпал себя, а манера Попова внутри него — тем более».

Традиционно самый большой раздел каталога — творчество шестидесятников.

ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич (1937–2012) Композиция. 1971
Холст, масло. 62,5 × 140

Открывает его «Композиция» (1971) Эдуарда Аркадьевича Штейнберга — ранняя, очень известная и многократно опубликованная работа.

«В 1960-е годы, после развенчания “культа личности”, Эдуарда Штейнберга пьянило ощущение безграничной свободы, переполняло желание творить. Его обуревала лихорадочная потребность заполнить вакуум, пустоту, которая зияла на месте разрушенных в предшествующий период ценностей культуры. И вместе с другими творцами и подвижниками он очертя голову бросился создавать новую, уникальную, небывалую культуру — культуру 1960-х.

В конце 1960-х годов стилистика картин Штейнберга изменилась — их фон стал более спокойным, более меланхоличным, на них появились изображения камней, раковин, мертвых птиц. Этот период в творчестве Штейнберга высоко ценил его близкий друг, великий поэт современности Иосиф Бродский» (Платон Обухов. От андеграунда до академии // Декоративное искусство. — 2008. — № 4. — С. 83).

«Картины Штейнберга ничего не навязывают зрителю, ничего от него не требуют — между ними созерцательные отношения. Важным условием для восприятия этих полотен становится способность зрителя к созерцательности, независимой от эстетической позиции. Для зрителя, который смотрит на них “мельком”, “жирновато” и “лениво”, они закрыты. Если же зритель готов принять определенную установку, тогда его субъективное беспокойство поглотится светящимся, тихим космосом» (Ханс Гюнтер, artguide.com).

СНЕГУР Игорь Григорьевич (1935) Тобольский монастырь. 1976
Бумага, темпера. 52 × 72

«Тобольский монастырь» (1976) — ранняя фигуративная работа Игоря Григорьевича Снегура. Цветовое решение композиции близко к «белому на белом» — к это стилистике обращаются многие художники, но все же автор пользуется довольно широкой палитрой. Спокойный мотив провинциального монастыря на листе художника воплощается в очень красивом и отчасти даже сказочном образе, насыщенном мощной энергией и исключительно динамичном.

ХАРИТОНОВ Александр Васильевич (1931–1993) Плывущая тишина. 1981
Холст, масло. 22,3 × 27

Провенанс, который прослеживается от мастерской художника до настоящего момента, — это всегда огромный плюс. Именно таким плюсом обладает холст «Плывущая тишина» (1981) Александра Васильевича Харитонова. Купленный у автора друзьями, известными художниками-карикатуристами и мультипликаторами Галиной и Валентином Караваевыми в 1980-х, он хранился в их собрании, ни разу не меняя владельца.

«Не люблю необычные, томные “левитановские” места, — писал Харитонов в одном из писем. — Нужно писать все обыкновенное, то, что видят каждый день, и делать это необыкновенным» (цит. по: newtimes.ru).

Харитонов сначала писал сюжет крупными мазками, причем без подготовки и карандашного наброска, потом использовал кисточки все меньшего и меньшего размера. Иногда таким образом он накладывал до 40 слоев красок, достигая переливчатого свечения и мерцания законченных холстов. «Моя живопись, — писал Александр Харитонов в конце жизни, — зиждется на трех китах: византийская иконопись, древнерусская иконопись и церковная вышивка драгоценными камнями, жемчугом, бисером. Моими учителями были Достоевский, Гоголь, Саврасов, Флоренский и Моцарт» (цит. по: newtimes.ru). Именно к древним техникам церковной вышивки, а вовсе не к пуантилизму, с которым нередко сравнивают манеру художника, напрямую отсылают нас его филигранные работы.

СВЕШНИКОВ Борис Петрович (1927–1998) Окно. 1985
Холст, масло. 80 × 65

Масло «Окно» (1985) Бориса Петровича Свешникова — одна из самых ярких (в буквальном смысле) работ нашего аукциона на этой неделе. Композиция выполнена в филигранной, напоминающей мозаичное панно и близкой дивизионизму изобразительной манере, характерной для живописных работ художника. Работа поражает кропотливостью и точностью исполнения и в полной мере наделена привычным свешниковским сюрреализмом и ощущением некой потусторонности, атмосферы вечности вне времени и пространства.

Эта манера отличается от стилистики известных лагерных рисунков. (В 1946 году 19-летний студент Московского института прикладного и декоративного искусства вышел с бидоном купить керосина и вернулся только через 8 лет. «Антисоветская деятельность» — этап в Ухтижемлаг в Коми — прокладка трубопровода. Случай помог изможденному, больному заключенному выжить. После лагерной больницы его перевели в инвалидный лагерь на должность сторожа. Там Свешникову удавалось украдкой рисовать и, что еще сложнее, передавать отдельные рисунки на волю (artinvestment.ru).)

Работам Свешникова свойственно «сочетание мелких фигур со вселенским масштабом композиции, смешение подмеченного в жизни и фантастического, современных реалий и образов прошлого, сложное пространственно-временное построение композиций, где не по законам логики, а скорее, в соответствии с логикой сна или видения трансформируются мотивы и образы. Частные вопросы, заданные в каждой отдельной сцене, при всем их многообразии и алогичном сочетании, подчинены, как правило, главным темам творчества художника — вездесущей смерти и абсурдности жизни. Свешникову удается мастерски увязать земное измерение, без которого обращение к этим темам невозможно, с вневременным характером целого» (Оксана Воронина, mmoma.ru).

Мрачные сюжеты и символика, связанная со смертью, — все эти «идеологические» атрибуты творчества художника, корни которых лежат в его лагерном прошлом, хороши на музейных стенах, но для домашнего собрания больше подходят относительно нейтральные сюжеты, один из которых (при равенстве прочих достоинств) и представляет наша картина «Окно» (1985).

ПРИГОВ Дмитрий Александрович (1940–2007) Dynamic of the God. Stadium I. 1993
Бумага, шелкография. 79 × 61 (лист), 59,3 × 41,8 (изображение)

Единственная в каталоге работа представителя следующего поколения второго русского авангарда — семидесятников — тиражный лист «Dynamic of the God. Stadium I» (1993) Дмитрия Александровича Пригова.

РОГИНСКИЙ Михаил Александрович (1931–2004) Вид на двор (Two windows). 1995
Холст, масло. 35,2 × 26,8

«Я заставлял себя воссоздавать реальность, исходя из своих представлений о ней», — говорил Михаил Александрович Рогинский, автор небольшого холста «Вид на двор (Two windows)» (1995).

«В 1994–1995 годах Миша сделал довольно большую серию “Окна”. Все работы примерно одинакового размера (небольшие) и черно-белые, такой, если можно сказать, минимализм Рогинского.

Окна — и стены домов с окнами — у Рогинского рекуррентный сюжет, жилище, сведенное к самому основному.

Миша в то время начал учить английский язык — думаю, потому и написал про окна по-английски, вроде домашнего задания:)» (Лиана Шелия-Рогинская).

Работа сопровождается Сертификатом подлинности, выданным в августе 2020 года и подписанным Лианой Шелия-Рогинской, вдовой художника и вице-президентом Фонда Михаила Рогинского. Учитывая, что рынок художника, увы, не безупречен с точки зрения подлинности работ, наличие сертификата чрезвычайно важно. Картина включена в сводный каталог произведений Михаила Рогинского, подготавливаемый в настоящее время Фондом Михаила Рогинского, под номером 1871Р.

СЛЕПЫШЕВ Анатолий Степанович (1932–2016) Без названия (Двое в комнате)
Бумага на картоне, перо, тушь. 66,5 × 106,5

Не датирован тушевый рисунок «Без названия (Двое в комнате)»Анатолия Степановича Слепышева, подобные рисунки с сильной штриховкой поверхности листа характерны для 1970-х годов. Трагическая сцена разворачивается в комнате лунной ночью: безутешна обнаженная женщина, фигура которой тщательно прорисована, и равнодушен свободно раскинувшийся на кровати мужчина, выполненный довольно условно.

Завершающий раздел каталога — творчество художников конца ХХ — XXI века.

БУХ Арон Фроимович (1923–2006) Обнаженная
Оргалит, масло. 59 × 85

Динамична и легка живописная «Обнаженная» Арона Фроимовича Буха. Один из лучших отечественных колористов, Бух использует сдержанную палитру фона, чтобы выделить женскую фигуру, но при этом смело пишет обнаженную модель на розовом покрывале. Более холодный тон покрывала замечательно подчеркивает теплый оттенок женской кожи.

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Декабрист и разные цветы. 2008
Холст, масло. 80 × 90

Благородны и царственны цветы на черном фоне холста в живописной композиции «Декабрист и разные цветы» (2008) Люси Вороновой — один из любимых ценителями творчества художницы мотивов.

«Работа “Декабрист и разные цветы” относится к одной из самых знаменитых серий — “Цветы на черном”. Без этой серии, начатой еще в 2006 году, не обошлась, пожалуй, ни одна выставка за последние 15 лет.

Мы уже привыкли к большому акценту на фон в произведениях Люси Вороновой, однако же здесь его заменяет абсолютно черное пространство, буквально выдавливающее на передний план яркие краски разнообразных цветов.

Что же выделяет работу среди других холстов этой с первого взгляда узнаваемой серии? Пожалуй, год написания: именно в этом году “Цветы на черном” закрепились как серия, и на этом основании мы можем говорить о том, что “Декабрист и разные цветы” — одна из первых представителей этого замечательного цикла» (Георгий Воронов).

Одновременно с нашим штатным 370-м AI Аукционом открыт 56-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». Каталог составили работы Алексея Беляева-Гинтовта, Юрия Бабича, Александра Жатова, Марины Колдобской, Олега Кулика, Юлии Малининой, Юлии Мамонтовой, Pata, Романа Рахматулина, Елены Суровцевой.

Всем желаем удачи на 370-м AI-Аукционе и 56-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.