В каталоге 30 лотов: 17 живописных работ, 5 листов оригинальной и 1 — печатной графики, 3 работы в смешанной технике, 3 трехмерные композиции и 1 икона

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 363 и 49-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 363-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 49-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 22 января, в 12:00.

Каталог начинает раздел Русского искусства XIX века.

Неизвестный художник (работал во второй четверти XIX века). Мастерская Ф. Крюгера (?). Портрет императора Николая I. Вторая четверть XIX века
Холст, масло. 95 × 73

«Иконография исследуемого портрета Николая I, — отмечают эксперты, — восходит к портрету кисти Ф. Крюгера (1835; находился на выставке в Академии художеств в 1836. Возможно, в настоящее время он находится в собрании ГИМ). <…>

Портрет Николая I 1835 года, как и другие портреты императора кисти Крюгера, неоднократно воспроизводились художниками и граверами в различных вариантах (в рост, погрудное и поясное изображения)». Аналогичный портрет работы неизвестного художника и атрибутированный как «Копия с работы Ф. Крюгера (1797–1857) “Портрет императора Николая I”», находится в коллекции Коми-Пермяцкого краеведческого музея им. П. И. Субботина-Пермяка.

Живописное произведение, вошедшее в наш каталог, как указывают эксперты, «отличается высоким уровнем исполнения, разнообразием и свободой варьирования изобразительных приемов, пластической убедительностью передачи формы, живописной завершенностью. Манера написания таких деталей, как волосы, уши, глаза, находит аналогии среди произведений Крюгера (“Портрет Николая I”, 1850 ГРМ; “Портрет А. В. Оболенского”, 1850, ГЭ). Вместе с тем необходимо отметить и отличия — мундир и ордена трактованы обобщенно, объем только намечен белильными штрихообразными мазками. Все вышесказанное дает нам основания предположить, что портрет мог быть написан в мастерской Франца Крюгера. Произведение имеет несомненное музейное значение».

Икона «Успение Пресвятой Богородицы». Середина XIX века
Дерево (сосна), левкас, темпера, покрывная олифа. 53 × 43

В середине XIX века написана икона «Успение Пресвятой Богородицы».

Слово «успение», однокоренное со словом «усопший», означает «сон». Так в Церкви называют день кончины Пресвятой Богородицы. Успение Пресвятой Богородицы — один из двунадесятых праздников. Празднование совершается 28 августа (15 августа).

«Момент перехода Богородицы в Вечность в Евангелии не описан. Детали этого события известны нам из Предания и различных апокрифических источников. Вот как оно произошло:

Богородица была предупреждена архангелом Гавриилом, что через три дня Сын заберет Ее к Себе. Пресвятая Дева ждала этой вести. Она была готова к переходу в вечность, и отведенные три дня использовала для того, чтобы проститься со всеми дорогими Ее сердцу людьми. Сразу стало понятно, что некоторых Она не сможет увидеть — например, апостолов, которые разошлись по Римской империи на проповедь. Трех дней было мало, чтоб собрать их всех, и Богородица взмолилась Сыну о помощи. На материнские молитвы Господь ответил чудом: во все края, где находились апостолы, были посланы ангелы, которые на облаках принесли их в Иерусалим к дому Пречистой.

Настал день кончины. Мария мирно лежала на одре, сияющая тихой радостью. Вокруг нее собрались самые близкие люди. Внезапно в горнице заблистал несказанный свет Божественной славы. Те, которым открыто было это видение, пришли в ужас. Они видели, что кровля горницы открыта, и сам Христос в окружении небесных сил приближался к своей Матери. Ее душа отделилась от тела и была принята на руки Спасителя, который забрал Ее с Собою. А на одре осталось тело, которое светилось благодатью, и казалось, будто Богородица не умерла, а лежит в мирной полуденной дремоте. На Ее лице застыла счастливая улыбка — наконец после долгих лет ожидания Она ушла к своему Сыну» (foma.ru).

Перед иконой молятся об исцелении болезней (душевных и телесных), укреплении веры, даровании добродетелей и избавлении от грехов, пагубных пристрастий и так далее, оправдании в случае оклеветания, обличении неправды, напутствии умирающих.

ЛЕВИТАН Исаак Ильич (1860–1900) Вечер. Дорога. 1881–1882
Бумага на картоне, масло. 10 × 14,6

Совсем небольшой (10 × 14,6) пейзаж «Вечер. Дорога» (1881–1882) принадлежит кисти Исаака Ильича Левитана и относится, как пишет эксперт, к самому раннему периоду творчества художника, «когда он еще был учеником Училища живописи, ваяния и зодчества. В это время художник искал свои мотивы, складывалась его особая манера письма. В начале 1880-х годов Левитан жил в Останкине. Его привлекали мотивы позднего вечера с отблесками закатного освещения». Эксперт отмечает, что эту работу «нельзя назвать этюдом, так как она имеет цельное картинное построение, что также характерно для малоформатных произведений Левитана».

Картина «Вечер. Дорога» (1881–1882) «экспонировалась на большой персональной выставке И. И. Левитана, организованной Государственной Третьяковской галереей в 1938 году, и значится в каталоге этой выставки (Исаак Ильич Левитан. Каталог выставки. М.-Л., 1938. № 35). Также картина значится в полном списке произведений И. И. Левитана, опубликованном в книге “Исаак Ильич Левитан. Документы. Материалы. Библиография”. Под общей редакцией А. А. Федорова-Давыдова (М., 1966, С. 77. № 47). <…> Известно, что в 1930-х годах картина находилась в собрании Л. В. Москвиной (Москва), позднее — в собрании известного художника Н. П. Крымова (Москва)».

Второй раздел каталога — произведения художников Русского Зарубежья.

БЕНУА Александр Николаевич (1870–1960) Набережная. 4 августа 1927
Бумага, графитный карандаш, акварель. 22 × 26,3

Акварельная композиция «Набережная» Александра Николаевича Бенуа написана в самом начале августа 1927 года в небольшом французском городке Санари-сюр-Мер на берегу Средиземного моря, где художник недолго жил с семьей. 19 мая 1927 года Александр Бенуа писал Ф. Ф. Нотгафту: «… не будет ли тогда благоразумнее мне сначала хотя бы на три недели съездить отдохнуть (ведь подумайте только, сколько теперь лет я без передышки, — если не считать четырех недель в Бретани, работаю и извожусь нервами!)? На этом очень настаивает Кока (Н. А. Бенуа. — AI.), который так в своих письмах из Милана… и говорит, — что он меня “потащит” на берег моря в Provence… Я очень замотался, очень устал… Чувствую при этом самую категорическую необходимость куда-то отъехать, прийти в себя, очухаться…» (Цит. по: benua.su). Можно осторожно предположить, что поездка в Санари, в Провансе, — это тот самый небольшой долгожданный отдых, о котором так мечтал художник. Пусть и не в июне, а в августе — сентябре 1927 года. Изучать подробности биографии художника, относящиеся к середине 1927 года, предстоит новому владельцу акварели; известно только, что в Санари-сюр-Мер написан ряд акварельных пейзажей, и к этой небольшой серии, очевидно, принадлежит и наша изящная композиция.

ВЕЩИЛОВ Константин Александрович (1878–1945) Зимний пейзаж. 2-я четверть XX века
Холст, масло. 54,4 × 64,2

Второй четвертью ХХ века датирует эксперт «Зимний пейзаж» Константина Александровича Вещилова: «Мотив… пейзажа с изображением заснеженной гористой местности, освещенной зимним солнцем, высоких елей и медленно текущего ручья на первом плане, близок к ряду пейзажей, исполненных К. А. Вещиловым во второй половине 1930-х — начале 1940-х годов в Америке, куда он переехал из Франции в 1935 году. Типичным также является изображение излюбленного мостика через ручей».

Сегодня Вещилов более всего известен своими пейзажами, однако начинал любимый ученик И. Е. Репина как жанровый и исторический живописец, картины которого экспонировались, приобретались в крупные собрания, но при этом получали и критические отзывы, которые были во многом обусловлены общей усталостью от некоторых ставших уже избитыми академических тенденций. И лишь во второй половине 1910-х годов в его творчестве начала преобладать линия интимного пейзажа, вбирающая в себя лучшие достижения русской пейзажной школы, которая отказалась от риторики передвижников в пользу передачи эмоционально-духовных аспектов в изображениях природы. За годы работы и в России, и в эмиграции Вещилов развил свою пейзажную манеру, сделал ее узнаваемой и любимой многочисленными почитателями.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Константин Вещилов».

ЭРТЕ (Тыртов Роман Петрович, 1892–1990) Аполлон. 1989
Бронза, эмаль. 18 × 32 × 25

Тиражная бронзовая чаша с эмалью «Аполлон» (1989) сделана по эскизу Эрте — одного из основоположников и великого мастера стиля ар-деко. Чаша выполнена при жизни художника, на внутренней поверхности воспроизведена его подпись. Аналогичная чаша опубликована в каталоге: ERTÉ Fascino e Seduzione Déco a cura di edited by Franco Maria Messina. Milano: SilvanaEditoriale, 2001. С. 169 (воспр. в цвете).

Исключительно интересен в 363-м каталоге AI Аукциона раздел творчества советских художников.

РОДЧЕНКО Александр Михайлович (1891–1956) Пейзаж. 1938
Картон, масло. 13,8 × 19,8 (в свету)

Один из топ-лотов каталога — «Пейзаж» (1938) Александра Михайловича Родченко. В конце 1930-х годов художник от новаторских поисков 1910-х — начала 1930-х обратился к станковой живописи. В произведениях конца 1930-х — 1940-х годов фигуративная живопись перемежалась с полуабстрактными декоративными работами на тему цирка, портретами, пейзажами, отмеченными динамикой быстрых и легких мазков, экспрессией колорита и фактуры. В нашем пейзаже, как и в других работах этого периода, Родченко раскрывается с довольно неожиданной стороны: художник уходит от прямых линий, простых фигур, фотографического ритма диагоналей, а цветовой минимализм многолетних авангардных экспериментов сменяется тончайшим глубоким колоритом. Палитра его станковых композиций (и нашего «Пейзажа», безусловно) велика, но очень сдержанна.

Наиважнейшая составляющая нашей работы — прозрачный и подтвержденный провенанс. Подаренный дочерью художника Варварой Александровной Степановой своей подруге, известному книжному иллюстратору Галине Николаевне Бойко, пейзаж перешел по наследству к сыну последней, художнику Игорю Антоновичу Шалито, о чем имеется его рукописное подтверждение. Выход на отечественный и, более того, мировой арт-рынок произведения Александра Родченко с ясным и достоверным провенансом — это поистине уникальное событие!

О художнике читайте на AI нашу сегодняшнюю публикацию: «Художник недели: Александр Родченко».

ЛАБАС Александр Аркадьевич (1900–1983) На даче летом. Из серии «Хотьково — Абрамцево». 1958
Бумага, акварель. 64 × 44,2

Акварель «На даче. Из серии “Хотьково — Абрамцево”» (1958) Александра Аркадьевича Лабаса продолжает наш рассказ.

До революции Лабас учился в императорской Строгановке, потом во ВХУТЕМАСе. Участвовал в Гражданской войне (в 1919 году ушел на Восточный фронт художником). Вернулся во ВХУТЕМАС, учился у Кончаловского, Малевича, Кандинского. Потом там же сам преподавал композицию и цвет, а также цветоведение в физической лаборатории вместе с учеными-физиками. Отсюда — его интерес к аналитическому осмыслению пластических свойств живописи. Отсюда поиски новых художественных приемов: «вибрирующих» света и цвета, необычных композиционных решений, ракурсов, подсказанных современными кино и фотографией. Александра Лабаса называли романтиком индустриального прогресса и технических новшеств, именно эти тематические работы 1920–30-х годов — дирижабли, поезда, самолеты — составляют самую яркую, известную и ценную часть его творческого наследия.

В середине 1930-х Лабас, как и многие его коллеги, попал под каток борьбы с «формалистами» в искусстве. Почти 30 лет он не имел возможности участвовать в выставках и зарабатывал на жизнь созданием панно и диорам для отраслевых экспозиций. Полноценный доступ к зрителю уже пожилому художнику был возвращен лишь в середине 1960-х годов. С этого времени началось его триумфальное возвращение.

1958-й — год создания нашей акварели — это время работы без публики, без экспозиций, до первой выставки остается еще долгих 8 лет. Вместе с тем это время огромной внутренней работы, размышлений; так, именно в этот период (с 1957 до середины 1970-х) была создана большая серия акварелей, вызванных к жизни трагедией японских городов Хиросимы и Нагасаки.

Акварель «На даче» (1958) относится к большой серии «Хотьково — Абрамцево». Это ряд чистых, прозрачных подмосковных пейзажей, наполненных воздухом и светом.

К сожалению, подделки работ Александра Лабаса на рынке встречаются. Поэтому Сертификат подлинности Фонда содействия сохранению творческого наследия художника Александра Лабаса (Лабас-Фонд), которым будет сопровождаться наша акварель при покупке, гарантирует безопасность сделки и повышает ликвидность работы.

Читайте о художнике на AI: «Хиты аукционов ARTinvestment.RU. Александр Лабас. Цены, спрос, инвестиции» (публикация 2014 года, но, за исключением отдельных деталей, она по-прежнему актуальна и исключительно информативна), «Художник недели. Александр Лабас».

КОКУРИН Валерий Григорьевич (1930–2019) На рынке. 1962
Бумага на оргалите, масло. 47,2 × 64,2

Одна из самых ярких работ каталога и, можно сказать, эталонная вещь владимирской живописной школы — «На рынке» (1962) Валерия Григорьевича Кокурина, — одного из трех художников (Ким Бритов, Владимир Юкин и Валерий Кокурин), с именами которых связано возникновение и существование самого этого понятия.

«А началось все с того, что в конце 50-х годов группа молодых художников, в числе которых был и Валерий Кокурин, начала дерзкий поиск в области цвета и колорита. Первый успех и признание пришли к ним в 1960 году. О владимирских художниках заговорили после первой республиканской выставки “Советская Россия”. Мнений существовало множество: хвалили, ругали, но равнодушных не было. В те далекие времена смелость и новаторство владимирских художников понимали и принимали далеко не все. Слишком уж непривычной была их живопись.

Валерий Кокурин, наделенный от природы обостренным чувством цвета, даже среди смелых владимирских живописцев был одним из самых ярких и самобытных  колористов. Стихия Кокурина — это цвет, в живописном хороводе звонких красок проявляется яркий темперамент личности художника, его неистребимое жизнелюбие.

У художника есть своя, кокуринская трактовка живописных принципов владимирской школы. Особенность творческого почерка этого замечательного мастера — повышенная декоративность и утонченность найденных им колористических аккордов.

Его живопись хоть и основана на фольклоре, но она пронизана эстетикой импрессионизма, европейского искусства, наконец, она по-особому чувственна и эмоциональна. Живопись Кокурина делает владимирскую школу более одухотворенной, придает ей особую манерность, легкость и изыск.

В дышащих, пульсирующих радостью полотнах Кокурина есть все: смелый и неожиданный колорит, юмор, элемент игры, а главное — большие чувства большого художника» (Надежда Севастьянова, научный сотрудник Владимиро-Суздальского музея-заповедника, vshr.jimdo.com).

ЕГОШИН Герман Павлович (1931–2009) Фонарь и банка. 2008
Холст, масло. 70 × 70

Автор натюрморта «Фонарь и банка» (2008) Герман Павлович Егошин — член-корреспондент АХ (2007), заслуженный художник РФ (2007). Его произведения хранятся в ГТГ, в Русском музее, в других музеях и частных коллекциях.

Егошин — представитель поколения «шестидесятников» в ленинградской живописной школе. В его творческой биографии выделяются две выставки группы «одиннадцати», в 1972 и 1976 годах. Интересно отметить выступления двух учеников Малевича на обсуждении выставки 1972 года, ставшей событием в культурной жизни Ленинграда:

Валентин Курдов: «Все эти одиннадцать художников выступили на этой выставке очень увлеченно, одержимыми своим искусством. У всех этих художников есть настоящая страсть, каждый из них по-своему хочет увидеть мир… Путь каждого художника… выстрадан, найден в большой упорной работе. Это и есть настоящий путь в нашем искусстве… Может быть, это будущее нашего ЛОСХа…»

Владимир Стерлигов: «Сегодня я увидел из тьмы свет. А раз свет, значит, и цвет в живописи, представленной здесь… В этой выставке, мне кажется, имеет место приближение к тем традициям, которые были остановлены в своё время. Они вновь начинают жить, а некоторые произведения выставки свидетельствуют о любви к ним».

«Идеолог» объединения искусствовед Л. Мочалов, позже вспоминая об экспозиции Егошина на выставке 1972 года, писал, что тот в своей работе опирался на творчество русских «сезаннистов» — Петра Кончаловского, Ильи Машкова и Роберта Фалька: «Егошин выработал собственную “таинственно-туманную” живописную систему, характеризующуюся вплавлением формы в вибрирующую световоздушную среду» (ru.wikipedia.org).

Наш натюрморт «Фонарь и банка» (2008) выполнен через много лет, но в нем видны те же традиции, та же сложная живописная система, которая стала основой творческой манеры замечательного ленинградского художника.

Самый крупный раздел каталога — творчество шестидесятников.

РАБИН Оскар Яковлевич (1928–2018) Небрежный натюрморт. 1963
Холст, масло. 90,5 × 70

К числу топ-лотов каталога относится и ранний, 1963 года, «Небрежный натюрморт» Оскара Яковлевича Рабина. Картина написана в сдержанной, «вибрирующей» цветовой гамме доэмиграционного периода художника. Здесь нет пейзажных фрагментов с лианозовскими бараками, немного деталей, в целом спокойная лаконичная композиция, динамику которой придает пар, медленно выходящий из носика одного из чайников. Драматический центр картины — перевернутая икона, освещенная лучом света.

КРОПИВНИЦКИЙ Евгений Леонидович (1893–1979) Пейзаж с церковью. 1963
Бумага, цветные карандаши. 37,2 × 49,6

Небольшой рисунок графитным карандашом «Пейзаж с церковью» (1963) основателя и одного из главных идеологов лианозовского кружка, поэта и художника Евгения Леонидовича Кропивницкого, относится к зрелому творческому периоду автора. Это одна из гармоничных и спокойных работ, в которых художник, по всей видимости, стремился запечатлеть неяркий, спокойный день глубинки Средней полосы, еще, к счастью, не затронутой цивилизацией.

ВАСИЛЬЕВ (MON) Юрий Васильевич (1925–1990) Бал во дворце. 1967
Оргалит, масло. 71 × 121,5

Живописная композиция «Бал во дворце» (1967) Юрия Васильевича Васильева (MON) написана в чрезвычайно напряженный творческий период художника и скульптора. В 1965 году Васильев познакомился и подружился с главным режиссером Театра на Таганке Ю. П. Любимовым и в последующие 6 лет оформил на Таганке, а также в театре Моссовета, Ленкоме, Малом театре 7 спектаклей. В 1967-м работал на Международном симпозиуме скульпторов по камню в г. Горжицы (Чехословакия). Там создал композицию из шести скульптур «Любовь». В конце 1960-х — начале 1970-х выполнил много произведений живописи, графики, скульптуры по камню (известняк и мрамор) и по дереву, театральных работ. Можно предположить, что «Бал во дворце» (1967) — авторская трактовка в абстрактной стилистике сцены из спектакля, над которым художник работал в то время.

14 сентября 1991 года Эрнст Неизвестный писал: «Он, именно он и никто другой, первый, еще в страшные сталинские времена, начал изучать русский и западный авангард. Это он своей веселой свободой лечил многих от летаргии соцреализма. Щедрый коллекционер с широким русским размахом и кистью в руках.

Я уверен, что если мы сейчас взглянем на все, что он сделал, то увидим оригинального и смелого художника, боровшегося с трусливым и серым временем» (Юрий Васильев. MON. М., 1993. С. 71). Абстракция «Бал во дворце» (1967) упомянута (без иллюстрации) в этом каталоге, подготовленном семьей художника.

СООСТЕР Юло Ильмар Йоханнесович (1924–1970) Ландшафт с глазами. 1968
Оргалит, масло. 47,3 × 55,5

Еще один топ-лот аукциона — масло «Ландшафт с глазами» (1968) Юло-Ильмара Соостера. Работа известная, экспонированная и не единожды опубликованная.

Соостер — один из самых известных представителей «поколения шестидесятых», едва ли не самый европейский (в смысле «заграничный») из шестидесятников первого ряда, семь из десяти отмеренных ему лет отсидевший в лагерях по «антисоветской» статье, участник Манежной выставки, организатор знаменитых «вторников» на улице Красина, на которых выпивала и общалась подпольная Москва. Официально — график, иллюстратор научной фантастики; неофициально — мастер экспериментальной живописи, чья персональная метафизика нашла свое отражение в своеобразном стиле, вобравшем в себя отголоски таких иноземных течений, как онейрический сюрреализм Рене Магритта и Макса Эрнста, «ар информель» и абстрактный экспрессионизм.

Лучшими у Соостера считаются картины 1960-х годов, с изображением его любимых форм — помимо яиц, это рыбы, глаза и кусты можжевельника (последние, как непременная часть пейзажа родного острова Хийумаа, предстают в качестве элементов его бессознательного).

Наш «Ландшафт с глазами», бесспорно, одна из лучших вещей художника. Все при ней: правильная тема, лучший период, великолепное исполнение, красота, хороший коллекционный размер.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели. Юло Соостер».

ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич (1937–2012) Небо. Земля. 1989
Бумага, гуашь. 49,5 × 37,5

Взаимодействие Земли и Неба — это едва ли не самая главная тема в творчестве Эдуарда Аркадьевича Штейнберга, автора гуашевой композиции «Небо. Земля» (1989). В разные периоды творчества части этой пары могли главенствовать, одна или другая, но во многом именно они вместе лежат в основе всей метафизики Штейнберга.

«В своем искусстве Штейнберг соединял мистические концепции русских символистов и пластические идеи Малевича. Используя элементарные супрематические формы, наделял их метафизическим смыслом, превращал в символы неких сверхреальных сущностей. Противопоставлял себя как “художника дня” Малевичу, которого называл “художником ночи”. Большинство работ являются стилизацией супрематизма, но система Штейнберга строится на мотиве креста, а не квадрата, как у Малевича» (artinvestment.ru).

На вопрос о поиске своего пути в искусстве художник отвечал, что к пониманию геометрической абстракции «пришел через русский авангард, прежде всего через супрематизм Казимира Малевича. Но я практически ничего нового не открыл, я только дал русскому авангарду другой ракурс. Какой? Скорее, религиозный. Свои пространственные геометрические структуры я основываю на старой катакомбной стенописи и, конечно, на иконописи. Моя маленькая заслуга состоит в том, что я чуть-чуть повернул русский авангард. Но, с другой стороны, я развиваю в своих работах традиции русского символизма… <…> Внутренняя концепция моих произведений, таким образом, строится на синтезе мистических идей русского символизма десятых годов и пластических решений супрематизма Казимира Малевича» (books.google.de).

БЕЛЕНОК Петр Иванович (1938–1991) Покорение. 1990
Бумага, тушь, коллаж. 85,9 × 61

В 1990 году создана композиция «Покорение» Петра Ивановича Беленока. Покорение пространства — ни больше ни меньше! — такую задачу поставил перед собой и своим героем автор. Человеческая фигурка (как правило, художник вырезал детали для своих коллажей из спортивных журналов, где фотографам удавалось схватить моменты наивысшего эмоционального и физического напряжения спортсменов) с видимым усилием движется вперед, преодолевая явственно чувствуемое сопротивление. Художник разделил пространство не на две, а на три части, усложнил его, и это придает всей работе дополнительную динамику. Поверхность, по которой идет персонаж, создана несколькими взмахами кисти — яростными, напряженными, и ее тоже преодолевает и, в конечном счете, покоряет себе человек.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Бубновая тройка. 1996
Холст, карандаш, акрил, игральная карта, коллаж. 24,1 × 32,2

Владимир Николаевич Немухин, автор композиции «Бубновая тройка» (1996), очень часто вводил в свои работы игральные карты разного достоинства и разных мастей. Среди них были у художника любимые «лица», которые красовались в его произведениях единолично, — бубновый валет (эта карта вызвала к жизни огромное количество работ и, по сути, превратилась в своеобразный немухинский жанр), бубновая девятка, трефовая дама и бубновая тройка. «Композиция “Бубновая тройка”, — пишет эксперт, — характерная работа В. Н. Немухина 1990-х — 2000-х годов, созданная на основе игровых карточных раскладов и комбинаций и под влиянием художественного наследия мастеров русского авангарда начала ХХ века. Отсюда лаконичность и строгость геометрических построений, а также изысканная, но сдержанная цветовая гамма с акцентом на бубновую игральную карту».

СИЛИС Николай Андреевич (1928–2018) Гимнастка. Из серии «Аэробика». Эскиз скульптуры
Бумага, карандаш, белила, сангина, уголь. 32,5 × 42,2

Не датирован эскиз скульптуры «Гимнастка» из серии «Аэробика» Николая Андреевича Силиса. Композиция в высокой степени проработана, закончена и подписана. Воплощенная в металле скульптура 1992 года отличается от эскиза, но различия в деталях дают основания предположить, что наш эскиз представляет собой один из авторских вариантов разработки мотива лежащей женской фигуры с запрокинутыми за голову руками, впоследствии выполненного в металле.

ПУРЫГИН Леонид Анатольевич (1951–1995) Синяя бабочка
Дерево, роспись. 64 × 22 × 29 (общий), 52 × 22 × 29 (скульптура)

Не датирована и деревянная скульптура «Синяя бабочка», созданная Леонидом Анатольевичем Пурыгиным. Надо сказать, что трехмерные деревянные композиции художника крайне редко появляются на аукционных торгах, гораздо реже, чем скульптура в металле, хотя и ее немного. В целом работа находится в хорошем состоянии, однако следы бытования на ней все же заметны: есть незначительные растрескивания дерева на фигуре и основании и трещины на красочном слое, утрачены несколько шипов на голове.

Творчество современных авторов в каталоге представлено единственной работой — холстом «Прогулка» (2007) Андрея Викторовича Медведева.

МЕДВЕДЕВ Андрей Викторович (1960) Прогулка. 2007
Холст, масло. 45 × 97,8

Персонажи картины вызывают странный вихрь ассоциаций, в которых смешались сказки Гофмана, XVIII век, венецианский карнавал, образы Веласкеса, театр и подземные жители из «Черной курицы» Антония Погорельского… Покинув на время свой сказочный город, они вышли на прогулку, погруженные в себя, отстраненные друг от друга, и от зрителя, и от земли, по которой они движутся. Лица без эмоций, образы без красок — все это есть, но запрятано глубоко внутри. И чем более замкнуты их лица, тем более они притягивают взгляд, побуждая зрителя то ли разгадать их, то ли самому придумать их истории так, чтобы краски проявились.

«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).

Одновременно с нашим штатным 363-м AI Аукционом открыт 49-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». Каталог составили работы Дмитрия Беловолова, Марины Колдобской, Владимира Коркодыма, Олега Кулика, Анны Лавровой, Pata (Пааты Мерабишвили), Романа Рахматулина, Бориса Смотрова и Максима Татаринцева.

Всем желаем удачи на 363-м AI-Аукционе и 49-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.