В общем каталоге собрано, как обычно, 30 лотов: 13 живописных работ, 5 листов оригинальной и 2 — печатной графики, 8 работ в смешанной технике, 1 фотография и 1 фарфоровая тарелка

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 359 и 45-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 359-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 45-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Каталог открывает раздел русского искусства начала ХХ века.

ЖУКОВСКИЙ Станислав Юлианович (1875–1944) Солнечный день. 1900
Холст на картоне, масло. 40,5 × 58

В 1900 году создан холст «Солнечный день» Станислава Юлиановича Жуковского. Сын польского аристократа, лишенного владений и дворянских прав за участие в антирусском восстании в 1863 году, детство Жуковский провел в родовом имении отца Старая воля. Учился в Варшавской классической гимназии, затем в реальном училище в Белостоке, где получил первые навыки рисования под руководством С. Н. Южанина. В 1892 приехал в Москву и поступил в МУЖВиЗ вольнослушателем, занимался у В. Д. Поленова, И. И. Левитана, С. А. Коровина, Н. А. Касаткина, Л. О. Пастернака (1892–1901). «Жуковский воспринял у своих учителей вдумчивое и лирически бережное отношение к природе, — отмечает эксперт. — Будучи человеком, тонко чувствующим состояние окружающего ландшафта в разное время года и дня, он перенял у них умение передавать малейшие нюансы в жизни природы с полной душевной самоотдачей и живописным мастерством».

В 1890-х— 1900-х С. Ю. Жуковский много путешествовал по России. С 1895 (до 1901) регулярно участвовал в выставках Московского общества любителей художеств, а также в выставках ТПХВ (до 1918). В 1902–1903 экспонировал свои работы на выставках «Мира искусства». В 1903 вошел в Союз русских художников и 20 лет экспонировал свои работы на его выставках. Пейзажи Жуковского сразу принесли художнику известность и пользовались большим спросом в среде коллекционеров. Среди первых покупателей его картин были П. М. Третьяков и Н. П. Рябушинский.

«…Пейзаж <«Солнечный день» (1900)> был написан С. Ю. Жуковским, вероятно, под Москвой, где он по нескольку месяцев работал в 1900 и 1901 годах, — пишет эксперт. — Художник выбирал незатейливые уголки родной природы, наполняя их поэтическим чувством. В… произведении, как и других подобных картинах автора данного периода творчества, он сочетал реализм видения с разнообразием фактурного решения, тонко подмечая цветовые нюансы и мастерски передавая свето-воздушное состояние природы, в данном случае солнечного зимнего денька».

ДУБОВСКОЙ Николай Никанорович (1859–1918) Близ Сальцо-Маджиоре (Этюд из путешествия по Италии). 1908
Холст, масло. 26,3 × 35,4

Николай Никанорович Дубовской — одна из крупнейших фигур в искусстве русского «пейзажа настроения». На протяжении фактически двадцати лет Дубовской был главным идейным вдохновителем Товарищества передвижных художественных выставок, оберегая его ценности в непростое для объединения время. Художник был глубоко убежден, что искусство должно быть неотделимо от этических принципов, которые в него вкладывали близкие Дубовскому народнические круги общества. Он говорил: «В искусстве много сторон, и чисто красочные разрешения нам тоже нужны, но что дороже: внешний лоск, который завтра же будет побит ещё более нарядной живописью, или внутреннее, духовное содержание вещи, которое навсегда останется ценным? Форма есть средство для воплощения идеи, а не главная цель».

Николай Дубовской родился в 1859 году в семье потомственного казака. В 1877 году в качестве пенсионера войска Донского поступил в класс пейзажной живописи ИАХ, учился у М. К. Клодта, удостоен нескольких поощрительных серебряных медалей. В 1882-м оставил Академию, не окончив курса.

Жил в Петербурге (Петрограде). Работал как пейзажист, реже занимался портретом. В 1890-х — 1900-х неоднократно совершал поездки на Дон, Азовское море, Волгу, на Кавказ. Летние месяцы часто проводил на этюдах в Силламяэ на Балтийском побережье. Много путешествовал по европейским странам, побывал в Италии, Греции, Турции, Швейцарии, Франции, Германии.

В 1898 «за известность на художественном поприще» был удостоен звания академика. С 1911 — профессор-руководитель пейзажной мастерской Высшего художественного училища живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ. С 1910 — действительный член Общества художников им. А. И. Куинджи. Один из организаторов Союза деятелей искусств Петрограда. Коллекционировал живопись и графику русских художников, свою большую коллекцию завещал родному городу Новочеркасску. Оставил большое творческое наследие.

Еще в 1890-е годы Дубовского ставили в один ряд со знаменитейшими пейзажистами его эпохи: И. К. Айвазовским, И. И. Шишкиным, В. Д. Поленовым, И. И. Левитаном. В 1900 году три произведения Николая Никаноровича («Штиль», «Вид монастыря», «К вечеру») участвовали в экспозиции Всемирной выставки в Париже и удостоились малой серебряной медали. А об успехе картины «Родина» (1900–1905), представленной на Всемирной выставке 1911 года в Риме, автору писал из столицы Италии восхищенный И. Е. Репин: «Ах, какая это вещь! Лучший пейзаж всей выставки, всемирной, римской! Вас, Николай Никанорович, я особенно поздравляю! Еще никогда Вы не были так великолепны и могущественны. Оригинальная, живая и красивейшая картина!!!» (artinvestment.ru).

П. М. Третьяков не раз приобретал произведения Дубовского в свое собрание, а картину «Притихло» в 1890 году прямо с XVIII Передвижной выставки приобрел император Александр III (теперь картина в Русском музее), а П. М. Третьяков попросил художника написать для его коллекции ее второй вариант.

Эксперты уверенно относят наш пейзаж «к серии этюдов, созданных Дубовским летом 1908 года во время путешествия по Италии. <…> В наиболее полном списке произведений Н. Н. Дубовского, составленном его вдовой, Ф. Н. Дубовской, под № 21 за 1908 год значится этюд “Близ Сальцо-Маджиоре”, полностью соответствующий исследуемому по размерам и формату. (После смерти художника и семейного раздела коллекции работа хранилась в личном собрании сначала — Фаины Николевны, а затем — Сергея Николаевича Дубовских.)».

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Николай Дубовской».

КОНДРАТЕНКО Гавриил Павлович (1854–1924) На берегу озера. Первая четверть XX века
Холст, масло. 34 × 47,5

Первая четверть ХХ века, которой эксперт датирует холст «На берегу озера» замечательного пейзажиста Гавриила Павловича Кондратенко, — это зрелый период творчества мастера.

Гавриил Кондратенко родился в семье крепостного крестьянина в селе Павловское Пензенской губернии. Учился в ИАХ (1873–1882) сначала в качестве вольнослушающего в классе исторической живописи у К. Ф. Гуна, с 1875 — постоянным учеником в пейзажном классе у М. К. Клодта. За период учебы неоднократно награждался малыми и большими серебряными медалями. В 1881 за «пейзаж по собственному выбору» получил малую золотую медаль. В 1882 выпущен  из Академии со званием классного художника 2-й степени за картину «Ночь в Бахчисарае».

Жил в Петербурге (Петрограде — Ленинграде). Будучи учеником ИАХ и после ее окончания ежегодно путешествовал по югу России, Кавказу, Крыму (создал большое количество красивейших крымских пейзажей и видов Воронцовского дворца в Алупке), часто посещал Италию, бывал в Греции. Работал преимущественно как пейзажист, писал натюрморты, занимался иллюстрацией. В 1880 за картину «Заглохший парк» получил первую премию по ландшафтной живописи Общества поощрения художеств. В 1880-х исполнил серию из двадцати пейзажей и картин, связанных с лермонтовскими местами в Москве и на Северном Кавказе.

Активно выставлялся. Участвовал в выставках в залах ИАХ, Общества поощрения художеств, Московского общества любителей художеств, на Всероссийской промышленной и сельскохозяйственной выставке в Нижнем Новгороде (1896), Всемирной выставке в Париже (1900), выставке картин петроградских художников всех направлений (1923). Был членом и экспонентом (1891–1918) Санкт-Петербургского (Петроградского) общества художников (в 1897–1917 возглавлял Правление Общества), а также Общества художников им. А. И. Куинджи. Устраивал благотворительные выставки.

«Среди произведений Г. П. Кондратенко, — отмечает эксперт, — встречается ряд пейзажей с изображением тихих заводей и лесных речек… Картина изображает озеро на закате, в окружении пушистой лесной рощи. Картина выполнена тщательно, с большим вниманием к деталям ландшафта».

Творчество художников Русского Зарубежья продолжает наш рассказ.

БЕНУА Альберт Александрович (1888–1960) Клуатр Псалетт. Лестница XV —XVI вв. Тур (Лестница монастыря Ла Псалетт в Туре). 1920–30-е
Бумага, итальянский карандаш, мел. 34 × 23,2

Альберт Александрович Бенуа, автор рисунка итальянским карандашом «Клуатр Псалетт. Лестница XV —XVI вв. Тур (Лестница монастыря Ла Псалетт в Туре)» (1920–30-е) — архитектор, живописец, график, представитель знаменитой семьи художников и архитекторов, сын акварелиста А. А. Бенуа  (Конского), внучатый племянник архитектора Н. Л. Бенуа. Окончил Институт гражданских инженеров в Петербурге. Начальное художественное образование получил под руководством отца. Преподавал в Рисовальной школе Общества поощрения художеств.

В 1910 поселился во Франции. Продолжил образование в специальной школе архитектуры  в Париже, работал в мастерских А. Зоа и П. Виньяла. Создавал живописные  и акварельные пейзажи с видами Парижа и окрестностей, Бретани, Австрии, Италии, Англии.

Экспонировался в Осеннем салоне и салоне Независимых. Выполнил проекты православного  храма на кладбище Сен-Женевьев де Буа, храма-памятника на могилах русских воинов  на кладбище Сент-Илер-ле-Гран; создавал проекты крестов и надгробий. Входил в общество «Икона».

Собор Сен-Гатьен, клуатр которого изображен на рисунке Альберта Бенуа, — главная достопримечательность Тура, расположенная в старом историческом центре города. Строительство ныне существующих зданий началось в XV веке под покровительством архиепископа Жана де Бернара и закончилось в XVI веке. Клуатр Псалетт получил свое название благодаря пению псалмов, которое доносилось из музыкальной школы, расположенной по соседству (fr.wikipedia.org).

Клуа́тр — это окруженный стенами квадратный или прямоугольный в плане внутренний двор, примыкающий к комплексу зданий средневекового монастыря или церкви. Служил нуждам клира и монашеской братии и был недоступен для мирян. Клуатр непременно имел в центре «Святой колодец», от которого отходили дорожки, разделяющие пространство двора на четыре части: квадранты (ru.wikipedia.org). Эксперт отмечает, что на рисунке Альберта Бенуа он изображен «в том виде, в каком он находился до Второй мировой войны и реставрации здания с удалением поздних пристроек».

По сути, наша работа — это архитектурный рисунок. Собственно внутренний двор виден только фрагментарно, внимание художника привлекла винтовая лестница XV–XVI века. И лестница, и части примыкающих к ней зданий на рисунке изображены максимально подробно, можно разглядеть и красоту строений в целом, и максимальное количество архитектурных деталей, тогда как кусты на первом плане весьма условны.

ЭРТЕ (Тыртов Роман Петрович, 1892–1990) Тарелка «Черное солнце» (Le Soleil Ebony). Из серии Mikasa. 1985
Фарфор, полихромная печать. Ø 30,2

Тарелка «Черное солнце» (Le Soleil Ebony) из серии Mikasa (1985) — воплощенный в фарфоре рисунок Эрте.

Следующий раздел каталога составили произведения авторов, работавших в советское время.

КОКУРИН Валерий Григорьевич (1930–2019) В мае. 1967
Картон, масло. 43,4 × 74,2

В 1967 году написан светлый весенний пейзаж «В мае» Валерия Григорьевича Кокурина — одного из трех художников (Ким Бритов, Владимир Юкин и Валерий Кокурин), с именами которых связано возникновение и существование такого понятия, как «владимирская школа живописи». Яркий, написанный чистыми цветами, радостный городской пейзаж представляет собой очень характерную для художника работу. «Валерий Кокурин, наделенный от природы обостренным чувством цвета, даже среди смелых владимирских живописцев был одним из самых ярких и самобытных  колористов. Стихия Кокурина — это цвет, в живописном хороводе звонких красок проявляется яркий темперамент личности художника, его неистребимое жизнелюбие.

У художника есть своя, кокуринская трактовка живописных принципов владимирской школы. Особенность творческого почерка этого замечательного мастера — повышенная декоративность и утонченность найденных им колористических аккордов.

Его живопись хоть и основана на фольклоре, но она пронизана эстетикой импрессионизма, европейского искусства, наконец, она по-особому чувственна и эмоциональна. Живопись Кокурина делает владимирскую школу более одухотворенной, придает ей особую манерность, легкость и изыск.

В дышащих, пульсирующих радостью полотнах Кокурина есть все: смелый и неожиданный колорит, юмор, элемент игры, а главное — большие чувства большого художника» (Надежда Севастьянова, научный сотрудник Владимиро-Суздальского музея-заповедника, vshr.jimdo.com).

ГРИЦАЙ Алексей Михайлович (1914–1998) Березовая роща. Конец 1970-х
Картон, масло. 49,3 × 68,7

Словно пропитанная солнцем композиция «Березовая роща» написана маслом на картоне в конце 1970-х известным советским живописцем, академиком АХ СССР, народным художником СССР Алексеем Михайловичем Грицаем. Мастер лирического пейзажа, А. М. Грицай особенно любил состояние весеннего пробуждения природы; «Березовая роща» окутывает зрителя, прохладой, светом, чистотой и свежестью первой весенней зелени, щедро дарит ему ощущение безмятежной радости жизни.

АБАКУМОВ Михаил Георгиевич (1948–2010) Зимний вечер. 1985
Холст, масло. 34, 4 × 43,3

Нечасто на аукционных торгах появляются пейзажи Михаила Георгиевича Абакумова. Один из них — «Зимний вечер» (1985) вошел в подборку AI Аукциона.

Мастер пейзажной живописи народный художник России Михаил Георгиевич Абакумов родился в 1948 году в Коломне. Обучался мастерству в Московском художественно-промышленном училище им. Калинина, затем в 1977 году окончил художественный факультет Всесоюзного государственного института кинематографии по мастерской профессоров И. А. Шпинеля и Г. А. Мясникова. В 1983 году работал в творческих мастерских Академии художеств СССР под руководством академиков А.П. и С.П. Ткачёвых и А.М. Грицая (gorenka.org).

Художник часто писал Коломну — город, полный тайн и загадок, в котором живое Русское Средневековье соседствует с современностью, в том числе с уникальным Музеем Органического искусства. Вполне вероятно, что наш пейзаж тоже написан в милой сердцу художника родной Коломне. «Он почувствовал старину в нерасторжимости с окружающей природой. Наибольшую любовь вызывали зимние мотивы. Они покоряли богатством тональных контрастов, цветовых оттенков. Михаила Абакумова волновала сложная красота их цветовых оттенков. <…> В декабрьскую пору он ощущал тени на снегу сероватыми. В январе восхищался их синевой. Мартовская весна уплотняла снег, насыщала его фиолетовыми оттенками. Смысловые и живописные находки соединялись со свежестью взгляда на мир» (culture-art.ru).

Самый большой раздел каталога — творчество шестидесятников.

ВЕЧТОМОВ Николай Евгеньевич (1923–2007) Без названия (Галактика Z). 1962 (?)
Бумага, акварель, коллаж. 28,2 × 39,1

Необычен редкий ранний коллаж «Без названия (Галактика Z)» (1962 (?)) Николая Евгеньевича Вечтомова. Любителей искусства художника эта небольшая изящная композиция приглашает углубиться в изучение его жизни и творчества — альбомы, каталоги, публикации, чтобы понять, что вызвало ее к жизни.

Арт-критик Сергей Кусков, мнение которого шестидесятники ценили очень высоко, писал о Вечтомове: «Присущие душевному складу нашего художника романтические устремления побуждают его искать именно все редкостное, экстраординарное, загадочно-волнующее или магично-мистическое в познаваемом им мире и, обнаружив такие мотивы или источники вдохновения, заострять, усиливать акцентировать “выпадение” их инаковости относительно всего обыденного, буднично-привычного. Данная ситуация проявляется уже на уровне формально-стилевом, когда, например, художник либо подводит в основе своей конкретно-изобразительные мотивы к границе Абстракции, либо уподобляет свои жизненные наблюдения каким-то сюрреалистическим или “метафизическим” живописным видениям, или обнаруживает и усиливает в них подобно некоей инопланетной реальности, хотя на самом деле подобное видимое в сущности возможно и здесь — на земле, но лишь в исключительных, измененных состояниях реальности» (art-critic-kuskov.com).

Подлинность работы устно подтверждена Экспертным советом ARTinvestment.RU.

КРАСНОПЕВЦЕВ Дмитрий Михайлович (1925–1995) Стоящие камни и раковина. 1964
Оргалит, масло. 38 × 44,5

Начать рассказ о натюрморте «Стоящие камни и раковина» (1964) Дмитрия Михайловича Краснопевцева мы решили словами недавно ушедшей Ирины Александровны Антоновой — одного из активных почитателей творчества Краснопевцева и человека, сделавшего для продвижения его искусства невероятно многое; достаточно сказать, что именно она способствовала проведению в 1993 году его персональной выставки в ГМИИ им. А. С. Пушкина и смогла организовать в Музее личных коллекций уникальный зал «Мастерская Дмитрия Краснопевцева», «где в отдельном помещении разместилась экспозиция, объединяющая рисунки, офорты, живописные работы Краснопевцева и комплекс предметов мастерской», переданные (около 700 предметов) музею «после смерти художника в 1995 году усилиями <вдовы художника> Лидии Павловны Краснопевцевой» (artprivatecollections.ru).

«Дмитрий Краснопевцев — вне групп и течений, это одинокий мастер, его невозможно поставить в ряд, назвав предшественников. Как человеку, Краснопевцеву в высшей степени присуще очень органичное чувство достоинства, художническая гордость, а если брать его в отношении к времени — ему свойственно стоическое противостояние без эффектных жестов, манифестов и деклараций. Как известно, он пишет натюрморты. Если признать, что натюрморт — это философия живописи, можно сказать, что художник осмысливает онтологические категории: жизнь, смерть, время, вечность. Его излюбленные образы — раковина, камень, засохший ствол, разбитый сосуд; они живые, но словно бы окаменевшие. Глядя на них, невольно вспомнишь: “На твой безумный мир один ответ — отказ“» (Ирина Антонова. В кн.: Искусство Краснопевцева // Дмитрий Краснопевцев. М.: Галерея «Дом Нащокина», 1995. С. 7 (б/п)).

Натюрморт «Стоящие камни и раковина» написан в 1964 году. «60-е годы для Краснопевцева оказались важнейшим периодом. Если 1950-е были временем ученичества, … то в 60-е развитие пошло дальше.

С 1961 до 1964 года происходило активное формирование метода. 1964–1967 гг. — драматическая разработка взаимоотношения предметов в картине, их связей друг с другом и со зрителем» (Ростислав Климов. Там же. С. 20).

«В 60-х годах предметы натюрмортов Краснопевцева окончательно перестают играть самих себя. Срежиссированные волей художника, они выстраиваются в композиции-символы. Думается, что в этот отрезок времени картины Краснопевцева непосредственнее, чем когда-либо, передают его отношение к действительности» (Инесса Меркурова. Там же. С. 25).

Наша работа — опыт сложного пространственного построения, в ней проявился интерес художника к множественности как особой категории предметного мира; эти черты авторской манеры были впервые отмечены исследователями в 1963 году и получили развитие в позднейшем творчестве.

Натюрморт неоднократно опубликован, в том числе в издании «Дмитрий Краснопевцев» в трех книгах (М. : Бонфи, 2007) — самом авторитетном каталоге произведений художника.

ВЕЙСБЕРГ Владимир Григорьевич (1924–1985) Хаос. 1973
Холст, масло. 58 × 60

Хронологически в каталоге AI Аукциона рядом оказались разделенные десятилетием натюрморт Дмитрия Краснопевцева и холст «Хаос» (1973) Владимира Григорьевича Вейсберга. Ростислав Климов пишет о художниках: «Обоих отличала предельная целеустремленность развития. Оба шли от натюрморта, и оба предпочитали работать с постоянным набором предметов. Оба стремились сохранить реальный объект и осознать реальность как противолежащее начало. У обоих в конце жизни соотношения предметов стали приобретать прямо-таки музыкальный и, добавим, очень личный характер. Это сходство проявляется и в другом — оба любили сочетание фактурной основы (у Краснопевцева — оргалит) и жидкого письма: картина не должна была скрывать свою материальную природу. В остальном они были полными противоположностями — по духовной организации, темпераменту, культурному складу» (Ростислав Климов. В кн.: Искусство Краснопевцева // Дмитрий Краснопевцев. М.: Галерея «Дом Нащокина», 1995. С. 17–18).

«Хаос» (1973) — работа «белого периода» художника. «…Принципиальное своеобразие Вейсберга состоит в том, что его творчество, в противоположность перманентному новаторству авангардизма, дает некий культурно-преемственный синтез. …Оставаясь в рамках традиционно-предметного мышления, опирающегося на принципы гармонизации цвета, Вейсберг придал ему свое, вполне оригинальное истолкование. В отличие от Сезанна (его влияние было определяющим для Вейсберга до начала 1960-х годов), создавшего модель обозримого цветоконструктивного построения картины, русский художник выдвинул свою, на первый взгляд “абсурдную” идею “невидимой живописи”, получившей также название стиля “белое на белом”. Однако вещи зрелого Вейсберга убеждают в плодотворности этой идеи, вернее целого идейного комплекса, смысл которого можно было бы определить как переключение живописи от чувственно-эмоционального восприятия цвета на интеллектуально-чувственное по преимуществу. …Цвет у него дифференцируется на тысячи невидимых (действительно невидимых) частиц, образующих совершенно неповторимую, насыщенную тональными колебаниями и как бы изнутри светящуюся субстанцию…» (Е. Б. Мурина). Работа в 1994 году экспонировалась на персональной выставке «Владимир Григорьевич Вейсберг (1924–1985). Живопись. Акварель. Рисунок» в Третьяковской галерее и указана в ее каталоге (без иллюстрации).

О художнике читайте на AI: «Художник недели: Владимир Вейсберг».

ЯНКИЛЕВСКИЙ Владимир Борисович (1938–2018) Из цикла «Пространство переживаний». 1985
Бумага, графитный и цветные карандаши. 25 × 64

Творчество Владимира Борисовича Янкилевского в каталоге представляет легкая, светлая, чистая, наполненная воздухом и очень узнаваемая графическая композиция из цикла «Пространство переживаний» (1985), нарисованная цветными карандашами.

«…В 1960-х были заложены основы моего языка, развитые в циклах “Пейзаж сил”, “Тема и импровизация” и “Пространство переживаний”. Этот язык лег в основу описания конфликтов и гармонии человеческих отношений в современном мире, как я это понимаю. Разумеется, с годами это понимание усложнялось, и, соответственно, добавлялись новые выразительные возможности. Все они потенциально были заложены в тех вещах, которые я сделал в 1960-х, но в более универсальном виде. Вещи, которые я делаю сейчас, — это попытка соединить все уровни человеческого существования, от уровня Вечности до уровня острой актуальности, и найти их соотношение» (Владимир Янкилевский. Интервью AI 19 апреля 2010).

СВЕШНИКОВ Борис Петрович (1927–1998) Ночной крик. 1988
Холст, масло. 80 × 60

Один из топ-лотов нашей сегодняшней подборки — масло «Ночной крик» (1988) Бориса Петровича Свешникова. В его судьбе сталинский молох оставил такую же обычную — рваную и глубокую — борозду, как и в судьбах миллионов людей его поколения. В 1946 году 19-летний студент Московского института прикладного и декоративного искусства вышел с бидоном купить керосина и вернулся только через 8 лет. «Антисоветская деятельность» — этап в Ухтижемлаг в Коми — прокладка трубопровода. Случай помог изможденному, больному заключенному выжить. После лагерной больницы его перевели в инвалидный лагерь на должность сторожа. Там Свешникову удавалось украдкой рисовать и, что еще сложнее, передавать отдельные рисунки на волю. Позже, когда этот «гулаг-арт» собрали и опубликовали во французском шемякинском альманахе «Апполон-77», а в 1990-е общество «Мемориал» организовало выставку лагерных рисунков, стало понятно, что эти зарисовки — памятник эпохи, созданный в самой гуще событий.

У молодых коллекционеров творчество Свешникова ассоциируется преимущественно с самобытными работами 1960-х годов, выполненными в эстетике часто трагического сюрреализма (с реалистическими лагерными рисунками ничего общего). Художник очень узнаваемый, спутать невозможно. Работы отличает высокая декоративность и интересная палитра. Очень часто его работы написаны на мрачные сюжеты: боль, несчастья, повешенные, люди с искаженными лицами — вот распространенные нездоровые образы страдавшего душевным недугом художника (artinvestment.ru).

Работам Свешникова свойственно «сочетание мелких фигур со вселенским масштабом композиции, смешение подмеченного в жизни и фантастического, современных реалий и образов прошлого, сложное пространственно-временное построение композиций, где не по законам логики, а скорее, в соответствии с логикой сна или видения трансформируются мотивы и образы. Частные вопросы, заданные в каждой отдельной сцене, при всем их многообразии и алогичном сочетании, подчинены, как правило, главным темам творчества художника — вездесущей смерти и абсурдности жизни. Свешникову удается мастерски увязать земное измерение, без которого обращение к этим темам невозможно, с вневременным характером целого» (Оксана Воронина, mmoma.ru).

Мрачные сюжеты и символика, связанная со смертью, — все эти «идеологические» атрибуты творчества художника, характерные для его графики и живописи, хороши на музейных стенах, но для домашнего собрания больше подходят относительно нейтральные сюжеты, один из которых (при равенстве прочих достоинств) и представляет наша картина «Ночной крик» (1988).

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Валет Марк Шагал. 2000
Картон, карандаш, масляная пастель, акрил. 50 × 40

В творчестве Владимира Николаевича Немухина, автора работы «Валет Марк Шагал» (2000) валет превратился в своеобразный авторский жанр, в котором художник обращался к самым разным темам и сюжетам, воплощая в них портреты (Автопортрет, Гитарист, Бубновый валет), предметы (Дело, Радио, Мишень), понятия (Ретро, Натюрморт), места (Фотоателье, Казино), эмоции (Ура!), посвящения (Мейерхольду, Маяковскому, Малевичу, Кандинскому и др.). Оммажи Немухина — интереснейшая и совершенно самостоятельная часть его творческого наследия, которая еще ждет своего вдумчивого заинтересованного исследователя. Наиболее богата оммажами скульптура В. Н. Немухина. Как бы ни было выполнено то или иное посвящение — скульптура, живопись, графика, фарфор, Немухин всегда закладывал в него идеи, отражающие личность адресата или ее отдельные черты (всегда — точно и цельно, вне зависимости от личных отношений и даже личного знакомства). Часть немухинских посвящений почти очевидны, другая часть — загадки, как, например, скульптурный оммаж Михаилу Ларионову или наш валет — оммаж Марку Шагалу, творчество которого Немухин блестяще знал и очень любил.

Четыре работы представляют творчество следующего поколения художников.

БОРДАЧЁВ Сергей Михайлович (1948) Без названия (Абстрактная композиция). 1976
Доска, холст, масло, процарапывание, смешанная техника. 47 × 39,8

Работу «Без названия (Абстрактная композиция)» (1976) Сергея Михайловича Бордачёва стоит рассмотреть очень внимательно — чтобы увидеть, в какой интересной технике она сделана. Художник использует повреждающие художественные приемы — разрезает холст, работает посредством процарапывания — и тем самым добавляет плоской картине элемент трехмерности, который воспринимается зрителем естественно и цельно. «Чувство дыхания есть в космосе, я не могу терпеть плоскости. Плоскость — это стена, можно голову расшибить» (Сергей Бордачёв, smotrim.ru).

Абстрактной живописью он начинал заниматься в середине 1960-х. В его экспериментах переплелись орнаменты и письменности древних культур, искусство скифов, увиденное на раскопках древних курганов, творчество Кандинского, Малевича, Татлина. «Работы Бордачева полны цитат авангардного наследия, переосмысленного, перекроенного» (smotrim.ru). «Сергей Бордачёв демонстрирует редкое для современного художника совершенство, помноженное на его самобытное видение авангардных традиций» (Вольфганг Лехман, критик).

Наша работа — яркий пример абстракций середины 1970-х, в которых художник исследует взаимодействие знаков. К слову, на фотографии с Бульдозерной выставки 1974 года Бордачёв держит в руках стилистически похожую композицию.

Живописные абстракции Сергея Бордачёва обычно не очень строги, больше тяготеют к декоративности. В отличие, например, от единожды найденных «личин» Олега Целкова, «Бордачёв много раз менял стили своих абстракций, его серии зачастую совсем не похожи. Да, у него есть свои закономерности: приверженность абстракции, выраженная экспериментальность с узнаваемыми влияниями. А еще страсть к “смягченной” геометрии прямоугольника, круга и треугольника. Но универсальную стилистическую формулу зритель вряд ли обнаружит» (artinvestment.ru), но тем и интереснее, не так ли?

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Сергей Бордачёв».

ПУРЫГИН Леонид Анатольевич (1951–1995) Россия. 1992
Холст, доска, масло, ассамбляж. 45 × 39

Невелика по размеру, но, как обычно, фантастически насыщена персонажами картина-ассамбляж «Россия» (1992) Леонида Анатольевича Пурыгина — «гениального Лени из Нары», как он сам себя определял. Центральный персонаж картины занимает почти все ее пространство, его окружают сотни, а может, и больше (кто их считал?), мелких фигур, антропоморфных образов, лиц. Как и всякий представитель искусства арт-брют, Пурыгин изобрел собственный мир-фантасмагорию, в котором существуют его «кибиасики» и еще множество других сущностей, не имеющих названий.

Наша работа выполнена в 1992 году, вероятнее всего в США, хотя, возможно, и в России, куда он приезжал в 1992-м, провел выставку современного российского «наивного искусства» и открыл специальную галерею, с помощью которой стремился поддержать стилистически близких ему молодых художников. «Россия» (1992) опубликована в полном виде, без утрат некоторых деталей ассамбляжа, которые, к сожалению, имеют место.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Леонид Пурыгин».

ОРЛОВ Борис Константинович (1941) Из серии «Прибавочный элемент». 2001
Фотобумага, черно-белая печать, эмаль. 48,5 × 52

Фотография с доработкой эмалью из серии «Прибавочный элемент» (2001) представляет творчество Бориса Константиновича Орлова. «Чтобы оторваться от кубизма, Малевич придумывает теорию Прибавочного элемента. Я бессовестно использую этот прием уже против метафизики авангарда и сталкиваю ее с ревущей реальностью» (Борис Орлов, borisorlov.ru).

«Орлов в 2001 году создает одну из самых ярких и зрелищных инсталляций “Победа над солнцем” (фрагменты самолетных крыльев) в сочетании с серией картин “Прибавочный элемент”, где реальные самолеты сражаются с супрематическми. У первых на крыльях звезды и свастика, у других — супрематические элементы. Фон — космически-черный.

В “Прибавочном элементе” Орлов не только увидел следствие (похожесть имперских государств), но ощутил и причину: существует метафизическая матрица, вновь и вновь вызывающая империи из небытия. Всякий раз на новом техническом и историческом витке. Поэтому имперская машина (и разные ее воплощения) стала “супрематической”, принадлежащей категории Вечности» (admin.vz.ru).

Из интервью Бориса Орлова 2002 года:

«Каким образом Вы пришли к идее совмещения самолетов и супрематической символики?

<…> Как всегда, и в данном случае, стечения обстоятельств были случайными: мне попался в руки альбом с фотографиями самолетов. Но нанизалось это на две мои основные концептуальные линии, с которыми я уже давно работаю. Во-первых, Малевич. Несколько лет назад я сделал работу под названием «Следы первой любви». Это автопортрет с татуировками: на груди работа Джаспера Джонса, а на спине — Казимира Малевича. <…> Сегодня я, когда работаю, о Малевиче не думаю, но он, как первая любовь, присутствует на «моей коже». Во-вторых, о самолетах. <…> Я родился в Химках, где мой отец работал на авиационном заводе. Летом мы выезжали на авиационные парады в Тушино, в небе были разбросаны парашютисты и летели самолеты, на первом из которых была надпись “Василий Сталин”. Помню также все городские демонстрации — они тоже украшались авиационной техникой. И друзья моего отца были летчики. Поэтому когда я листаю книги, связанные с авиацией, у меня дух захватывает — я, как семилетний мальчик, с восторгом рассматриваю моторы, шасси, крылья — просто с инфантильной радостью. И вот как-то раз я листал такой альбом с самолетами эпохи моего детства, и мне захотелось что-то с ними сделать. Манипулируя с этими картинками, переснимая, дорисовывая, я однажды перевел их в негатив: белый самолет на черном фоне. Он показался мне “Летучим Голландцем”, привидением, обрушившемся сверху.

Фантомный характер не лишает Ваших объектов какой-то немыслимой стремительности и силы. Кажется, что они вполне могут выйти из рамок изображения и оказаться где-то тут, рядом.

Одномерное пространство меня всегда раздражало, я хотел дать ему еще какое-то измерение: если пространство развивается в глубину, я стараюсь противопоставить ему какое-то плоскостное решение. И вот когда я увидел этого “Летучего Голландца”, я подумал, что он с чем-то там, в воздухе, должен столкнуться, должна быть в этом какая-то драматургия. Я бросил на фотографию обрезок красной бумаги, которых так много у меня в мастерской, и сразу возникла какая-то немыслимая глубина — тот самый интерпретационный конфликт. Мелькнула мысль: это супрематический знак сталкивается с фантомным самолетом. На борту самолета тоже ведь супрематические знаки на крыле, которые в этом пространстве разделяются на реальный предмет — маркировка самолета — и на метафизические знаки. Последние скользят в плоскости черного, в то время как реальные эмблемы самолета рвутся во все стороны: по диагонали, в глубину...

Я завелся, стал этим манипулировать — художник в какой-то момент становится как ударенный, просто не может остановиться. И вот в процессе этой чисто пластической работы пошли попутные соображения. И тут уже пришли в голову “Победа над солнцем”, лозунг уже не супрематистов, а всех авангардистов, безумные претензии начала века» (borisorlov.ru).

ЕГОШИН Герман Павлович (1931–2009) Натюрморт с чайником. 2002
Холст, масло. 70 × 70

Автор «Натюрморта с чайником» (2002) Герман Павлович Егошин — член-корреспондент АХ (2007), заслуженный художник РФ (2007). Его произведения хранятся в ГТГ, в Русском музее, в других музеях и частных коллекциях.

Егошин — представитель ленинградской живописной школы, поколения «шестидесятников». В его творческой биографии выделяются две выставки группы «одиннадцати», в 1972 и 1976 годах. Интересно отметить выступления двух учеников Малевича на обсуждении выставки, 1972 года, ставшей событием в культурной жизни Ленинграда:

Валентин Курдов: «Все эти одиннадцать художников выступили на этой выставке очень увлеченно, одержимыми своим искусством. У всех этих художников есть настоящая страсть, каждый из них по-своему хочет увидеть мир… Путь каждого художника… выстрадан, найден в большой упорной работе. Это и есть настоящий путь в нашем искусстве… Может быть, это будущее нашего ЛОСХа…»

Владимир Стерлигов: «Сегодня я увидел из тьмы свет. А раз свет, значит, и цвет в живописи, представленной здесь… В этой выставке, мне кажется, имеет место приближение к тем традициям, которые были остановлены в своё время. Они вновь начинают жить, а некоторые произведения выставки свидетельствуют о любви к ним».

«Идеолог» объединения искусствовед Л. Мочалов, позже вспоминая об экспозиции Егошина на выставке 1972 года, писал, что тот в своей работе опирался на творчество русских «сезаннистов» — Петра Кончаловского, Ильи Машкова и Роберта Фалька: «Егошин выработал собственную “таинственно-туманную” живописную систему, характеризующуюся вплавлением формы в вибрирующую световоздушную среду» (ru.wikipedia.org).

Наша работа «Натюрморт с чайником» (2002) выполнена через много лет, но в ней видны те же традиции, та же сложная живописная система, которая стала основой творческой манеры замечательного ленинградского художника.

Завершающий раздел каталога — творчество современных художников.

НАЗАРЕНКО Татьяна Григорьевна (1944) После праздника. 1993
Холст, масло. 70,2 × 68

В 1993 году создан холст Татьяны Григорьевны Назаренко «После праздника». «Особый контраст широкого смыслового содержания, исповедальной интонации и гротескной пластики составляют нерв живописи Татьяны Григорьевны Назаренко. Ее искусство уже стало классикой и по своей значимости достойно называться академическим в новом понимании этого слова, не сводимого к единству стиля, но выраженного яркостью, своеобразием индивидуального почерка. <…> Живопись Назаренко всегда отражала бурный характер творческого поиска, острых переживаний. Внутренний драматизм, пожалуй, единственный бессменный спутник произведений мастера. <…> Структуру каждой работы Назаренко составляет серьезная разработка сюжета, композиции, колорита. Эти “три кита” имеют одинаковую важность в любых творческих проявлениях художницы. И еще — во всех произведениях всегда узнаваема она сама, с широтой ее интересов, культурным кругозором, парадоксальной ассоциативностью мышления. Для художницы нет смысловой замкнутости того или иного сюжета. Для нее Время, История — категории, составляющие единое пространство, в котором главное — Человек. Глобальность влияния личности и таинство интимной жизни одинаково влекут ее: смех и слезы, любовь и ненависть, дружба и предательство, одухотворенность и страсть — стихии, составляющие творчество Татьяны Назаренко» (rah.ru).

ХАМДАМОВ Рустам Усманович (1944) Две девушки. 2005
Холст, акрил. 98 × 119,5

Венчает подборку большой холст «Две девушки» (2005) Рустама Усмановича Хамдамова. «...Редкостно одаренный, с шлейфом загадочности, манящей незавершенности, Хамдамов существует в сознании современников скорее как образ, миф, сотканный из отблесков виденного, чем реальная фигура...» (Зоя Богуславская, fergananews.com).

«Когда я возвращался из Москвы в далекие времена моих первых приездов в Россию, у меня с собой всегда были драгоценные рисунки Рустама Хамдамова. Я вез и показывал их Висконти, Феллиини, Антониони, и они восхищались вместе со мной. Сейчас в моем саду висит его икона и огромная кружка с грушами — удивительная картина! Ему дан талант милостью Божьей — дар художника, режиссера, дизайнера. А главное — он человек глубокой тайны» (Из интервью Тонино Гуэрра газете «Русская мысль», Париж, 23 октября 2003, bersoantik.com). «Рустам Хамдамов — одна из самых таинственных личностей в современном искусстве России. <…> … талант художника перевешивает все его недостатки, и даже те, кто его ругает, имеют в “закромах” пару-тройку его рисунков. Хамдамов превосходный стилист и чрезвычайно талантливый рисовальщик. Кажется, что он рисовал всегда. Однако систематического художественного образования Хамдамов не получил, был и остается самоучкой (что тренированный взгляд быстро обнаруживает в его работах), но уровень таланта настолько высок, что легко справляется с недостатками» (Вступительное слово издателя к альбомам Рустама Хамдамова, bersoantik.com).

Женские образы Хамдамова всегда очень разные — загадочные, забавные, ироничные, веселые, изящные, трогательные, наивные девушки и женщины-вамп. В нашей работе художник пользуется интересным приемом: помещая на картине минимум деталей, он пишет двух похожих, как близнецы, девушек с довольно условными лицами, в одинаковых платьях и панамах, в одинаковых позах, два одинаковых мяча, два одинаковых камня. Создается впечатление, что мячи и камни здесь для того, чтобы подчеркнуть «парность» прочих элементов. И вся эта двойственность и параллельность, с одной стороны, служит фоном для драгоценной грозди винограда, написанной в центре холста, — предмету, который, словно авторский знак, часто возникает в хамдамовских полотнах и рисунках. С другой стороны, мы с удивлением обнаруживаем, что все элементы, что составляют пары, живут каждый своей жизнью: камни у берега гладит еле заметный прибой штилевого моря, мячи соприкасаются с легким шелком женских платьев, движение воздуха чуть колышет крылья панам, и все вместе они составляют изящную динамичную композицию, наполненную светом и воздухом. Вот такая странная и очень красивая работа завершает наш рассказ.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Рустам Хамдамов»

Одновременно с нашим штатным 359-м AI Аукционом открыт 45-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». Каталог составили работы Светланы Атахановой, Константина Батынкова, Василия Власова, Наталии Жерновской, Александра Захарова, Олега Кулика, Алексея Орловского, Ксении Пархоменко, Екатерины Сысоевой, Максима Татаринцева.

Всем желаем удачи на 359-м AI-Аукционе и 45-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.