Открыты 352-е торги AI Аукциона и 38-й кураторский аукцион «Оттенки серого» («XXI век. Современное российское искусство»)
ARTinvestment.RU   21 октября 2020

В сводном каталоге — 30 лотов: 17 живописных работ, 4 листа оригинальной и 1 — печатной графики, 5 работ в смешанной технике, 2 скульптуры и 1 фотография

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 352 и 38-го кураторского аукциона «Оттенки серого» («XXI век. Современное российское искусство»).

Лоты 352-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 38-го кураторского аукциона «Оттенки серого» («XXI век. Современное российское искусство») представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Открывает каталог раздел русских художников конца XIX — начала ХХ века.

ВАСИЛЬКОВСКИЙ Сергей Иванович (1854–1917) Казачья левада. Конец 1880-х — 1893. Первоначальный вариант одноименной картины 1893 года из Харьковского художественного музея
Дерево (дощечка красного дерева французской фирмы художественных материалов Lefranc), масло. 23, 8 × 36

Написанная на небольшой дощечке красного дерева «Казачья левада» (конец 1880-х — 1893) представляет в каталоге творчество выдающегося пейзажиста, мастера жанровой живописи и портрета Сергея Ивановича Васильковского. Уроженец города Изюма Харьковской губернии, 22-летний Васильковский приехал в Петербург и поступил в ИАХ; учился в пейзажном классе у М К. Клодта и В. Д. Орловского. За ученические работы неоднократно награждался медалями. Окончил Академию с большой золотой медалью, выпущен со званием классного художника первой степени и правом пенсионерской поездки за границу на четыре года. В качестве пенсионера ИАХ в 1886 отправился в Европу, жил преимущественно в Париже, где изучал живопись барбизонцев и других современных французских пейзажистов. Там же познакомился с блестящим живописцем И. П. Похитоновым, впоследствии оказавшим на его творчество огромное влияние. Совершил поездки по Франции, Германии, Англии, Испании, Северной Африке. Исполнил значительное количество небольших по размерам пейзажей Франции и Испании, часть которых была приобретена в крупнейшие отечественные собрания. В 1888 возвратился в Россию до окончания срока пенсионерства. Жил в Харькове. С 1885 участвовал в академических выставках, с 1886 — в выставках Московского общества любителей художеств. В 1892 стал членом и активным участником выставок (до 1917) Общества русских акварелистов. С 1894 — член и экспонент Санкт-Петербургского Общества художников. Много путешествовал по России — по Украине, Крыму, Кавказу. «Картины Васильковского отличались небольшими размерами. Он любил писать на прессованных картонках или на французских буковых дощечках. Его художественной манере свойственна особая аккуратность и точность, даже старательность. С особым искусством художник передает вибрацию света и воздуха, игру солнечного света» (vsdn.ru). По мнению эксперта, наша работа представляет собой первоначальный вариант одноименной картины 1893 года из собрания Харьковского художественного музея, которому художник подарил большую часть своих работ.

ЛЕБЕДЕВ Клавдий Васильевич (1852–1916) По дороге. Конец XIX — начало XX века
Холст, масло. 24,2 × 32

Концом XIX — началом ХХ века датирует эксперт жанровую сцену «По дороге» Клавдия Васильевича Лебедева. Сын крестьянина, художника, писавшего церковные образа, Лебедев прошел огромный путь обучения и работы до звания действительного члена ИАХ. Он жил в Москве, писал исторические и жанровые картины, пейзажи, портреты. Центральной темой произведений был быт боярской Руси XVII века. Свои работы Лебедев экспонировал на академических выставках (1884–1902, с перерывами), Всемирной выставке в Чикаго (1893), был членом и экспонентом ТПХВ (1884–1918, с перерывами; член с 1891), Московского общества любителей художеств (1898–1908, с перерывами), Общества художников исторической живописи. В конце 1880-х годов, в течение шести лет Лебедев совместно с А. И. Корзухиным работал над оформлением Вознесенского собора в Ельце: написал иконы, расписал стены и столбы храмовой части собора, выполнил живописные полотна. Талант Лебедева проявился и в области книжной графики. Наиболее известны великолепные иллюстрации художника к нескольким рассказам из «Записок охотника» И. С. Тургенева, к повести А. К. Толстого «Князь Серебряный». Кроме того Лебедевым создан целый цикл библейских иллюстраций.

Много работая над историческими сюжетами, которые принесли ему наибольшую известность и признание, Лебедев обращался к крестьянской, народной теме в живописи и графике. Одна из таких работ — холст «На дороге». Художник пишет рыхлый, ноздреватый снег, небо, плотно затянутое низкой белесой хмарью, грязь и распутицу ранней весны, воздух, насыщенный влагой тающего снега и только что вскрывшейся ото льда реки. В неярких красках, во множестве оттенков охристого и серого живописец сумел очень точно передать настроение, атмосферу и даже запахи хмурого весеннего дня. Но не менее примечательна в этой картине — ее наполненность движением: идут по дороге крестьяне, лошадь везет сани, тонкий дымок за лесом еще не может справиться с тяжелым влажным воздухом, но все-таки стремится вверх, полупрозрачные белые облачка серебрятся над дальними деревьями, явственно движется река, растут проталины по сторонам дороги. Клавдий Васильевич Лебедев предстает в этой работе большим мастером, блестящим живописцем и тонким колористом.

Довольно большим в этот раз получился раздел творчества художников Русского Зарубежья.

СУДЕЙКИН Сергей Юрьевич (1882–1946) Эскиз костюма с пяльцами. 1920-е
Бумага, гуашь, графитный карандаш. 23,9 × 19

Открывает его единственная в нашем каталоге работа, представляющая интереснейший раздел изобразительного искусства — театральную графику. Золотистый, желтый однородный фон «Эскиза костюма с пяльцами» (1920-е) работы Сергея Юрьевича Судейкина, красные и синие цвета, в которых решен костюм фигуры, сообщают рисунку явственный намек на европейский сюжет постановки, к которой он создан. Детали костюма героини, замысловатая прическа, бархотка на шее — это тоже Европа. Но шаль и рисунок вышивки довольно ясно напоминают о павловопосадских платках, народной кустарной росписи и даже о лубке. Эскиз между тем относится к заграничному периоду творчества художника (в 1920-м году он эмигрировал во Францию). Известно, что в Париже Судейкин много и плодотворно сотрудничал со множеством театров и варьете, в том числе с театром-кабаре «Летучая мышь» Никиты Балиева, театрами Apollo и «Балаганчик», создавал для них эскизы костюмов и декораций. Наш эскиз мог быть выполнен художником для одной из этих постановок. При этом эксперт отмечает наибольшее совпадение в способах построения формы и объемов, характере авторского мазка с эскизами костюмов к балету «Петрушка» (1925), созданными для «Метрополитен-опера» уже в Нью-Йорке, где художник поселился в 1922 году после гастролей в США. Таким образом, возможно, что наш рисунок выполнен не в Париже, а в Нью-Йорке. Конечно, в будущем исследователи творчества Судейкина смогут ответить, где, когда и для какого спектакля был создан этот эскиз, а нам пока остается с искренним удовольствием разглядывать этот веселый изящный рисунок замечательного русского живописца и театрального художника.

МИЛИОТИ Николай Дмитриевич (1874–1962) Букет. 1930
Холст, масло. 61 × 50

Первый из двух цветочных натюрмортов нашего каталога — «Букет» (1930) Николая Дмитриевича Милиоти, яркого русского художника-символиста и одного из организаторов выставки «Голубая роза». Наш «Букет» написан значительно позже символистского периода в творчестве Милиоти, в парижский период эмиграции художника. Его мотив, композиция, колористическое решение, отмечает эксперт, «характерны для творческой манеры художника 1930-х годов. Милиоти в этот период часто писал пышные букеты цветов в вазах. Живописный почерк “Букета” обнаруживает явные черты сходства с целым рядом натюрмортов, написанных художником в это время».

ДМИТРИЕВСКАЯ Лидия (1895–1967) Букет на фоне пейзажа. Вторая треть ХХ века
Оргалит, масло. 55 × 46

Второй третью ХХ века датируется «Букет на фоне пейзажа» Лидии Дмитриевской. «В творческом наследии художницы, — отмечает эксперт, — жанр натюрморта… встречается часто. Укрупненные формы и локальные цвета художница сочетает с утрированным плоскостным решением лепестков, что формально сближает произведения Л. Дмитриевской со стилистикой ар-деко».

ВЕЩИЛОВ Константин Александрович (1878–1945) Зимний пейзаж. 2-я четверть XX века
Холст, масло. 54,4 × 64,2

Продолжает раздел художников Русского Зарубежья «Зимний пейзаж» Константина Александровича Вещилова, датируемый экспертом 2-й четвертью ХХ века: «Мотив… пейзажа с изображением заснеженной гористой местности, освещенной зимним солнцем, высоких елей и медленно текущего ручья на первом плане, близок к ряду пейзажей, исполненных К. А. Вещиловым во второй половине 1930-х — начале 1940-х годов в Америке, куда он переехал из Франции в 1935 году. Типичным также является изображение излюбленного мостика через ручей».

Сегодня Вещилов более всего известен своими пейзажами, однако начинал любимый ученик И. Е. Репина как жанровый и исторический живописец, картины которого экспонировались, приобретались в крупные собрания, но при этом получали и критические отзывы, которые были во многом обусловлены общей усталостью от некоторых ставших уже избитыми академических тенденций. И лишь во второй половине 1910-х годов в его творчестве начала преобладать линия интимного пейзажа, вбирающая в себя лучшие достижения русской пейзажной школы, которая отказалась от риторики передвижников в пользу передачи эмоционально-духовных аспектов в изображениях природы. За годы работы и в России, и в эмиграции Вещилов развил свою пейзажную манеру, сделал ее узнаваемой и любимой многочисленными почитателями. Читайте о художнике на AI в одной из последних публикаций рубрики «Художник недели».

ИСУПОВ Алексей Владимирович (1889–1957) Деревенская сходка зимой. 1930–40-е
Холст, масло. 59 × 73,4

Алексей Владимирович Исупов, автор холста «Деревенская сходка зимой» (1930–40-е), всегда считал себя русским художником и не относил себя к плеяде эмигрантов, хотя последние тридцать с лишним лет своей жизни прожил в эмиграции: выехав в Рим для лечения, в Россию не вернулся, жил в Италии и нашим соотечественникам сегодня, увы, известен как Алессио Иссупов. Сын резчика по дереву из Вятки, ученик иконописца, Исупов учился в МУЖВЗ у А. Е. Архипова, А. М. Васнецова, К. А. Коровина, В. А. Серова, участвовал в выставках Союза Русских Художников и ТПХВ; в 1914 году был мобилизован и отправлен в Туркестан, там же 4 года жил и работал после революции, писал жанровые картины и пейзажи, делал зарисовки древностей, в Москву вернулся в 1921-м. Эксперт пишет, что мотив нашей работы «находит аналогии среди жанровых композиций А. В. Исупова на тему деревенской жизни, которые художник создавал в России и обращался после отъезда в Италию в 1926 году. Ностальгируя и не теряя связь с родиной, художник писал сцены из сельского быта: заканчивал ранее начатые работы, писал фантазийные композиции, работал по памяти или по этюдам, привезенным из России. Сцена въезда крестьянских всадников в деревню неоднократно повторялась в творчестве художника. Также художник часто обращался к зимним видам русской деревни. В итальянский период творчества А. В. Исупов все чаще обращается к жанру анималистики, в частности иппическому жанру. Изображение лошади — характерного для России домашнего животного и помощника в хозяйстве — становится особенно близким художнику, что также проявилось» в нашей прекрасной работе.

Следующий раздел каталога — произведения художников, работавших в советское время. Каждый из этих мастеров, в какие бы годы он ни работал, нашел свой собственный стиль в искусстве.

МАЛЕВИЧ Казимир Северинович (1878–1935) Голова крестьянина. 1928–1929
Бумага, графитный карандаш. 20 × 12,3

Открывает раздел безоговорочный топ-лот нашего каталога — рисунок «Голова крестьянина» (1928–1929) Казимира Севериновича Малевича, по мнению экспертов, представляющий собой подготовительный рисунок к неосуществленной картине и характерный образец поздней графической манеры художника.

ЯКОВЛЕВ Василий Николаевич (1893–1953) Лето в деревне. 1947–1948
Холст, масло. 78,4 × 167

Пожалуй, красивейший пейзаж каталога — «Лето в деревне» (1947–1948) Василия Николаевича Яковлева — огромный холст, наполненный светом, воздухом, запахом согретой солнцем травы. «Картина, — пишет эксперт, — представляет собой характерный образец одной из областей творчества В. Н. Яковлева: прекрасно владевший техникой старых мастеров, крупный реставратор классической живописи применяет свое высокое мастерство при изображении деревенской колхозной жизни. Характерен вытянутый по горизонтали формат, придающий мотиву эпическое звучание. Типично сочетание панорамного охвата пейзажа и пристальное внимание к деталям, плотный мелкий мазок, создающий своего рода “микрорельеф” всей живописной поверхности, четко прописанные цветовые и тональные контрасты».

В жизни и творчестве Василия Яковлева самым тесным образом переплелись выставки объединений «Московский салон», ТПХВ, «Мир искусства», Союза русских художников, Общества художников им. А. И. Куинджи — и АХРР; восторженное почитание старых итальянских, голландских и фламандских мастеров, богатейший опыт музейного реставратора — и «воинствующий реализм», звания народного художника РСФСР (1943) и действительного члена Академии художеств СССР (1947), две Сталинские премии — и произведения, в которых можно усмотреть и сюр, и салонную декоративность, и юмор. Но это были честные работы большого мастера; что бы он ни писал — «Вакханалию», «Спор об искусстве», «Старатели пишут творцу Великой Конституции» или замечательные портреты военачальников, — он писал то, что чувствовал, и так, как подсказывал ему опыт, глубочайшие знания истории искусства и его тонкое чутье художника. Пейзажными мотивами Яковлев увлекся в поздний период творчества, но им, так же как другим произведениям художника, было свойственно «эпическое звучание» — это определение употребляет эксперт, говоря о нашей прекрасной работе.

ГУДИАШВИЛИ Ладо (Владимир Давидович, 1896–1980) Королева из Армази. 1972
Картон, графитный и цветные карандаши, фломастер. 37 × 28 (в свету)

Женские образы всегда были одним из главных сюжетообразующих мотивов в творчестве Ладо (Владимира Давидовича) Гудиашвили. Рисунок фломастерами и карандашами на бумаге «Королева из Армази» (1972) — характерный образец графики позднего периода творчества художника, портрет молодой благородной женщины. На территории древнего города Армази, столицы Иберского царства, разрушенной арабским вторжением еще в VIII веке, археологи нашли и расшифровали табличку с эпитафией, посвященной дочери правящего наместника Серафите, которая «столь хорошая и красивая была, что никто не был ей подобен по красоте. И умерла 21 году (жизни)». Возможно, вот эта эпитафия, подчеркивающая благородное происхождение, высокое положение и красоту рано умершей женщины, вызвала к жизни прекрасный рисунок замечательного грузинского мастера.

ЦЕРЕТЕЛИ Зураб Константинович (1934) Памятник Колумбу. 1991
Модель памятника «Рождение Нового Света», установленного в 2016 году в Пуэрто-Рико
Бронза. 46 × 20 × 18

В 1989 году, в честь 500-летия легендарного похода флотилии Христофора Колумба и открытия Америки, было принято решение установить величественные памятники в Испании и Пуэрто-Рико. В международном конкурсе, в котором приняли участие крупнейшие художники мира, победил Зураб Константинович Церетели. Первая часть проекта — 45-метровая монументальная композиция «Рождение Нового Человека» была установлена в 1995 году в Испании, в гавани Севильи, откуда Колумб уходил в плавание. Вторая часть — 126-метровый монумент «Рождение Нового Света», установленный в 2016 году в Пуэрто-Рико (rah.ru). Очевидно, наша модель, изготовленная в 1991 году и в деталях отличающаяся от большого памятника, выполнялась как раз для конкурса. Но в металле эта авторская идея воплотилась только через четверть века.

Следующий раздел каталога посвящен творчеству шестидесятников-нонконформистов.

ИШИН Александр Владимирович (1941–2015) Сбор урожая. 1967
Холст, масло. 102,7 × 70

«Сбор урожая» (1967) Александра Владимировича Ишина — одна из ранних работ художника. Вся в переливах цвета и солнечного цвета, эта динамичная композиция привлекает взгляд какой-то романтичной чистотой и свежестью. Кстати, чистота, при всей поздней интереснейшей трансформации авторской стилистики, до самого конца осталась отличительной чертой картин Александра Ишина. «…Мастер предпочитает атрибутику нашего прагматичного времени — иронию, задор, насмешки, парадоксы. Недаром автор стоял у истоков советского нонконформизма, находился в самой сердцевине борьбы с консервативной системой за новое искусство. Чтобы быть понятыми властью, первопроходцам и возмутителям спокойствия нужно было найти оружие против партийных лакировщиков действительности с их механическими схемами, стандартами и шаблонами. Главным козырем в напряженном и мучительном диалоге стала романтика с привкусом иронии. А в качестве поля битвы прекрасно подходил господствующий в эпоху хрущевской “оттепели” бренд — коммунизм. Перед Ишиным и его соратниками стояла задача противопоставить официальную, казенную романтику — неофициальной, искренней, неформальной. Косности и замшелости власти — романтику строительства светлого будущего, в которое, по большому счету, никто не верил. Отсюда и ироничный взгляд на мир. Тактика и стратегия родились сами собой: не выдавать утопию за реальность, а отделить искусство от идеологической конъюнктуры, используя все многообразие стилей и направлений. Как и все классические шестидесятники, Ишин на всю жизнь остался романтиком с ироничным мировоззрением» (Игорь Дудинский, artinvestment.ru). Картина «Сбор урожая» опубликована в альбоме «Александр Ишин. Иерархия простоты. Живопись. Графика» (М., 2013), вышедшем при жизни художника.

ВЕЙСБЕРГ Владимир Григорьевич (1924–1985) Две раковины и вазочка. 1970
Холст, масло. 36 × 48

Живописная композиция «Две раковины и вазочка» (1970) Владимира Григорьевича Вейсберга — работа «белого» периода творчества художника. «…Принципиальное своеобразие Вейсберга состоит в том, что его творчество, в противоположность перманентному новаторству авангардизма, дает некий культурно-преемственный синтез. …Оставаясь в рамках традиционно-предметного мышления, опирающегося на принципы гармонизации цвета, Вейсберг придал ему свое, вполне оригинальное истолкование. В отличие от Сезанна (его влияние было определяющим  для Вейсберга до начала 1960-х годов), создавшего модель обозримого цветоконструктивного построения картины, русский художник выдвинул свою, на первый взгляд “абсурдную” идею “невидимой живописи”, получившей также название стиля “белое на белом”. Однако вещи зрелого Вейсберга убеждают в плодотворности этой идеи, вернее целого идейного комплекса, смысл которого можно было бы определить как переключение живописи от чувственно-эмоционального восприятия цвета на интеллектуально-чувственное по преимуществу. …Цвет у него дифференцируется на тысячи невидимых (действительно невидимых) частиц, образующих совершенно неповторимую, насыщенную тональными колебаниями и как бы изнутри светящуюся субстанцию…» (Е. Б. Мурина). Работа в 1994 году экспонировалась на персональной выставке «Владимир Григорьевич Вейсберг (1924–1985). Живопись. Акварель. Рисунок» в Третьяковской галерее и опубликована в ее каталоге. О художнике читайте сегодняшнюю публикацию в рубрике «Художник недели».

СВЕШНИКОВ Борис Петрович (1927–1998) Отблеск ужаса. 1985
Бумага, тушь. 29,5 × 41,5 (лист), 27,2 × 39 (изображение)

Как всегда, полна многочисленными иррациональными деталями работа тушью на бумаге «Отблеск ужаса» (1985) Бориса Петровича Свешникова, выполненная в характерной филигранной авторской технике.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Валет-гитарист. 1991
Картон, акрил, уголь, графитный карандаш, восковая пастель. 75,4 × 54

Работа «Валет-гитарист» (1991), как отмечает эксперт, это «уникальное произведение Владимира Николаевича Немухина из его цикла композиций с карточными валетами, инспирированных различными рефлексиями и ассоциациями. В… строгой и лаконичной композиции «Валет-гитарист» В. Н. Немухин блестяще соединяет увлечение карточными раскладами и игровыми комбинациями с интересом к искусству художников русского авангарда 1910–20-х годов, творчество которых стало неисчерпаемым источником вдохновения для многих советских художников-нонконформистов».

АЛФЁРОВ Сергей Александрович (1951–2004) Дон Кихот (Мельница). 1996
Бумага, гуашь, масло, графитный карандаш. 85,6 × 60,4

В 1996 году написана яркая композиция «Дон Кихот (Мельница)» Сергея Александровича Алфёрова. Художник родился и вырос в Ташкенте, в русской семье потомственных интеллигентов. Выставляться в Ташкенте Алферову не дали, не поняв его «странного» искусства, и в начале 1970-х он уехал в Москву где работали многие известные художники-нонконформисты. В столице первое время жил, где придется, скитался по квартирам знакомых и мастерским своих коллег. Участвовал в «бульдозерной выставке», просмотре картин в Измайлово, вступил в «живописную секцию» при Горкоме графиков на Малой Грузинской, что позволило ему стать «официальным» художником и перестать скрываться от охотившейся за «тунеядцами» милиции.

Общение с Анатолием Зверевым оказало большое влияние на личность и творчество Алферова, позволило ему укрепиться в осознании правоты избранного им творческого пути. Мотив Дон Кихота, сражающегося с мельницами, часто встречается у шестидесятников, в том числи и у Зверева. Алферов же создает своего «Дон Кихота» через 10 лет после смерти Зверева — и весь строй работы совсем иной: образы призрачны, а сам Дон Кихот как будто изучает мираж, возникший перед ним. Он философ и мистик, и в этом он близок своему автору, который «при первой же возможности уезжал в горы — набираться духовного опыта. Исходил весь Памир, посещал местных мудрецов, жил в коммунах — среди таких же, как он, искателей мистических откровений» (mmoma.ru). Состоится ли поединок и в каком призрачном мире? И что станет оружием?

«Он творил свою мифологию из первозданного хаоса цвета. Погружался в работу на несколько суток. Посреди комнаты на циновке сидел на корточках погруженный в себя полудервиш-полухиппи — непременно в наушниках, медитирующий под восточную музыку или джаз. Вокруг — хороводы незавершенных листов. Цветы, птицы, бабочки, рыбы, черепахи, архитектурные сооружения. Все они смиренно дожидались последних прикосновений мастера — страстных, темпераментных, импульсивных. Вся помещение заставлено банками, пузырьками и тюбиками с гуашью, акварелью, тушью, темперой, чернилами, типографской краской. У ног разбросаны кисти, фломастеры, мелки. Алферов считал, что бумага сама провоцирует художника на творчество» (mmoma.ru).

НЕИЗВЕСТНЫЙ Эрнст Иосифович (1925–2016) Без названия. 4 офорта
Бумага на картоне, офорт. 72 × 30 (общий размер), 16 × 12,7 (каждого изображения)

Не датирован лист «Без названия» с 4 офортами Эрнста Иосифовича Неизвестного, одного из лучших мастеров печатной графики среди шестидесятников.

Завершающий раздел каталога — творчество современных художников.

КОНЫШЕВА Натта Ивановна (1935) В гостях. 1994
Холст, масло. 72,2 × 51

С первого взгляда в холсте «В гостях» (1994) узнается авторская стилистика Натты Ивановны Конышевой, и все-таки он не совсем обычен. Художница населяет холст персонажами (что привычно), но не заполняет каждый свободный сантиметр поверхности антуражем (что непривычно) и тем самым усиливает значение отношений между персонажами и немногочисленных деталей. Как всегда у Конышевой, на холсте одновременно существует сразу несколько сюжетов, они могут пересекаться или существовать совершенно самостоятельно; эта художница не пишет на холсте «романов», ее жанр — «короткие рассказы» — эмоциональные, веселые, иногда загадочные, иногда трогательные, но всегда ироничные.

КИСЛИЦЫН Игорь Васильевич (1948) Корабль пейзаж. 2006
Картон, масло. 36,5 × 56,5

В работе «Корабль пейзаж» (2006) Игоря Васильевича Кислицына, как и в ряде других его произведений, мы встречаемся с мотивом Черного Солнца, однако в данном случае оно не главенствует в композиции, а скорее, существует в ней наравне с другими знаками и символами. Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Игорь Кислицын»

КАБАН-ПЕТРОВ Михаил Николаевич (1966) Верба. 2011
Холст, масло. 124 × 80

В 2011 году написан большой холст «Верба» Михаила Николаевича Кабан-Петрова. Реализм восприятия окружающего мира, понимание этого мира как объективной реальности материализуется у художника в живописных размышлениях о содержании и смысле этой реальности. «В работе люблю процесс как таковой. Особенно срединную его часть, когда ты уже оттолкнулся от первоначального замысла и сама работа начинает вносить корректировки и вести тебя к конечному варианту. То есть, в итоге всегда получается немножко не то, немножко другое. Поэтому к творчеству отношусь, как к чуду. В том, что пишу или собираюсь написать, вижу прежде всего Явление. Явление-Хлеб, Явление-Лодка, Явление-Воздух, Явление-Ветер и так далее» (Михаил Кабан-Петров).

Искусствовед Ирина Маршева пишет: «Вспомним — “чем больше пауза — тем больше актер”. Живопись — это пауза времени и пространства. Художник Михаил Кабан-Петров осваивает этот удивительно действенный прием, он держит паузу, давая зрителю шанс в тишине искусства осознавать нечто важное и неизменно сущее» (russianartparisru.wordpress.com).

Одновременно с нашим штатным 352-м AI Аукционом открыт 38-й кураторский аукцион «Оттенки серого» («XXI век. Современное российское искусство»). В каталоге собраны работы Семёна Агроскина, Валерия Бабина, Андрея Бисти, Фарида Богдалова, Димы Горячкина, Наталии Жерновской, Ирины Корсаковой, Кати-Анны Тагути, Наталии Турновой, Марии Шалито.

Всем желаем удачи на 352-м AI-Аукционе и 38-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.