Открыты 350-е торги AI Аукциона и 36-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   06 октября 2020

В сводном каталоге — 30 лотов: 16 живописных работ, 3 листа оригинальной и 1 — печатной графики, 7 работ в смешанной технике, 2 скульптуры и 1 керамическая композиция

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 350 и 36-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 350-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 36-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Открывает каталог раздел творчества художников Русского Зарубежья.

ГОНЧАРОВА Наталия Сергеевна (1881–1962) Испанка. Эскиз костюма. 1920–40-е
Бумага, графитный карандаш, гуашь, коллаж. 61 × 35,4

Испанская тема считается своеобразной визитной карточкой Наталии Сергеевны Гончаровой, автора эскиза костюма «Испанка» (1920–40-е). Первые «испанские» эскизы были сделаны в 1916 по заказу С. П. Дягилева для планирующихся и так и не реализованных постановок «Испания» на музыку М. Равеля и «Триана» на музыку И. Альбениса. В 1920–1921 годах художница выполнила эскизы испанских костюмов для номеров танцовщицы Элизабет Тулемон (псевдоним — Кариатис). На протяжении 1930–40-х годов Гончарова исполняла эскизы костюмов и декораций для спектаклей на испанскую тему: «Болеро» М. Равеля (1932) в постановке Брониславы Нижинской и «Колдовская любовь» де Фальи (1934), «Гойески» Э. Гранадоса (1939), многочисленных хореографических миниатюр. «Так как очень немногие эскизы были подписаны или датированы, то на данный момент разграничить, какие именно работы для каких постановок были созданы, затруднительно», — отмечает эксперт. Поэтому в нашей работе мы видим роскошный испанский женский костюм к неизвестной — пока неизвестной — постановке.

ЭРЬЗЯ Степан Дмитриевич (1876–1959) Женская голова
Дерево (кебрачо). 34 × 22 × 31,5

Скульптура «Женская голова» Степана Дмитриевича Эрьзи, создана, вероятно, в 1927–1950 годах, когда художник жил в Аргентине: на это указывает этикетка Galería Arroyo (Буэнос-Айрес). Эрьзю — поразительно талантливого скульптора — уже при жизни называли «русским Роденом».

Родился он в 1876 году в поволжской деревне, в семье потомственных бурлаков, работал в иконописной мастерской, учился живописи, скульптуре и медицине в Москве, жил и работал в Италии и Франции, приобрел известность, выполнял крупные заказы, экспонировался, из-за мошенника агента потерял виллу, мастерскую и 120 работ, в 1914 вернулся в Россию, в 1916-м призван на фронт, был санитаром, по возвращении жил в Москве, Екатеринбурге, Новороссийске, Геленджике, Батуми, Баку, вернулся в Москву; объем сделанного за эти несколько лет — и в творчестве, и в преподавании, и в общественной жизни — поражает… Отправившись в командировку во Францию в 1926-м, остался в Париже. После персональных выставок в галерее «Шарпантье» и во Дворце изящных искусств, заслуживших восторженные отзывы в прессе, вновь получил признание. В 1927 принял предложение устроить выставку в Монтевидео, отправился в Латинскую Америку. Однако, не получив уругвайской визы, осел в Аргентине. Быстро приобрел известность, одним из первых его заказчиков стал президент Аргентины. Много работал и экспонировался, о его творчестве было написано несколько монографий. В 1947 написал И. В. Сталину письмо с просьбой разрешить ему вернуться в Советский Союз и, получив разрешение, в 1950 приехал в Москву. В 1950 создал портрет Сталина. В 1954 в залах МССХ прошла персональная выставка Эрьзи. В 1955 награжден орденом Трудового Красного Знамени.

С деревом Эрьзя начал работать в середине 1920-х в Баку. В Аргентине для своей работы использовал преимущественно чрезвычайно твердые сорта тропических деревьев — квебрахо (кебрачо) и альгарробо, которые обрабатывал при помощи специально изобретенной им пневматической машины.

ЦАДКИН Осип Алексеевич (1890–1967) Четыре переплетенные фигуры (Quatre personnages enlacés)
Бумага с водяным знаком Arches, цветная литография. 76,2 × 57 (лист), 65 × 48 (изображение)

Единственный образец печатной графики в каталоге — тиражный лист «Четыре переплетенные фигуры (Quatre personnages enlacés)» Осипа Алексеевича Цадкина, отпечатанный в типографии Erker-Presse, St. Gallen (Швейцария). Лист не датирован, однако можно уверенно предположить, что выполнен он в середине 1960-х годов: типография Erker-Presse была открыта в 1962 году, известны литографии Цадкина, выполненные в Erker-Presse и датированные 1965-м годом, а в 1967-м художник ушел из жизни. Тиражные листы «Четыре переплетенные фигуры» крайне редко появляются в открытой продаже. Один из них, из числа авторских экземпляров, хранится в парижском Музее Цадкина.

Следующий раздел каталога представляет творчество мастеров, работавших в советское время.

КЛЕВЕР Юлий Юльевич (1882–1942) Натюрморт с рыбой и кухонной утварью. 1919
Холст, масло. 64 × 85,8

Кисти Юлия Юльевича Клевера-младшего принадлежит «Натюрморт с рыбой и кухонной утварью» (1919). Сын знаменитого пейзажиста, поначалу он учился у отца, три года занимался в Академии изобразительных искусств в Мюнхене (1906–1908). Выставляться начал в 1898 году, экспонировался на художественных выставках Санкт-Петербургского товарищества художников, Товарищества художников, Товарищества имени А. Куинджи и других. В 1910 году провёл персональную выставку в Москве. Преподавал в Рисовальной школе ТПХ в Петербурге (1902–1906, 1909–1917). Жил и работал в Петербурге — Петрограде — Ленинграде. Умер в блокаду. Работы его представлены в Ульяновском, Краснодарском, Рязанском художественных музеях, в частных собраниях.

Клевер-младший начинал с пейзажей, но в историю русского искусства вошел как мастер натюрморта. Чаще всего он писал букеты цветов, фрукты, ягоды, грибы и овощи, и конечно, натюрморты с рыбой. Композиции его натюрмортов почти всегда классические. Центр холста отмечен букетом или постановкой из крупных фруктов, дальше по ниспадающей располагались боле мелкие предметы или детали. Фон работ оставался нейтральным, но был не однородным, фактурным.

Особенно запоминаются зрителю натюрморты с рыбой во всем разнообразии и раками. Крупные окуни, карпы и щуки с блестящей чешуей, представленные на холсте, необычайно живописны и колоритны. Художник сам был заядлым рыбаком и писал водоплавающих всех мастей с натуры. Его карпы были настолько убедительны, казалось, что они чуть ли не бьют хвостом и раздувают жабры (artlot24.ru). Одна из двух рыб в нашем натюрморте, безусловно, щука, а вторую пусть определят коллеги художника по отдыху с удочкой.

СТЕНБЕРГ Владимир Августович (1899–1982), СТЕНБЕРГ Георгий Августович (1900–1933) Эскиз женского костюма к спектаклю-обозрению «Кукироль». 1925
Бумага, гуашь, тушь, графитный карандаш. 39 × 29 (в свету)

В 1925 году выполнен «Эскиз женского костюма к спектаклю-обозрению “Кукироль”». Авторы — братья Владимир и Георгий Стенберги — создали этот костюм к постановке Камерного театра Александра Таирова, премьера которой состоялась 26 ноября 1925 года. В дополнительной картинке к лоту приводится фотография из журнала «Советское искусство» за 1926 год, на которой актриса (слева) одета в платье, сшитое, похоже, именно по этому эскизу. В 1920-е годы обозрения были очень распространенным и чрезвычайно популярным театральным жанром, над ними работали известные сценаристы, драматурги, композиторы и художники. Эти сатирические авангардные театральные постановки 1920-х были выполнены скупыми средствами и в большинстве своем очень талантливы. Имена тех, кто их создавал, позже составили золотой фонд советского театра, кино, музыки и даже балета.

ЛЕПОРСКАЯ Анна Александровна (1900–1982) Натюрморт с желтой грушей. 1926
Холст, масло. 35,5 × 35,5

Холст «Натюрморт с желтой грушей» (1926) Анны Александровны Лепорской относится к периоду ее учебы и работы в Гинхуке под руководством Казимира Малевича. Всего годом ранее она закончила обучение в петроградских Государственных свободных художественных мастерских — Вхутемасе у К. С. Петрова-Водкина, и его влияние вполне отчетливо проявляется в композиции и цветовом решении нашего строгого и лаконичного натюрморта.

БРИТОВ Ким Николаевич (1925–2010) Серый день. 1972
Картон, масло. 42 × 49,5

Ким Николаевич Бритов, автор пейзажа «Серый день» (1972) — один из трех художников (Ким Бритов, Владимир Юкин, Валерий Кокурин), показ которых на выставке «Советская Россия» в 1960 году ознаменовал рождение нового явления в отечественной культуре — владимирской живописной школы. Искусствовед Платон Павлов писал: «Поиски цветовой яркости потребовали от художников решения некоторых специфических живописно-декоративных задач. Работа „открытыми“ тонами прежде всего отражается на живописной передаче пространства. В этих случаях простое ослабление цветовой насыщенности путем размывки или разбеленности тонов на дальних планах может нарушить необходимое единство цветового решения.

Поэтому в картинах владимирцев нередко задние планы не менее интенсивны по цвету, чем передние, однако качественно цветовой фон, которым они написаны, таков, что у зрителя не исчезает впечатление пространства. Художники достигают этого путем особенно точного подбора и сочетания цветовых тонов. Такая живописная система влечет за собой необходимость особым образом строить композицию.

Не случайно у владимирских художников главный узел, центр композиции — какое-либо здание или дерево — часто являются и наиболее интенсивными по цвету. Но особенно важную роль в их полотнах играет цветовой ритм. Художники не боятся повторять пятна одного и того же тона, развертывая их на полотне. Характернейшим приемом владимирских пейзажистов является использование высокого горизонта и высокой точки зрения.

Этот прием усиливает декоративность. Небо в полотнах обычно занимает самое скромное место: оно либо проглядывает где-то между домами, либо изображается в виде узкой полоски под верхней планкой рам. Порой его вообще нет. Зато земля напоминает цветистый ковер. Деревья, дома, улицы иногда расположены как бы ярусами. Что касается техники, то живопись, чаще пастозная, отличается у владимирских художников энергичным, широким мазком» (britov.ru).

Самый крупный и поистине роскошный раздел — как по именам, так и по качеству собранных работ — представляет в этот раз творчество шестидесятников.

КРАСНОПЕВЦЕВ Дмитрий Михайлович (1925–1995) Бутыль, свиток, книга, ключ. 1969
Оргалит, масло. 49,5 × 32,5

«Существует красота настолько хрупкая, неопределимая, эфемерная, — писал художник, — что обязательно должна быть заключена в строгую, жесткую раму в прямом и переносном смысле — раму формы, иначе она ускользнет и испарится, как драгоценные духи из незакрытого флакона» (Цит по: Дмитрий Краснопевцев. М.: Галерея «Дом Нащокина», 1995. С. 28). Редкая ранняя работа «Бутыль, свиток, книга, ключ» (1969) «относится к характерным и узнаваемым натюрмортным вещам Дмитрия Михайловича Краснопевцева второй половины 1960-х годов. Она написана в той живописной манере, которая сформировалась у автора к этому времени. На натюрморте “Бутыль, свиток, книга, ключ” изображенные предметы находятся в сложном взаимодействии и хрупкой гармоничной связи между собой, что важно для подобных метафизических картин Д. М. Краснопевцева. Палитра этого натюрморта сложная, изысканная и благородная», — пишет эксперт. «В 1968–1969 годах Краснопевцев обретает столь нужную ему гармонию. Найдена цель, найден метод, далее начинается расцвет зрелого художника.

Именно в эти годы Краснопевцев полностью обрел себя, происходит освоение “языка реальности”, художник создает свой тип натюрморта. Именно тогда сложился его “метафизический” строй, тогда же созерцание было осмыслено как творческий принцип и сложился, хотелось бы сказать, наркотический характер творческого процесса: герметичность художественного произведения, логическая завершенность метода замыкают творчество Краснопевцева в себе и, одновременно, открывают и даже предопределяют путь в будущее.

Уже в первых работах 70-х годов (а точнее… еще в 1969 году) художник открывает для себя выразительность статики. Ее скрытая подвижность, ее архитектоника обладает большей выразительностью, чем динамика скрученных, активизированных форм» (Ростислав Климов. Искусство Краснопевцева // Дмитрий Краснопевцев. М.: Галерея «Дом Нащокина», 1995. С. 20)

ЧУБАРОВ Евгений Иосифович (1934–2012) Собака. 1960-е (?)
Бумага цветная, окрашенная в массе, гуашь. 49,6 × 73,4

Предположительно, в 1960-х годах нарисована гуашевая собака на цветной бумаге Евгения Иосифовича Чубарова. В 1959 году Чубаров, который не имел художественного образования, а обучался гравировке по металлу и профессии ювелира и оформителя декоративного оружия в прикладном училище уральского Златоуста, переехал из Саратова в подмосковный Загорск (ныне Сергиев Посад) и познакомился со скульптором Д. Ф. Цаплиным, ставшим его первым наставником на поприще изобразительного искусства. Работая помощником в мастерской Цаплина, Чубаров перенял у него многие художественные приемы, интерес к изображению животных и, очевидно, особое отношение к изображению формы в пространстве. Влияние Цаплина — стремление к упрощению форм, огрублению их, уход от сугубой вещественности, реалистичности к обобщенной форме — характерно как для скульптуры Чубарова тех и последующих лет, так и для фигурок зверей Цаплина.

Работы Чубарова 1960–70-х отличаются подчеркнутой фигуративностью, почти витальной осязательностью форм и неповторимой экспрессией, характерной, впрочем, и для более позднего творчества художника. И вот в нашей «Собаке» уже вполне ощутима та мощь, сила и невероятная энергетическая заряженность, о которой позже, посетив в 1978 или 1979 году мастерскую Чубарова, писали Илья Кабаков («Мы были в гостях у живого гения») и Виталий Пацюков («Это мамонт в замерзшей глыбе. В этой глыбе он пережил всю эволюцию — от амебы до настоящего времени, записал ее на свой hard drive и, как только его разморозили, сумел выдать накопленную информацию в одну плоскость»). О художнике читайте на AI: «Художник недели: Евгений Чубаров».

СИДУР Вадим Абрамович (1924–1986) Мужчина и женщина. 1971
Бумага, фломастер, тушь. 32 × 24

В 1971 году выполнена красивая фантазийная и очень благородная графика — парный портрет «Мужчина и женщина» Вадима Абрамовича Сидура. В отличие от многих лаконичных и даже отчасти минималистичных рисунков художника и скульптора, где законченный образ создавался несколькими линиями, в нашем сегодняшнем рисунке тщательно проработаны многочисленные детали странных, но очень выразительных лиц.

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Владимир Немухин в мастерской. 1983
Картон, черный карандаш, темпера. 69,5 × 56

Поразительной теплоты работа — «Владимир Немухин в мастерской» (1983) Анатолия Тимофеевича Зверева. Она написана «во время одной из художнических встреч-посиделок. Это уверенная, виртуозная и свободная работа, выполненная на хорошем для творчества Зверева 1980-х годов уровне, которая прекрасно передает его мастерство портретиста, рисовальщика и акварелиста», — пишет эксперт. В неопубликованном интервью AI Немухин рассказывал: «Зверев у меня жил, да много лет, преимущественно зимой. Летом я обычно уезжал в деревню, а он туда не ездил. Теперь жалею, что не брал его туда с собой. Когда мы разошлись с Мастерковой, был 1969 год, мне пришлось искать мастерскую из нежилого фонда. Тогда появляется у меня Зверев.

Умер он в 1986 — и все эти много лет мы плотно общались… <…> Бывало, откроешь дверь, а он на пороге спит.

— Почему не позвонил?

— Я тебя не хотел, старик, беспокоить.

… У нас была одна мастерская с Вечтомовым на двоих, и Зверев спал там у меня на лавке или на полу. Потом мы сделали ему широкую доску, и он спал у нас на кухне» (forum.artinvestment.ru). Авторы мемуаров о Звереве не раз отмечали, что тот мало кому доверял, а так, как Немухину, — никому. Наверное, поэтому в нашей картине так трогательно написан портрет Владимира Николаевича: художник в черном берете, запечатленном на многих фотографиях, устало сидит у стола с белой чашкой в руках.

И еще одно интересное воспоминание. Владимир Немухин писал: «Его “АЗ” всегда очень органично входило в композицию картины. Часто подпись соединялась с годом. Я помню, как счастлив он был в 1983 году, потому что цифра “3” читалась одновременно как буква “З”. Он получал удовольствие от этой каллиграфической подписи, которая выглядела на рисунке почти как китайская печатка (design.wikireading.ru). И именно такая подпись завершает нашу работу.

ТАБЕНКИН Илья Львович (1914–1988) Старый Арбат
Холст (дублирован), масло. 64 × 72,3

Уголок старого Арбата запечатлен на одноименном холсте Ильи Львовича Табенкина. Работа выполнена в духе московской пейзажной школы, не датирована.

ПУРЫГИН Леонид Анатольевич (1951–1995) Леди Годива. 1989
Холст, масло. 66,5 × 88,5

Легендарный образ Леди Годивы — супруги графа Леофрика, проехавшей по городу на лошади обнаженной для того, чтобы муж снизил непомерные налоги, взимаемые с горожан, — веками волновал людей искусства. И сколько ни звучали сомнения хронистов и вторивших им ученых, изучавших средневековые тексты, образ прекрасной обнаженной всадницы вдохновлял все новых и новых мастеров — художников, скульпторов, писателей и поэтов. Своеобразное и при этом узнаваемое авторское воплощение легенды о Леди Годиве предстает перед нами в одноименной композиции маслом, написанной в 1989 году «гениальным Леней из Нары» — Леонидом Анатольевичем Пурыгиным. Художник не погрешил против легенды, которая гласит, что горожане, прослышав о грядущем событии, затворились в домах и закрыли ставни из уважения к чистоте Леди Годивы. Вокруг всадницы нет ни одного реального человека, зато есть пурыгинские кибиасики — маленькие человечки с большими головами, и еще какие-то эльфоподобные летающие существа. Замечательно, что, при абсолютной оригинальности композиции Пурыгина, ее очевидно роднит с большинством многовековых воплощений явственное впечатление трогательности, чистоты происходящего.

ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич (1937–2012) Композиция с цифрами. 1989
Картон на картоне, темпера, коллаж. 59,5 × 53,4 (лист), 64 × 61 (картон)

«Композиция с цифрами» (1989) Эдуарда Аркадьевича Штейнберга, как отмечает эксперт, это характерная для творчества автора «1980-х — 2000-х годов работа, написанная в придуманной и выработанной им живописной системе, построенной на основе переосмысления и дальнейшего развития живописного языка супрематизма К. Малевича». На вопрос о поиске своего пути в искусстве художник отвечал, что к пониманию геометрической абстракции «пришел через русский авангард, прежде всего через супрематизм Казимира Малевича. Но я практически ничего нового не открыл, я только дал русскому авангарду другой ракурс. Какой? Скорее, религиозный. Свои пространственные геометрические структуры я основываю на старой катакомбной стенописи и, конечно, на иконописи. Моя маленькая заслуга состоит в том, что я чуть-чуть повернул русский авангард. Но, с другой стороны, я развиваю в своих работах традиции русского символизма… <…> Внутренняя концепция моих произведений, таким образом, строится на синтезе мистических идей русского символизма десятых годов и пластических решений супрематизма Казимира Малевича» (источник: books.google.de).

ПЛАВИНСКИЙ Дмитрий Петрович (1937–2012) Джорджия идёт на посадку. 2003
Холст, акрил, песок, масло. 127 × 81,5

По просьбе AI работу прокомментировала вдова художника Мария Плавинская.

«ДМИТРИЙ ПЛАВИНСКИЙ
“ДЖОРДЖИЯ ИДЕТ НА ПОСАДКУ”. 2003
127 × 81 см
Холст, акрил, песок, масло…
На обороте — подпись, название, год, размер и надпись
“Дима Диме на память” — игра слов, вернее имен, — посвящение  первому владельцу этой работы. На самом деле картина посвящена совершенно другому человеку — и это в названии.
Наклейка говорит об экспонировании ее на персональной выставке работ Плавинского в ГТГ в Лаврушинском переулке в 2004 году.

Работа относится к американскому периоду.

Парящий в невесомости Панцирь Черепахи.

Игра света, разнообразие фактуры.
Оптические эффекты.
Лессировки, создающие бездонную глубину пространства.
Золотой ассист и гармония золотой пропорции (Ф = 1,618) как панциря, так и самой работы.
Знакомая отстраненность автора и очень точная манера письма.

Картина характерна и загадочна одновременно.

В названии оммаж американской художнице Джорджии О'Кифф.
Она искала душевного равновесия и предпочла уединение в пустынных просторах Нью-Мехико шумной городской суете Нью-Йорка.
Она рисовала найденные там выбеленные солнцем черепа животных и цветы, поднятые на щит феминистками и сделавшие ее знаменитой.
Она думала о жизни и смерти и находила гармонию в мире природы.

Белые щетки панциря с кракелюрами, очищенные временем от защитных пластин кости, сродни обнаженным черепам Джорджии О'Кифф и говорят о течении времени.

Названием работы Плавинский не объясняет сюжет, а дополняет и расширяет тему по своему методу «структурного символизма».
Вся работа строится по этому методу. От зарождения Образа до его воплощения. Структура и символ, в котором уже заложено Время, —
Альфа и Омега Плавинкого.

Доисторическое животное, дожившее до наших дней, — Черепаха, со своей сложной геометрией и симметрией, ставшая одним из древнейших символов, вошедших в мифологию и эпос многих народов, — один из его любимых символов.

Плавинский каждый раз придает ему новое прочтение.

Символ Черепахи — сквозной стержень Образа и говорит о Времени —
мифическом, середины 20 века, когда творила Джорджия О'Кифф и рубеже 20 и 21, когда сам автор жил в Нью-Йорке и был запущен телескоп Хаббл (2002), расширивший визуальное представление о Космосе.

Диагонали композиции пересекаются в центре самого большого щитка.
Он, как и большинство других, фактурный и со своим орнаментальным рисунком, маскирующим истинное строение панциря.
Игра света дополняет иллюзию и придает ей живую подвижность.

Центр тяжести немногих белых щитков задает круговое движение.
Ассиметрия белых щитков — потенциальное движение в распределении тяжести — задает винтовое движение против часовой стрелки из глубины пространства вперед.
Джорджия идет на посадку — но куда?
Символ летит прямо на нас!

Панцирь Черепахи со световым расширением летит в пространстве на нас, непрерывно меняя свою живую игру оптики, и фактуры, и золота.

Символ Черепахи представлен во всем великолепии и многообразии значений.

Сияние и Блеск.
Глубина и Космический масштаб.
Игра ума и света.
Иллюзорность и Ассоциативность.
Двойные значения и Контрасты.

Это самая американская из всех Черепах Плавинского.

Черепаха — светящийся изнутри символ, несущий в себе представление о Гармонии Мироздания и о Времени.

Черепаха — зримое воплощение сакральных законов геометрии и прежде всего принципа пифагорейской золотой пропорции Мироздания, рождающей Движение Жизни.

В далеком прошлом китайцы гадали по трещинам на панцире Черепахи, чтобы узнать о приближающемся Будущем.

Скрытая симметрия паттерна панциря черепахи, послужившая основой даосской космогонии Багуа с жизненной энергией Цы и фундаментальным принципом Бытия — единством противоположностей Инь-Янь.

Черное — Белое.
Покой и Движение.
Шершавое и Гладкое.
Иллюзорное и Материальное.
Далекое и Близкое
и так далее.
Все двойные понятия в этом Образе соответствуют
космогоническим представлениям как Востока, так и Запада.

Образ Черепахи — ориентир в Пространстве и Времени, объединивший
древние знания и живое впечатление автора от жизни в Нью-Йорке
(Мария Плавинская, 4 октября 2020)».

НЕЙ (Удино-Нежданов) Александр (1939) Череп в разноцветный горошек (Colourful Polka Dot Skull). 2006
Терракота, роспись. 12,5 × 18,5 × 14

Александр Ней представлен в каталоге работой «Череп в разноцветный горошек (Colourful Polka Dot Skull)» (2006), выполненной из расписанной терракоты. Несмотря на большое количество цветных терракотовых произведений, в первую очередь творчество Нея ассоциируется с ажурными, будто связанными крючком, а на самом деле выполненными путем ювелирной работы хирургическими и стоматологическими инструментами белые терракотовые биоморфные композиции: черепа, головы, птицы и пр. «Череп…» — очередное воплощение одного из любимых мотивов мастера, восходящего к культуре шумеров, африканской скульптуре и даже древним наскальным рисункам. «Его керамика, в первую очередь загадочные терракоты, — украшение любой коллекции. Работы ленинградского художника, скульптора находятся в значительных частных собраниях “другого искусства”, в фондах и в экспозициях ведущих музеев страны.

Александр Ней (Нежданов) — представитель скорее тихого, метафизического направления в “другом искусстве”. Что его отличает? Самобытный язык, 100% узнаваемость скульптур с 1970-х годов, а также выбор тем, позволяющих просто довериться красоте и мысленно сбежать от повседневности. В отличие от многих представителей своего круга, художник концентрировался прежде всего на творческих задачах, а не на протестных. Отношения с системой он выяснил иначе, уехав из СССР… в 1972 году. За спиной остались опыт реставраторской работы в Эрмитаже, работа в качестве декоратора над киношедевром Козинцева «Король Лир». Но все это было очень давно» (forum.artinvestment.ru). В 2009-м в ГЦСИ состоялась обширная персональная выставка художника «В поисках смысла», где наряду с предметами из коллекции ГЦСИ и привезенными из-за океана сыном художника демонстрировались несколько работ из московских частных коллекций. Читайте об Александре Нее на AI: «Художник недели. Александр Ней».

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Игра на ломберном столе. 2008
Холст, графитный карандаш, акрил, шпон, игральные карты, коллаж. 60 × 60

«Игра на ломберном столе» (2008) Владимира Николаевича Немухина относится, как пишет эксперт, «к хорошо известному и популярному циклу произведений… с карточными раскладами и играми на ломберных столах. Эти сложно сделанные вещи строятся на живописно-пластических формулах, в основе которых достижения русского и европейского авангарда ХХ века и соединении карточных комбинаций. Подобный метод принес В. Н. Немухину успех и заслуженную популярность. Неслучайно, что наиболее удачные и интересные работы из этого цикла пасьянсов он неоднократно повторял». Прямые линии в центре холста отсылают к творчеству итальянского художника-модерниста и новатора Лючио Фонтана (1899–1968), картины которого с прорезями и разрывами принесли ему широкую известность. Им впервые со времен К. С. Малевича картина была преобразована таким радикальным способом. Позднее, в середине 1990-х, В. Н. Немухин экспериментировал с порезами на своих картинах, а в нашей работе о будущем обращении к этой технике говорят уверенные линии в центре композиции.

КУПЕР Юрий Леонидович (1940) Тюльпан
Холст, масло. 150, 2 × 100

Не датирован полутораметровый холст «Тюльпан» Юрия Леонидовича Купера. Эта красивая и благородная живопись относится к большой серии своеобразных «портретов» тюльпанов. Белые или розовые, прямые, склонившиеся, изогнутые, в разных композициях тюльпаны проступают из поверхности холста, как будто из тумана, проявляясь постепенно. В этой работе самым удачным образом соединилось все, что ценят в Купере любители и знатоки его творчества: узнаваемая авторская техника, чистота и лаконичность стиля, безупречный вкус. Помимо перечисленного, инвестиционную мотивацию покупки поддерживает правильный размер и декоративность, а все остальное — для души!

Завершают каталог работы современных авторов.

НЕСТЕРОВА Наталия Игоревна (1944) Пейзаж. 1973
Холст, масло. 112,4 × 100,4

В 1973 году написан «Пейзаж» Наталии Игоревны Нестеровой. «В первой половине 1970-х годов Нестерова завоевала известность композициями, переиначивающими канон соцреалистической фигурно-сюжетной картины: героико-идиллические сцены труда и отдыха сменились здесь образами некоего заколдованного царства, погруженного в оцепенение или абсурдную маету. Ключевое значение для нее имели в ту пору образы крымских, кавказских и прибалтийских “народных здравниц” и “домов творчества”» (ru.wikipedia.org).

«Да, странен, порой таинствен мир Натальи Нестеровой с ее условными персонажами, с лицами-масками, с карточными домиками и существами, с парковыми скульптурами, какие живее людей, с холодом и тоской старых зданий, с мертвыми и нападающими собаками, с нервными полетами птиц-кардиналов, с фантазиями автора, с ее умозрениями и с ее горячим житейским чувством, с ее гротеском и с ее элегическими любованиями, с ее озорством и с ее благонравием. Но это наш с вами мир. Другое дело, что он увиден истинным художником, каких доселе не было, а нам предложено: станьте соавторами, призовите на помощь свою душу, свой опыт жизни, свое мироощущение, и вы догадаетесь, ради чего живет и творит Наталья Нестерова. Но можно и не догадываться, а просто еще раз воспринять красоту и печаль жизни, тайны же пусть останутся тайнами» (Владимир Викторович Орлов. Таинственный мир Натальи Нестеровой, lib.ru).

СИТНИКОВ Александр Григорьевич (1945) Пегас. 1989
Холст, масло. 115 × 104,5

Автор нашего большого холста «Пегас» (1989) «Александр Григорьевич Ситников — академик Российской академии художеств — яркий представитель художников-семидесятников. Сам он определяет свой стиль как “наивно-иронический” лиризм. Он ставит перед собой задачу найти путь от чувства к глубинам подсознания. Для его творчества характерны опосредованность историко-культурных реминисценций, дух новизны, априорная художественная концепция.

Пластическая организация холстов создает ощущение гармонии, но это — гармония на краю краха. Феномен заключается в том, что Ситников цветом и ритмом украшает хаос. Художник выстраивает свою систему метафор, посредством которой передает всю сложность бытия» (art-life.biz).

К мотиву Пегаса Александр Григорьевич Ситников обращался не единожды. Принято считать, что крылатый конь — символ творчества и вдохновения. Да, и вдохновения тоже… В Античности, в Средние века, даже в XIX веке Пегаса поднимали на знамена царства, города, религиозные течения и считали символом самых разных понятий, чувств. Свою символику вкладывает в образ Пегаса и Александр Ситников.

Одновременно с нашим штатным 350-м AI Аукционом открыт 36-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство». В каталоге — Азам Атаханов, Алексей Ваулин, Наталия Жерновская, Игорь Кислицын, Виктор Крапошин, Андрей Мунц, Кирилл Протопопов, Катя-Анна Тагути, Наталия Турнова, Татьяна Ян.

Всем желаем удачи на 350-м AI-Аукционе и 36-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.