Открыт 69-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   07 июня 2021

В каталоге собраны произведения Сергея Базилева, Наталии Жерновской, Александра Витальевича Захарова, Александра Геннадьевича Захарова, Игоря Кислицына, Владимира Ковальчука, Виктора Крапошина, Ирины Раковой, Елены Самородовой и Сергея Сонина, Наталии Турновой

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 383 и 69-го аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 69-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 10 лотов — восемь живописных произведений, одна фотография и одна работа в смешанной технике

Сергей Базилев. Голубой танец. Из серии «Отчаянные танцы». 2017

Я очень не люблю обобщений. Мне кажется, что когда человек обобщает, он просто уходит от ответственности. Мне всегда нужна конкретика. Я люблю уточнения (Сергей Базилев, gallerix.ru).

Сергей Базилев — один из лидеров советского гиперреализма; ключевые проблемы которого он разрабатывает в живописи на протяжении десятилетий. Главная особенность направления и исходный материал для создания художественного произведения — фотографический образ. Важно отметить, что в 1970–80-е годы технические возможности не позволяли проецировать слайд прямо на холст, поэтому художники перерисовывали изображение с маленького проектора.

Советские гиперреалисты… интригуют зрителя всеми возможными способами, начиная от выбора тем — странных, захватывающих, шокирующих — и заканчивая эффектами живописной манеры. И если американские художники методично оттачивали технику гладкого сплавленного письма, то советские зачастую интересовались техническими сбоями и акцентировали неоднородность живописной поверхности, когда пастозные мазки могли соседствовать с прозрачными лессировками. В интерпретации советских «гиперов» картина реальности расслаивается, раскалывается и выглядит повреждённой множественными разрывами.

Сергей Базилев радикально обновил свою манеру и «вышел из сумрака» напряжённых и драматичных композиций конца 1980-х. Его постсоветские серии на первый взгляд решены в мажорных интонациях и наделены пленэрными качествами, как будто художник покинул мастерскую и начал работать в открытом пространстве. Этот переход из гипер- и фотореализма в импрессионизм не имеет отношения к историческому пленэрному импрессионизму, поскольку источниками для картин Базилева по-прежнему остаются фотографии в широком диапазоне — от архивных до современных снимков. А эффекты пленэрного освещения и свободная манера письма — это мнимые свидетельства непосредственности восприятия и естественности поведения в условиях некоего «искусственного рая» в эпоху постмодерна.

Доминанта пленэрных качеств определяет и выбор тем: вместо сюжетных композиций, претендующих на глобальное обобщение, художник предпочитает камерные портреты, сцены из частной жизни, пейзажные и натюрмортные мотивы. Сама эстетика пленэра — работы на открытом воздухе — стимулирует Базилева апробировать варианты уличного искусства и сводить их с традицией гиперреализма. Пленэр располагает к дальнему видению, и многие мотивы, зафиксированные в “упор” с помощью фотоаппарата, Базилев, соответственно, пропускает через дальнее видение. Таким образом ему удаётся совместить дистанцированный взгляд снаружи и максимально приближённый взгляд “изнутри” (как в ситуации создания “селфи”) (Кирилл Светляков, искусствовед, заведующий отделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи, sergeybazilev.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Сергей Базилев».

Наталия Жерновская. Прогулки Короля Людовика XIV. 2001–2021

«Наталия Жерновская художник известный. <…> И всякий раз, как верный последователь заветов Тимура Новикова и его Новой Академии изящных искусств (была основана в 1989 году), Наташа делает нам прививку Прекрасного.

Поначалу… это прекрасное было черно-белым. Затем начал появляться цвет… а в прелестных картинках “Прогулки короля Людовика XIV”… где королем-солнцем был сам Владик Мамышев-Монро (а кто бы смог еще?), Наташин соратник по академии и преданный приятель, она окончательно пришла к своему видению этого Прекрасного. Оно стало разноцветным. И хотя Наташа по-прежнему делает фотографии своим Nikon’ом, ее все больше и больше начинает занимать возможность изменения объективной реальности, данной нам в фотографии. Для чего она печатает снимки на акварельной бумаге разного формата. Затем ретуширует и раскрашивает пастелью и акварельными карандашами. Причем делает это в много слоев, каждый из которых покрывается лаком» (Юлия Логинова, foto-video.ru).

«Говоря более точно, рисует поверх фотографии, как живописец поверх карандашной прорисовки. Наталия может изменить цвет, контуры, добавить недостающие детали или убрать лишнее.

Жерновская работает в этой технике с 2000 года. Научилась она ей у Георгия Гурьянова. Раньше ее работы всегда были монохромные, в этой серии работ Наталья впервые использует различные цвета. Важно отметить, что мотивом к созданию “Прогулок короля Людовика XIV” послужила одноименная серия живописных картин Александра Бенуа. Интерес вызывает тот факт, что Бенуа и другие художники из круга “Голубой Розы” и “Мира искусства” создавали свои произведения, заимствуя образы из классических работ. Таким образом, они приближали ушедшую эпоху. Людовик XIV жил в XVII веке. Бенуа нарисовал свою серию в начале ХХ века. И вновь, в начале XXI века, Наталья Жерновская возвращается к теме Людовика XIV.

Более того, роль короля для данной серии фотографий играет Владислав Мамышев-Монро. Бесспорно, Монро обладает уникальным талантом перевоплощения. Его умение передать эпоху и интонацию монарха придало проекту убедительность. Несмотря на многовековую историю сюжета, художнице в этой серии работ удалось воссоздать эпоху барокко» (club.foto.ru).

«Мы все, рожденные в искусстве конца восьмидесятых — начала девяностых, воспитанные возможностью доверия идеалу в Академии Тимура Новикова, влюбленные в себя, и друг в друга, и в окружающий мир, полный сокровищ искусства и духа, остались бы навсегда простыми изваяниями той уходящей постепенно эпохи, но стиль и невесомое дыхание фотографии в произведениях и проектах Наталии Жерновской сохраняют биение жизни в мраморном сердце статуи нашего эстетического представлениях о месте человека во дворце, театре и возле огромного металлического корабля. И так далее...» (Елизавета Плавинская, искусствовед).

Александр Захаров. Ангелы и демоны. 2014

Для меня как художника с некоторых пор игрушки стали окошком в мир далекого детства, дверкой, за которой развернулась волшебная страна мечты, целая Вселенная. Маленький мир разворачивается в глубину до бесконечности, так же как для нас, взрослых, «большой мир».

Созерцание маленьких вселенных сильно повлияло на характер и размер моих картин. Миниатюра наиболее удобная для меня форма выражения. Я создаю «маленькое окошко», заглянув в которое и заинтересовавшись открывшимся за ним пространством, зрителю невольно приходится как бы «уменьшаться в размере», становиться маленьким. «Превратившись» в ребенка, он получает право попасть внутрь. В открывшемся мире, с виду совершенно реальном, существует «обратная перспектива»: маленькое порой важнее большого. Начав много лет назад с огромных картин-панорам, напоминавших плоский лубок, я пришел сегодня к развернутой в глубину миниатюре (Александр Захаров, cumir.ru).

Огромные работы искажают наше нормальное восприятие. Ребенок всегда видит не просто большую картину — он видит множество деталей. Из таких деталей и состоят мои работы. На них можно смотреть долго и каждый раз находить новые подробности. Именно так мы видели в детстве окружающий мир. Я пытаюсь «расковырять» и максимально расширить пространство (Александр Захаров, bolshoi.by).

У его работ есть еще одно важное свойство — «сверхплотность» поверхности: она безвоздушна, герметична, максимально концентрированна. Они как хороший цифровой исходник в тысячи пикселей, который можно растянуть на десятки метров (triumph.gallery).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».

Александр Захаров. Выключи свет. 2013

Выразительный женский образ создан кистью Александра Геннадьевича Захарова, автора холста «Выключи свет» (2013).

Яркая, но при этом лаконичная цветовая гамма, неоднородная фактурная поверхность, проработанная кистью, мастихином, процарапыванием, помогают художнику создать, скорее, собирательный образ, чем портрет конкретного человека.

Единственный декоративный элемент на холсте — небольшой фрагмент украшения прически. Все остальное — откровенно, без тайны, без флера, безжалостно. Она смертельно устала, даже не сбросила туфли на огромных каблуках, мы почти не видим ее лица со следами размазанного грима, она конечно пьяна и, скорее всего, голодна, ей мешает желтый свет единственной лампочки, который даже не добирается до темных углов помещения, она лежит в дешевой комнате, непроизвольно свернувшись, как будто хочет спрятаться в раковину, закрыться от всего и вся. Свет погаснет, и она провалится в тяжелый мутный сон.

Написав женщину, художник даже слегка, случайно не коснулся ее женской сути. Мы не знаем, какая она на самом деле — умная или глупая, веселая или мрачная, чувственная или холодная. Все, что мы видим, говорит всего лишь о ее профессии, работе, а что живет в душе этой современной обитательницы купринской «Ямы», и живет ли что-нибудь, — об этом художник умолчал, оставив зрителю возможность самому подумать и что-то для себя решить.

Игорь Кислицын. В сторону пурпура. Из серии «Неслыханная середина». 2021

Практически в любой художественной традиции есть изображения всадников, в европейской — это фольклорно-сказочные богатыри, витязи, языческие по происхождению, или рыцари, крестоносцы, воины средневековой христианской традиции, в том числе и канонические иконные образы Архангела Михаила, Георгия Победоносца и т.д. и т.п.

Всадник на коне — одна из моих программных тем. Для меня это образ-символ, это знак, Крест, иероглиф Центра, который мы носим в себе. Это и символ подчинения низшей природы высшей, обуздания животных страстей. Мои всадники ощутимо вертикальны по сути, они движутся поперек-наперекор инертности плоских земных низин. Всадник устремлен вперед и ввысь, за пределы возможного, в сам эпицентр Неведомого и невидимого, чаще всего обозначаемого в моих картинах знаком Черного солнца или иного светила. Красный цвет передает здесь мужественный жар огненного покорения материи, борьбы с земнородно-подземной энергией черного (Игорь Кислицын).

В определенный период творчества художника особо настойчиво звучит тема всадника, витязя или рыцаря, воина (реже — воительницы, напоминающая о Валькирии и о русском богатырском эпосе). Эта тема наметилась уже в апокалипсическом цикле, в том числе воплотившись в образах страшных и прекрасных всадников-мстителей, в образах последней битвы света и мрака.

В дальнейшем такая образность формирует самостоятельный, особо интересный и по сей день актуальный для художника цикл, где лейтмотив Всадника уже полностью доминирует, щедро варьируется живописно, углубляется в своей смысловой многослойности, одновременно увязываясь с темой Черного Солнца, восходящего в небе Героев. <…> В определенный период в работах все настойчивее дает себя знать неразрушимая цвето-триада — Черное, Белое, Красное, символически трактуемая как Почва, Дух, Кровь. <…> Эта цвето-триада чаще всего дополняется холодной синевой — цветом, связанным уже с христианской традицией, цветом Глубины и Высоты (Вера Родина, artinvestment.ru). Значение, которое художник придает цвету на своих холстах, естественно выплескивается в их названия. Всадник движется «в сторону пурпура», цвета достоинства, царственности и власти.

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Игорь Кислицын».

Владимир Ковальчук. Гавриил II. 2013

«“Иронический диалог” между классической европейской традицией и интуитивным подходом к использованию цвета и света», — так Владимир Ковальчук определяет художественное направление своего творчества.

Владимир Ковальчук — известный театральный художник, который выпустил около 200 спектаклей в различных театрах Литвы, Латвии, России, Канады, США, Франции, Италии, Бельгии, Германии, Украины, Румынии и других стран.

Создал несколько проектов с режиссером Анатолием Васильевым, основателем театра «Школа драматического искусства». Среди них «Вариации феи Драже» (ТЮЗ, Рига, 1987, «Амфитрион» (Комеди Франсез, Париж, 2002), «МедеяМатериал» (Школа драматического искусства, Москва, 2001) и другие.

В 2004—2006 годах в Театре на Таганке совместно с Юрием Любимовым выпустил два спектакля: «Суф(ф)ле» — свободная фантазия на тему произведений Ф. Ницше, Ф. Кафки, С. Беккета, Д. Джойса, и «Антигона» Софокла.

Сотворчество художника с Анатолием Васильевым началось в 1986 году в Риге, после того как Васильев познакомился с Ковальчуком-живописцем, и продолжается многие десятилетия.

В 2009 году в театре «Школа драматического искусства» прошла персональная выставка живописи Владимира Ковальчука «Размышления. Посвящения. Вариации», экспозицию которой составили более 30 полотен из разных циклов последних десятилетий, в том числе «Лама да Винчи», «Мадонна Дарвина» и другие.

Живописные работы Ковальчука хранятся в галереях и частных коллекциях по всему миру (gif.ru).

Виктор Крапошин. Автобус. 2020

Предметная, с подробными деталями, ясная живопись особенно привлекает меня. Набор тем, как мне кажется, стандартный для любого человека искусства: Жизнь, Любовь, Время, Смерть, Сбывшееся и Несбывшееся, Страх и Надежда. Главная моя задача (и не только моя) — найти свой язык для отображения настоящего времени и всего, что прошло через меня; того, что было когда-то настоящим, а теперь — прошлое (Виктор Крапошин).

У мужчин моего поколения одним из самых ценных качеств считалось наличие чувства юмора. У Вити Крапошина его столько, что хватило бы и на десятерых. А самое главное, что его юмор, а иногда самый чёрный, выплёскивался в его творчество. Все его картины, как золотой патиной, пронизаны этим чисто московским сарказмом и иронией. Позволю себе одну параллель: если в литературе у нас есть потрясающий Венечка Ерофеев с гениальными «Москва — Петушки», то в живописи у нас есть не менее блестящий Витя Крапошин со всем своим творчеством. В любой его картине есть трагизм одновременно с чёрным юмором, есть философские обобщения с хулиганским хихиканьем, а главное, есть любимый мной наш российский быт с советским душком, замешанный на самом настоящим концентрированном сюрреализме.

Виктор Сидорович Крапошин, как и большинство художников его поколения, не относит себя ни к какому художественному течению. Но мне, как его другу и поклоннику, кажется, что наиболее близкое определение — это фантастический реализм. Замешав суровый советский реализм в фантасмагорию своих снов и фантазий, он получил на выходе ни на кого не похожий стиль, а именно — совершенно фантастический реализм (Константин Кошкин, художник, искусствовед, yandex.ru/q).

Один из любимых авторских приемов — противопоставление деревни и города, светлой чистоты природы и каменных джунглей. В «Автобусе» даже нет деревни, ее роль выполняет огромное плакучее дерево, под которым играют дети, зато город, который обезумел в своих границах, рвется на свободу, пусть даже в тесном автобусе. Дома набьются в автобус, как безмашинные дачники в пятничный вечер, он увезет их на новое место, и там они снова будут расти, размножаться, стараясь заполнить собой все пространство, до которого смогут дотянуться. И хорошо, что хоть сколько-то их увезет автобус — подальше от живого дерева, за которое цепляются облака.

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Виктор Крапошин».

Ирина Ракова. Ангел. Из серии «Жизнь предметов. Стул». 2021

Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.

Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).

Живопись Ирины Раковой  — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает.

Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com ).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Ирина Ракова» .

Елена Самородова, Сергей Сонин. Fontana di Piazza Pietro d’illiria. Из серии «Гоголь. Рим. Из Третьего в Первый». 2013

Представленная фотография является частью мультимедийного проекта творческого тандема Елены Самородовой и Сергея Сонина «Гоголь. Рим: из Третьего в Первый». Художники известны своими работами, созданными в жанре исторических мистификаций (мокьюментари), связанных в первую очередь с осмыслением событий отечественной истории.

Они создали 25 фотогравюр, на которых Н. В. Гоголь запечатлен на фоне достопримечательностей Вечного города. Самородова и Сонин обращаются к мифологии, созданной вокруг фигуры Н. В. Гоголя. Отталкиваясь от известных фактов его биографии, в частности от того, что писатель жил долгое время в Италии, а также проявлял интерес к мистике, художники создают, по сути, альтернативную часть его биографии, рассказывая зрителю, по их собственному выражению, «сослагательную историю Отечества». Цикл этих работ посвящен одному из путешествий Гоголя в Италию, которое якобы произошло в 1843 году. В этот год писатель будто бы снова уезжает в Рим, чтобы поправить расстроенные нервы и работать над вторым томом романа «Мертвые души». В Риме он встречается с Лоренцо Сфорца, бенедиктинским монахом, обладающим даром экзорцизма, с которым обменивается письмами (они подробно воспроизведены художниками в отдельной книге, снабженной фотогравюрами, и их можно прочитать в разделе материалов выставки проекта в Галерее ARTinvestment.RU «21-й век» ).

Псевдодокументальная фотогравюра Fontana di Piazza Pietro d’illiria создана по технологии тиражной печати фотоизображений XIX века. На ней можно увидеть Гоголя, запечатленного в Риме на Авентинском холме, на площади Петра Иллирийского (Piazza Pietro d'Illiria), где в настоящее время находится парк Савелло, или Апельсиновый сад. За спиной у писателя виднеется знаменитый фонтан с каменной резной маской и термой, а также стена бывшего здесь когда-то средневекового замка. Фотоснимок выполнен по всем канонам пикториализма — направления в фотоискусстве XIX–ХХ веков, которое стремилось приблизить фотографию к живописи, одухотворить ее, скрыв от зрителя ее механическую природу. Отсюда соблюдение классических принципов: размещение фигуры вполоборота в центре композиции, наличие сглаживающей дымки, отдаленный план, позволяющий панорамно запечатлеть архитектурно-природный ландшафт. Все эти эффекты делают снимок настолько правдоподобным, что он даже может сбить с толку неискушенного зрителя, заставив его поверить в этот чисто художественный вымысел. Авторы пытаются вскрыть базовые принципы мифологизации истории, играя на хорошо известных фактах и добавляя между делом свою версию событий. В конечном итоге этот интеллектуально-художественный проект призван в очередной раз задуматься о нашей готовности (или неготовности) с иронией отнестись к мифам, которыми так богата отечественная история (Мария Беликова).

Читайте о художниках на AI: «Персоны недели: Елена Самородова и Сергей Сонин».

Наталия Турнова. Без названия. Из серии «Новое поколение». 2008

Наталия Турнова — один из самых сильных в России живописцев за последние три десятилетия. Ее творчество занимает особое, совершенно отдельное положение. Если на Западе можно условно найти аналоги ее живописи в искусстве нового экспрессионизма, новой вещественности или в некоторых постмодернистских проектах, то в России художницу сопоставить не с кем (tretyakovgallery.ru).

Турнова — чуткий колорист, наделенный мощным живописным даром. В ее картинах определяющую роль — и смысловую, и эмоциональную — играет цвет, Постепенно Турнова осознала, что для нее как для художника главной задачей является передача внутреннего состояния человека, а в живописи больше всего возможностей для этого дают портретные изображения. Этот жанр позволяет художнику напрямую обратиться к зрителю-собеседнику, а заинтриговав его необычным, условным, но никогда не шаржированным изображением известного персонажа, побудить к рассматриванию живописной ткани произведения — красоты нанесения мазка, фактурной лепки формы, модуляций цвета. Среди известных портретных серий Турновой — «Полководцы», «Любовь», «Старость», «Агрессия» (tretyakovgallery.ru).

В 2008 году в ММСИ проходила моя выставка. Там среди прочего я показывала серию «Старость». Когда дописывала последнюю работу, поняла, что мне хочется уже не стариков писать, а новое поколение, этаких монстров-киберов. Подумала, что хорошо бы внедрить в «Старость» несколько работ, которые так и назывались бы «Новое поколение». Стала писать в той же стилистической манере. Но в отличие от жутковатых стариков получились обобщенные круглые головы. С одной стороны, это мир монстров, с другой — больных людей. Мы все в какой-то мере инвалиды. Мы все так или иначе чего-то не можем: либо приспособиться, либо попытаться стать людьми. Помню, была пробка. Машины ехали медленно. Меня подрезал внедорожник — очень нагло вытеснял, вытеснял и вытеснил. От возмущения я засигналила. За рулем сидел симпатичный парень лет тридцати. Он открыл окно, посмотрел с невыразимым презрением и сказал: «Успокойтесь, а то вам будет гораздо хуже». Закрыл окно и уехал. Сказал спокойно и веско. У него была вымытая машина. Он, вероятно, был менеджером высокого звена. И не с Марса он спрыгнул, а вырос здесь. Он — хозяин своей страны. Почему это нормально? Почему такое стало возможно, естественно? Почему нам это не нравится, но мы примирились, приняли? Значит, такое сидит и в нас? Для меня это страшный диагноз (Наталия Турнова, artchronika.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Наталия Турнова».

Желаем удачи на 69-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

AI