Открыт 60-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   05 апреля 2021

В каталоге собраны произведения Азама Атаханова, Андрея Бартенева, Александра Захарова, Игоря Кислицына, Ирины Корсаковой, Андрея Криволапова, Юлии Малининой, Андрея Мунца, Роберта Хачатряна и Янины Ческидовой

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 374 и 60-го аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 60-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 10 лотов — семь живописных произведений, одна оригинальная графическая композиция, один лист печатной графики и одна скульптура из стекла.

Азам Атаханов. На набережной Сены. 2008

Когда… Азам Атаханов проводил свой счастливый месяц в благословенном городке художников на острове Сите в Париже, то писал он исключительно своих собратьев, людей молодых и юных, студентов, начинающих художников, поэтов и музыкантов. И в этих парижских картинах, посвященных, казалось бы, самой беззаботной и летучей молодежи в мире, мы различаем прежде всего архетип, прообраз: здесь перед нами юный человек, который вглядывается в даль времени, выбирает путь, и почти благоговейно застывает то перед статуями сада Тюильри, то перед парапетом Сены. Другому показалось бы, что они бесцельно бродят среди парижских платанов или бессмысленно глазеют на уличную толчею. А для Азама Атаханова любое явление человеческой фигуры — это напоминание о каком-то молитвенном предстоянии и благоговейном возвращении к первичной сущности (Александр Якимович, cleargallery.ru).

Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атаханов, kommersant.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Азам Атаханов».

Андрей Бартенев. Сливовая карамель. 1995

Природа наделила меня мощной внутренней колористикой. Она во мне живет и выплескивается наружу (Андрей Бартенев, elledecoration.ru).

В 1990-е я был на двадцать лет моложе, все казалось свежим, новым, все на твоих глазах строилось, и этот дух коллективизма, построения веселого, непонятного, абстрактного, возведения цитат, обновления цитат, строительства истории — это все создавало драйв. У всех был страшный азарт, все работали как проклятые, выдавали на-гора какие-то неожиданные решения. Было такое ощущение, что ежик проснулся, в разные стороны полезли иголки, появилось огромное количество направлений этого открывающегося искусства (Андрей Бартенев, gq.ru).

Способность меняться с годами, обогащая свой эмоциональный опыт, — прекрасное и удивительное свойство человека. Но задача, которая сформировалась во мне к четырнадцати годам, остается прежней. Я должен отдавать все свои силы добрым энергиям, даже если они находят отражение в каких-то наивных формах. В своих работах я намеренно подчеркиваю простоту и незамысловатость, потому что в приоритете только то, что вызывает особый, добрый отклик у зрителя (Андрей Бартенев, radiosputnik.ria.ru).

Андрей Бартенев — художник синтеза, соединяющий в своем творчестве — и по-своему олицетворяющий — изобразительное искусство, перформанс, театр, танец и музыку. 

Вслед за русскими футуристами Андрей Бартенев создает в своих работах абсурдные, причудливые и провокационные карнавальные фантасмагории. Костюмы Бартенева и его декорации к перформансам сравнивают с проектами Сергея Дягилева и Всеволода Мейерхольда. Еще одним источником вдохновения для художника, все творчество которого так или иначе связано со скульптурой, стало кинетическое искусство. Кажущаяся спонтанность, сумбурность и красочность работ у Бартенева сочетается с четко выстроенной внутренней динамикой: за хаосом маскарада всегда стоит продуманный спектакль. 

Награжденный еще в 1990-е годы эпитетами «человек-перформанс» и «мастер инсталляций», Бартенев исследует мир через контрасты цветов и объемов, фактур и поверхностей, через активную игру с материалами и формами (artinvestment.ru).

Александр Захаров. Волк и овечки. 2013

Для меня как художника с некоторых пор игрушки стали окошком в мир далекого детства, дверкой, за которой развернулась волшебная страна мечты, целая Вселенная. Маленький мир разворачивается в глубину до бесконечности, так же как для нас, взрослых, «большой мир».

Созерцание маленьких вселенных сильно повлияло на характер и размер моих картин. Миниатюра наиболее удобная для меня форма выражения. Я создаю «маленькое окошко», заглянув в которое и заинтересовавшись открывшимся за ним пространством, зрителю невольно приходится как бы «уменьшаться в размере», становиться маленьким. «Превратившись» в ребенка, он получает право попасть внутрь. В открывшемся мире, с виду совершенно реальном, существует «обратная перспектива»: маленькое порой важнее большого. Начав много лет назад с огромных картин-панорам, напоминавших плоский лубок, я пришел сегодня к развернутой в глубину миниатюре (Александр Захаров, cumir.ru).

Огромные работы искажают наше нормальное восприятие. Ребенок всегда видит не просто большую картину — он видит множество деталей. Из таких деталей и состоят мои работы. На них можно смотреть долго и каждый раз находить новые подробности. Именно так мы видели в детстве окружающий мир. Я пытаюсь «расковырять» и максимально расширить пространство (Александр Захаров, bolshoi.by).

Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения — тут и мильтоновские душистые рощи, где «пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...», и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия (triumph.gallery).

У его работ есть еще одно важное свойство — «сверхплотность» поверхности: она безвоздушна, герметична, максимально концентрированна. Они как хороший цифровой исходник в тысячи пикселей, который можно растянуть на десятки метров (triumph.gallery).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».

Игорь Кислицын. Гранатовый всадник. 2010

Практически в любой художественной традиции есть изображения всадников, в европейской — это фольклорно-сказочные богатыри, витязи, языческие по происхождению, или рыцари, крестоносцы, воины средневековой христианской традиции, в том числе и канонические иконные образы Архангела Михаила, Георгия Победоносца и т.д. и т.п.

Всадник на коне — одна из моих программных тем. Для меня это образ-символ, это знак, Крест, иероглиф Центра, который мы носим в себе. Это и символ подчинения низшей природы высшей, обуздания животных страстей. Мои всадники ощутимо вертикальны по сути, они движутся поперек-наперекор инертности плоских земных низин. Всадник устремлен вперед и ввысь, за пределы возможного, в сам эпицентр Неведомого и невидимого, чаще всего обозначаемого в моих картинах знаком Черного солнца или иного светила. Красный цвет передает здесь мужественный жар огненного покорения материи, борьбы с земнородно-подземной энергией черного (Игорь Кислицын).

В определенный период творчества художника особо настойчиво звучит тема всадника, витязя или рыцаря, воина (реже — воительницы, напоминающая о Валькирии и о русском богатырском эпосе). Эта тема наметилась уже в апокалипсическом цикле, в том числе воплотившись в образах страшных и прекрасных всадников-мстителей, в образах последней битвы света и мрака.

В дальнейшем такая образность формирует самостоятельный, особо интересный и по сей день актуальный для художника цикл, где лейтмотив Всадника уже полностью доминирует, щедро варьируется живописно, углубляется в своей смысловой многослойности, одновременно увязываясь с темой Черного Солнца, восходящего в небе Героев.

Особую роль играет и характерная для картин живописца как бы возникшая из преломлений цветового спектра специфичная, писаная «рама в раме». Возникая как преграда между «реальной» жизнью за пределами холста и внутренним микрокосмом, созерцаемым внутри этой «ограды», она охраняет сердцевину этого малого мира своей геометрией (Вера Родина, artinvestment.ru).

Ирина Корсакова. Натюрморт с оливками. I. Из серии «Оливковая роща». 2014

Я расскажу о том, что я люблю.
Покой и созерцание.
Свет и тень.
Ясность.
Трепет и окаменение.
Вибрации души, тона, цвета.
Предмет.
Фактуры материалов.
Фронтальную композицию.
Поверхность холста и физическое ощущение прикосновения к нему кисти.
Картину как проявленное.
Искать смыслы.

Когда я начинаю, я не думаю, о чем будет работа. Думаю о форме и об ощущении. А еще об ответственности за каждый сантиметр холста. Понимание смыслов приходит к завершению. И я здесь на той же позиции, что и зритель. Чему я могу его учить? Каждый видит свое, и это правильно. А я уже все сказала на холсте, и нужно так говорить, чтоб не нужно было вербальных пояснений (Ирина Корсакова).

Андрей Криволапов. Князь Глеб. 2017

Стеклянная композиция Андрея Криволапова «Князь Глеб» (2017) — образ святого благоверного князя-страстотерпца Глеба, вместе со своим старшим братом Борисом канонизированного как Русской, так и Константинопольской Церковью (впервые в истории).

Борис и Глеб были младшими сыновьями святого равноапостольного князя Владимира († 15 июля 1015) и без сопротивления погибли от руки убийц, подосланных их старшим братом Святополком, занявшим после смерти отца Киевский престол и не желавшим соперничать за него с Борисом.

Извещенный о вероломных намерениях Святополка, князь Борис не стал скрываться и был жестоко убит. После этого Святополк столь же вероломно умертвил святого князя Глеба. Коварно вызвав брата из его удела — Мурома, Святополк послал ему навстречу дружинников, чтобы убить святого Глеба по дороге. Князь Глеб уже знал о кончине отца и злодейском убийстве князя Бориса. Глубоко скорбя, он предпочел смерть войне с братом.

Подвиг Бориса и Глеба состоял в том, что свою жизнь они принесли в жертву основному христианскому доброделанию — любви. «Кто говорит: «Я люблю Бога», а брата своего ненавидит, тот лжец» (1Ин.4,20).

Святые братья сделали то, что было еще ново и непонятно для языческой Руси, привыкшей к кровной мести: они показали, что за зло нельзя воздавать злом, даже под угрозой смерти. «Не бойтесь убивающих тело, души же не могущих убить» (Мф.10,28).

В 1019 году князь Киевский Ярослав Мудрый, также один из сыновей равноапостольного князя Владимира, собрал войско и разбил дружину Святополка, а сам Святополк, прозванный в народе Окаянным, бежал в Польшу.

«С того времени, — пишет летописец, — затихла на Руси крамола». Кровь, пролитая святыми братьями ради предотвращения междоусобных распрей, явилась тем благодатным семенем, которое укрепляло единство Руси. Благоверные князья-страстотерпцы не только прославлены от Бога даром исцелений, но они — особые покровители, защитники Русской земли. Известны многие случаи их явления в трудное для нашего Отечества время, например, — святому Александру Невскому накануне Ледового побоища (1242), великому князю Димитрию Донскому в день Куликовской битвы (1380). Почитание святых Бориса и Глеба началось очень рано, вскоре после их кончины (azbyka.ru).

Андрей Криволапов последовательно избегает художественной сиюминутности. Его вдохновляют Священное Писание и средневековые сказания, былинные мотивы, сюжеты русской и античной истории.

В рельефах и скульптурных композициях из литого стекла скульптор достиг удивительного мастерства в очень редкой технологии. Моллирование, которое он использует, — это особая авторская технология отливки из расплавленного стекла в специальных формах. Аналогичные приемы использовали, например, в Древнем Египте, до изобретения сирийцами стеклодувной трубки в I в. н. э. На рубеже XVIII — XIX веков технология была популярна в северо-восточной Франции. Моллирование позволяет Андрею Криволапову не только создавать сложные и большие скульптурные формы из стекла, но раскрывает зрителю совершенно новые грани технических возможностей этого материала. А его многочастные серии не имеют аналогов в современном художественном стеклоделии.

Юлия Малинина. Германия. Мейсен. 2012

Энергия плюс графичность и четкость линий — это мое (Юлия Малинина, cultobzor.ru).

Важной для себя Юлия Малинина называет «концепцию чистой поверхности. Стерильность живописи без наблюдаемых мазков, без переписок. Важно, чтобы первоначальная поверхность и цвет холста не были сокрыты под большим количеством слоев и сеансов. И снова мы вернулись к Магритту и к его гладкой манере письма…» (Юлия Малинина, artuzel.com).

Юлия Малинина — художник с метафизическим взглядом на мир, органически присущим отечественной школе живописи. Такой взгляд обнаруживает в окружающем художника пространстве объекты, созданные человеком, и объекты природы, несущие на себе печать отрешенности от повседневного. Структурной основой для художника является Архитектура — универсальный символ человеческой деятельности, продукт инженерной мысли и технологии, сочетающий высокое искусство и функцию оформления жизни.

В архитектуре для художника объединяются природное, социальное и культурное, присутствуют характеристики пространственной среды и человека. Природы в привычном понимании в живописи Малининой нет, есть ее отдельные статусные фрагменты — небо, дорога, полоса травы. Здание — завод, ангар, фермы, часть городской среды — изолировано от реального пространства и времени. Оно самодостаточно и вбирает в себя интеллектуальную и биологическую процессуальность.

Для художника характерна слитность и нераздельность пластики и внепластических, образных смыслов. В этом важную роль играет цвет, его суггестивность и плотность, маркирующие узлы напряжения. Живописная манера Малининой подчеркнуто не артистична, но эпична, порождает насыщенные и выразительные мыслеформы (Анна Константиновна Флорковская, член-корреспондент РАХ).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Юлия Малинина».

Андрей Мунц. Шестой день. 2009

Название и напряженная динамика работы Андрея Мунца «Шестой день» (2009) отсылают зрителя к Библии, к сотворению мира.

***

В шестой день творения Бог создал животных, живущих на земле, и человека, по образу и подобию Своему (см.: Быт 1, 24–31).

Описание шестого творческого дня пророк Моисей начинает теми же словами, что и предшествующие дни (третий и пятый): да произведет... Бог повелевает земле создать всех животных земли (душу живую по роду ее). Бог творил все в определенной последовательности возрастающего совершенства.

И создал Господь Бог человека из праха земного, и вдунул в лице его дыхание жизни, и стал человек душою живою (см.: Быт 1, 26-28).

Последним, как венец творения, был создан человек. Он сотворен особым способом. Святые отцы прежде всего отмечают, что творению его предшествовал Божественный совет между всеми Лицами Пресвятой Троицы: сотворим человека. Человек выделен из всего тварного мира и тем, как его творит Господь. Хотя его телесный состав был взят из земли, Господь не повелевает земле произвести человека (как это было с другими тварями), а Сам творит его непосредственно. Псалмопевец говорит, обращаясь к Творцу: Руки Твои сотворили меня и устроили меня (Пс 118, 73) (pravoslavie.ru).

Моя концепция — это отсутствие концепции. Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям (Андрей Мунц).

Как бы ни был логичен и последователен окружающий нас мир, наполненный завершенными формами предметов, он все равно живет по законам содержания. Художники-реалисты, последовательно и скрупулезно описывая форму за формой и взаимодействия их в пространстве, транслируют свои личные переживания и размышления, связанные с изображаемым.

Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена эта последовательность и внешняя логика, в ней как будто и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.

И результат зрительского взаимодействия с работами Мунца — это палитра ощущений: часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя (Наталья Сопова).

Рудольф Хачатрян. Портрет. Период «Двуединство». 1991

Впервые на аукционах AI мы выставляем работу народного художника Армянской ССР Рудольфа Хачатряна.

«Рудольф Хачатрян — один из тех художников, чей талант развился на основе классического искусства и, естественно, благодаря его исключительной природной одарённости. Его отличает своеобразный образ мышления и манера речи, это человек, связанный корнями со своим прошлым и, в частности, с эпохой Возрождения, в то же время вполне современный. Хачатрян — своего рода мост между прошлым и современным. <…>

<…> Изображая на протяжении всей жизни «живых, реальных» героев и персонажей, художник, наконец, попытался помимо прочего найти вечную формулу человека-существа, человека-таинства, загадки» (Рипсиме Варданян, armmuseum.ru).

«Простая чёткая линия в рисунках Хачатряна превращается в универсальное средство, с помощью которого он способен выразить богатство окружающего мира, тончайшие оттенки человеческих чувств», — писал историк искусства Савва Ямщиков.

В творчестве Хачатряна выделяют несколько периодов — совершенно самостоятельных, но не просто тесно связанных, а совершенно невозможных один без другого. Это и «леонардовский» период классического рисунка, и работа в уникальной авторской технологии рисунка на левкасе, и периоды многомерных объектов и метаморфоз. К периоду «Двуединство» относится наша сегодняшняя работа «Портрет» (1991).

«…Начало своего будущего двуединого образа художник наиболее ярко разглядел именно в образе материнства. Это и понятно: ведь именно мать естественно и вечно готова к удвоению, это она носит в себе второго, другого маленького человечка, который, выйдя из глубин ее тела, долго, порой всю жизнь, остается связанным с ней. Рудольф Хачатрян рисует мать с младенцем, эту извечную тему в искусстве, и постепенно младенец становится частью матери, но так естественно, что ты даже не задаешься вопросом, как это произошло. С первого взгляда кажется, что мать прижимает ребенка к груди, но потом осознаешь, что тельце ребенка – это половина тела матери, его личико входит в структуру материнского лица, а его маленькая нога становится одной из ног матери. Просто художник так расположил фигуры, что никакого несоответствия не ощущается. Но если в образах “мать и дитя” такое слияние вроде бы естественно и понятно, то Хачатрян идет дальше: сходный ребенок оказывается в любом человеке. Так исконная двойственность материнства помогла Рудольфу открыть младенца в каждом из нас.

Что же дает двуединый образ, созданный Рудольфом Хачатряном? Прежде всего, с его помощью художник передает одновременно два состояния одного человека. Но вместе с тем здесь происходит и наложение двух времен, как мы нередко видим в наскальной живописи, — ведь ребенок это знак прошлого, воспоминания. <…>

Двуединые персонажи Рудольфа Хачатряна рождаются в результате пластических и живописных приемов: линия носа «естественно» делит лицо на большую и малую части, большая рука естественно ложится на подставку, а малость ноги ребенка необходима, чтобы придать сидящей фигуре монументальность — большая, соразмерная правой нога нарушила бы пластическую целостность всей композиции. <…>

<…>

Как и всегда на изображениях материнства, даже вне влияния прообраза Богоматери, ребенок мыслится мальчиком. Хачатрян же наделяет малую половину двуединого тела маленькой грудью, но “ребенок”, тем не менее, не воспринимается как существо женского пола. Вообще тема андрогинизма в работах Рудольфа Хачатряна присутствует не всегда явно и всегда ненавязчиво. Сдвоенность пола его персонажа скорее угадывается. Так в каждом из нас Рудольф Хачатрян разглядел не только затаившегося ребенка, но и существо противоположного пола» (Левон Абрамян, этнограф, исследователь фольклора, антрополог).

Янина Ческидова. Площадь. 2018

Все мои картины в любой технике — это рассказы о любимых местах и людях, близких друзьях.

Я рисую слова.

Главное в творчестве — искренность.

Источник вдохновения — мелочи жизни, из которых состоит мой большой мир.

Главное не бояться ошибиться, иначе можно всю жизнь стоять на одном месте.

У меня нет определенного стиля, узнаваемы, скорее, персонажи, которые растут вместе со мной, и неожиданные темы для творчества (Яна Ческидова, yana-cheskidova.wixsite.com)

Яна Ческидова работает без эскизов и не умеет писать на заказ. Образы могут всплыть совершенно случайно: вот видела она ситуацию или человека, а подойдя к рабочему месту, вспомнила образ. У нее, что поразительно для творческих людей, нет страха перед белым холстом, она просто идет и работает. Ведь времени не так много… Художница заполняет все пространство — по ее словам, от переизбытка чувств, и выстроить его невозможно.

«Если честно, то я не знаю, как оправдаться в этой ситуации. У меня в одной картине куча народа, а в зале целая толпа. У меня есть маниакальная потребность каждый квадратный сантиметр заполнить. Пишу холсты на природе, я это всё не придумываю. Там постоянные движения. То ветер, то кошка пробежала. Каждый раз, рисуя, ты же не знаешь, что тебя ждет, а потом накрывает с головой, и ты чувствуешь, что вот оно. Любой художник, подходя к холсту, вряд ли думает: “Что я сейчас человечеству скажу!”. Трагедия, если человечество не заметит или неправильно поймёт».

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Яна Ческидова».

Желаем удачи на 60-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

AI