Каталог составили работы Алексея Ваулина, Василия Власова, Александра Захарова, Игоря Кислицына, Марины Колдобской, Юлии Малининой, Pata, Андрея Мунца, Андрея Осташова

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 361 и 47-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание аукциона: в пятницу, 25 декабря, в 12:00.

Алексей Ваулин. Пауза. 2015

…Я мог бы рассказать цветом о каждом дне своей жизни! (Алексей Ваулин).

В интеллектуальной абстракции Ваулина цвет достигает своей полной выразительности и свободы — он раскрывает сам себя, собственную чистоту и красоту, приравнивая живопись к философии (vaulin.info).

• ВАУЛИН Алексей Николаевич (1974) Пауза. 2015
  Холст, масло. 80 × 90
  Источник: собрание семьи художника

Алексей Ваулин — живописец и график с редким даром чувствования цвета. Художник в буквальном смысле ощущает и жизненные ситуации, и вовлеченные в них персонажи «окрашенными» в определенный цвет и оттенок. С детства имея некоторые проблемы со слухом, он научился воспринимать мир людей и вещей через цвет. Эта своеобразная форма синестезии вводит художника в круг мастеров, использующих на практике способность цвета оказывать воздействие на настроение человека.

Цвет… стал внутренним мерилом завершенности работы, а также инструментом исследования реальности и человеческой души. Он служит средством, благодаря которому на полотнах Ваулина идентифицируются формы, ведь художник зачастую буквально лепит их цветом, густыми динамичными мазками и даже специальными фактурными массами, придающими дополнительный объем. Интересно наблюдать разворачивающуюся на его картинах драматургию сложных ритмических рисунков и цветовых соотношений (Илона Лебедева, artinvestment.ru). 

Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Алексей Ваулин».

Василий Власов. Желтый звук. Триптих. Центральная часть. 2012

Поток творческого импульса иррационален. Как художник многие годы пытаюсь уловить этот первый творческий толчок. И признаю, что сила его сама создает мою пространственную среду (Василий Власов).

Был момент, меня пригласили поучаствовать в выставке «Письма Булгакова», но с опозданием. Через 2 дня выставка. Что я могу успеть за 2 дня?! У меня были какие-то документы, какая-то подборка. Я все это взял и на больших листах прошил. С этого момента все началось. Мне понравилось! Если клеить, все коробится, а с нитками получается все идеально ровно. И я решил, что буду создавать коллажи, сшивая их нитками.

Сам материал диктует как себя вести. Если бы я просто рисовал, это было бы одно. А когда я знаю, что будут какие вставки-акценты, и кажется, что ничего не произошло. На самом деле очень многое произошло, я пространство нарушил, и оно смотрится немножко двояко. Мне это нравится! (Василий Власов, rewizor.ru/museums-exhibitions).

• ВЛАСОВ Василий Николаевич (1953) Желтый звук. Триптих. Центральная часть. 2012
  Бумага, коллаж, акрил, шитье. 120 × 90
  Источник: собрание семьи художника

В графике и живописи Власова существует особое пространство, построенное на изысканных колористических сочетаниях, в котором и происходит встреча с таинственным и подлинным. Словно Власов освобождает изображение от всего подробного, сюжетного, легко читаемого, с тем, чтобы зафиксировать некий внутренний образ, родившийся в нем от соприкосновения с темой, мелодией, мыслью… (Анна Чудецкая, ведущий научный сотрудник ГМИИ им. А.С.Пушкина).

В работах Власова есть образы нарисованных мелодий, звуки музыки, переданные цветом и линиями, музыкальная гармония, перенесенная на бумагу и холст. Василий воспринимает звуки музыки и зарисовывает их, словно композитор делает аранжировки и вариации на темы известных и любимых мелодий. Музыкальные произведения получают в его творчестве вторую жизнь, находят продолжение и новые интерпретации.

Если вам посчастливится побывать в мастерской художника, вы сможете услышать одновременное звучание нескольких мелодий. И у вас никогда большее не возникнет сомнений в необыкновенной музыкальности его работ. Его картины — это симфонии в красках. Сравнение музыкальных тональностей с оттенками цветовой палитры можно назвать синестезическим принципом его работы. Его интересуют возможности и способности цвета находиться в гармонии или в контрасте друг с другом точно так же, как сочетания различных звуков могут гармонировать или контрастировать друг с другом.

Единственно правильное изучение работ художника должно происходить в кротком безмолвии, и только лишь слегка приглушенная композиция любимого им Шнитке может на миг врываться во внутренний мир наблюдателя, в очередной раз смешивая невыразимое сочетание музыки и изобразительного искусства. И в этом весь Власов, сложный и непостижимый, о нем невозможно говорить и трудно писать, его нужно постигать и чувствовать (Марина Щелокова).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Василий Власов».

Александр Захаров. Ева и Дракон. 2012 / Ева и Дракон. 2020

«Ева и Дракон» Александра Захарова — увиденная глазами ребенка библейская история в райских кущах. «Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения — тут и мильтоновские душистые рощи, где “пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...”, и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия» (triumph.gallery).

Огромная (70 × 70) фотография, выполненная с миниатюрного (20 × 20) живописного оригинала, проявляет почти невидную на крошечной картине скрупулезную авторскую работу: мазки, тончайшие цветовые переходы, какие-то малюсенькие капелюшки, которые при огромном увеличении обретают самостоятельность важнейших деталей. Композиция столь же гармонична, только насыщеннее, краски такие же яркие, только разнообразнее. Две «родственные» работы проявляют каждая свое лицо, и лица эти — разные.

***

Для меня как художника с некоторых пор игрушки стали окошком в мир далекого детства, дверкой, за которой развернулась волшебная страна мечты, целая Вселенная. Маленький мир разворачивается в глубину до бесконечности, так же как для нас, взрослых, «большой мир».

Созерцание маленьких вселенных сильно повлияло на характер и размер моих картин. Миниатюра наиболее удобная для меня форма выражения. Я создаю «маленькое окошко», заглянув в которое и заинтересовавшись открывшимся за ним пространством, зрителю невольно приходится как бы «уменьшаться в размере», становиться маленьким. «Превратившись» в ребенка, он получает право попасть внутрь. В открывшемся мире, с виду совершенно реальном, существует «обратная перспектива»: маленькое порой важнее большого. Начав много лет назад с огромных картин-панорам, напоминавших плоский лубок, я пришел сегодня к развернутой в глубину миниатюре (Александр Захаров, cumir.ru).

Огромные работы искажают наше нормальное восприятие. Ребенок всегда видит не просто большую картину — он видит множество деталей. Из таких деталей и состоят мои работы. На них можно смотреть долго и каждый раз находить новые подробности. Именно так мы видели в детстве окружающий мир. Я пытаюсь «расковырять» и максимально расширить пространство (Александр Захаров, bolshoi.by).

У его работ есть еще одно важное свойство — «сверхплотность» поверхности: она безвоздушна, герметична, максимально концентрированна. Они как хороший цифровой исходник в тысячи пикселей, который можно растянуть на десятки метров. Чудесные приключения могут приобрести тотальность действия, странным образом конкурировать с реальностью или по крайней мере создавать параллельный поток…(triumph.gallery).

• ЗАХАРОВ Александр Витальевич (1960) Ева и Дракон. 2012
  Мазонит, масло. 20 × 20
  Источник: собрание семьи художника
• ЗАХАРОВ Александр Витальевич (1960) Ева и Дракон. 2020
  Бумага Hahnemuhle German etching, пигментная архивная печать. 76,7 × 76,7 (лист), 70 × 70 (изображение)
  Авторский экземпляр
  Источник: собрание семьи художника

Занимаясь долгие годы художественной печатью, работая в разное время с разными технологиями — от обрезной гравюры на дереве до офсетной литографии, я обратился сегодня к новым видам печати. Каждая моя миниатюра, являясь законченной картиной, одновременно служит мне как графику-печатнику чем-то вроде “негатива” для создания на ее основе произведений печатной цветной графики. Этот маленький “негатив” я использую в качестве основы (как медную доску-оригинал в гравюре) для создания многократно увеличенных по сравнению с оригиналом печатных листов. Результатом долгой и сложной работы с цветом становится цифровая “доска”, с которой я печатаю ограниченный тираж. Это очень важная часть моего творческого метода. Увеличенный PRINT — это своеобразная помощь моему зрителю “разглядеть” пространство, иногда размером с ладонь, во всех подробностях, не прибегая к помощи увеличительных приборов. Полученные изображения — самостоятельные произведения в области цветной печати (Александр Захаров, cumir.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».

Игорь Кислицын. Руна «К». 2001–2007

Практически в любой художественной традиции есть изображения всадников, в европейской — это фольклорно-сказочные богатыри, витязи, языческие по происхождению, или рыцари, крестоносцы, воины средневековой христианской традиции, в том числе и канонические иконные образы Архангела Михаила, Георгия Победоносца и т.д. и т.п.

Всадник на коне — одна из моих программных тем. Для меня это образ-символ, это знак, Крест, иероглиф Центра, который мы носим в себе. Это и символ подчинения низшей природы высшей, обуздания животных страстей. Мои всадники ощутимо вертикальны по сути, они движутся поперек-наперекор инертности плоских земных низин. Всадник устремлен вперед и ввысь, за пределы возможного, в сам эпицентр Неведомого и невидимого, чаще всего обозначаемого в моих картинах знаком Черного солнца или иного светила. Красный цвет передает здесь мужественный жар огненного покорения материи, борьбы с земнородно-подземной энергией черного (Игорь Кислицын).

Особую роль играет и характерная для картин живописца как бы возникшая из преломлений цветового спектра специфичная, писаная «рама в раме». Возникая как преграда между «реальной» жизнью за пределами холста и внутренним микрокосмом, созерцаемым внутри этой «ограды», она охраняет сердцевину этого малого мира своей геометрией (Вера Родина, artinvestment.ru).

• КИСЛИЦЫН Игорь Васильевич (1948) Руна «К». 2001–2007
  Холст, масло, процарапывание. 100 × 140
  Источник: собрание семьи художника

Если говорить о традициях, которые продолжает Кислицын, то, при всей очевидности почвенного начала и принадлежности к русской традиции — от древнерусского сакрального искусства до русского классического авангарда, — он опирается на богатейшее культурное наследие всего континента Евразии. Его работы отличает цельность сплава и очень личная «органика» стиля (Вера Родина, artinvestment.ru).

Народные корни искусства и сегодня влекут всех профессионалов, да не все из них могут подняться выше простой аранжировки или стилизации. Игорь Кислицын сумел уверенно претворить, «перекодировать» в новое качество типовую структуру древних композиций. Постепенно ему раскрылся весь глубинный образный «орнамент» архетипа: роль силовых линий и узлов, ритмических пауз и акцентов, «вечное» поступательное или круговое движение, здоровая гармония рисунка и цвета, знаковость и символика фигур (Лев Дьяконицын, nasledie-rus.ru).

Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Игорь Кислицын».

Марина Колдобская. Красное облако. Из серии «Легкость». 2019

Писать цветы сегодня — значит, идти против течения, нарушать профессиональную конвенцию и рисковать репутацией серьезного автора.

Марина Колдобская принимает риск — она пишет цветы сериями, десятками, покрывая пачки бумаги и рулоны холстов букетами, клумбами и целыми полями. Выставленные вместе, эти работы превращают мастерскую художника или зал галереи в подобие райского сада, тропических зарослей, плантаций дурмана.

Цветочная серия — еще один шаг художницы на пути к истокам, утраченному раю, простоте, чистоте, самозабвенному наслаждению творческим актом. К тому, что отвергнуто, утрачено и почти забыто современным искусством.

• КОЛДОБСКАЯ Марина Дмитриевна (1961) Красное облако. Из серии «Легкость». 2019
  Бумага, акрил. 86 × 61
  Источник: собрание семьи художника

Цветы Колдобской написаны просто — кажется, проще некуда. Несколько энергичных линий, несколько ярких пятен, решенный несколькими широкими мазками фон. Несколько плакатных цветов.

Черный-белый-красный, синий-золотой — геральдическая лаконичность палитры.

Один цветок, три цветка, много цветов — архаическая элементарность счисления.

Назвать картины Колдобской примитивистскими невозможно — в этой выверенной простоте внимательный зритель просматривает жесткость дизайнерского знака, строгость графических формул русского авангарда, агрессию тоталитарного плаката и магический ритм племенных орнаментов (marinakoldobskaya.net).

Юлия Малинина. Путешествие белого облака. Амстердам. 2014

Юлия Малинина — художник с метафизическим взглядом на мир, органически присущим отечественной школе живописи. Такой взгляд обнаруживает в окружающем художника пространстве объекты, созданные человеком, и объекты природы, несущие на себе печать отрешенности от повседневного. Структурной основой для художника является Архитектура — универсальный символ человеческой деятельности, продукт инженерной мысли и технологии, сочетающий высокое искусство и функцию оформления жизни. В архитектуре для художника объединяются природное, социальное и культурное, присутствуют характеристики пространственной среды и человека (Анна Флорковская, член-корреспондент РАХ, artcontract.ru).

• МАЛИНИНА Юлия Михайловна (1980) Путешествие белого облака. Амстердам. 2014
  Холст, масло. 171 × 183
  Источник: собрание семьи художника

Фигуративная живопись у Юлии Малининой выглядит своего рода реконструкцией художественного языка модернизма ХХ века — будь то американский реализм Эдварда Хоппера или Чарльза Шилера или метафизические ландшафты Джорджо де Кирико cultobzor.ru).

Я люблю архитектуру, в промышленном же воплощении ее предельная функциональность, выверенность, обусловленность нахождения на своем месте выходит на первое место и рождает особую эстетическую красоту. Красоту, как правило, без изысков. Для меня это практически портреты заводов и иных индустриальных объектов, извлеченные из фигуративной окружающей действительности. В серии нет ландшафта, окружающего пейзажа в его классическом понимании. В картинах, можно считать, наличие горизонта мы достраиваем в голове, додумываем, что внизу должна быть трава, наверху — небо. В каком-то смысле, возможно, этот подход — отголоски моего реставрационного образования и моей тесной работы с иконами. Используя такие построения, я отсылаю себя к иконописной практике условности окружающего, с идеально ровным поземом (Юлия Малинина, artuzel.com).

Pata. Рука. 2020

Новогодняя картина-загадка от скульптора и художника Pata! Чтобы ее разгадать, наведите камеру телефона на изображение картины, открытое на мониторе.

Pata (Паата Мерабишвили) идентифицирует себя в первую очередь как скульптор, ключевыми понятиями его творчества являются универсальность и экспериментирование. Помимо скульптуры, он работает в области живописи и графики, реализуя свои художественные идеи, умело воплощённые в трехмерной форме, на плоскости.

• Pata (Мерабишвили Паата Мерабович, 1964) Рука. 2020
  Холст, масло. 150 × 150
  Источник: собрание семьи художника

В последних работах Мерабишвили прослеживается и увлечение абстрактным методом, с помощью которого автор не только выстраивает композицию, но и передает общее настроение самого сюжета. Несмотря на подобные апроприации, индивидуальный почерк художника легко узнаваем и самодостаточен. Главной задачей автора является акцентирование формы, что ему удается при помощи мастерского владения линией и цветом.

О художнике читайте на AI: «Персона недели: Скульптор Паата Мерабишвили — Творец создает то, что чувствует, а не то, что видит».

Андрей Мунц. Памяти Гогена. 1996

Моя концепция — это отсутствие концепции. Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям (Андрей Мунц).

Посвящения есть в творчестве большинства художников. Рано или поздно возникает потребность по-своему рассказать о ком-то, кто оставил особенный след в душе. Часто эти оммажи адресованы собратьям по цеху — мастерам прошлого, учителям или даже друзьям. Удивительное свойство посвящений — нередко они рассказывают о своих авторах — об их личности — больше, чем другие произведения: мы видим в них и то, что в том или ином человеке, увидел и оценил автор, и его собственное восприятие увиденного.

• МУНЦ Андрей Владимирович (1954) Памяти Гогена. 1996
  Холст, акрил. 90 × 60
  Источник: собрание семьи художника

Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения, в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.

И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя (Наталья Сопова).

Андрей Осташов. Личный самолёт. Из серии «Рождество». 2020

Искусство — это пять-десять минут состояния. Все остальное — работа.

… Я не люблю разглагольствовать, как создавалась та или иная работа. Мне кажется, это лишнее. Ведь есть скульптура, которая все скажет сама. Кому-то она раскроется больше, кому-то — меньше. Но знаю точно, что каждый человек напишет свой неповторимый рассказ.

Я могу только наметить свое видение скульптуры в ее названии. Мне кажется, настоящее искусство не должно быть рамочным. Часто слышу на выставках мнения людей о том, что я изобразил, и удивляюсь. Оказывается, зритель видит абсолютно противоположное тому, что я хотел сказать. Это здорово, когда есть разноплановость (Андрей Осташов, kp.by).

• ОСТАШОВ Андрей Алексеевич (1970) Личный самолёт. Из серии «Рождество». 2020
  Бронза, патирование, гранит. 26 × 18 × 17,5
  Тираж 20 экземпляров. Экземпляр № 5

У каждого человека есть та часть души, где он открыт, свободен и чувственен. Проживая свой жизненный путь, знакомясь с социальными устоями, человек все больше закрывается. Но где-то, оставаясь наедине с собой, в минуты, может быть, неудач или наоборот, мы погружаемся в мир, связывающий нас с детством, где игра превращала нас в героев и принцесс, где все было возможно. Мне кажется, что я делаю свои работы именно для этого. Для того, чтобы зацепить тот почти эфемерный мир, который с детства дает мне крылья. Именно там я и свободен (Андрей Осташов).

Искусство, неподвластное изменению времени. Его невозможно причислить к определенной культуре или эпохе, так как оно вбирает в себя традиции и образы непохожих друг на друга народностей, — это то, что отличает произведения художника и скульптора Андрея Осташова.

Создание вненационального и в то же время общенационального — непростая задача для любого художника. Умение понять чужую культуру, впитать её и гармонично воплотить в материале подвластно лишь немногим. В синтезе традиций порой рождаются уникальные и многогранные по своему смысловому и эмоциональному наполнению произведения. Андрей Осташов стремится в своем творчестве к гармоничному синтезу культур Запада и Востока, к их переосмыслению в современных реалиях.

Желаем удачи на аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

AI