Открыты 47-е торги проекта «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   21 декабря 2020

Каталог составили работы Алексея Ваулина, Василия Власова, Александра Захарова, Игоря Кислицына, Марины Колдобской, Юлии Малининой, Pata, Андрея Мунца, Андрея Осташова

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 361 и 47-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание аукциона: в пятницу, 25 декабря, в 12:00.

Алексей Ваулин. Пауза. 2015

…Я мог бы рассказать цветом о каждом дне своей жизни! (Алексей Ваулин).

В интеллектуальной абстракции Ваулина цвет достигает своей полной выразительности и свободы — он раскрывает сам себя, собственную чистоту и красоту, приравнивая живопись к философии (vaulin.info).

Алексей Ваулин — живописец и график с редким даром чувствования цвета. Художник в буквальном смысле ощущает и жизненные ситуации, и вовлеченные в них персонажи «окрашенными» в определенный цвет и оттенок. С детства имея некоторые проблемы со слухом, он научился воспринимать мир людей и вещей через цвет. Эта своеобразная форма синестезии вводит художника в круг мастеров, использующих на практике способность цвета оказывать воздействие на настроение человека.

Цвет… стал внутренним мерилом завершенности работы, а также инструментом исследования реальности и человеческой души. Он служит средством, благодаря которому на полотнах Ваулина идентифицируются формы, ведь художник зачастую буквально лепит их цветом, густыми динамичными мазками и даже специальными фактурными массами, придающими дополнительный объем. Интересно наблюдать разворачивающуюся на его картинах драматургию сложных ритмических рисунков и цветовых соотношений (Илона Лебедева, artinvestment.ru). 

Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Алексей Ваулин».

Василий Власов. Желтый звук. Триптих. Центральная часть. 2012

Поток творческого импульса иррационален. Как художник многие годы пытаюсь уловить этот первый творческий толчок. И признаю, что сила его сама создает мою пространственную среду (Василий Власов).

Был момент, меня пригласили поучаствовать в выставке «Письма Булгакова», но с опозданием. Через 2 дня выставка. Что я могу успеть за 2 дня?! У меня были какие-то документы, какая-то подборка. Я все это взял и на больших листах прошил. С этого момента все началось. Мне понравилось! Если клеить, все коробится, а с нитками получается все идеально ровно. И я решил, что буду создавать коллажи, сшивая их нитками.

Сам материал диктует как себя вести. Если бы я просто рисовал, это было бы одно. А когда я знаю, что будут какие вставки-акценты, и кажется, что ничего не произошло. На самом деле очень многое произошло, я пространство нарушил, и оно смотрится немножко двояко. Мне это нравится! (Василий Власов, rewizor.ru/museums-exhibitions).

В графике и живописи Власова существует особое пространство, построенное на изысканных колористических сочетаниях, в котором и происходит встреча с таинственным и подлинным. Словно Власов освобождает изображение от всего подробного, сюжетного, легко читаемого, с тем, чтобы зафиксировать некий внутренний образ, родившийся в нем от соприкосновения с темой, мелодией, мыслью… (Анна Чудецкая, ведущий научный сотрудник ГМИИ им. А.С.Пушкина).

В работах Власова есть образы нарисованных мелодий, звуки музыки, переданные цветом и линиями, музыкальная гармония, перенесенная на бумагу и холст. Василий воспринимает звуки музыки и зарисовывает их, словно композитор делает аранжировки и вариации на темы известных и любимых мелодий. Музыкальные произведения получают в его творчестве вторую жизнь, находят продолжение и новые интерпретации.

Если вам посчастливится побывать в мастерской художника, вы сможете услышать одновременное звучание нескольких мелодий. И у вас никогда большее не возникнет сомнений в необыкновенной музыкальности его работ. Его картины — это симфонии в красках. Сравнение музыкальных тональностей с оттенками цветовой палитры можно назвать синестезическим принципом его работы. Его интересуют возможности и способности цвета находиться в гармонии или в контрасте друг с другом точно так же, как сочетания различных звуков могут гармонировать или контрастировать друг с другом.

Единственно правильное изучение работ художника должно происходить в кротком безмолвии, и только лишь слегка приглушенная композиция любимого им Шнитке может на миг врываться во внутренний мир наблюдателя, в очередной раз смешивая невыразимое сочетание музыки и изобразительного искусства. И в этом весь Власов, сложный и непостижимый, о нем невозможно говорить и трудно писать, его нужно постигать и чувствовать (Марина Щелокова).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Василий Власов».

Александр Захаров. Ева и Дракон. 2012 / Ева и Дракон. 2020

«Ева и Дракон» Александра Захарова — увиденная глазами ребенка библейская история в райских кущах. «Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения — тут и мильтоновские душистые рощи, где “пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...”, и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия» (triumph.gallery).

Огромная (70 × 70) фотография, выполненная с миниатюрного (20 × 20) живописного оригинала, проявляет почти невидную на крошечной картине скрупулезную авторскую работу: мазки, тончайшие цветовые переходы, какие-то малюсенькие капелюшки, которые при огромном увеличении обретают самостоятельность важнейших деталей. Композиция столь же гармонична, только насыщеннее, краски такие же яркие, только разнообразнее. Две «родственные» работы проявляют каждая свое лицо, и лица эти — разные.

***

Для меня как художника с некоторых пор игрушки стали окошком в мир далекого детства, дверкой, за которой развернулась волшебная страна мечты, целая Вселенная. Маленький мир разворачивается в глубину до бесконечности, так же как для нас, взрослых, «большой мир».

Созерцание маленьких вселенных сильно повлияло на характер и размер моих картин. Миниатюра наиболее удобная для меня форма выражения. Я создаю «маленькое окошко», заглянув в которое и заинтересовавшись открывшимся за ним пространством, зрителю невольно приходится как бы «уменьшаться в размере», становиться маленьким. «Превратившись» в ребенка, он получает право попасть внутрь. В открывшемся мире, с виду совершенно реальном, существует «обратная перспектива»: маленькое порой важнее большого. Начав много лет назад с огромных картин-панорам, напоминавших плоский лубок, я пришел сегодня к развернутой в глубину миниатюре (Александр Захаров, cumir.ru).

Огромные работы искажают наше нормальное восприятие. Ребенок всегда видит не просто большую картину — он видит множество деталей. Из таких деталей и состоят мои работы. На них можно смотреть долго и каждый раз находить новые подробности. Именно так мы видели в детстве окружающий мир. Я пытаюсь «расковырять» и максимально расширить пространство (Александр Захаров, bolshoi.by).

У его работ есть еще одно важное свойство — «сверхплотность» поверхности: она безвоздушна, герметична, максимально концентрированна. Они как хороший цифровой исходник в тысячи пикселей, который можно растянуть на десятки метров. Чудесные приключения могут приобрести тотальность действия, странным образом конкурировать с реальностью или по крайней мере создавать параллельный поток…(triumph.gallery).

Занимаясь долгие годы художественной печатью, работая в разное время с разными технологиями — от обрезной гравюры на дереве до офсетной литографии, я обратился сегодня к новым видам печати. Каждая моя миниатюра, являясь законченной картиной, одновременно служит мне как графику-печатнику чем-то вроде “негатива” для создания на ее основе произведений печатной цветной графики. Этот маленький “негатив” я использую в качестве основы (как медную доску-оригинал в гравюре) для создания многократно увеличенных по сравнению с оригиналом печатных листов. Результатом долгой и сложной работы с цветом становится цифровая “доска”, с которой я печатаю ограниченный тираж. Это очень важная часть моего творческого метода. Увеличенный PRINT — это своеобразная помощь моему зрителю “разглядеть” пространство, иногда размером с ладонь, во всех подробностях, не прибегая к помощи увеличительных приборов. Полученные изображения — самостоятельные произведения в области цветной печати (Александр Захаров, cumir.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».

Игорь Кислицын. Руна «К». 2001–2007

Практически в любой художественной традиции есть изображения всадников, в европейской — это фольклорно-сказочные богатыри, витязи, языческие по происхождению, или рыцари, крестоносцы, воины средневековой христианской традиции, в том числе и канонические иконные образы Архангела Михаила, Георгия Победоносца и т.д. и т.п.

Всадник на коне — одна из моих программных тем. Для меня это образ-символ, это знак, Крест, иероглиф Центра, который мы носим в себе. Это и символ подчинения низшей природы высшей, обуздания животных страстей. Мои всадники ощутимо вертикальны по сути, они движутся поперек-наперекор инертности плоских земных низин. Всадник устремлен вперед и ввысь, за пределы возможного, в сам эпицентр Неведомого и невидимого, чаще всего обозначаемого в моих картинах знаком Черного солнца или иного светила. Красный цвет передает здесь мужественный жар огненного покорения материи, борьбы с земнородно-подземной энергией черного (Игорь Кислицын).

Особую роль играет и характерная для картин живописца как бы возникшая из преломлений цветового спектра специфичная, писаная «рама в раме». Возникая как преграда между «реальной» жизнью за пределами холста и внутренним микрокосмом, созерцаемым внутри этой «ограды», она охраняет сердцевину этого малого мира своей геометрией (Вера Родина, artinvestment.ru).

Если говорить о традициях, которые продолжает Кислицын, то, при всей очевидности почвенного начала и принадлежности к русской традиции — от древнерусского сакрального искусства до русского классического авангарда, — он опирается на богатейшее культурное наследие всего континента Евразии. Его работы отличает цельность сплава и очень личная «органика» стиля (Вера Родина, artinvestment.ru).

Народные корни искусства и сегодня влекут всех профессионалов, да не все из них могут подняться выше простой аранжировки или стилизации. Игорь Кислицын сумел уверенно претворить, «перекодировать» в новое качество типовую структуру древних композиций. Постепенно ему раскрылся весь глубинный образный «орнамент» архетипа: роль силовых линий и узлов, ритмических пауз и акцентов, «вечное» поступательное или круговое движение, здоровая гармония рисунка и цвета, знаковость и символика фигур (Лев Дьяконицын, nasledie-rus.ru).

Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Игорь Кислицын».

Марина Колдобская. Красное облако. Из серии «Легкость». 2019

Писать цветы сегодня — значит, идти против течения, нарушать профессиональную конвенцию и рисковать репутацией серьезного автора.

Марина Колдобская принимает риск — она пишет цветы сериями, десятками, покрывая пачки бумаги и рулоны холстов букетами, клумбами и целыми полями. Выставленные вместе, эти работы превращают мастерскую художника или зал галереи в подобие райского сада, тропических зарослей, плантаций дурмана.

Цветочная серия — еще один шаг художницы на пути к истокам, утраченному раю, простоте, чистоте, самозабвенному наслаждению творческим актом. К тому, что отвергнуто, утрачено и почти забыто современным искусством.

Цветы Колдобской написаны просто — кажется, проще некуда. Несколько энергичных линий, несколько ярких пятен, решенный несколькими широкими мазками фон. Несколько плакатных цветов.

Черный-белый-красный, синий-золотой — геральдическая лаконичность палитры.

Один цветок, три цветка, много цветов — архаическая элементарность счисления.

Назвать картины Колдобской примитивистскими невозможно — в этой выверенной простоте внимательный зритель просматривает жесткость дизайнерского знака, строгость графических формул русского авангарда, агрессию тоталитарного плаката и магический ритм племенных орнаментов (marinakoldobskaya.net).

Юлия Малинина. Путешествие белого облака. Амстердам. 2014

Юлия Малинина — художник с метафизическим взглядом на мир, органически присущим отечественной школе живописи. Такой взгляд обнаруживает в окружающем художника пространстве объекты, созданные человеком, и объекты природы, несущие на себе печать отрешенности от повседневного. Структурной основой для художника является Архитектура — универсальный символ человеческой деятельности, продукт инженерной мысли и технологии, сочетающий высокое искусство и функцию оформления жизни. В архитектуре для художника объединяются природное, социальное и культурное, присутствуют характеристики пространственной среды и человека (Анна Флорковская, член-корреспондент РАХ, artcontract.ru).

Фигуративная живопись у Юлии Малининой выглядит своего рода реконструкцией художественного языка модернизма ХХ века — будь то американский реализм Эдварда Хоппера или Чарльза Шилера или метафизические ландшафты Джорджо де Кирико cultobzor.ru).

Я люблю архитектуру, в промышленном же воплощении ее предельная функциональность, выверенность, обусловленность нахождения на своем месте выходит на первое место и рождает особую эстетическую красоту. Красоту, как правило, без изысков. Для меня это практически портреты заводов и иных индустриальных объектов, извлеченные из фигуративной окружающей действительности. В серии нет ландшафта, окружающего пейзажа в его классическом понимании. В картинах, можно считать, наличие горизонта мы достраиваем в голове, додумываем, что внизу должна быть трава, наверху — небо. В каком-то смысле, возможно, этот подход — отголоски моего реставрационного образования и моей тесной работы с иконами. Используя такие построения, я отсылаю себя к иконописной практике условности окружающего, с идеально ровным поземом (Юлия Малинина, artuzel.com).

Pata. Рука. 2020

Новогодняя картина-загадка от скульптора и художника Pata! Чтобы ее разгадать, наведите камеру телефона на изображение картины, открытое на мониторе.

Pata (Паата Мерабишвили) идентифицирует себя в первую очередь как скульптор, ключевыми понятиями его творчества являются универсальность и экспериментирование. Помимо скульптуры, он работает в области живописи и графики, реализуя свои художественные идеи, умело воплощённые в трехмерной форме, на плоскости.

В последних работах Мерабишвили прослеживается и увлечение абстрактным методом, с помощью которого автор не только выстраивает композицию, но и передает общее настроение самого сюжета. Несмотря на подобные апроприации, индивидуальный почерк художника легко узнаваем и самодостаточен. Главной задачей автора является акцентирование формы, что ему удается при помощи мастерского владения линией и цветом.

О художнике читайте на AI: «Персона недели: Скульптор Паата Мерабишвили — Творец создает то, что чувствует, а не то, что видит».

Андрей Мунц. Памяти Гогена. 1996

Моя концепция — это отсутствие концепции. Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям (Андрей Мунц).

Посвящения есть в творчестве большинства художников. Рано или поздно возникает потребность по-своему рассказать о ком-то, кто оставил особенный след в душе. Часто эти оммажи адресованы собратьям по цеху — мастерам прошлого, учителям или даже друзьям. Удивительное свойство посвящений — нередко они рассказывают о своих авторах — об их личности — больше, чем другие произведения: мы видим в них и то, что в том или ином человеке, увидел и оценил автор, и его собственное восприятие увиденного.

Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения, в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.

И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя (Наталья Сопова).

Андрей Осташов. Личный самолёт. Из серии «Рождество». 2020

Искусство — это пять-десять минут состояния. Все остальное — работа.

… Я не люблю разглагольствовать, как создавалась та или иная работа. Мне кажется, это лишнее. Ведь есть скульптура, которая все скажет сама. Кому-то она раскроется больше, кому-то — меньше. Но знаю точно, что каждый человек напишет свой неповторимый рассказ.

Я могу только наметить свое видение скульптуры в ее названии. Мне кажется, настоящее искусство не должно быть рамочным. Часто слышу на выставках мнения людей о том, что я изобразил, и удивляюсь. Оказывается, зритель видит абсолютно противоположное тому, что я хотел сказать. Это здорово, когда есть разноплановость (Андрей Осташов, kp.by).

У каждого человека есть та часть души, где он открыт, свободен и чувственен. Проживая свой жизненный путь, знакомясь с социальными устоями, человек все больше закрывается. Но где-то, оставаясь наедине с собой, в минуты, может быть, неудач или наоборот, мы погружаемся в мир, связывающий нас с детством, где игра превращала нас в героев и принцесс, где все было возможно. Мне кажется, что я делаю свои работы именно для этого. Для того, чтобы зацепить тот почти эфемерный мир, который с детства дает мне крылья. Именно там я и свободен (Андрей Осташов).

Искусство, неподвластное изменению времени. Его невозможно причислить к определенной культуре или эпохе, так как оно вбирает в себя традиции и образы непохожих друг на друга народностей, — это то, что отличает произведения художника и скульптора Андрея Осташова.

Создание вненационального и в то же время общенационального — непростая задача для любого художника. Умение понять чужую культуру, впитать её и гармонично воплотить в материале подвластно лишь немногим. В синтезе традиций порой рождаются уникальные и многогранные по своему смысловому и эмоциональному наполнению произведения. Андрей Осташов стремится в своем творчестве к гармоничному синтезу культур Запада и Востока, к их переосмыслению в современных реалиях.

Желаем удачи на аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

AI