Открыты 44-е торги проекта «XXI век. Современное российское искусство»
Каталог составили работы Семёна Агроскина, Юрия Бабича, Андрея Бисти, Алексея Ваулина, Наталии Глебовой, Александра Захарова, Виктора Крапошина, Егора Плотникова, Кирилла Протопопова и Ольги Пушкарёвой
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 358 и 44-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».
Лоты аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
Окончание аукциона: в пятницу, 4 декабря, в 12:00.
Семён Агроскин. Самолет. Из серии «Плохая видимость». 2016
«Самолет». Мы всё время хотим куда-то убежать. Эта работа напоминает плакат бюро путешествий. Она из серии «Плохая видимость», Поэтому он [самолёт] в тумане — может быть, он даже не знает, куда летит (Семён Агроскин).
Работы серии «Плохая видимость» — «результат моего интереса к видимой трансформации реальности. Природа сама создает прием: туман придает инопланетный вид картине, зритель перестает обыденно считывать окружающую действительность, замедляется время.
Эффект тумана дематериализует предметы, лишает их веса, смещает присущие им смыслы. Выбранные сюжеты не объединены темой, не имеют прямой связи друг с другом. Здесь пейзажи предполагаемые, как бы спроецированные.
“Недопроявленность” фиксации — так можно определить авторскую идею. Сквозь тонкий пергамент тумана просачиваются лишь отголоски реальных страстей, не более.
Реальные цвета выцветают, отпадают за ненадобностью, как старая краска» (Семён Агроскин, cultobzor.ru).
Для живописца Семёна Агроскина естественно жить в мире светотени и создаваемого ею бесконечного объема, глубокого пространства, зачастую — в сериях разных лет — данного с необычных ракурсов.
В серии «Плохая видимость» ситуация усложнена тем, что окружающий мир в целом ряде работ дан фронтально. Особенно это заметно на урбанистических пейзажах.
Прямой взгляд на явление — из окна ли, из внутреннего ли пространства личности, которое тоже есть «окно», какая-то рамка, мировоззренческая или физическая, — исключает, казалось бы, разомкнутость и многосмысленность самого явления (так бывало в работах Михаила Рогинского).
Всё превращается, скорее, в некоторые внутренние формулы постижения внешнего мира, это столь же явления, сколь и мысли о явлениях (Вера Калмыкова, cultobzor.ru).
Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Семён Агроскин».
Юрий Бабич. Мезальянсы № 1. 2010
Мой метод был создан для производства фотографического изображения, обладающего станковым характером. В результате получаются произведения эксклюзивного музейного качества, воссоздающие пластику дагеротипного изображения, которое, как казалось ранее, осталось в истории фотографии середины XIX века (Юрий Бабич).
Эксперименты по созданию новых методов печати фотографических изображений были начаты Юрием Бабичем ещё в 1996 году. От первых опытов до уникальной авторской технологии, позволяющей получить высококачественное дагероскопическое изображение, в полной мере воссоздающее пластику старинных дагерротипов, прошло почти 12 лет.
С технической точки зрения дагероскоп — это многослойное изображение, полученное путём последовательного спекания образующих его слоёв. Основой дагероскопического изображения служит подложка из драгоценных металлов, на которую с помощью самых современных технологий, таких как технология масштабируемой печати, нанесено фотографическое изображение, покрытое ламинатом или нейтральными в химическом отношении лаками. Благодаря многослойной основе дагероскопа изображение меняет свои свойства в зависимости от ракурса, условий освещения и наличия микро-разрывов на золотых или серебряных слоях, наносимых поверх металлического листа перед переносом на него самого изображения. С этим связан и принципиальный отказ автора от репродуцирования его работ, которые теряют при плоскостном воспроизведении большую часть своих художественных качеств.
Каждую неделю в аукционном обзоре мы пишем, что аутентично передать произведение искусства ни одно устройство не может, ибо между произведением и зрителем стоят фотоаппарат и экран. Личное восприятие не заменит никакая техника, ибо каждый человек видит картину и чувствует ее ауру по-своему. Работы Юрия Бабича видеть лично необходимо — это главное условие их правильного восприятия.
Читайте об авторе и его уникальной технологии фотопечати на AI: «Персона недели: Юрий Бабич».
Андрей Бисти. Сердце ангела. 2011
В детстве мечталось о чем-то героическом, поэтому хотелось сначала стать пограничной собакой, потом пожарником и носить до блеска начищенную каску… Не сложилось. Недалеко от дома находилось ремесленное училище, во дворе которого стоял ящик с отходами производства. В нем среди металлической стружки было много разных железных штучек, которые постепенно перекочевывали ко мне под кровать. Так началась любовь к металлу, которая впоследствии превратилась в занятия офортом и сварной, кованой скульптурой. Это не металлолом, это любовно зовется «железяки восемнадцатого века». Мне всегда было странно, что такие вот вещи валяются просто как мусор. Старая ржавая вещь наполнена внутренней историей. Ее «вторая жизнь» в современном интерьере, в новых пространствах, совершенно оправданна, на мой взгляд… Это антиквариат, но антиквариат другого рода, другого свойства. В небольших вещах важна тактильная память, ее накопление во времени: кузнец, хозяин-другой, ржавчина — как прикосновение времени, потом я… (Андрей Бисти, gallerykino.ru).
Я нахожу старые, использованные, ненужные предметы и делаю их элементом скульптурной композиции. Так у меня совершенно неожиданно вещи получают новое прочтение. Таким образом, я даю никому не нужному предмету новую жизнь. Но вдруг, соединяя его с чем-то ещё, рождается доселе не существовавшее. И формально, и литературно, и по смыслу.
Материал, в данном случае — металл, тебе сопротивляется, а ты его режешь, будто масло. Приятное ощущение. Но если б сейчас настоящий сварщик увидел эту экспозицию, он бы поставил мне двойку. С точки зрения соблюдения технологии я делаю всё наоборот: люблю брызги, специально чиркаю металл электродами. Но зато добиваюсь нужной мне фактуры. Что сказать — у меня художественный, а не утилитарный подход к сварке, и это единственное моё оправдание (Андрей Бисти, lpgzt.ru).
«Человеческое сердце то же, что и солнце на небе или золото на земле, — учил Гиппократ, — оно так же благородно и чисто, как они, ибо в нем заключены и честь, и храбрость, и благородство; оно первое начинает жить и первое же умирает». Ангелы, как известно, существа бессмертные, и если у них порой на сердце тяжело, значит, они искренне переживают за нас… (Андрей Бисти).
Собственно сердцем здесь является массивное керамическое астраханское грузило рыболовной сети. Металлическое тело, «сплетенное», словно огромное изделие макраме, из арматурной стальной проволоки, явно напоминает эту самую сеть. Главная задача такой конструкции — ловить изменчивый дневной свет и отбрасывать эфемерные, как присутствие ангела, едва заметные тени, а наша задача — наслаждаться изяществом замысла и воплощения композиции с таким «эмблематическим» названием (Константин Победин).
Алексей Ваулин. Закатный пейзаж. 2014
…Я мог бы рассказать цветом о каждом дне своей жизни! (Алексей Ваулин).
Ваулин использует цвет как фактурную, практически скульптурную массу, из которой буквально лепит формы, а также как изящную графическую технику, рисуя цветными спонтанными линиями и пятнами; работает как декоративно, так и невероятно сложно с живописной точки зрения. В интеллектуальной абстракции Ваулина цвет достигает своей полной выразительности и свободы — он раскрывает сам себя, собственную чистоту и красоту, приравнивая живопись к философии (vaulin.info).
Цвет каждый раз играет разные роли: подчеркивает индивидуализм модели или выводит сюжет на уровень обобщения, сообщает то дух бунтарства, то настроение умиротворения и покорности, воспевает любовь, страсть, секс, чистоту и порок, движение и поиск. Словом, цвет в композициях Ваулина отражает все качества противоречивого, истекающего желаниями и внутренними метаниями, но такого хрупкого, ранимого и уставшего современного человека (vaulin.info).
В современном искусстве вообще очень важен элемент неожиданности: непредсказуемость сообщает свежесть восприятию и обостряет наши чувства. Непредсказуемость стала нашим допингом, необходимой порцией «душевного экстрима», к которой все стремятся, несмотря на вечные слезы по поводу отсутствующего покоя. Современный человек — он не для покоя, он — для вечного поиска, горения, накала чувств и мыслей. У художника тем более не должно быть покоя как «внутренней тишины», убаюкивающей внимание умиротворенности. Живопись для меня — сама стихия непредсказуемости, хотя как автор я стараюсь продумывать свои композиции. Но в какой-то момент работа начинает вести тебя за собой и, взращивая ее, шлифуя её, ты вновь и вновь меняешься сам (Алексей Ваулин).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Алексей Ваулин».
Наталия Глебова. Натюрморт с чайниками. 2020
Многие авторы до меня пытались соединить силу наивного и тонкость профессионального искусства. Я среди них. Хочется увидеть мир глазами наивного первооткрывателя, но изобразить его с мастерством профессионала. Хотя мастерство в этом случае все-таки должно отличаться от академического. При первом взгляде на картину должна сразу же просто и ясно читаться главная идея, как у детей и наивных художников. А уж потом нужно в эту идею вкладывать все свое умение. Но опять повторю, умение и техника — твоя, нужная только тебе, это твой голос, говорящий твои мысли.
Я не пишу с натуры. Я делаю быстрые зарисовки в блокнотах, на конвертах, а если нет ничего под рукой, на билетах. Этого маленького наброска достаточно, чтобы в мастерской у меня перед глазами встала вся виденная мною картина.
Так что всё-таки меня можно, с некоторой натяжкой, назвать натурным художником (Наталия Глебова).
…Привлекает непосредственность и изящество картин Натальи Глебовой, в которых сохранена и верность натуре, и точность ее воспроизведения, и традиционная жанровость. Легкий, прозрачный сезаннизм Глебовой соседствует с тонкой и взвешенной иронией, нарочито подчеркнутым «наивным» артистизмом.
С виртуозным изяществом написаны предметы в натюрмортах Глебовой. Предметы парят в пространстве, не имея веса и, наверное, поэтому не падают со стола. В целом живопись Глебовой стремится к гармоническим построениям, но сам автор как бы хорошо понимает, что любое стремление к гармонии в наше время утопично (В. Лихачёва, gallerynazarov.ru).
Александр Захаров. Муха. 2012
Это серая муха, всем известная. Тут она тоже огромная, и сидит она на очень красивых розовых цветах. А пейзаж этот из ботанического сада, сильно увеличенный, сделанный с нижней точки, взгляд как бы изнутри, почти с земли. И в данной работе, в отличие от других произведений, есть кусочек неба.
Дети играют. Ну, играют не играют — они сталкивают в ямку детеныша мухи (личинку). Девочка в испуге, она стоит, обхватив лицо руками, но при этом с интересом смотрит на то, как мальчик толкает руками без страха и всякой брезгливости довольно крупную личинку.
У меня много ассоциаций из раннего детства, когда мы ловили жуков, личинок, разглядывали это все, собирали в коробочки. Кто-то боялся, мы пугали девочек. Поэтому это очень глубокие ощущения контакта с природой, страха перед ней и в тоже время освобождения от страхов. Некоторая жестокость у детей, когда, после преодоления страха, мальчишки начинали довольно жестоко играть с этими насекомыми.
Когда мне было лет пять-шесть, я не столько их коллекционировал, сколько разглядывал. У меня даже лупа была, мне подарили ее родители. И я рассматривал их. Так что впечатлений у меня много, связанных с общением с этим нижним миром: оно было очень тесное. Подобные воспоминания есть у каждого ребенка.
Дети видят этих насекомых гораздо больше, они крупнее в их сознании, чем они есть на самом деле. Много лет спустя в Германии я попал в заповедник, и вот я там встретил того жука, которого мы в детстве дровосеком называли. Когда он попадал нам, маленьким детям, в руки, мы испытывали ощущение сверхценности: это было какое-то мифологическое существо. И летали они там с таким звуком, словно вертолет. Он мне казался гигантским в детстве, а здесь он оказался совсем небольшим, 4-5 сантиметров. Да, достаточно интересный, но даже не жук-олень или жук-носорог.
В картине муха — это противнейшее существо (я над ней потрудился, конечно), она сидит сбоку, она неагрессивно смотрит на детей, она рядом, но, кажется, имеет отношение к личинке. А девочка испугана не личинкой, а действием мальчика, как в детстве. Я помню, что девочки боялись насекомых и осуждали мальчиков за их это пристрастие к разглядыванию или жестоким играм.
Вот с этими ощущениями (разного рода воспоминаниями из детства) мне и было интересно поработать и в этой картине, и в этой серии в целом (Александр Захаров).
Для меня как художника с некоторых пор игрушки стали окошком в мир далекого детства, дверкой, за которой развернулась волшебная страна мечты, целая Вселенная. Маленький мир разворачивается в глубину до бесконечности, так же как для нас, взрослых, «большой мир».
Миниатюра наиболее удобная для меня форма выражения. Я создаю «маленькое окошко», заглянув в которое и заинтересовавшись открывшимся за ним пространством, зрителю невольно приходится как бы «уменьшаться в размере», становиться маленьким. «Превратившись» в ребенка, он получает право попасть внутрь. В открывшемся мире, с виду совершенно реальном, существует «обратная перспектива»: маленькое порой важнее большого. Начав много лет назад с огромных картин-панорам, напоминавших плоский лубок, я пришел сегодня к развернутой в глубину миниатюре» (Александр Захаров, cumir.ru).
Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения — тут и мильтоновские душистые рощи, где «пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...», и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия (triumph.gallery).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».
Виктор Крапошин. Выбор. 2020
Предметная, с подробными деталями, ясная живопись особенно привлекает меня. Набор тем, как мне кажется, стандартный для любого человека искусства: Жизнь, Любовь, Время, Смерть, Сбывшееся и Несбывшееся, Страх и Надежда. Главная моя задача (и не только моя) — найти свой язык для отображения настоящего времени и всего, что прошло через меня; того, что было когда-то настоящим, а теперь — прошлое.
Мне нравится сделанность и разумное соотношение цвета и линии, без теней. Не последнее место для меня в живописи играет техника и ремесло (Виктор Крапошин).
Картины Виктора Крапошина обманчиво идилличны. В этом мире нет тревожной босхианы раннего Свешникова, причудливой городской фантасмагории Владимира Пятницкого, но атмосфера присутствия иного, запредельного измерения пронизывает зрителя. На первый взгляд в картинах есть «история», но ее трудно рассказать. Художник не комментирует какие-то идеи в рамках картины, а подчиняет их живописной ткани произведения, оживляет их своим видением, иногда вовсе не рефлексируя и двигаясь интуитивно. Слегка деформируя формы, используя в композиции разные точки и углы зрения одновременно, художник выстраивает парадоксальный и многоплановый образ. Чтобы понять его метафизическую многозначность, зритель должен изменить ракурс «оптики», сделать его «антиномичным», отбросив логику и концепт. Минуя личину реальности, зритель вслед за художником проникает в ее сердцевину, попадая в измерение свободы, где Настоящее, включая Ушедшее и Будущее, становится единственно возможным местом При-Сутствия (Вера Родина).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Виктор Крапошин».
Егор Плотников. Дорога к морю. 2019
Я живописец, но уже лет семь занимаюсь скульптурой. Я начал с небольших экспериментов с рельефами, мелкой пластикой, но постепенно занятие стало затрагивать и живопись: персонажи моих картин «вышли» из пространства холста, встали рядом с нами — зрителями, развернулись и начали смотреть на живописное полотно. Они обрели двойную функцию: остались объектом, но стали субъектом. Моя скульптура — персонаж и зритель одновременно. Этот «промежуточный» герой, который становится проводником в пространство картины и в пространство искусства, стал появляться у меня во многих работах в разных версиях.
Я обращаюсь к их взаимодействию, потому как два самых древних и, казалось бы, всем знакомых и понятных жанра изобразительного искусства, живопись и скульптура, на самом деле очень сложно воспринимаемы современным зрителем. Я думаю, так происходит из-за того, что мы живем в цифровой реальности, в постоянном движении, нескончаемом информационном потоке. Нам все сложнее воспринимать статичную молчаливую картинку и простую неподвижную форму.
Почему скульптура должна быть белой?
В искусстве для меня важна дистанция. Поскольку в моих работах есть пространственный пейзаж и узнаваемая фигуративная форма, то возникает опасность впасть в иллюзорность, сделать из них «обманку». Такой путь возможен, но он не мой. Для меня всегда важна дистанция, когда есть мера условности и работа не уходит в натурализм: живопись остается живописью, а скульптура — скульптурой. Именно поэтому «одинокий зритель» или «спящий» — белого цвета, поскольку мы привыкли видеть скульптуру белого цвета (хотя мы знаем, что античная скульптура в первоначальном виде была раскрашенной).
У меня есть и разноцветные, но, как правило, они самостоятельные, не зависящие от живописи. А в столкновении круглой монохромности пластики и плоской живописности важно то напряжение, которое оно вызывает у зрителя (Егор Плотников, entermedia.io).
Кирилл Протопопов. Маленький бык с золотым седлом. 2019
Когда человек начинает работать, участвовать в творческом процессе, он постепенно начинает понимать, что ему близко, из чего он может творить. Я начинал с живописи, с плоскости, потом перешел в рельеф. Когда я пришёл к скульптуре, то много экспериментировал и пробовал разные техники. Через какое-то время я почувствовал, что бронза — это какой-то «вечный» материал, что он мне близок. Бронза — это достаточно мягкий металл, а есть такой металл — тоже бронза, но с большим содержанием цинка, — латунь. Жёлтого цвета, более жёсткий. Я стал использовать в скульптуре именно латунь, потому что, мне кажется, она более напряжённая, более звонкая.
Ещё, когда ты делаешь скульптуру, всегда нужно думать о пропорциях. Есть такое понятие — оптический вес. Должен быть баланс. Нужно вращать композицию вокруг центра и смотреть сверху, снизу, сбоку… Ведь скульптура — она круглая (Кирилл Протопопов, st-tatiana.ru).
В скульптуре Кирилла Протопопова образ быка дополнен бронзовыми подвесками — кинетическим элементом, который в разных формах нередко встречается у автора. «Мне кажется, что эти подвески добавляют скульптуре больше декоративности, изящества, легкости. Поскольку я заканчивал дизайн, эти элементы мне очень близки и понятны» (Кирилл Протопопов, st-tatiana.ru).
Малая пластика — вид скульптуры, подчиняющийся особым законам, несущий в себе среди прочих главный признак — стремление к психологизму и обобщению. В то же время скульптура малых форм тесно примыкает к декоративно-прикладному искусству. Создается психологическая связь между автором и зрителем, ощущение, что работа сделана для того, кто внимательно ее рассматривает. К интеллекту зрителя обращены талант и мастерство художника. Средством смыслового общения в этом случае выступает знак с его возможностями представлять, фиксировать определённые свойства и характеристики скульптуры.
Пластика Протопопова, наделенная чертами высокой ювелирной эстетики ар-деко, никогда не впадает в утилитарность. Излюбленным материалом автора является бронза с многообразием оттенков поверхности металла, камень и смальта в сочетании с традиционной и современной техникой, а также графическим дизайном. Структура и выразительность поверхности здесь особенно важна, поскольку она дает представление о внутреннем напряжении произведения, а также определяет его взаимодействие с окружающим пространством (Екатерина Шмакова, искусствовед).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Кирилл Протопопов».
Ольга Пушкарёва. Натюрморт с гипсовой головой. 2020
Изобразительное искусство, подобно поэзии и музыке, раскрывает зрителю глубину эмоционального восприятия мира, отраженного художником в его произведениях. Ведь «живопись — это поэзия, которую видят, а поэзия — это живопись, которую слышат…»
Мне интересна формула искусства, созвучная нашей эпохе. Интересно путем символического самовыражения в живописи и графике решать вечную проблему искусства — синтеза «высокого в малом» и «вечного в преходящем»…
Меня интересует проблема трансформации сложившихся изобразительных методов, развивающихся в поиске новой гармонии, определяющей пути и особенности развития современного искусства. Интересуют так называемые «метаморфозы бытия», отраженные в графике и живописи.
Я принадлежу к художникам радостного восприятия мира.
Красота, эстетика, гуманность искусства должны радовать и сближать людей, наполняя их силой и радостью жизни, ведь язык изобразительного искусства уникален по своей абсолютной коммуникабельности — это своеобразное эсперанто, понятное всем (Ольга Пушкарёва).
Ольга Пушкарёва, профессор Российского государственного университета имени А. Н. Косыгина — яркий самобытный художник-график, член МСХ, ТСХР, РСЖ.
Родилась в Москве в семье художников. Училась в МСХШ им. Сурикова, затем в МВХПУ (бывшее Строгановское). Начав творческий путь как очень интересный иллюстратор детской книги, она последовательно двигалась в направлении создания фигуративных станковых графических работ, а также формообразующих экспериментов с цветом и ритмом, постепенно приближаясь к границам абстрактного минимализма, трансформируя форму в художественный знак (поэзия ритма). В своем творчестве художница много внимания уделяет работе в графических техниках акварели и пастели (dommuseum.ru).
Желаем удачи на аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20201202_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20201202_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
