Открыты 399-е торги AI Аукциона
ARTinvestment.RU   28 сентября 2021

В каталоге 20 лотов: двенадцать живописных работ, четыре листа оригинальной и один — печатной графики, две работы в смешанной технике и одна скульптура

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 399 и 85-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 399-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 1 октября, в 12:00.

Русское искусство начала ХХ века

КЛЕВЕР Юлий Юльевич (1882–1942) Без названия (Натюрморт с рябиной). 1906
Холст, масло. 54 × 62,2

Кисти Юлия Юльевича Клевера-младшего принадлежит живопись «Без названия. (Натюрморт с рыбой)» (1918). Сын знаменитого пейзажиста, поначалу он учился у отца, три года занимался в Академии изобразительных искусств в Мюнхене (1906–1908). Выставляться начал в 1898 году, экспонировался на художественных выставках Санкт-Петербургского товарищества художников, Товарищества художников, Товарищества имени А. Куинджи и других. В 1910 году провёл персональную выставку в Москве. Преподавал в Рисовальной школе ТПХ в Петербурге (1902–1906, 1909–1917). Жил и работал в Петербурге — Петрограде — Ленинграде. Умер в блокаду. Работы его представлены в Ульяновском, Краснодарском, Рязанском художественных музеях, в частных собраниях.

Оттолкнувшись от классических основ русской школы живописи, художник пытался освободиться от подражания и искал свой путь в искусстве. В его пейзажах зрелого периода ощущается свежесть палитры, спад тягостного эмоционального напряжения и выбор светлых и ярких красок.

Клевер-младший начинал с пейзажей, но в историю русского искусства вошел как мастер натюрморта, в котором более отчетливо проявилась индивидуальность художника. Чаще всего он писал букеты цветов, фрукты, ягоды, грибы и овощи, а также натюрморты с рыбой. Композиции его натюрмортов почти всегда классические.

Центр холста отмечен букетом или постановкой из крупных фруктов, дальше по ниспадающей располагались боле мелкие предметы или детали. Фон работ оставался нейтральным, но был не однородным фактурным. Яркие плоды великолепно смотрелись на темно сером, оливковом или коричневом «заднике» (artlot24.ru).

Наша работа написана в 1906 году, возможно в Мюнхене, где в том же году Клевер-младший поступил в Академию изобразительных искусств. Позднее, в 1910–20-х, художник писал натюрморты на светлом фоне, достигая в них особой живописности и великолепно передавая световоздушную среду, обволакивающую предметы.

Искусство художников Русского Зарубежья

АННЕНКОВ Юрий Павлович (1889–1974) Интерьер. Около 1930
Холст, масло. 59,5 × 72,5

Один из топ-лотов каталога — холст «Интерьер», созданный около 1930 в Париже Юрием Павловичем Анненковым.

Впервые Анненков приехал в Париж в 1911 по совету своего учителя Я. Ф. Ционглинского. Брал уроки у Ф. Валлотона и М. Дени, посещал академии Гран Шомьер и Ла Палетт. Летом 1912 исполнял зарисовки морской флоры и фауны в Бретани (некоторые из них вошли в диссертационную работу зоолога 3. Бей-Нафильяна в Сорбонне). В 1913 на выставке в Салоне Независимых представил первые пейзажи, отмеченные влиянием кубизма, и в том же году вернулся в Россию.

«В 1924 получил разрешение вместе с женой посетить биеннале в Венеции, где выставлялись его живописные и графические работы. Выехав из Москвы в конце июля, Анненковы побывали в Венеции, … в начале августа прибыли в Париж. <…> В отличие от многих советских художников, приезжавших в то время в Париж, Анненков активно общался с эмигрантами и быстро вошел во французскую художественную среду. Принимал активное участие в групповых выставках русских художников в Париже, Брюсселе и Праге. С 1929 стал невозвращенцем» (artrz.ru).

«Впоследствии его стиль живописи коренным образом изменился. Не осталось и следа неоакадемической точности линии. Теперь объекты, как и их общее окружение, были смоделированы с помощью нескольких мазков и сильного импасто. Контуры были упрощены, часто сокращены до простой схематической линии. Не было ни малейшей попытки передать текстуру или материал объекта, то есть, был ли объект деревом или металлом, не имело значения. Интерьеры и городские пейзажи, как правило, были безлюдны. Обычно в интерьере использовались только стол, стулья или потолочная лампа, что создавало впечатление пустой комнаты с несколькими предметами мебели. Эту тему можно найти и в графических работах того периода, где Анненков даже отказался от цвета, чтобы оживить строгую черно-белую мебель. Столь же удрученно стоят голые деревья городских пейзажей Анненкова. В портретах той эпохи отсутствуют психологические нюансы, а манера исполнения напоминает детский рисунок.

Новые картины Анненкова пользовались успехом, и он приобрел известность как парижский художник, часто выставляясь в престижных галереях, таких как Billiet или Bing на улице Боэти, с видом на Елисейские поля и др. С 1928 одна за другой проходили персональные выставки, а в 1929–1932 годах выставки были хорошо приняты в США (Филадельфия, Нью-Йорк, Сан-Франциско, Чикаго), где работы Анненкова были приобретены различными музеями и частными коллекционерами» (christies.com).

«Интерьер» (ок. 1930) относится «к короткому, но яркому периоду творчества Анненкова. В 1933 году его пригласили работать в кино художником по костюмам. Он быстро добился успехов в этом деле, в свободное время почти не возвращался к мольберту и еще реже участвовал в выставках.

Жан Поль Дельма был успешным издателем и бизнесменом, страстно любившим гуманитарные науки и искусство. Скорее всего, Дельма приобрел работу непосредственно у Юрия Анненкова в 1930 году. В 1937 году он женился на Глэдис Крибл, разделявшей его страстное увлечение искусством. <…> Коллекционеры редких книг и современного искусства, они были в основном известны своим покровительством искусству и образованию, поддерживали крупные культурные учреждения Нью-Йорка» (christies.com). Выпускница колледжа Вассар, Глэдис Крибл Дельма подарила и завещала «Интерьер» в числе других работ колледжу в период с 1988 года до своей смерти в 1991 году.

СУДЕЙКИН Сергей Юрьевич (1882–1946) Дерево у дороги. 1930-е — первая половина 1940-х
Картон серый, темпера. 50,5 × 60,5

К позднему периоду творчества Сергея Юрьевича Судейкина относится живописный пейзаж «Дерево у дороги», датируемый экспертом 1930-ми — первой половиной 1940-х годов. Пейзаж выполнен в узнаваемой «американской» манере художника. Известно, что в 1920–30-х годах Судейкин много путешествовал по Америке, организовывая выставки в музеях и частных галереях (Нью-Йорк, Чикаго, Чаттануга и др.). Эти поездки вдохновили его на создание обширной серии картин, посвященных жизни американской глубинки. Возможно, в одной из этих поездок он увидел раскидистое дерево у крутого изгиба проселочной дороги и этот мотив нашел отражение в нашей работе.

Самый обширный и разнообразный раздел каталога в этот раз посвящен творчеству художников ХХ века.

Искусство ХХ века

ВЯЛОВ Константин Александрович (1900–1976) Натюрморт. 1921
Бумага на картоне, графитный карандаш. 20 × 15

К раннему периоду творчества Константина Александровича Вялова относится карандашный «Натюрморт» (1921).

Константин Александрович Вялов — художник удивительной судьбы. Ученик лучших представителей русского авангарда, за свою долгую творческую жизнь он успел встать во главе объединения ОСТ, принять участие в создании Окон РОСТа, оформить ВСХВ и возглавить военно-шефскую комиссию, отвечающую за сотрудничество художников МОСХа с армией и флотом.

Ровесник века Константин Вялов родился в Москве 19 апреля 1900 года. Информации о его семье и детстве сохранилось не очень много, но известно, что первые уроки живописи он получил в школе воскресного рисования на Миусах. Играл за футбольный клуб «Бутырский», писал декорации для школьных спектаклей. А в 14 лет будущий художник поступил на ткацкое отделение Строгановского художественно-промышленное училища, выбрав своей специализацией роспись тканей. В 1917 году он продолжил образование, уже как живописец, в Свободных художественных мастерских, где его учителями стали Василий Кандинский, Владимир Татлин и Алексей Моргунов. С 1920-го по 1924-й был студентом живописного факультета ВХУТЕМАСа, где занимался под руководством Аристарха Лентулова и Давида Штеренберга.

К началу 1920-х относятся и его первые опыты авангардного искусства. Под влиянием своих первых учителей, а также идей супрематизма и творчества Казимира Малевича, с которым он познакомился во время учебы в мастерских, Вялов увлекся созданием абстрактных геометрических станковых композиций, контррельефов и конструктивистской скульптуры (Мария Кузнецова, Денис Белькевич, artinvestment.ru).

В историю отечественного искусства Вялов вошел прежде всего как один из организаторов и активный участник Общества станковистов (ОСТа). Общество, основанное в 1925 году, провозглашало «революционную современность и ясность в выборе сюжета», «стремление к законченной картине» (из устава ОСТа). Критик Я. А. Тугендхольд писал о 1-й выставке ОСТа (1925), что «левая» молодежь, составляющая основу ОСТа, «пришла к убеждению, что картина как таковая вовсе не отжила свой век, что именно она находит отклик в душе массового зрителя, столь широко посещающего музеи… Но в отличие от АХРР, “ОСТ” стремится к созданию картины, современной не только по своему содержанию, но и по своим изобразительным средствам» (artinvestment.ru). Вялов активно участвовал в деятельности и выставках Общества до 1928, а после его раскола в 1931 перешел в «Изобригаду».

Об истории, ценовых и маркетинговых показателях Константина Александровича Вялова — русского живописца, графика, иллюстратора и сценографа, одного из основателей «Общества станковистов» — читайте на AI: «Художник недели: Константин Вялов».

ЛОБАНОВ Сергей Иванович (1887–1943) Филипповский переулок. 1924
Картон, масло. 30,5 × 25,3

Сергей Иванович Лобанов, автор небольшого пейзажа «Филипповский переулок» (1924), — живописец, график, художник декоративно-прикладного искусства, искусствовед. Писал пейзажи, портреты, натюрморты, выполнял жанровые и анималистические зарисовки. Много работал в техниках сангины, пастели. В 1910-х прошел через увлечение постимпрессионизмом, кубизмом, фовизмом. Жил в Москве.

Начальное художественное образование получил в Александровском коммерческом училище (1900–1907), где рисование преподавал А. Н. Михайловский. Параллельно с 1906 посещал студию Михайловского и Ф. И. Рерберга. Сблизился с П. П. Кончаловским, И. И. Машковым. Продолжил образование в МУЖВЗ (1907–1913) у С. В. Иванова, Л. О. Пастернака, Н. А. Касаткина, в мастерских К. А. Коровина и С. В. Малютина. Как вольнослушатель посещал занятия по истории искусства при Археологическом институте в Москве (1914). Преподавал графические искусства в частной женской гимназии Винклер в Москве (1914).

Путешествовал по Дагестану (1909), Крыму (1925, 1928), Феодосии (1926).

В 1918 работал на керамическом заводе С. И. Мамонтова «Абрамцево» за Бутырской заставой.

С 1918 — сотрудник Отдела по делам музеев и охране памятников искусства и старины при Наркомпросе, с ноября 1918 (по 1922) — заместитель заведующего подотделом провинциальных музеев. Занимался описанием коллекции Я. И. Бутовича в имении Прилепы. С 1922 — старший хранитель 1-го (Щукинского) отделения Государственного музея новой западной живописи, с 1923 — заместитель директора ГМНЗЖ, член ученого совета, ученый секретарь. С 1926 — хранитель и заместитель заведующего 1-м Государственным музеем нового западного искусства, с 1927 — заместитель директора 1-го ГМНЗИ. После слияния 1-го и 2-го Музеев нового западного искусства работал хранителем в объединенном музее; занимался созданием экспозиции, с 1930 по 1936 — ученый секретарь ГМНЗИ. Кандидат искусствоведения (1935). Автор монографии «Поленов и Левитан» (М.-Л., 1925), ряда статей по истории искусства («Виктор Васнецов в Москве», 1961).

Участвовал в выставках объединений: «Бубновый валет» (1910, 1912), «Свободное творчество» (1916), «Мир искусства» (1916, 1921), «Московский салон» (1917, 1920), «Жар-цвет» (1924–1929), МТХ — Московского товарищества художников (1917), ОМХ — Общества московских художников (1927–1932), «4 искусства» (1926, 1928). Член и экспонент АХРР (1922, 1924); в 1924 исключен как «чуждый идеологии… и общей товарищеской жизни». Экспонент выставок «Русский рисунок за 10 лет Октябрьской революции» (1927), «15 лет графического искусства» (1932) в Москве, выставок советского искусства в Японии (1926–1927, передвижная), в Амстердаме, Риге, Нью-Йорке (все — 1929), Лондоне (1930), Кенигсберге (1932), XVI международной выставки искусств в Венеции (1928) и других. Провел персональную выставку в Казани (1926).

Ретроспективные выставки произведений художника прошли в Москве (2006) и Петербурге (2007). Творчество Лобанова представлено во многих музейных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, ГМИИ им. А. С. Пушкина и других.

«Филипповский переулок» (1924) «относится к зрелому периоду творчества С. И. Лобанова — 1920-м годам, — отмечает эксперт. — В это время автор часто создает пейзажи — виды Москвы и подмосковных усадеб. По своим стилистическим особенностям соотносится с творчеством художников общества “Жар-цвет”, в выставках которого в 1924–1929 годах участвовал Сергей Лобанов. Отличается характерными для работ художника декоративной выразительностью и цветовой насыщенностью, легкостью и изяществом живописного языка, использованием мелких фактурных мазков, яркой колористической гаммой… Работа изображает вид старинного арбатского переулка, Филипповского, находящегося неподалеку от Первого (Щукинского) отделения Первого Государственного музея новой западной живописи (ГМНЗЖ), заведующим которого был С. Лобанов в 1924 году».

БОГАЕВСКИЙ Константин Фёдорович (1872–1943) Пейзаж с крепостью. 1927
Бумага, графитный карандаш, акварель. 52 × 65,2

В узнаваемой авторской манере выполнена акварель «Пейзаж с крепостью» (1927) Константина Фёдоровича Богаевского.

Богаевский родился в Феодосии, там же получил первоначальное художественное образование под руководством И. К. Айвазовского и А. И. Фесслера. В 1891 переехал в Петербург. В 1891–1897 учился в ИАХ и (после реформы Академии) в Высшем художественном училище живописи, скульптуры и архитектуры. С 1895 занимался в мастерской А. И. Куинджи. В 1895 и 1896 выезжал вместе с ним в Крым, в окрестности Симеиза. В 1897 за картину «На горах» получил звание художника.

В 1898 вместе с другими учениками Куинджи и на его средства совершил поездку в Германию, Францию, Австрию. До 1903 жил в Петербурге, затем — в Феодосии. В 1897–1898 принимал участие в выставках Московского обществе любителей художеств, в 1903–1905 и 1907 в — выставках Мюнхенского Сецессиона. В 1905 стал одним из основателей Нового общества художников в Петербурге. В 1906–1910 входил в Товарищество южнорусских художников.

В 1905–1907 создал серию рисунков к стихотворному сборнику М. А. Волошина «Книга странствий». В 1908–1909 на стипендию фонда Е. Д. Поленовой посетил Германию, Италию и Грецию. В 1910 сотрудничал с журналом «Аполлон». В 1911–1912 работал над декоративными панно для особняка М. П. Рябушинского в Москве (погибли во время пожара в 1995). С 1910 экспонировал свои работы на выставках возобновленного «Мира искусства» (до 1915 с перерывами).

После революции работал в Крымском комитете по охране памятников искусства и старины, выполнял зарисовки архитектурных достопримечательностей Крыма. Участвовал в организации Феодосийских Государственных свободных художественных мастерских и Народной студии при Феодосийской картинной галерее им. И. К. Айвазовского. В 1923 стал одним из основателей творческого объединения «Жар-цвет».

В 1923 году вышел альбом «Автолитографии : Двадцать рисунков, исполненных на камне автором», уникальное издание, которое называют одним из лучших изданий графики 1920-х годов.

После революции индивидуальная манера художника почти не претерпела изменений. «Тема идеального пейзажа с использованием мотивов итальянской и крымской природы прошла через все творчество художника, — отмечает эксперт. — В них прослеживается традиция романтической европейской живописи XVIII века с несколько театральной подачей композиции, торжественной статичностью, призванной подчеркнуть состояние покоя, гармонии и неподвластности суете времени».

Узнаваемый стиль Богаевского был близок эстетическим принципам символизма. В большей части его живописных и графических работ запечатлены виды Киммерии в восточной части Крыма, однако они производят впечатление вымышленных, нереальных пейзажей, словно существующих вне времени. Для этого он сознательно избавлял композицию от случайного и сиюминутного (например, изменчивого освещения), выбирал, как правило, низкую точку зрения, благодаря чему добивался эпического размаха. По словам художника, ему хотелось создать в своих произведениях «другой, фантастический мир». И это роднит его произведения с прозой Александра Грина, столь же фантастической, столь же наполненной романтикой и силой описаний и образов.

АКИШИН Пётр Иванович (1889 — не ранее 1934) Портрет девочки. 1928
Холст, масло. 88,5 × 66,5

«Портрет девочки» (1928) принадлежит кисти Петра Ивановича Акишина, живописца, о котором сохранилось очень мало сведений.

Известно, что Акишин до революции был политическим заключенным, отбывал наказание в каторжной тюрьме и был освобожден из нее по амнистии. В связи с этим был освобожден от несения воинской повинности. Работал (видимо периодически) учителем рисования в рассказовском Народном университете (1918–1920). Учился в ПГСХУМ — ВХУТЕМАС (1918–1922 (1923?), сведений об окончании нет). В 1922 взял длительный отпуск ввиду болезни. В 1922 представил на конкурс картину «Жажда» (не закончил).

Участник выставок с 1923: отчетная Академии художеств (1923); VI Общины художников (1925); картин Ленинградского Областного Дома художников (1933). На выставках Акишин был представлен именно портретами, и это дает основание предполагать, что «Портрет девочки» (1928, частное собрание, Санкт-Петербург) не случаен в его творчестве данного периода. Известно, что изображена Нинель Петровна Долгова (1924–1928). Имя Акишина дважды встречается в связи с Петровым-Водкиным. В обзоре конкурсной выставки в Академии художеств было отмечено: «Есть новые искания, но их немного и они дальше неправильно понятого Петрова-Водкина не идут. Так, например, у Акишина интересно и глубоко прочувствован синий цвет; хочется сказать “хорошо понят”». О близости учителя и ученика, о степени доверия между ними свидетельствует и тот факт, что, уезжая в 1925 году в творческую командировку в Париж, Петров-Водкин оставил в своей квартире Акишина с женой. Сведения о художнике после 1933 года не обнаружены (Алла Есипович, куратор выставки «Круг Петрова-Водкина» в ГРМ, esipovich.com).

ЧЕРНИХОВ Яков Георгиевич (1889–1951) Простейшая изогнутая пластина с добавками и вырезками (машинная деталь). 1927–1931
Бумага, тушь. 29 × 22,5 (в свету)

Тушевый рисунок Якова Георгиевича Чернихова «Простейшая изогнутая пластина с добавками и вырезками (машинная деталь)» (1927–1931) опубликован в книге «Конструкция архитектурных и машинных форм» ([Л.], 1931) в подразделе «Мелодия конструктивизма».

«Чувство, переживаемое нами от удачно решенных конструкций, по своей силе и ценности равносильно тому чувству, которое получается при созерцании предметов искусства высокого качества, — пишет Чернихов. — То прекрасное, что таится в совершенных конструкциях, осознается нами благодаря непосредственному воздействию объектов, сотворенных руками человека. Это в одинаковой степени относится и к сооружениям, и к машинам. На нас действует вся совокупность элементов, собранных в определенной гамме» (Там же. С. 66–68). А во вступительной статье Э. Ф. Голлербах отмечает: «Он [Чернихов] заставляет нас любоваться такими вещами, мимо которых в жизни мы часто проходили равнодушно: какой-нибудь ступенчатый куб, изломанный параллелепипед, комбинация цилиндров, болт, гайка, сцепление машинных частей — все это, неожиданно для нас, оказывается преисполненным какой-то своей особенной красоты и правды» (Там же. С. 21).

ГРИГОРЬЕВ Сергей Алексеевич (1910–1988) (?) Обсуждение двойки. 1950 (?)
Холст, масло. 90 × 135

«Обсуждение двойки» — картина украинского советского художника Сергея Григорьева, созданная в 1950 году. Находится в коллекции Государственной Третьяковской галереи. По мнению советского доктора искусствоведения, историка искусства В. А. Афанасьева, автора книги о творчестве художника, картина «Обсуждение двойки» вместе с двумя другими картинами «Приём в комсомол» (1949) и «Вернулся» (1954) является вершиной жанрового творчества Григорьева, отмечена тонким психологизмом.

Работал Сергей Алексеевич Григорьев над картиной «Обсуждение двойки» в течение трех лет (1948–1950 годы) и создал несколько вариантов композиции. Одна из таких версий картины, также относящаяся к 1950 году, но выполненная позже, находится в коллекции фонда Art Russe (первоначальное название — Арт-фонд семьи Филатовых). Техника исполнения картины — масляная живопись по холсту. Размер полотна — 118 на 181 сантиметр. В левом верхнем углу картины из фонда Art Russe присутствует бюст И. В. Сталина, который отсутствует в настоящее время на картине этого же года из коллекции Третьяковской галереи, но имеется на ее репродукции в журнале «Огонёк» № 10 за 1951 год.

Первоначальный вариант картины назывался «Обсуждение персонального дела на партийном бюро», но, как осторожно пишет В. А. Афанасьев, «жизненный материал при этом необходимо было осваивать заново». Затем художник попытался перенести действие в техникум, где после войны наряду с подростками училось немало и вполне взрослых людей (для этого варианта Григорьев создал ряд рисунков студентов и бывших фронтовиков). Был эскиз, намечающий сцену обсуждения даже в младших классах школы. Позже художник придумал новое название и соответственно перенес действие картины в выпускной класс средней школы. Афанасьев считает, что решающим фактором стал личный опыт преподавания художника. Ему были знакомы яростные столкновения характеров, он сам выступал арбитром в конфликтах между своими студентами на кафедре рисунка Киевского художественного института и между учащимися Киевской художественной школы-десятилетки, где он тогда преподавал. Сыграл свою роль и успех картины «Прием в комсомол», где героями стали также старшеклассники. Сохранилось большое количество подготовительных рисунков к картине и несколько акварелей, которые, по мнению Афанасьева, свидетельствуют о «мучительных поисках» автора. Три такие подготовительные работы он приводит в книге 1967 года.

Картина «Обсуждение двойки» (138 × 258 см), находится в коллекции Государственной Третьяковской галереи. Впервые была представлена на Всесоюзной художественной выставке 1950 года, а в 1951 году была отмечена Сталинской премией II степени. Одновременно Сергей Григорьев получил звание народного художника УССР и был награжден орденом Трудового Красного Знамени (wi-ki.ru).

Имя автора и дату создания композиции «Обсуждение двойки» мы поставили под вопрос, предоставляя нашим участникам возможность сделать выводы самостоятельно.

БАКШЕЕВ Василий Николаевич (1862–1958) Зайцево. Ночное подворье. 1949
Картон, масло. 20,8 × 30

Пейзаж «Зайцево. Ночное подворье» (1949) принадлежит кисти Василия Николаевича Бакшеева, одного из крупнейших мастеров русской живописи первой половины ХХ века, развивавшего традиции реалистического искусства, в частности пленэрного лирического пейзажа. В живописи Бакшеева сдержанно-импрессионистическая манера письма гармонично соединялась с символической обобщенностью образов.

В 1878–1889 Василий Бакшеев учился в МУЖВЗ, сперва на архитектурном отделении у А. П. Попова, с 1883 — на живописном у А. К. Саврасова, И. М. Прянишникова, В. Д. Поленова, В. Е. Маковского. В 1889 за картину «Возвращение с богомолья» был награжден большой серебряной медалью и получил звание классного художника. В 1895 совершил путешествие по Европе, посетил Париж, Мюнхен.

Жил в Москве и деревне Зайцево в Подмосковье. Работал как пейзажист, писал жанровые картины и натюрморты. Входил в Московское товарищество художников (1893–1895). С 1896 — член ТПХВ (участвовал в выставках Товарищества с 1891), в течение ряда лет был уполномоченным по организации выставок ТПХВ в Москве. Экспонировал свои работы на выставках Московского общества любителей художеств (1890–1896, 1910), «Мира искусства» (1901), 36-ти художников (1901–1903), Союза русских художников (1903, 1904, 1906), международных выставках в Риме (1911) и Мюнхене (1913). В 1913 был удостоен звания академика.

В 1884–1889 преподавал рисование в приюте великой княгини Ксении Александровны, в 1897–1918 — в МУЖВЗ.

После Октябрьской революции входил в Комиссию по охране памятников искусства и старины при Моссовете (1917–1919), был членом совета Третьяковской галереи (1918–1919). В 1917–1919 входил в объединение «Изограф», в 1922 вступил в Союз русских художников, в 1922–1928 — член АХРР. В 1928 выступил одним из учредителей Общества художников-реалистов. В 1930-х неоднократно выезжал в творческие командировки по СССР. Принимал участие во многих групповых выставках в Советском Союзе и за рубежом, в частности во 2-й Государственной выставке картин в Москве (1919), 1-й Государственной свободной выставке произведений искусств в Петрограде (1919), выставках русского искусства в Нью-Йорке (1924), Торонто (1925), Лос-Анджелесе (1925), во Всемирной выставке в Париже (1937), различных всесоюзных выставках. Провел персональные выставки в Москве (1937, 1947/1948, 1952/1953), Ленинграде (1937).

В 1933–1940 преподавал в Институте повышения квалификации художников, в 1940–1958 — в Московском областном художественном училище памяти 1905 года, в 1945–1951 — в Московском художественно-промышленном училище им. М. И. Калинина, профессор (с 1940). За свою деятельность был удостоен званий заслуженного деятеля искусств РСФСР (1937), действительного члена Академии художеств СССР (1947), народного художника СССР (1956); лауреат сталинской премии (1943), двух орденов Ленина и ордена Трудового Красного Знамени. Автор воспоминаний (М., 1961).

«Из биографии художника известно, — пишет эксперт, — что он почти полвека своей жизни провел в деревне Зайцево нынешнего Одинцовского района Московской области, где написал множество этюдов, зарисовок и масштабных произведений. В Зайцево художник приехал еще студентом в 1997 году. Там находилось имение его друга, юриста С. А. Лосева. Сестра Лосева Анна Алексеевна впоследствии стала женой художника. Василий Бакшеев написал портрет своей жены “Девушка, кормящая голубей”, которую приобрел для своей коллекции П. М. Третьяков».

Судя по штампу на обороте картона, работа происходит из собрания Ивана Ивановича Дубасова (1897–1988) — русского советского художника и гравёра, почти сорок лет прослужившего в должности главного художника Гознака (1932–1971), заслуженного деятеля искусств РСФСР (1959), автора эскизов и оригиналов многих советских денежных знаков, государственных наград и почтовых марок на протяжении нескольких десятилетий.

ФОНВИЗИН Артур Владимирович (1882–1973) Розы на балконе. 1952
Бумага, акварель. 44,5 × 32,5

Выдающийся рисовальщик, виртуоз «мокрой акварели», «бубнововалетовец» первого созыва, а позже преследуемый в СССР «формалист», вдохновитель для целой плеяды молодых художников-нонконформистов — Артур Владимирович Фонвизин, автор акварели «Розы на балконе» (1952), в наши дни ассоциируется с каким-то затворничеством, замкнутостью, «тихим искусством», принадлежностью к условной группе пресловутых «трех Ф»: Фонвизин, Фаворский, Фальк. И еще с огромным творческим наследием. В последние лет 15 своей жизни он тихо работал дома и сделал многие сотни, если не тысячи рисунков. Его назвали тихоней, человеком робким, плывущим по течению и словно оберегаемым ангелом-хранителем. Но вот стоит почитать биографию Фонвизина, и многое не вяжется с этим образом. Порой просто диву даешься, какие черти водились в том тихом омуте… (читайте на AI: «Художник недели: Артур Фонвизин»).

Акварель написана в типичном для Фонвизина стиле. Он использует технику работы акварелью «по-мокрому», ее растекание и расползание по листу бумаги, свободные, прозрачные мазки, непринужденно набирает цвет, мастерски пользуется заливками краски и естественным белым фоном бумаги, стремясь передать легкость, воздушность, сиюминутность впечатления и сложность цветовых отношений. Пользуясь этими эффектами и приемами, А. В. Фонвизин превращает свои акварельные листы в драгоценность.

МЫЛЬНИКОВ Андрей Андреевич (1919–2012) Закат. 1969
Холст на картоне, масло. 16,4 × 22,4

Творчество Андрея Андреевича Мыльникова, одного из самых известных советских художников, удостоенного множества званий и наград, мастера и педагога, воспитавшего множество благодарных учеников, в каталоге представляет небольшой этюд «Закат» (1969).

«В своем творчестве он достаточно рано отказывается от соцреалистических канонов, принятых в его время, и создает свой уникальный художественный стиль под влиянием примеров классического мирового искусства, что ставит его фигуру особняком и выделяет среди других художников того времени» (rah.ru).

«На общем фоне советского искусства 1960-х годов, когда многие художники сосредоточили свое внимание на изображении неприкрашенной действительности, на том, “что есть”, работы Мыльникова выделялись тем, что в них присутствовало сознание идеала того, что “должно быть”. В нашей живописи он явился своего рода хранителем, даже ревнителем “отрадного”, того, “чем люди живы”…

<…>

… Важнейшая особенность искусства Мыльникова: он — поэт, то есть человек, стремящийся — как говорил Блок — “превратить шум в музыку”, поверяющий гармонию мира сердцем, сохранившим способность прозревать красоту, человечность сквозь оболочку временных несовершенств и отталкивающих сторон жизни. Большинство картин Мыльникова — поэтические формулы душевных состояний, просветляющих, очищающих человека, возвращающих ему хоть на миг естественное, любовное приятие жизни. Художник обнажает сущность искусства живописи как воплощение духовности в зримых образах. Оттенки цвета в его картинах — это оттенки чувств, вступающих во взаимодействие, в определенную гармонию. Отсюда — особая эмоциональность, музыкальность его работ» (Владимир Петров, andreymylnikov.com).

«Пейзажи и натюрморты Мыльникова предоставляют своеобразный “отдых” от эмоционального накала, свойственного большинству его работ. В пейзаже любимый круг мотивов — виды Санкт-Петербурга, Псковской земли. Всегда присущая искусству художника монументальность, величественность образов сохраняется в картинах природы. С годами пейзажи художника обретают все большую художественную обобщенность, тонкую стилизацию формы» (журнал «ДИ», 2003, № 9–10, rah.ru).

Творчество шестидесятников

ВЕЧТОМОВ Николай Евгеньевич (1923–2007) Левитация. 1969
Бумага, акварель, темпера. 33 × 23,5

«Левитация» (1969) Николая Евгеньевича Вечтомова — характерная работа в узнаваемой авторской манере.

«Николай Вечтомов — один из немногих представителей советского неофициального круга художников, к которому правомерно может быть применим термин “сюрреалист”. Входил в “Лианозовскую группу” вместе со Львом Кропивницким, Оскаром Рабиным, Лидией Мастерковой, Владимиром Немухиным и другими. Начав с натурных композиций, через эксперименты абстрактного экспрессионизма в конце 1950-х годов, пришел к характерным для дальнейшего его творчества беспредметным композициям — фрагментам альтернативной реальности» (Сергей Попов, pop/off/art).

В творчестве художника арт-критик Сергей Кусков в первую очередь отмечал, что «здесь конкретика природных и вообще земных реалий и впечатлений во многом абстрагируется, очищаясь от излишних деталей, от всякой будничности и локально конкретно узнаваемых примет знакомого повседневного окружения, обретая тем самым загадочную странность, парадоксальность, возвышенную отрешенность и специфический космизм звучания.

<…>

Присущие душевному складу нашего художника романтические устремления побуждают его искать именно все редкостное, экстраординарное, загадочно-волнующее или магично-мистическое в познаваемом им мире и, обнаружив такие мотивы или источники вдохновения, заострять, усиливать акцентировать “выпадение” их инаковости относительно всего обыденного, буднично-привычного. Данная ситуация проявляется уже на уровне формально-стилевом, когда, например, художник либо подводит в основе своей конкретно-изобразительные мотивы к границе Абстракции, либо уподобляет свои жизненные наблюдения каким-то сюрреалистическим или “метафизическим” живописным видениям, или обнаруживает и усиливает в них подобно некоей инопланетной реальности, хотя на самом деле подобное видимое в сущности возможно и здесь — на земле, но лишь в исключительных, измененных состояниях реальности» (art-critic-kuskov.com).

Тот же Сергей Кусков писал о значении чувства полета в творчестве художника: «…ПРОСТРАНСТВО как таковое является во всех работах художника доминирующим фактором и смыслообразующим началом. Оно даже обретает тут качества и свойства энергонасыщенной жизненной среды, активной почти как живое существо. Пространство перекрывает или перевешивает в своей значимости все возможные частные существа, вообще все феномены и формы, в его пределах возникающие.

Вместе с тем даже ПРОСТРАНСТВО также в некоторых аспектах подлежит своему преодолению. Так, преодоление трехмерно-измеримого, эмпирического наличного пространства происходит через воплощаемое здесь и образно и чисто платонически чувство полета, преодоление земного духа тяжести или ему соответствующей гравитации, преодоление того гнета расстояний или чисто количественной протяженности, которая как раз представляется не духовной, а наиболее материально связанной формой бытия пространства. Этой голой механической протяженности пространства, как и плену земного тяготения, противостоят стремительно влекущие взгляд вглубь пространства притяжения не земли уже, а далей, глубин, высей, с их пронизывающим и всепроникающим, зовущим к полету свечением. Данному преодолению гнета трех измерений, веса и тяжести способствуют также столь частые здесь мотивы самых разных парящих, как бы невесомых объектов, независимо от их предметного содержания, но так или иначе несущих в себе чувство полета» (art-critic-kuskov.com).

СИДУР Вадим Абрамович (1924–1986) Бохумская Мадонна. 1981
Бронза, литье. 28,1 × 4,5 × 1,7

Из собрания семьи художника происходит скульптурная композиция «Бохумская Мадонна» (1981) Вадима Абрамовича Сидура.

Эту работу создал человек с удивительной судьбой. В 1944 году младший лейтенант Вадим Сидур командует пулеметным взводом. После тяжелейшего ранения (пуля попала в челюсть) выжил лишь чудом. Кавалер двух орденов Отечественной войны. Инвалид второй группы с 19 лет. Такие вот стартовые условия. Казалось бы, что может ждать впереди? А впереди, забегая, «Строгановка», карьера скульптора, художественное подполье, инфаркт в 37 лет, потом знаменитый «Манеж-62», годы официального давления, а потом монументы, установленные в городах России, Германии, США, уход из жизни в 62-летнем возрасте и Музей Вадима Сидура в Москве (artinvestment.ru).

В условиях железного занавеса и изолированности отечественной культуры от западного художественного контекста Сидур обособленно развивал радикальные авангардистские эксперименты, воспринятые в штыки в советских официальных кругах. Его произведения искусствоведы часто сравнивают с работами европейских скульпторов-модернистов Ж. Арпа, А. Джакометти, Ж. Миро, К. Бранкузи, Г. Мура.

Как и многие работы автора, скульптуру «Бохумская Мадонна» (1981) отличает лаконичность художественного решения и абстрактная стилизация форм. Фигуры Мадонны и Младенца трактованы предельно обобщенно и плоскостно. Лишенные индивидуальных характеристик, они сводятся к архетипическим символам-знакам. Обращение к христианским мотивам не является редкостью для творчества скульптора, который называл себя «атеистом-коммунистом, верующим в Христа» (Мария Беликова).

«Сидур всегда дает возможность узнать сюжет, но, когда начинаешь присматриваться, в его работах обнаруживается какая-то неоднозначность, они призывают зрителя к диалогу, — писал Карл Аймермахер, немецкий ученый-славист, друг Сидура и куратор его московского музея. — Некое отчуждение, преувеличенность жеста — все это дает каждому возможность интерпретировать их по-своему» (jewish.ru).

Название работы отсылает к немецкому городу Бохуму, в котором находится Институт русской и советской культуры им. Ю. Лотмана Рурского университета, основателем и первым директором которого был К. Аймермахер. Именно он, познакомившись во время научной командировки в Москву в 1970 году с Вадимом Сидуром, открыл его удивительное искусство для западной публики. Десятки организованных выставок, издание полного каталога скульптур Сидура, установка в нескольких городах Германии памятников по его моделям — результаты неутомимой деятельности Аймермахера (moscowmanege.ru).

РАБИН Оскар Яковлевич (1928–2018) Лианозово. 1982
Холст, масло. 53,5 × 80,5

Творчество Оскара Яковлевича Рабина представляет работа «Лианозово» (1982) написанная в Париже в первые годы эмиграции.

Рабин жил в подмосковном Лианозове, в бывшем бараке переведенного подальше от Москвы женского лагеря. Именно тогда и именно там, в Лианозово, вокруг Евгения Леонидовича Кропивницкого и его ученика Оскара Рабина сформировалась группа единомышленников, художников и поэтов, которую позже назовут «лианозовской».

В прошлом Оскара Рабина осталась Рижская академия, Суриковский институт, а в настоящем была — работа десятником на железной дороге, где он в окружении уголовников разгружал вагоны. 1957-й — год VI Всемирного фестиваля молодёжи и студентов в Москве. Незадолго до того друзья помогли художнику устроиться «в комбинат декоративно-оформительского искусства, где можно было подрабатывать. Попасть на постоянную работу туда было крайне сложно. Но вот настало время Международного фестиваля молодежи в Москве. И волею судьбы одна моя работа прошла все инстанции и попала на международную выставку в Парке культуры. Мне дали почетный диплом» (Оскар Рабин, izvestia.ru). Так всё начиналось. А в 1977 году Оскар Рабин, его жена, художница Валентина Кропивницкая, и сын, художник Александр Рабин, пополнили собой длинный список граждан страны, под разными предлогами «выдавленных» властями предержащими за ее пределы; через год, в 1978-м, их лишили гражданства. Железный занавес опустился на долгие годы.

«… Как всякий подлинный художник, Оскар Рабин, используя приемы тех или иных школ, создал собственный, ни на кого не похожий стиль, нашел особый ключ к раскрытию образа России. Этот ключ — бытовая символика, предметы из обихода, из повседневной жизни, вынесенные на передний план холста. Предметы самые разные — рыбы, газеты, рубашки, коты, водочные бутылки, скрипки — и вроде бы самые обычные. Однако всегда, беря тот или иной предмет, Рабин превращал его в предмет-символ, придавал ему второй смысл, вторую функцию, дополнительную к основной обыденной, а порой даже от нее отличную. И оттого эти символы обретали особую силу. И оттого они — обыкновенные (подумаешь, невидаль — рыба на газете “Правда”!) — каждый раз смотрелись наново и неожиданно.

“В России, — говорит он, — зрители чувствовали мою символику и потому безошибочно определяли ее суть. А тут [во Франции] разные люди воспринимают мои символы по-разному, каждый видит свое, во Франции нет такого четкого, как в Союзе, разделения: вот — добро, вот — зло, вот — черное, вот — белое...”» (Александр Глезер, artwork2.com).

На холсте «Лианозово» нет предметного антуража, знакомого зрителю по другим «барачным» работам. Разве что фонарный столб с проводами и огромные, с половину дома высотой, коты, расположившиеся на крыше. Но есть главное — рабинская палитра, «почти монохромная серо-коричневость которой обманчива: в колористике Рабина главная роль безоговорочно отдана оттенкам. Он практически вылепливает ими объемы и пространства своих картин таким образом, что написанное начинает буквально светиться изнутри переливчато-перламутровым, ртутным светом. Оттенки эти настолько тонкие, что их практически невозможно воспроизвести в самых лучших репродукциях или на мониторах. Искусство Рабина — одно из тех редких явлений, которое, чтобы постигнуть его в полной мере, надо видеть вживую, собственными глазами» (artinvestment.ru).

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Оскар Рабин».

СВЕШНИКОВ Борис Петрович (1927–1998) Двое на мосту. 1988
Холст, масло. 70 × 59

Холст «Двое на мосту» (1988) Бориса Петровича Свешникова уводит в фантастический мир, который для художника, возможно, был более реален, чем тот, что его окружал. «Когда в наши редкие встречи у него во время застольных бесед он неожиданно отлучался на какое-то время, казалось, что он возвращался к нам из своего мира фантазий с трудом, приоткрывал створку в наш мир, во многом ему ненужный и чуждый» (Валерий Дудаков, antiqueland.ru).

Восемь лет, проведенных в лагере, куда 19-летний студент Свешников попал в 1946-м по абсурдному обвинению и где чудом выжил, сильно подорвали здоровье и наложили неизгладимый след на всю его дальнейшую жизнь и творчество.

Очень часто его работы написаны на мрачные сюжеты: боль, несчастья, повешенные, люди с искаженными лицами — вот распространенные нездоровые образы страдавшего душевным недугом художника, которые, как и разнообразная символика смерти, наполняющая его работы, уходят корнями в его лагерное прошлое (artinvestment.ru).

Работам Свешникова свойственно «сочетание мелких фигур со вселенским масштабом композиции, смешение подмеченного в жизни и фантастического, современных реалий и образов прошлого, сложное пространственно-временное построение композиций, где не по законам логики, а скорее, в соответствии с логикой сна или видения трансформируются мотивы и образы. Частные вопросы, заданные в каждой отдельной сцене, при всем их многообразии и алогичном сочетании, подчинены, как правило, главным темам творчества художника — вездесущей смерти и абсурдности жизни. Свешникову удается мастерски увязать земное измерение, без которого обращение к этим темам невозможно, с вневременным характером целого» (Оксана Воронина, mmoma.ru).

«Художником очень хорошим, тонким, несколько неотмирным, как могло показаться кому-то, но на самом-то деле просто преображавшим явь по-своему, и видения создававшим на фоне страшной действительности советской, в живописи и в графике, лаконичной и удивительно тонкой, трепетной, точной, волшебной», назвал Бориса Свешникова Владимир Алейников (svpressa.ru).

«Все это написано очень тщательно и необычайно красиво, живопись мерцает и переливается подобно кристаллам, холодный сине-голубоватый цвет завораживает» (Валерий Дудаков, antiqueland.ru).

СИНИГАЛЬЯ Джино (1937–1997) Театр цветов. 1991
Холст, масло. 79,5 × 59,5

Творчество Джино Синигальи представляет натюрморт «Театр цветов» (1991). На сцене в свете софитов в небольшой витой вазе из стекла стоит высокий букет. Все краски радуги и еще множество чистых цветов и оттенков щедро отдал художник центральному персонажу картины. Мы не видим красок в полутемном зале, блики света лишь выхватывают красные, желтые, голубые, лиловые цвета. Преобладание голубого цвета в букете и совсем простая ваза наводят на мысль о том, что на сцене стоит совсем не царственный персонаж, скорее лирический герой, и состоит он из полевых цветов, к которым вернется естественная неяркая красота, когда окончится спектакль. Зато в зрительном зале, когда загорится свет, зрители предстанут во всей красе и во всем разноцветье. Вот такая необычная картина.

«Видимо я из тех чудаков, кто надеется, что красота изменит мир. И из тех художников, кто сам возделывает свой сад. Я мыслю мир цветом, и потому он вмещает в себя в моих работах все проблемы колорита, контрастов, тона, тембра, законов спектра, гармонии. Форму и цвет я ищу одновременно. Словом, радуга-дуга! Экспрессионизм, импрессионизм — тот язык, на котором я стремлюсь выразиться в живописи. Геометрический абстракционизм — в графике. Никаких смысловых нагрузок, только свежесть и настроение» (Джино Синигалья, folkacademy.1c-umi.ru).

Джино родился 21 февраля 1937 года в Москве. Его матерью была русская женщина Полина Полякова, отец — эмигрант из Италии Алессандро Синигалья. Он был коммунистом, пламенным революционером, членом Коминтерна, соратником Пальмиро Тольятти. Несмотря на то, что супруга ждала ребенка, он счел своим долгом отправиться на войну в Испании. Потом плен, лагерь для военнопленных во Франции. Бежал, возглавил партизанское движение во Флоренции. В 1944 году погиб. Посмертно был удостоен одной из высших наград Италии. Его именем названа улица в Риме. Джино не видел своего отца, но унаследовал от него горячую южную кровь и пылкий темперамент.

Учился в Московском художественном училище, а позже продолжил образование в Высшем художественно-промышленном училище (бывшее Строгановское). Участвовал в «Бульдозерной» выставке (1974). В 1979-м начал выставляться в Горкоме графиков на Малой Грузинской, 28, а в 1981-м вошел в группу «21 московский художник». Был членом профессионально-творческого союза художников и графиков Международной федерации художников ЮНЕСКО.

В биографии художника много белых пятен. Сын Евгений рассказывал, что отца отчислили с 3-го курса Строгановки: отказался выполнять курсовую работу о партии, но в защиту талантливого студента поднялись однокурсники — и его восстановили. Есть свидетельства того, что он преподавал рисование детям.

Участник более 35 выставок. Работы художника находятся в галереях и частных коллекциях России, Австрии, Германии, Греции, Италии, США, Франции.

«Джино был энергичен, по-итальянски экспансивен, всегда полон планов и идей. Весело эпатировал публику своими “кукляжами” — странными композициями, смонтированными из дощечек, обломков игрушек, механического хлама — остатков зонтика, шланга от душа, каких-то железяк, велосипедных спиц» (Георгий Годлевский, коллекционер). Получались маски, куклы и прочие милые и нелепые «объекты». В живописи он серьезно экспериментировал, пытаясь, как сам говорил, запечатлеть «мимолетности, мгновения, неожиданности». Его пейзажи, портреты, цветы, композиции с обнаженной натурой высоко ценились знатоками. В графике он признавал лишь геометрическую абстракцию и свои яркие, радостные композиции из цветных ромбов, кругов, квадратов, треугольников с вкраплениями фигурок людей и животных называл «арабесками». Считал себя экспрессионистом 80-х годов, а своими учителями — К. Коровина, А. Фонвизина и Н. Фешина. Высоко ценил талант своего друга Анатолия Зверева, охотно признавал его влияние, известен даже ряд работ, подписанных обоими художниками, но шёл своим путем.

О своих ушедших произведениях художник как-то сказал: «Мне кажется, что если бы я встретился со своими картинами через много лет в другом конце света, то мы непременно узнали бы друг друга. Всегда переживаю — как-то им живется? Какая досталась оправа? Достаточно ли им света? Любят ли их? Гордятся ли ими? Надеюсь, что мои картины счастливее своего создателя» (по материалам indolgoprud.ru, art-story.com, folkacademy.1c-umi.ru).

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Конструктивное видение (два квадрата). 2007
Холст, акрил. 60 × 60

Работа Владимира Николаевича Немухина «Конструктивное видение (два квадрата)» (2007) относится, как отмечает эксперт, «к циклу живописных произведений “Конструктивное видение”, над которым В. Н. Немухин работал в 2007 году. Все композиции этого цикла имеют один размер (60 × 60 см) и в основе их простые геометрические формы. По всей видимости, это своеобразные аналитические исследования В. Н. Немухина, созданные под впечатлением от живописного наследия и художественно-пластического языка мастеров русского авангарда 1019–20-х годов».

Творчество современных художников

ГРИГОРЬЕВ Александр Ефимович (1949) Размышление о круге — 1. 1969
Картон, темпера, графитный карандаш, коллаж. 56,5 × 56,5

Коллаж «Размышление о круге — 1» Александра Ефимовича Григорьева создан в 1969 году. Художнику 20 лет, и идет недолгий, но интереснейший период в его жизни — участие в группе русских кинетистов «Движение», возглавляемой Львом Нусбергом.

«Мы дружили, все делили поровну, разбирали работы друг друга. Была интересная жизнь, хотя мы находились в полном одиночестве. Ничем подобным никто вокруг не занимался… До нас уже дошли отрывочные сведения о западном кинетизме — и мы приняли русский эквивалент этого термина: “Движение”» (из интервью Франциско Инфантэ, члена группы «Движение»). «Кинетисты жаждали преодолеть искусство реальных эстетических объектов и статических конструкций. Конструктивисты 20-х годов понимали движение не только как механическое движение, а также как форму восприятия времени и пространства, движение как универсальное положение. Отсюда возник тезис Нусберга, подтвержденный всей группой: “Я хочу работать с электромагнитными полями, со светящимися и пульсирующими концентрациями в пространстве, с различными движениями потоков газов и жидкостей, с зеркалами и оптическими эффектами, с изменениями тепла и запахов … и, конечно, с музыкой”. В тексте программы 1965 года под названием “Что такое кинетизм?” Нусберг определяет кинетический синтез: “…мы требуем использования всех возможностей и средств, как технических, так и эстетических, физических и химических явлений, всех видов искусства, всех процессов и форм восприятия, а также вовлечение психических реакций и влияние различных сенсорных возможностей человека, в качестве средства художественного выражения”» (quartagallery.ru).

Григорьев примкнул к группе в 1967 году (вышел в 1972-м) и успел принять участие в нескольких ее проектах. «Благодаря кинетическим экспериментам открывались новые возможности эмоционального и концептуального видения окружающего, овладение пространством реальным и иллюзорным. Появилось предчувствие нового пластического стиля — выход в пространство, творчески-художественная рефлексия на разнообразные проявления человеческой деятельности» (alegrig.ru).

К тому же периоду относятся его первые работы в стиле абстрактно-геометрической минималистической живописи и пространственные кинетические объекты (alegrig.ru), в том числе и наш коллаж «Размышление о круге — 1». Творчество большинства участников группы в нашей стране не очень хорошо известно, тем интереснее и ценнее работа «правильного» периода.

ПЕППЕРШТЕЙН Павел Викторович (1966) Finally, we are at home, my friend! 2019 (48,5 × 48,5 см (лист в свету))
Бумага Rosaspina Fabriano, акватинта сахарная на медной доске. 40 × 40 (изображение), 48,5 × 48,5 (лист в свету)

Возросший в кругах неофициального искусства, среди представителей московского концептуализма, Павел Пепперштейн в своем творчестве артистически и виртуозно соединил ключевые для российской культуры элементы; вобрал эмоциональный и интеллектуальный контекст коллективного опыта и памяти. Пепперштейн (настоящая фамилия Пивоваров) — художник, теоретик искусства, писатель и поэт, арт-критик, один из основателей группы «Инспекция “Медицинская герменевтика”». Группа выступала на международной арт-сцене, сближая российские подходы с западными, занимаясь самыми разными практиками: литературой, философией, перформансами, инсталляциями. Павел Пепперштейн считается основателем течения «психоделического реализма», отличающегося постмодернистским эклектизмом: оно вобрало опыт от искусства ЛЕФа и супрематических экспериментов Малевича до концептуализма, сюрреализма и элементов поп-арта и нео-гео (Сергей Попов, искусствовед).

Рисунок Finally, we are at home, my friend! создан художником в 2019 году к сорокалетию типографии Stamperia Carini (Сан-Джованни-Вальдарно, Италия), с которой он работал. В частности, в 2010 году в этой типографии был отпечатан известный альбом Павла Пепперштейна The Gun & The Heart («Пистолет и Сердце»). Тираж Finally, we are at home, my friend! отпечатан в Stamperia Carini в 2019-м.

Одновременно с 399-м AI Аукционом открыт 85-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Анелии Алиповой, Сергея Бордачёва, Марины Венедиктовой, Ильи Евдокимова, Анастасии Захаровой, Натальи Захаровой, Владимира Коркодыма, Виктора Крапошина, Владислава Моргунова, Нины Поляковой, Ольги Пушкарёвой, Ирины Раковой, Янины Ческидовой.

Всем желаем удачи на 399-м AI Аукционе и 85-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.