Открыты 391-е торги AI Аукциона
ARTinvestment.RU   03 августа 2021

В каталоге 20 лотов: семь живописных работ, семь листов оригинальной и два — печатной графики, три работы в смешанной технике и одна скульптурная композиция

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 391 и 77-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 391-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 6 августа, в 12:00.

Русское искусство XIX — начала ХХ века

ДЮРАН Андре (André Durand, 1807–1867) Боровицкая башня Московского Кремля. 1843
Бумага, литография. 41 × 27 (лист в свету), 35 × 23,5 (изображение)

Каталог открывает литография «Боровицкая башня Московского Кремля» (1843), лист № 52 из альбома «Живописное и археологическое путешествие по России, предпринятое в 1839 г. под руководством Анатоля Демидова» [1849]. В 1839 году Андре Дюран, французский художник, рисовальщик, литограф и выдающийся мастер видового жанра, на средства известного мецената Анатолия Демидова предпринял поездку по русским городам, во время которой выполнил множество рисунков с натуры, зарисовывая все самое интересное из того, что встретилось ему в пути. Анатолий Демидов финансировал поездку, подготовку литографий, которая длилась почти десять лет, а также издание альбома литографий (источник: museum.ru). Источники расходятся в точном определении периода издания: от 1840 или 1842 до 1847, 1848, 1849 года. Опираясь на данные Госкаталога РФ, а также каталога приобретений Королевской библиотеки (Брюссель, Бельгия) за 1849 год (стр. 75), можно считать, что издание альбома, включившего в себя 100 литографий, завершилось в 1849 году.

ЛАГОРИО Лев Феликсович (1827–1905) Пейзаж с горой на закате. 1880–90-е
Бумага, акварель, графитный карандаш. 25 × 33,5

Графику Льва Феликсовича Лагорио в каталоге представляет акварель «Пейзаж с горой на закате» (1880–90-е).

Потомок аристократического генуэзского рода, сын вице-консула королевства Обеих Сицилий Лев Лагорио, впоследствии принявший русское подданство, появился на свет в крымской Феодосии. Учеба у Айвазовского (1839–1840), заграничное пенсионерство (1853–1860), Париж, Рим, многие годы проживания и работы в Петербурге, ежегодные поездки по России напитали восприимчивую душу художника огромным количеством впечатлений, отразившихся в его рисунках и полотнах, которые нравились публике, покупались в собрания Академии художеств, частные коллекции и картинные галереи.

Если обратиться к фактам биографии художника в указанный экспертом период создания работы (1880–90-е), то можно отметить, что, живя постоянно в Санкт-Петербурге, летние месяцы Лагорио проводил в Судаке, где имел мастерскую, ежегодно предпринимал заграничные поездки и поездки по России. В 1885 посетил Константинополь. В 1885–1892 по заказу Александра III создал серию картин, посвященных Русско-турецкой войне 1877–1878, посетил места сражений на азиатском и европейском театре военных действий. Таким образом, определить место создания нашей чудесной акварели предстоит новому владельцу работы или одному из исследователей творчества художника.

БЕНУА Александр Николаевич (1870–1960) Шуточная церемония. Эскиз декорации к комедии Ж.-Б. Мольера «Мнимый больной». 1912–1913
Бумага на оргалите, акварель, гуашь, графитный карандаш, тушь, перо, бронзовая и алюминиевая краска. 51,2 × 70,2

Произведения Александра Николаевича Бенуа мы обычно представляем в разделе художников Русского Зарубежья, ориентируясь на факты биографии художника и время создания работ. И всякий раз радуемся, когда можем поговорить об Александре Бенуа в разделе русских художников в России.

Эскиз декорации для шуточной церемонии выполнен к спектаклю «Брак поневоле / Мнимый больной» по пьесе Мольера, премьера постановки в Московском художественном театре состоялась 27 марта 1913 (mxat.ru). Интересно отметить, что Бенуа был не только художником спектакля, но и одним из его постановщиков вместе с В. И. Немировичем-Данченко.

«Эскиз отражает озорной характер комедии Мольера, — отмечает эксперт Е. М. Жукова. — Сцена представляет собой пародию на храм медицины — с пантеоном урн на пъедесталах, с клистирами, парящими под торжественными занавесами. Она предназначена для шуточной церемонии присвоения докторского звания бакалавру, которого изображает Арган, — действия с музыкой, пением и танцами, в котором участвуют клистироносцы, аптекари, доктора и хирурги».

ПОЛЕНОВ Василий Дмитриевич (1844–1927) Панорама реки с песчаной отмелью. 1924
Холст на картоне, масло. 11,4 × 17,1 (холст), 12 × 17,8 (картон)

Пейзаж «Панорама реки с песчаной отмелью» (1924) Василия Дмитриевича Поленова — произведение позднего периода жизни и работы автора. Тяготение к эпическим пейзажным образам возникло в творчестве художника в начале 1880-х. Источником вдохновения ему служила северная природа Олонецкого края, где располагалось родовое имение семьи Имоченцы (проданное в 1884-м). «Поиски мотивов для пейзажей с широким пространственным разворотом будут продолжены в 1880-е годы и в Абрамцеве, и в Жуковке на Клязьме. В этих произведениях появляются основные характерные элементы сложившегося у художника образа национального пейзажа: река, мерно и величаво несущая свои воды вдоль холмистых, извилистых, покрытых лесами, с заводями и луговинами берегов; уходящие к самому горизонту дали. Реальную возможность для воплощения этого образа Поленов получил, поселившись в 1890 году в имении Бехово на Оке. Именно здесь родится своеобразный тип ”поленовского” лирико-эпического пейзажа», — отмечает специалист по творчеству художника Э. Пастон. (tg-m.ru)

Эксперты отмечают, что пейзаж «Панорама реки с песчаной отмелью» (1924), «как можно судить, является фрагментом, вырезанным (подрезанным) из иного, большего по формату произведения».

Искусство художников Русского Зарубежья

ДЕЛОНЕ Соня (1885–1979) Пуловер. Эскиз мужского костюма для журнала «Адам». 1925
Бумага, графитный карандаш, акварель, гуашь. 42 × 27 (в свету)

В 1925 году выполнен эскиз мужского костюма Сони Делоне. Четкими, чистыми и выверенными линиями силуэта привлекает внимание зрителя эта типичная работа 1920-х годов, в которой художница сочетает стилистические элементы авангардистской традиции и ар-деко.

О художнике читайте на AI: «Художник недели: Соня Делоне».

ПОЛЯКОВ Николай Георгиевич (1899–1976) Композиция женской фигуры
Холст, масло. 45,7 × 33

Не датирована «Композиция женской фигуры» Сергея Георгиевича Полякова, более известного нашим соотечественникам, увы, как Серж Поляков.

Сергей Георгиевич Поляков родился в семье владельца конного завода, был тринадцатым ребенком в семье. Детство провел в Москве и Петербурге, где получил начальное музыкальное образование. В 1919 выехал в Константинополь со своей теткой, известной певицей Анастасией Поляковой. Несколько лет аккомпанировал ей на гитаре во время гастролей по Турции, Болгарии, Германии, Австрии. В 1923 поселился в Париже. Вплоть до конца 1930-х работал в кабаре.

В 1929 увлекся искусством, стал посещать занятия в парижских академиях Фрошо и Гранд Шомьер. В 1933–1937 учился в художественной школе Слейда в Лондоне. В 1931 экспонировал свои работы в галерее «Дрюон» и заслужил лестные отзывы прессы. В 1932 выставлялся в салоне Французских  художников, в 1935 — в Национальном салоне изящных искусств.

В своем творчестве Поляков сначала варьировал академические традиции, находя для картин мотивы в реальной жизни. После 1935 года он постепенно двигался от фигуративной живописи к абстракции. Такой путь во многом определило знакомство с В. В. Кандинским в 1937, а также дружба с Соней и Робером Делоне.

В 1937 в галерее «Зак» состоялась его персональная выставка. В 1938–1945 с успехом экспонировался в салоне Независимых, Осеннем салоне (1942). В 1945 была организована большая персональная выставка Полякова в галерее «Экстаз».

Несмотря на активную выставочную деятельность, сумел полностью отказаться от заработка эстрадного музыканта лишь в 1952, когда заключил долгосрочный контракт с парижской галерей «Бин». Помимо живописи, часто обращался к технике коллажа и цветной литографии. В 1957 оформил в абстрактной манере балет «Контрапункт» М. Констана.

В 1947 был награжден призом Кандинского. Неоднократно удостаивался наград на международных биеннале: в Италии (1955), Токио (1965), Ментоне (1966, Гран-при). В 1962 принял французское гражданство, вскоре стал почетным членом Академии Искусств и Словесности. В том же году получил на биеннале в Венеции собственный зал.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Серж Поляков».

Искусство ХХ века

ДРЕВИН Александр Давидович (1889–1938) В лодке. 1930–1931
Бумага, гуашь. 29,4 × 42,1 (в свету)
На обороте:
Прачки у моста. 1930–1931
Гуашь. 29,4 × 42,1 (в свету)

Двусторонний рисунок «В лодке» / «Прачки у моста» (1930–1931) выполнен в сильный, но, увы, последний период творчества и жизни Александра Давидовича Древина.

С начала 1920-х годов художник в поисках вдохновения и новых видов природы совершил несколько творческих поездок — от Подмосковья до Алтая, каждая из которых впоследствии воплотилась в отдельный живописный цикл. Творческие поездки на Урал дали художнику материал для обширного «уральского цикла», а работы «алтайского цикла», созданные по мотивам поездок на Алтай и в Восточный Казахстан, были показаны на знаменитой выставке группы «13» в 1931 году.

О годах упорных творческих поисков художник писал: «Я сживался с природой с предельной для себя возможностью. И всегда меня поражало следующее: вещи слабо достигают цели. Не все то, что пишешь только с природы, является произведением искусства... С 1930 года я пытался писать ту же природу, но уже в мастерской, и странно, она стала постепенно превращаться в нечто другое; природа исчезла, а язык живописи усиливался, создавалась другая реальность» (artinvestment.ru). О художнике читайте на AI: «Художник недели: Александр Древин».

РАДИМОВ Павел Александрович (1887–1967) Без названия (Летний парк). 1954
Картон, масло. 34,5 × 24,8

Лиричный пейзаж «Без названия (Летний парк)» (1954) создан кистью «певца крестьянского быта», ученика Н. И. Фешина, поэта и художника Павла Александровича Радимова. Работа относится к позднему периоду творчества художника, когда бурная общественная деятельность на ниве развития и продвижения отечественного искусства, в том числе председательство в ТПХВ и организация АХРР, осталась в прошлом, Радимов уже многие годы жил в поселке Ново-Абрамцево и занимался живописью.

ТЫШЛЕР Александр Григорьевич (1898–1980) Корабль. Эскиз театральной установки к спектаклю «Мистерия-буфф». 1957
Бумага, акварель, графитный карандаш. 29 × 34

Автор эскиза театральной установки к спектаклю «Мистерия-буфф» по пьесе Владимира Маяковского Александр Григорьевич Тышлер был одним из любимых театральных художников Валентина Плучека. Бывшему мейерхольдовцу Плучеку была близка экспрессионистическая манера этого живописца. Он привлек его к работе над последней частью трилогии Маяковского «Мистерия-буфф» (1957) в Театре Сатиры.

Тышлер, резчик по дереву и настоящий ученик художников-авангардистов, сделал подвижную сцену. Деревянный корабль, прообраз Ноева Ковчега, был почти собственноручно вырезан художником и даже имел вращающуюся палубу (facebook.com/bakhrushinmuseummsk).

КУПРИЯНОВ Михаил Васильевич (1903–1991) Литвиново. 1965
Картон, масло. 28 × 35,3

Автор небольшого картона «Литвиново» (1965) Михаил Васильевич Куприянов широко известен как участник «Кукрыниксов», тогда как его собственное творчество вписало прекрасную и очень интересную страницу в историю отечественного искусства.

Михаил Куприянов родился в городке Тетюши Казанской губернии. В 1920–1921 учился в Центральных художественных учебных мастерских в Ташкенте, в 1921–1929 — на графическом факультете ВХУТЕМАСа/ВХУТЕИНа в Москве у Н. Н. Купреянова, П. В. Митурича и П. И. Львова. В годы учебы сдружился с П. Н. Крыловым и Н. А. Соколовым. Созданный в середине 1920-х годов творческий коллектив «Кукрыниксы» существовал более шестидесяти лет.

Общение с русскими художниками Михаилом Васильевичем Нестеровым (1862–1942) и Николаем Петровичем Крымовым (1884–1958) в значительной степени сформировало мировоззрение Михаила Куприянова как живописца. В своем творчестве Куприянов обращался не к жанровым темам, а именно к камерному по своей сути жанру — пейзажу, близкому ему и по духу, и по сути. Куприянов очень любил пленэр. Работа на воздухе позволяла ему отвлечься от мирской суеты и заглянуть в свой внутренний духовный мир, требующий покоя и молчания. Куприянову-пейзажисту свойственны простота, лаконизм и убедительность изобразительных приемов, он настоящий певец природы, ее неповторимые образы он передавал, мастерски перенося на холст тончайшие состояния воздуха, воды, неба (stydiai.ru).

Наша работа относится к серии пейзажей, созданных в 1965 году в деревне Литвиново на реке Наре.

Творчество шестидесятников

ХАРИТОНОВ Александр Васильевич (1931–1993) Пылающая часовня. 1960
Холст, масло. 64,4 × 39,6

В непривычной, но узнаваемой ранней манере художника выполнен живописный пейзаж «Пылающая часовня» (1960) Александра Васильевича Харитонова.

В зависимости от тематики творчество художника принято делить на два периода. В ранний период, в начале которого и выполнена наша работа, — с конца 1950-х и до конца 1960-х, внимание Харитонова было сосредоточено на создании фантастических, на грани гротеска, сюжетов с философским подтекстом, нередко вдохновленных православной историей и культурой древней Руси. Художник еще использует яркую палитру, а его манера еще не приобрела в полной степени узнаваемые авторские черты, но многоплановая композиция и другие характерные отличия позднейшей харитоновской живописи, которая «зиждется на трех китах: византийская иконопись, древнерусская иконопись и церковная вышивка драгоценными камнями, жемчугом, бисером» (nsad.ru), уже самостоятельны и узнаваемы.

СИДУР Вадим Абрамович (1924–1986) Адам и Ева. 1971
Бумага, акварель. 35,3 × 49,5

Акварель Вадима Абрамовича Сидура «Адам и Ева» (1971) органично примыкает к кругу работ на библейскую тему, созданных в 1970–80-е годы. В нашем рисунке, равно как и в больших, сложных полиптихах «Адам, Ева и Господь Бог» (1976. ДСП, масло) или «Райская жизнь в коридоре» (1980. ДСП, масло), очевиден интерес к библейской теме, к русской иконе и, безусловно, к народному творчеству. Отсюда — тонкие затейливые формы цветов, птиц, бабочек и прочего живого мира, окружающего главных персонажей.

БЕЛЕНОК Пётр Иванович (1938–1991) Страх. 1980
Картон, акрил, бумага, коллаж. 64,6 × 75,3

В 1967 году выпускник киевского института Петр Иванович Беленок, успешный и обласканный властями скульптор в украинском городе Ровно, автор памятников вождям и героям и обладатель собственной мастерской и штата помощников, променял радужные перспективы на подвальную московскую мастерскую, снова ненавистные памятники вождям, жизнь впроголодь, неустроенность, депрессии, залитые алкоголем, полную нестабильность и случайные заработки в статусе неофициального художника.

Это уже потом были резонансные выставки в кафе «Синяя птица», павильон «Пчеловодство» и «Дом культуры» на ВДНХ, горкомовские выставки «Двадцатки» (в одной группе со Снегуром, Файбисовичем, Харитоновым, Худяковым и др.). Потом — западные музеи, многочисленные зарубежные выставки неофициального русского искусства, в том числе проекты глезеровского передвижного «Музея современного русского искусства в изгнании». И конечно, работы в «Другом искусстве» в Третьяковке и в Русском музее.

Один из ключевых неофициальных художников и создатель уникального «панического реализма» (к слову, название авторское и шуточное), он умер в 1991-м в бедности и полузабвении. Сегодня работы Беленока продаются на аукционах и в галереях, входят в значимые музейные и частные собрания, пользуются популярностью у коллекционеров.

«Из картины в картину переходит мотив катастрофического космического явления, несоизмеримого с человечками, захваченными его волной, которые его либо созерцают, либо убегают от него в панике. Художник выступает в качестве демиурга, каждый раз ставящего своих героев в крайне неудобное положение, подвергающего созданный им мир встряскам, взрывам и почти что гибели» (Катерина Зайцева, mmoma.ru). Неизвестные космические явления — абстрактные сгустки энергии — художник писал ташистскими взмахами кисти и, возможно, уже после «кропотливой работы по расположению фигур в нижнем ярусе картины. Получившаяся фигура являла собой живопись в чистом виде, её стихийная беспредметность резко контрастировала с реалистичной составляющей картины, в результате чего возникал эффект “вторжения иного мира”» (mmoma.ru).

«Страх» (1980) отличается от многих других произведений художника: тут нет зонирования на укоренившиеся в позднейших и композиционно более лаконичных работах бо́льшую верхнюю и меньшую нижнюю зоны, человечки, как обычно вырезанные из спортивного журнала, существуют в том же пространстве, что и «источник зла», который воспринимается не абстрактной сверхсубстанцией, а скорее, огромными камнями, верхний из которых левитирует в воздухе и угрожает обрушиться на героев. Но эта угроза понятна, от нее можно спастись бегством — и человечки собираются бежать. Пугает лишь то, что они не знают, умеет ли «камень» передвигаться в пространстве…

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Пётр Беленок».

КАЛИНИН Вячеслав Васильевич (1939) Приготовление к свадьбе (Вариант). 1989
Холст, масло. 110 × 75

В узнаваемой авторской манере написан холст «Приготовление к свадьбе» (1989) Вячеслава Васильевича Калинина. «Есть художники от ума, а есть художники от эмоций. Художники от ума много компилируют, они себя “делают”, я же следую за эмоциональным импульсом. Как-то назвали мой стиль фантастическим ирреализмом, но это слишком заумно. Я принадлежу к московской школе живописи. Я реалист», — говорит художник (chaskor.ru). «Хотелось запечатлеть быстротечность и театральность нашей жизни. Я совершенно не заботился ни о стиле, ни о модных исканиях в живописи. Всё возникало спонтанно, виденное однажды преломлялось в воображении».

При всей индивидуальности манеры Калинина в его творчестве прослеживаются черты, характерные для поколения шестидесятников и вместе с тем предвосхищающие принципы искусства молодых художников 1970-х годов. В отличие от лианозовцев, Калинин в гораздо меньшей степени зависел от авангарда, хотя и очевидно использование им достижений кубизма, пропущенных сквозь призму живописи Фалька и Филонова. Его творчество тяготеет к сатирическому осмыслению реальности, присущему, например, Рабину, которое, однако, соединяется в его работах с театрализованным, «карнавальным» художественным видением действительности. Здесь присутствуют и гротеск, и цитирование, и особый «мифологизм», которые проистекают из источников широчайшего спектра: русской классической и постмодернистской литературы, современной ему бардовской песни, живописи Брейгеля, Дюрера и тех же авангардистов (artinvestment.ru).

Холст заполнен предметами и образами. Среди них есть знакомые по другим картинам художника, но в каждом новом окружении наделяемые автором новым смыслом. Но есть нечто уникальное. В правом верхнем углу, за руинами сарая, написано красивое старое здание, напоминающее храм с фигурным куполом, увенчанным ротондой. Остатки изломанного креста затерялись в беспардонной толчее антенн, изуродовавших красивую крышу. Но самое драматичное в работе — белые цветы у самых ног белой свиньи, предназначенной на убой к свадебному столу. Что это? Будущая невеселая судьба невесты? Но почему ее аллегорией выбрана свинья? Наверное, потому, что это единственное живое существо во всей картине. Цветы совсем простые и какие-то трогательные, беззащитные — пожалуй, именно они, а не центральный персонаж являются эмоциональным центром произведения.

О художнике читайте на AI: «Художник недели: Вячеслав Калинин».

СВЕШНИКОВ Борис Петрович (1927–1998) Зимний сон. 1989
Холст, масло. 80 × 60

В филигранной изобразительной манере Бориса Петровича Свешникова выполнен холст «Зимний сон» (1989).

Восемь лет, проведенных в лагере, куда 19-летний студент попал в 1946-м по абсурдному обвинению и где чудом выжил, сильно подорвали здоровье и наложили неизгладимый след на всю его дальнейшую жизнь и творчество.

Очень часто его работы написаны на мрачные сюжеты: боль, несчастья, повешенные, люди с искаженными лицами — вот распространенные нездоровые образы страдавшего душевным недугом художника, которые, как и разнообразная символика смерти, наполняющая его работы, уходят корнями в его лагерное прошлое (artinvestment.ru).

Его работам свойственно «сочетание мелких фигур со вселенским масштабом композиции, смешение подмеченного в жизни и фантастического, современных реалий и образов прошлого, сложное пространственно-временное построение композиций, где не по законам логики, а скорее, в соответствии с логикой сна или видения трансформируются мотивы и образы. Частные вопросы, заданные в каждой отдельной сцене, при всем их многообразии и алогичном сочетании, подчинены, как правило, главным темам творчества художника — вездесущей смерти и абсурдности жизни. Свешникову удается мастерски увязать земное измерение, без которого обращение к этим темам невозможно, с вневременным характером целого» (Оксана Воронина, mmoma.ru).

Мрачные сюжеты и символика, связанная со смертью, — все эти «идеологические» атрибуты творчества художника хороши на музейных стенах, но для домашнего собрания больше подходят относительно нейтральные сюжеты, один из которых (при равенстве прочих достоинств) и представляет наша картина «Зимний сон» (1989).

ЯНКИЛЕВСКИЙ Владимир Борисович (1938–2018) Из цикла «Город». 1991
Бумага цветная на картоне, пастель, коллаж. 49,5 × 69,6

В узнаваемой авторской технике, с использованием пастели и коллажа, выполнена композиция Владимира Борисовича Янкилевского из цикла «Город» (1991), в которой мы встречаемся с очень выразительной, но одинокой фигурой — символом человеческого одиночества в чем-то заполненном, но пустом пространстве. Эта работа, по словам вдовы художника Риммы Солод, экспонировалась в 1992 году в парижской галерее Le Monde de l'Art, опубликована в выставочном каталоге и была подарена автором Рафаэлю Дуэбу (Raphael Doueb), директору Le Monde de l'Art.

Творчество Владимира Борисовича Янкилевского выпадает из любых рядов и направлений как отечественного, так и зарубежного современного искусства, одновременно наследуя лучшим мировым традициям. Его можно было бы назвать эпической экспрессией. Предельная чувственность и эротизм соединяются здесь с высочайшим уровнем концептуализации действительности (artinvestment.ru).

В 2018 году в Московском музее современного искусства на Гоголевском бульваре состоялась большая выставка «Владимир Янкилевский. Непостижимость бытия» Художник участвовал в подготовке экспозиции, организованной к его 80-летию, но увидеть открытие уже не успел. Из беседы куратора выставки Ольги Турчиной с Риммой Солод:

«Ольга Турчина: …Художник был во всех смыслах слова уникальной фигурой. Есть авторы, которым важно ощущать себя частью сообщества. Они взаимно влияют друг на друга и развиваются в коллективе. Янкилевский же всегда был один — и в своем творчестве, и в философии. Его, естественно, нельзя назвать отшельником, но он был настолько цельной личностью, что ни о каком влиянии со стороны и речи не идет.

Римма Солод: У него были друзья, был круг общения, застолья, но плодотворных творческих взаимоотношений не было, как мне кажется. Отсюда и тема одиночества, которая часто проскальзывает в его творчестве. Многие его просто не понимали. В общем, одиночество — это не случайно рожденная тема» (weekend.rambler.ru).

ГОРОХОВСКИЙ Эдуард Семёнович (1929–2004) За Александра Сергеича, господа! 1995
Бумага, акварель. 32 × 47

Почти монохромна акварель «За Александра Сергеича, господа!» (1995) Эдуарда Семёновича Гороховского. Цветом обладает только темно-красное вино в рюмках. Индивидуальность лиц персонажей, сидящих справа от стола и рядом с Пушкиным, наводит на мысль о том, что это портреты. Манера, в которой художник изображает окружение поэта, отсылает к рисункам Пушкина, сделанным на полях рукописей. Рядом с поэтом, возможно, Гоголь и Грибоедов? Не будем строить дальнейших предположений, но что-то подсказывает, что художник усадил за стол не только современников поэта. Персонажи слева довольно условны.

Гороховский писал: «Сегодня я уже точно знаю, что не нужно заталкивать в картину великие идеи добра и зла. Я их оставляю за дверью мастерской, отделяя все жизненное от того, что связано с моей работой. Картина для меня — пластический объект. Моя забота — забота мастера-ремесленника: предельно виртуозно при помощи собственного метода, сообразно своим эстетическим воззрениям исполнить поставленную пластическую задачу. Я глубоко убежден, что именно эта разделенность художника и человека, где не путаются два начала и каждое из них совершенствуется по отдельности, только она — эта разделенность — приводит к таинственному их соединению где-то в околокартинном пространстве в виде чего-то неосязаемого, но именно того, что делает картину картиной» (fairyroom.ru).

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Движение форм в пространстве. 1996
Дерево тонированное. 40,5 × 8,3 × 8,3

В творческом наследии Владимира Николаевича Немухина скульптура занимает отдельное значительное место. Если не бо́льшая, то очень заметная часть немухинской скульптуры — оммажи, посвящения людям, оставившим след в жизни и творчестве художника: друзьям, шестидесятникам, художникам XIX века и авангарда, писателям, учителям. Сложные оригинальные работы Немухин всегда изготавливал из дерева или отливал в бронзе. Иногда вводил цвет, которому отводилась важная роль в создании образа, чаще тонировал дерево, поручая главенство форме; как правило, не вводил в деревянные скульптуры никаких дополнений, но в отдельных случаях использовал металлические детали для скрепления элементов пространственной композиции. Немухин никогда не «цитировал» тех, кому он посвящал свои скульптуры, но при этом — абстрактные или фигуративные, простые или затейливые — создавал, можно сказать, уникальные по точности и цельности образы, вне зависимости от личного знакомства с теми, кому он посвящал свои работы.

Еще одна большая часть его скульптурного наследия — пространственные композиции, которым художник намеренно не дал названий. За каждой из них стоял первообраз, иногда реальный, но нередко скорее почувствованный, чем увиденный, вдохновивший художника и ушедший, как сон.

Владимир Николаевич всегда был очень точен во всем, что он делал. Нашей сегодняшней скульптуре он дал название, отнеся ее к небольшой серии работ, в которых решал пластическую задачу передачи движения форм в пространстве.

КУПЕР Юрий Леонидович (1940) Без названия (Кисть)
Фанера, металл, акрил, коллаж, смешанная техника. 23 × 18

Мотив портрета кисти проходит сквозь все творчество Юрия Леонидовича Купера, от 1970-х годов до наших дней. Разных размеров (от совсем небольших вроде нашей сегодняшней работы «Без названия (Кисть)» до огромных), в разной технике, с разными «моделями» — они различаются даже настроением. Наша сегодняшняя работа подписана, но не датирована; пожалуй, ее можно отнести к недавнему времени.

Читайте об авторе на AI: «Интервью с художником и поэтом Юрием Купером».

ШЕМЯКИН Михаил Михайлович (1943) Марионетка. Из серии «Карнавалы Санкт-Петербурга»
Бумага Arches France (водяной знак), литография. 75,2 × 53,6 (лист), 50,3 × 44 (изображение)
Тираж 300 экземпляров, экземпляр № 8

Недатированная литография «Марионетка» относится к большой серии Михаила Михайловича Шемякина «Карнавалы Санкт-Петербурга».

«В России можно встретить множество разных лиц и национальностей. У них непохожие обычаи и привычки, но они живут бок о бок. Так и в моих “Карнавалах” вы можете встретить Монгола со свиным лицом, танцующего вместе с огненнорыжим Казаком. А рядом с ними — тонконогого француза, изумленно взирающего на вертящегося на пупе уродца, что позаимствован мной из петровской Кунсткамеры.

Внимательно изучая гротескные маски Австралии, Океании и Древней Мексики, я часто замечал, что их носы, лица, гримасы поразительно напоминают персонажей Комедии дель Арте, равно как и героев старых русских лубков. А изучение амфибий, жуков, лягушек навело меня на мысль об их сходстве с необычными человеческими типами. Этому же помогло и изучение рисунков Гранвиля.

От этого в вихре моих карнавалов соседствуют Татары и Казаки, австралийские Аборигены и русские Петрушки, Бабочки и Пауки... Добавьте к этому нашу безумную юность, нашу сюрреалистическую жизнь, и Вы обнаружите источники моих карнавальных серий» (Михаил Шемякин, цит. по: litkabinet.ru).

Одновременно с нашим 391-м AI Аукционом открыт 77-й кураторский аукцион «21-й век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Семёна Агроскина, Азама Атаханова, Валерия Бабина, Юрия Бабича, Галины Быстрицкой, Марии Венедиктовой, Елены Гориной, Анатолия Горяинова, Наталии Жерновской, Ирины Корсаковой, Pata (Пааты Мерабишвили), Елены Суровцевой, Татьяны Ян.

Всем желаем удачи на 391-м AI-Аукционе и 77-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.