В каталоге 20 лотов: 7 живописных работ, четыре листа оригинальной и два — печатной графики, четыре работы в смешанной технике, две скульптуры и одна фарфоровая тарелка

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 378 и 64-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 378-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 7 мая, в 12:00.

Русское искусство первой половины XIX — начала ХХ века

ДЮРАН Андре (André Durand, 1807–1867) Новодевичий монастырь. У пруда. 1845
Бумага, литография с тоном. 29 × 38,5 (лист в свету), 24,3 × 35,8 (изображение)

Каталог открывает литография французского мастера Андре Дюрана «Новодевичий монастырь. У пруда» (1845), лист № 57 из альбома «Живописное и археологическое путешествие по России, предпринятое в 1839 г. под руководством Анатоля Демидова» [1849]. В 1839 году Андре Дюран, французский художник, рисовальщик, литограф и выдающийся мастер видового жанра, на средства известного мецената Анатолия Демидова предпринял поездку по русским городам, во время которой выполнил множество рисунков с натуры, зарисовывая все самое интересное из того, что встретилось ему в пути. Анатолий Демидов финансировал поездку, подготовку литографий, которая длилась почти десять лет, а также издание альбома литографий (источник: museum.ru). Источники расходятся в точном определении периода издания: от 1840 или 1842 до 1847, 1848, 1849 года. Опираясь на данные Госкаталога РФ, а также каталога приобретений Королевской библиотеки (Брюссель, Бельгия) за 1849 год (стр. 75), можно считать, что издание альбома, включившего в себя 100 литографий, завершилось в 1849 году.

ПЕТРОВ-ВОДКИН Кузьма Сергеевич (1878–1939) Интерьер Бретонской церкви. 1906–1908
Картон, графитный карандаш, акварель, перо, чернила. 24 × 19,4

Акварель «Интерьер Бретонской церкви» (1906–1908) Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина — работа одного из самых значимых мастеров не только первой трети ХХ века, но и всего русского искусства.

Родился Кузьма Сергеевич в семье сапожника. Первоначальное образование получил в иконописных мастерских, затем обучался в классах живописи и рисования в Самаре (1892–1895) у Ф. Е. Бурова. Продолжил образование в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897). В 1897 поступил в МУЖВиЗ, занимался у В. А. Серова, Н. А. Касаткина, К. Н. Горского, А. Е. Архипова, Л. О. Пастернака. В 1900 работал на керамическом  заводе Н. П. Сорохтина в селе Всехсвятском под Москвой.

В 1901 путешествовал по Европе, побывал в Варшаве, Праге, Лейпциге, в Мюнхене посещал школу А. Ашбе. В 1902 за картину «Семья сапожника» награжден медалью. В том же году вместе с П. В. Кузнецовым и П. С. Уткиным принял участие в росписи Церкви Казанской Божьей Матери в Саратове (росписи и майолики уничтожены в 1904), в 1903–1904 создал эскизы майолик для оформления клиники Р. Р. Вредена в Петербурге.

В 1904 окончил МУЖВиЗ со званием неклассного художника. Предпринял поездку в Лондон, в 1905–1906 — в Италию, в 1907 — в Северную Африку (Алжир, Тунис, пустыня Сахара) и Пиренеи. В 1906–1908 неоднократно бывал во Франции, занимался в школе Р. Коларосси и других частных академиях Парижа.

«Изобразительный мотив сближает данный рисунок с серией работ, выполненных Петровым-Водкиным во время поездок в Бретань, — отмечает эксперт. — Эти края Кузьма Сергеевич посещал дважды, с июля по сентябрь 1906 и в августе 1908 года, и останавливался в небольшом городке Пон-Круа на берегу Атлантического океана. Этот период, проведенный художником в странствиях по Европе и Северной Африке, сам Петров-Водкин оценивал для себя как ключевой, это время формирования его собственного живописного почерка, обретения творческой самоидентификации. Работы, выполненные во время поездок, К. С. Петров-Водкин экспонировал на парижском Салоне 1908 года и на персональной выставке, устроенной С. К. Маковским в Санкт-Петербурге в 1909 году».

Читайте о художнике нашу сегодняшнюю публикацию «Художник недели: Кузьма Петров-Водкин».

Искусство художников Русского Зарубежья

БУШЕН Дмитрий Дмитриевич (1893–1993) «…des fleurs, des feuilles, des branches...» 1937
Картон, масло. 67 × 53,5

Единственная работа в разделе — цветочный натюрморт «…des fleurs, des feuilles, des branches...» (1937) участника объединения «Мир искусства» Дмитрия Дмитриевича Бушена. Художник прожил огромную жизнь — ровно сто лет. Занимался станковой живописью (в основном писал натюрморты и пейзажи), книжной графикой, разрабатывал рисунки тканей и модели одежды для французских модных домов Пату, Риччи, Ланвин и Лелонг, в конце 1920-х создавал эскизы костюмов для Анны Павловой; в эмиграции писал, главным образом пастелью и гуашью, небольшие по формату картины: цветы, натюрморты, пейзажи Франции, Италии, особенно Венеции, сцены из жизни театра и цирка, исполнял эскизы костюмов и декораций для спектаклей, как сценограф сотрудничал с хореографами Д. Баланчиным, М. Фокиным, Л. Мясиным, Р. Пети и в особенности с С. Лифарем.

Исследователи творчества художника отмечали в его живописи стилистические пересечения с искусством XVIII века, видя в ней мотивы и приемы картин Гварди, Каналетто, изделий севрского фарфора и венецианского стекла. До эмиграции в Париж в 1925 году Бушен служил младшим хранителем Эрмитажа в отделении фарфора, и возможно, интересом и глубоким знанием фарфора отчасти можно объяснить поразительную тонкость и изящество флоральных композиций Бушена.

Дарственная надпись на обороте картины начинается цитатой из стихотворения французского поэта-символиста Поля Верлена (1844–1896) «Зелень». Переводами Верлена занимались крупнейшие русские поэты и переводчики. Известны переводы стихотворения «Зелень» Бориса Пастернака и Георгия Шенгели. Знатоков французского приглашаем насладиться музыкой поэзии Верлена, а всем остальным участникам предлагаем перевод русского символиста Валерия Брюсова.

GREEN

Voici des fruits, des fleurs, des feuilles et des branches
Et puis voici mon coeur qui ne bat que pour vous.
Ne le déchirez pas avec vos deux mains blanches
Et qu’à vos yeux si beaux l’humble présent soit doux.

J’arrive tout couvert encore de rosée
Que le vent du matin vient glacer à mon front.
Souffrez que ma fatigue à vos pieds reposée
Rêve des chers instants qui la délasseront.

Sur votre jeune sein laissez rouler ma tête
Toute sonore encor de vos derniers baisers;
Laissez-moi s’apaiser de la bonne tempête,
Et que je dorme un peu puisque vous reposez.

Paul VERLAINE (1844–1896)

ЗЕЛЕНЬ

Вот ранние плоды, вот веточки с цветами,
И сердце вот моё, что бьётся лишь для вас.
Не рвите же его лилейными руками,
Склоните на меня сиянье кротких глаз.

Я прихожу, ещё обрызганный росою,
Что ветер утренний оледенил на лбу.
Простите, что опять я предаюсь покою
У ваших ног, в мечтах благодаря судьбу.

Ещё звенящую последним поцелуем,
Я голову свою вам уроню на грудь.
Пусть буря замолчит, которой я волнуем,
А вы, закрыв глаза, позвольте мне уснуть!

Поль Верлен
Перевод Валерия Брюсова (tania-soleil.com).

Искусство ХХ века

ЛЕПОРСКАЯ Анна Александровна (1900–1982) Натюрморт с желтой грушей. 1926
Холст, масло. 35,5 × 35,5

Холст «Натюрморт с желтой грушей» (1926) Анны Александровны Лепорской относится к периоду ее учебы и работы в Гинхуке под руководством Казимира Малевича. Всего годом ранее она закончила обучение в петроградских Государственных свободных художественных мастерских — Вхутемасе у К. С. Петрова-Водкина, и его влияние вполне отчетливо проявляется в композиции и цветовом решении нашего строгого и лаконичного натюрморта. Упрощенная композиция и характерное цветовое решение натюрморта, выверенность соотношений форм и цвета — узнаваемые черты работ Лепорской первой половины XX века.

КОЛЯДА Сергей Авксентьевич (1907–1996) Под дождем. Москва. 1960-е (?)
Оргалит, масло. 50 × 69,8

Продолжает нашу экспозицию масло «Под дождем. Москва» (1960-е (?)) Сергея Авксентьевича Коляды — одного из самых московских художников второй половины ХХ века. Его произведения — это своего рода альбом видов города, которого сегодня уже нет. Коляда писал Таганку, Лубянку, Немецкую слободу, московские улицы и площади, непохожие друг на друга, самобытные, со своими характерами, дворянские, мещанские, рабочие. Писал с любовью, с теплом, конечно, не думая о том, что через десятилетия его заповедные московские виды останутся только на старых фотографиях и на картинах — его и таких же преданных своему городу художников.

ПИМЕНОВ Юрий Иванович (1903–1977) Эскиз декорации для инсценировки романа Ф. М. Достоевского «Дядюшкин сон». 1971
Бумага, графитный карандаш, темпера. 63 × 82

Одна из самых красивых работ каталога — графический эскиз декорации для инсценировки романа Ф. М. Достоевского «Дядюшкин сон» (1971) работы Юрия Ивановича Пименова. Премьера этого легендарного в театральной Москве спектакля в постановке М. О. Кнебель состоялась 28 декабря 1971 года в Московском Театре имени Вл. Маяковского. «В 1971 году Пименов и Кнебель выпустили… “Дядюшкин сон” Достоевского… На поворотном кругу была выстроена череда интерьеров не очень богатого и не очень благополучного дома Марии Александровны Москалевой, но претендующего выглядеть импозантно. Розово-терракотовые, красноватые стены и мебель демонстрировали цветовую целостность, умело дополняемую колористическими акцентами костюмов. Целостной была и форма сценической установки, ее композиция в каждом новом повороте круга» (А. Михайлова). М. О. Кнебель, с которой Пименов создал не только «Дядюшкин сон», но всего более 10 спектаклей, писала о нем: «Пименов — художник, чье видение мира и искусства необычайно мне близко… Пишет ли он женщин на уборке картошки, работниц, моющих окна в новых домах, старую француженку, торгующую газетами, или девушку в греческом кафе — всюду он художник, который верит в жизнь и утверждает человеческое, сердечное искусство». Авторское повторение (с небольшой доработкой) нашего эскиза, выполненное маслом, хранится в музее театра имени Вл. Маяковского и воспроизведено в юбилейном альбоме театра: Весь театр за 75 лет : Театр революции — Театр драмы — Театр имени Вл. Маяковского : Энцикл. слов. / [авт. проекта и гл. ред. В.Я. Дубровский ; авт.: В.И. Березкин и др.]. — Москва : Театр имени Вл. Маяковского : Инкомбук, 1999. О Юрии Пименове читайте нашу публикацию в рубрике «Художник недели».

БУХ Арон Фроимович (1923–2006) Наваждение. 1981
Оргалит, масло. 53,5 × 42,2

«Наваждение» (1981) Арона Фроимовича Буха — работа необычная. Он писал, натюрморты, пейзажи, портреты, много работал в жанре ню, но вот такая фантазия — огромная редкость. В нашей сегодняшней композиции главное — динамика и, конечно, цвет. В цвете Буху было подвластно всё — и роскошный пир красок, и деликатность тончайших переливов. Краски создают настоящую фантасмагорию, в которой все движется, увлеченное в едином порыве летящей кистью художника.

Творчество художников-шестидесятников

СИДУР Вадим Абрамович (1924–1986) Сидящая в кресле (Черепаха). 1965
Бронза, литье. 34 × 13 × 16,56

Одна из двух скульптурных композиций нашего аукциона — красивая литая бронза «Сидящая в кресле (Черепаха)» (1965) Вадима Абрамовича Сидура. «Сидур всегда дает возможность узнать сюжет, но, когда начинаешь присматриваться, в его работах обнаруживается какая-то неоднозначность, они призывают зрителя к диалогу, — писал Карл Аймермахер, немецкий ученый-славист, друг Сидура и куратор его московского музея. — Некое отчуждение, преувеличенность жеста — все это дает каждому возможность интерпретировать их по-своему» (jewish.ru).

СООСТЕР Юло Ильмар Йоханнесович (1924–1970) Без названия (Эскиз иллюстрации)
Бумага, гуашь, белила. 26,5 × 18,7

Фрагмент графической композиции «Без названия (Эскиз иллюстрации)» Юло-Ильмара Соостера опубликован на второй странице обложки в книге Владимира Солоненко «Юло Соостер как иллюстратор» (М., 2016). Однако никаких подробностей о работе из книги узнать не удалось: издательство всего лишь отметило, что «в оформлении обложки использованы оригиналы иллюстраций Ю. Соостера (в том числе неопубликованные) из собрания автора».

РУХИН Евгений Львович (1943–1976) Без названия. 1973
Холст, масло, лак, дерево, металл, ассамбляж. 70 × 64,5

Живописная композиция с элементами ассамбляжа «Без названия» 1973 года представляет в каталоге творчество Евгения Львовича Рухина, одного из самых ярких и талантливых художников другого искусства.

В юности Рухин планировал пойти по стопам отца, известного геолога, но неожиданно открыл в себе талант живописца и с головой окунулся в художественную среду. Он начал посещать лекции в ЛВПХУ им. Мухиной, а также изучать (по репродукциям) творения западных авангардистов. В возрасте 20 лет художник написал письмо американскому поп-художнику Джеймсу Розенквисту (James Rosenquist), который не только ответил ему, но и приехал спустя два года в гости. А в 1966 году работы Рухина отправились в Нью-Йорк, на экспозицию в престижной галерее Бетти Парсонс (Betty Parsons), в которой выставлялись такие художники, как Джексон Поллок (Jackson Pollock), Барнетт Ньюман (Barnett Newman), Марк Ротко (Mark Rothko) и Роберт Раушенберг (Robert Rauschenberg).

Во второй половине 1960-х живописец познакомился с представителями «лианозовской группы». Огромное влияние на его творчество оказал Оскар Рабин, у которого он часто останавливался, приезжая в Москву. Возможно, отсюда происходит этот мрачный, серо-коричневый рабинский колорит, ставший одной из отличительных особенностей эстетики Рухина. Другой лианозовец, Владимир Немухин, как считают многие, открыл ему возможности коллажа.

Переломным годом в творческой биографии художника стал 1968-й: именно тогда он начал создавать свои ассамбляжи, которые впоследствии были объединены под брендом «классический Рухин». Что только не использовал художник: куски дерева, замки, кружева, елочные игрушки, крышки от люков, гаечные ключи, мышеловки… Все большее значение в творчестве Рухина стали приобретать элементы старины — иконы, обломки антикварной мебели, что существенно отличает его живопись от произведений американского поп-арта, к последователям которого причисляли ленинградского художника. Стоит отметить, что работы Рухина — это не рельефы, а именно живопись: краску он накладывал как экспрессионисты, страстно.

Рухин был необычайно плодовитым художником: современники вспоминали, что каждые два-три месяца он привозил в Москву около 20–25 картин. В обеих столицах основными покупателями его произведений были иностранцы (как и у большинства неофициальных художников). Говорили, что ленинградская мастерская художника была обязательной остановкой для каждого заезжего дипломата. Рухин участвовал во множестве экспозиций авангардного искусства и не упускал возможности передавать фотографии своих работ иностранным галеристам. В 1974 году он стал одним из организаторов знаменитой «Бульдозерной выставки». Менее чем через два года он трагически погиб. Ночью в его мастерской, заставленной горючими растворителями и краской, случился пожар, причина которого так и не была достоверно установлена. Художник задохнулся в дыму.

Бóльшая часть наследия Рухина находится за границей: помимо работ, купленных зарубежными гостями, это и картины, которые вывезла в Штаты вдова художника, эмигрировавшая через несколько лет после его смерти (artinvestment.ru).

Читайте о художнике на AI: «Художник недели. Евгений Рухин».

КАЛИНИН Вячеслав Васильевич (1939) Прелюдия Баха. 1975
Бумага, офорт, акватинта. 64 × 49 (изображение), 75 × 55,8 (лист)

Печатную графику шестидесятников в каталоге представляет большой роскошный офорт «Прелюдия Баха» (1975) виртуозного мастера графики Вячеслава Васильевича Калинина. «По словам Калинина, главному он научился сам, изучая то графику Дюрера, то живопись Босха, Кранаха и Врубеля. Художник рано выработал собственную живописную манеру, по сей день практически не изменившуюся, и нашел свою тему в причудливом быте памятной ему послевоенной Москвы, прежде всего дворов и улочек Замоскворечья, где прошло его детство.

Одаренный рисовальщик, он охотно дает волю воображению, считая себя последователем романтической линии в московской школе живописи. Калинин вводит в свои произведения портреты реальных лиц, обнаженную натуру и зарисовки архитектурных достопримечательностей Москвы, однако тяготеет к символическим композициям, где настойчиво противопоставляет силы “света и тьмы”» (rosgrafik.blogspot.com).

«Прелюдия Баха» (1975) уводит зрителя в Европу, где величественные соборы как будто прорастают трубами органа, под руками Иоганна-Себастьяна Баха рождающего божественную Музыку.

Работа находилась в собрании Александра Глезера, что подтверждается его надписью на обороте.

МАСТЕРКОВА Лидия Алексеевна (1927–2008) Композиция. 1979
Бумага, гуашь, графитный карандаш, коллаж. 74,7 × 57

Графика с элементами коллажа «Без названия» (1979) Лидии Алексеевны Мастерковой — узнаваемая работа периода, когда художница отказалась от цвета в пользу монохромных композиций. Большинство подобных вещей выполнены тушью по мокрой бумаге (одна из любимых техник автора), однако в нашей композиции использованы ватман и гуашь.

Лидия Мастеркова — единственная женщина в известном «списке Гробмана», содержащем 35 имен «героического» периода второго русского авангарда. «Она — одна из немногих художников, для кого выбор абстракции, а точнее, особенной формы супрематизма — не дань моде на авангард, а решительное движение души». Человек высокой культуры, Мастеркова училась музыке, пению, занималась в театральной студии, училась искусству у Перуцкого, Хазанова, Фалька. В отличие от многих своих ровесников, она была чужда политике, ее искусство не имело социального подтекста, она ставила перед собой совсем иные творческие задачи и решала их по-своему, ею двигали совсем иные мотивы: «Я вам вот что скажу: без музыки не может быть великого искусства, потому что музыка везде, повсюду. Если вы возьмете поэзию — это тоже музыка. Если музыки нет — нуль! Ведь это величайшее явление, которое происходит вообще в мире, в сферах. Это информация, которая к нам приходит, потому что космос звучит беспрерывно. Если остановится звучание хоть на тысячную секунды, все рухнет. Он этим и держится. И настоящий исполнитель, который реализует эту музыку, — он не просто умеет пальцами хорошо двигать или играть, не глядя на смычок. Вот когда он проникнет в музыку... но это уже очень редким дано» (russ.ru). Вот такая мало кому известная Мастеркова. Посмотрите на ее работу новым взглядом, услышьте музыку!

ЯНКИЛЕВСКИЙ Владимир Борисович (1938–2018) Из цикла «Город». 1991
Бумага цветная на картоне, пастель, коллаж. 49,5 × 69,6

В узнаваемой авторской технике, с использованием пастели и коллажа, выполнена композиция Владимира Борисовича Янкилевского из цикла «Город» (1991), в которой мы встречаемся с очень выразительной, но одинокой фигурой — символом человеческого одиночества в чем-то заполненном, но пустом пространстве. Эта работа, по словам вдовы художника Риммы Солод, экспонировалась в 1992 году в парижской галерее Le Monde de l'Art, опубликована в выставочном каталоге и была подарена автором Рафаэлю Дуэбу (Raphael Doueb), директору Le Monde de l'Art.

Творчество Владимира Борисовича Янкилевского выпадает из любых рядов и направлений как отечественного, так и зарубежного современного искусства, одновременно наследуя лучшим мировым традициям. Его можно было бы назвать эпической экспрессией. Предельная чувственность и эротизм соединяются здесь с высочайшим уровнем концептуализации действительности (artinvestment.ru).

В 2018 году в Московском музее современного искусства на Гоголевском бульваре состоялась большая выставка «Владимир Янкилевский. Непостижимость бытия» Художник участвовал в подготовке экспозиции, организованной к его 80-летию, но увидеть открытие уже не успел. Из беседы куратора выставки Ольги Турчиной с Риммой Солод:

«Ольга Турчина: …Художник был во всех смыслах слова уникальной фигурой. Есть авторы, которым важно ощущать себя частью сообщества. Они взаимно влияют друг на друга и развиваются в коллективе. Янкилевский же всегда был один — и в своем творчестве, и в философии. Его, естественно, нельзя назвать отшельником, но он был настолько цельной личностью, что ни о каком влиянии со стороны и речи не идет.

Римма Солод: У него были друзья, был круг общения, застолья, но плодотворных творческих взаимоотношений не было, как мне кажется. Отсюда и тема одиночества, которая часто проскальзывает в его творчестве. Многие его просто не понимали. В общем, одиночество — это не случайно рожденная тема» (weekend.rambler.ru).

КРОПИВНИЦКАЯ Валентина Евгеньевна (1924–2008) Деревня. 1992
Бумага, тушь, перо. 41,2 × 29,5

В 1992 году выполнен большой тушевый рисунок «Деревня» Валентины Евгеньевны Кропивницкой. Дочь художников Евгения Кропивницкого и Ольги Потаповой, сестра художника Льва Кропивницкого, жена художника Оскара Рабина, мать художника Александра Рабина, участница неформальной группы, позже названной «Лианозовской» по месту жительства ее идеолога Евгения Кропивницкого и духовного центра Оскара Рабина. Связанная дружескими узами с другими художниками группы, она нашла собственный художнический язык — узнаваемый, теплый и немного сказочный. Виртуозный график, акварелист, мастер линогравюры, в своих работах Валентина Кропивницкая создавала собственный мир, похожий и одновременно не похожий на окружающую реальность, и населяла его странными персонажами, наполняла мудрыми мыслями и событиями. «Рисунок Валентины Кропивницкой “Деревня” относится к парижскому периоду ее жизни и творчества, — пишет эксперт. — Это ностальгический, идеализированный пейзаж русской деревни, с аккуратными, ухоженными домиками и двумя церквями. В нем нет того, что характерно для ее придуманных, узнаваемых с первого взгляда графических вещей со сложной и своеобразной абсурдистской мифологией, корнями уходящей в протофольклор. Но есть виртуозное владение пером, умение точно моделировать формы и объемы, своеобразное пластическое мышление и удивительная, наивная трогательность, возвышенная поэтичность».

ИНФАНТЭ-АРАНА Франциско (1943) Тарелка. Рисунок № 4 по мотиву «Супрематической живописи» К. С. Малевича (1920). 1992
Фарфор, роспись. Ø 24,5

Фарфоровая тарелка «Рисунок № 4 по мотиву “Супрематической живописи” К. С. Малевича (1920)» Франциско Инфантэ-Араны принадлежит к ряду работ, выполненных в 1992 году Инфантэ и Эдуардом Штейнбергом совместно с Центром современного искусства (ЦСИ) и Товариществом «Кузнецовский фарфор». Каждая тарелка выпущена ограниченным тиражом в 25 штук (наша тарелка имеет № 3) плюс несколько ненумерованных (резервных) экземпляров. Вместо заявленных Франциско Инфанте четырёх тарелок было выпущено всего три. Большая часть тиража была закуплена Министерством культуры РФ.

«Фарфор оказался благодатным материалом для иллюстрирования идей Франциско Инфанте. Можно сказать, что здесь получила новое преломление его известная “концепция артефакта”. “Артефакт” — это термин, которым в трактовке художника “обозначается вещь второй природы, то есть вещь, сделанная человеком и, стало быть, автономная по отношению к природе”, но которая, по мысли художника, связана с такими понятиями, как “традиция” и “культура”. Особый акцент в своей теории Инфантэ делал на воплощении в артефакте связи “техника — природа”, связи, способной, по его мнению, породить новый синтез внутри вечного искусства. В этой способности артефакта Инфантэ видел особый “символ Тайны творчества”. Фарфор же — материал, рожденный в огне, соединяющий в себе природную и технологическую стороны, издревле наделявшийся таинственными свойствами,  — как ничто другое соответствовал авторской концепции артефакта. Поэтому, вероятно, столь гармоничными и логичными выглядят произведения Инфантэ на фарфоровых тарелках» (Виктория Петухова. Фарфор как неприкладное искусство или еще одна грань нонконформизма // Фарфор шестидесятников: Выставка в галерее «Романовъ». М. : Бонфи, 2012. С. 14).

СВЕШНИКОВ Борис Петрович (1927–1998) Путь. 1997
Бумага светло-жёлтая, акварель, тушь, перо. 24 × 31,5

В филигранной, напоминающей мозаичное панно и близкой дивизионизму изобразительной манере Бориса Петровича Свешникова выполнен рисунок «Путь» (1997). Работа поражает кропотливостью и точностью исполнения и в полной мере наделена привычным свешниковским сюрреализмом и ощущением некой потусторонности, атмосферы вечности.

В 1946 году 19-летний студент Московского института прикладного и декоративного искусства вышел с бидоном купить керосина и вернулся только через 8 лет. В лагере Свешникову удавалось украдкой рисовать и, что еще сложнее, передавать отдельные рисунки на волю.

У молодых коллекционеров творчество Свешникова ассоциируется преимущественно с самобытными работами 1960-х годов, выполненными в эстетике часто трагического сюрреализма (с реалистическими лагерными рисунками ничего общего). Художник очень узнаваемый, спутать невозможно. Работы отличает высокая декоративность и интересная палитра. Очень часто его работы написаны на мрачные сюжеты: боль, несчастья, повешенные, люди с искаженными лицами — вот распространенные нездоровые образы страдавшего душевным недугом художника, которые, как и разнообразная символика смерти, наполняющая его работы, уходят корнями в его лагерное прошлое (artinvestment.ru).

Его работам свойственно «сочетание мелких фигур со вселенским масштабом композиции, смешение подмеченного в жизни и фантастического, современных реалий и образов прошлого, сложное пространственно-временное построение композиций, где не по законам логики, а скорее, в соответствии с логикой сна или видения трансформируются мотивы и образы. Частные вопросы, заданные в каждой отдельной сцене, при всем их многообразии и алогичном сочетании, подчинены, как правило, главным темам творчества художника — вездесущей смерти и абсурдности жизни. Свешникову удается мастерски увязать земное измерение, без которого обращение к этим темам невозможно, с вневременным характером целого» (Оксана Воронина, mmoma.ru).

КУРОЧКИН Эдуард Степанович (1938–2014) Обнаженная. 1998
Холст, масло. 84 × 60

В 1998 году создан холст «Обнаженная» Эдуарда Степановича Курочкина — художника, о котором коллеги говорили, что он всего лишь делает вид, что пишет картины. На самом деле он создает порталы, затягивающие в ирреальные миры (dipart.livejournal.com). «Как пишет о художнике Игорь Дудинский, Эдуард Курочкин не рефлексирующий медиум, а сталкер-интеллектуал, чья миссия вполне выполнима и распространяется на целый спектр “потребителей”. Эстетам и любителям искусства он напоминает о бренности и эфемерности сущего. Несколько движений кистью — и окружающий пейзаж меняется с кинематографической стремительностью. Для более продвинутых ценителей волшебства и сновидений предусмотрена экскурсия по затейливым уголкам Зазеркалья — типа Страны Воспоминаний, где их ждут замаскированные под наших современников некие призрачные сущности — прельщающие, манящие и сулящие. Попутно художник занимается исследованиями зыбких и эфемерных границ между объективным и субъективным — Божьим твореньем и игрой зрительского воображения. Для Курочкина нет разницы между материальным и иллюзорным» (news.21.by).

«Судьба Эдуарда Курочкина — характерна для представителя той немногочисленной части послевоенного поколения, которая вместо того, чтобы по примеру подавляющего большинства сверстников любой ценой постараться наверстать упущенные возможности и “хорошо устроиться”, предпочла рискованную романтику философских и эстетических экспериментов, превратив свою жизнь в иррационально-непредсказуемую, полную приключений и авантюр езду в незнаемое» (Игорь Дудинский, dipart.livejournal.com).

Читайте об авторе на AI: «Впервые: живопись Эдуарда Курочкина на аукционе ARTinvestment.RU».

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Бубновый валет (Автопортрет). 2005
Бумага, акрил, графитный карандаш. 50 × 39

В творчестве Владимира Николаевича Немухина, автора работы «Бубновый валет (Автопортрет)» (2005), бубновый валет превратился в своеобразный авторский жанр, в котором художник обращался к самым разным темам и сюжетам, воплощал в нем портреты (Гитарист, Бубновый валет), предметы (Дело, Радио, Мишень), понятия (Ретро, Натюрморт), места (Фотоателье, Казино), эмоции (Ура!), оммажи-посвящения (Мейерхольду, Маяковскому, Малевичу, Кандинскому, Ларионову, Шагалу и др.).

Отдельная история в череде бубновых валетов — автопортреты художника. Их очень интересно изучать, сравнивать, наблюдать изменения, происходящие с образом с течением времени… Не получивший специального образования, но при этом обладавший поразительными знаниями искусства и высокой культурой, Немухин закладывал в свои оммажи глубочайшее понимание творчества и личности тех, кому они были посвящены. Так, и в автопортретах, пусть даже и скрытых под маской бубновых валетов, он открывал зрителю что-то главное о себе.

ПУРЫГИН Леонид Анатольевич (1951–1995) Синяя бабочка
Дерево, роспись. 64 × 22 × 29 (общий), 52 × 22 × 29 (скульптура)

Не датирована деревянная скульптура «Синяя бабочка», созданная Леонидом Анатольевичем Пурыгиным. Надо сказать, что трехмерные деревянные композиции художника крайне редко появляются на аукционных торгах, гораздо реже, чем скульптура в металле, хотя и ее немного. В целом работа находится в хорошем состоянии, однако следы бытования на ней все же заметны: есть незначительные растрескивания дерева на фигуре и основании и трещины на красочном слое, утрачены несколько шипов на голове.

Творчество художников XXI века

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Мозаика. Уединение. 2020
Холст, масло. 100 × 120

Холст «Мозаика. Уединение» (2020) Люси Вороновой написан год назад, «в период весеннего карантина, в самый пик, когда не было возможности выйти на улицу. В ней присутствует интереснейший 3D-эффект калейдоскопичности мозаики как перспектива скорого и благополучного разрешения всех проблем» (Георгий Воронов).

«Мозаику складывают из маленьких красивых кусочков. Большое создают из малого. И всё так — крона дерева из листиков, гора из песчинок и камушков, океан из капель. Млечный путь из звезд. Это тихая работа, уединенная — создавать Вселенную. Каждый кусочек прекрасен и важен» (Люся Воронова).

Одновременно с нашим штатным 378-м AI Аукционом открыт 64-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Азама Атаханова, Юрия Бабича, Сергея Базилева, Дианы Воубы, Михаила Дронова, Ильи Евдокимова, Александра Захарова, Ирины Раковой, Александра Савко, Наталии Турновой.

Всем желаем удачи на 378-м AI-Аукционе и 64-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.