В общем каталоге собрано, как обычно, 30 лотов: 16 живописных работ, 8 листов оригинальной и 1 — печатной графики, 3 скульптуры, 1 работа в смешанной технике и 1 фарфоровая тарелка

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 358 и 44-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 358-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 44-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Каталог открывает раздел русского искусства конца XIX — начала ХХ века.

БЕНУА Альберт Николаевич (1852–1936) Зимний пейзаж с речкой. 1894
Бумага, графитный карандаш, акварель, белила. 24,5 × 33,2

Изящный заснеженный «Зимний пейзаж с речкой» (1894) — работа Альберта Николаевича Бенуа, крупнейшего мастера акварельной живописи второй половины XIX — начала ХХ века, художника академической традиции. Он родился в 1852 году в одной из самых знаменитых художнических семей русского искусства, давшей миру знаменитых архитекторов, живописцев, графиков, сценографов. В 1871–1877 Альберт Бенуа учился в ИАХ на архитектурном отделении. Одновременно занимался акварелью под руководством Л О. Премацци. В 1876 был удостоен большой поощрительной медали и малой золотой медали за программу «Проект университета». В 1877 за программу «Вокзал в парке близ станции» был признан достойным получения большой золотой медали, дающей право на заграничное пенсионерство; однако награды не получил, так как женился во время конкурса, что не допускалось правилами. В том же году выпущен из Академии со званием классного художника-архитектора 1-й степени. После окончания ИАХ отошел от архитектуры и сосредоточился на акварельной живописи; принимал участие в академических выставках.

«И с каким же упоением работал Альбер! — вспоминал его родной брат художник Александр Бенуа. — Не проходило дня весной, летом и осенью, чтобы он не делал по этюду или даже по нескольку в день. И чем эти этюды были свободнее и проще, тем они были прекраснее. При этом твердые знания, приобретенные от Премацци, помогли Альберту справляться и с труднейшими задачами. Наслаждением было глядеть, как у него сразу на бумаге намечался пленивший его эффект, с какой быстротой вырисовывались предметы, как ловко, где нужно, он пользовался не успевшим еще высохнуть местом, а где нужно работал по сухому. Все становилось на свои места и расцвечивалось красками, и это с такой быстротой, что в полчаса, в час самое большее главное было готово, намечено, и Альбер уже складывал свои “орудия труда” и летел дальше в поисках другого мотива».

В 1883 по приглашению Александра III Бенуа сопровождал Царскую семью в летней экскурсии по финским шхерам на яхте «Царевна». В том же году Совет ИАХ подал ходатайство об отправлении Бенуа в пенсионерскую поездку за границу для совершенствования в технике акварели. В 1883–1885 в качестве пенсионера ИАХ учился в Италии, Франции, Англии. В 1884 за акварели «Местечко Балье», «Город Сан-Ремо» и другие был удостоен звания академика Императорской академии художеств. В том же году посетил Алжир, Тунис и Египет.

Наш «Зимний пейзаж с речкой», датированный 3 ноября 1894 года, вероятнее всего написан в Европе. Дополнительно это предположение подтверждает авторская дарственная надпись: À Mademoiselle Violette Ingano. «В этой работе, — пишет эксперт, — хорошо просматривается виртуозное владение А. Н. Бенуа техникой акварельной живописи, его умение мастерски и “живо” передавать настроение и состояние выбранного пейзажного мотива, сделать его возвышенным и одухотворенным, наполнить своеобразной поэтикой».

ВАСИЛЬКОВСКИЙ Сергей Иванович (1854–1917) На реке Донце. Харьковщина. 1890-е — 1900-е
Картон, масло. 34 × 23,5

Натурный этюд «На реке Донце. Харьковщина» (1890-е — 1900-е) представляет в каталоге творчество выдающегося мастера лирического пейзажа, жанриста и пейзажиста Сергея Ивановича Васильковского. Уроженец города Изюма Харьковской губернии, 22-летний Васильковский приехал в Петербург и поступил в ИАХ; учился в пейзажном классе у М К. Клодта и В. Д. Орловского. За ученические работы неоднократно награждался медалями. Окончил Академию с большой золотой медалью, выпущен со званием классного художника первой степени и правом пенсионерской поездки за границу на четыре года. В качестве пенсионера ИАХ в 1886 отправился в Европу, жил преимущественно в Париже, где изучал живопись барбизонцев и других современных французских пейзажистов. Там же познакомился с блестящим живописцем И. П. Похитоновым, впоследствии оказавшим на его творчество огромное влияние. Совершил поездки по Франции, Германии, Англии, Испании, Северной Африке. Исполнил значительное количество небольших по размерам пейзажей Франции и Испании, часть которых была приобретена в крупнейшие отечественные собрания. В 1888 возвратился в Россию до окончания срока пенсионерства. Жил в Харькове. С 1885 участвовал в академических выставках, с 1886 — в выставках Московского общества любителей художеств. В 1892 стал членом и активным участником выставок (до 1917) Общества русских акварелистов. С 1894 — член и экспонент Санкт-Петербургского Общества художников. Много путешествовал по России — по Украине, Крыму, Кавказу.

«В 1890-х годах (период создания нашей работы. — AI.) творчество Васильковского получает большое признание. Его работы приобретаются музеями и частными коллекционерами…

Картины Васильковского отличались небольшими размерами. Он любил писать на прессованных картонках или на французских буковых дощечках. Его художественной манере свойственна особая аккуратность и точность, даже старательность. С особым искусством художник передает вибрацию света и воздуха, игру солнечного света» (vsdn.ru).

РЕПИН Илья Ефимович (1844–1930) Всадник (Офицер на коне). Середина 1910-х
Картон, масло. 28,5 × 36,5

В середине 1910-х годов написан этюд «Всадник (Офицер на коне)» Ильи Ефимовича Репина. Этот небольшой картон является подготовительным этюдом к картине «Бельгийский король Альберт в момент взрыва плотины в 1914 году» (1914), хранящейся в Самарском областном художественном музее, при этом отличается «от окончательного варианта и композиционно, и колористически. Его красочная гамма более сдержанна, а характеристика главного персонажа менее утрированна», — отмечают эксперты.

В середине 1910-х Репин неоднократно обращался к событиям Первой мировой войны, нередко получавшим в его творчестве яркую экспрессивную окраску. Одной из таких работ стала картина «Бельгийский король Альберт в момент взрыва плотины в 1914 году». В августе 1914 года войска нейтральной Бельгии встали на пути немецкой армии, численно превосходившей бельгийскую в пятнадцать раз. Героически защищаясь, бельгийцы взорвали плотины на Изере и затопили часть страны. Созданный таким образом «остров» между французской границей и рекой Изер всю войну оставался очагом сопротивления немцам. Взрыв плотины на Изере явился одним из самых ярких эпизодов Первой мировой войны. Он активно обсуждался в печати и стал примером народного самопожертвования.

В 1937 году И. Э. Грабарь включил картину «Бельгийский король Альберт в момент взрыва плотины в 1914 году» в составленный им Список произведений Репина, опубликованный в двухтомной монографии «Репин». Король Альберт, как отмечает эксперт, «героически проявивший себя во время войны, любимый и уважаемый своим народом, изображен в этюде на коне той же масти и в той же позе, лишь голова повернута в противоположную по сравнению с картиной сторону. Однако Грабарь в монографии упоминает, что в 1915 году Репин внес небольшие изменения в картину, в частности “голова переписана в другом повороте и с другим выражением”, таким образом, первоначально Альберт I в картине соответствовал образу и позе всадника, найденному в этюде, значит, этюд должен быть датирован 1914 годом».

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Илья Репин».

КРЫМОВ Николай Петрович (1884–1958) Зеленый пейзаж с дорогой. Конец 1910-х — начало 1920-х
Холст на картоне, масло. 39 × 26,7

«Зеленый пейзаж с дорогой» (конец 1910-х — начало 1920-х) выполнен кистью Николая Петровича Крымова. «В искусстве живописи нужно передавать в правдивых отношениях по свету и цвету природу или выразительность природы. Для этого нужно изучать натуру, приглядываться к выразительности всего, что нас окружает, — как кошка смотрит, например, на птичку, как скупой жадно схватывает монеты и т.д. Идеал, конечно, будет, когда соединится и первое и второе, так как будет и верность отношений тонов, правдиво передающих природу, в смысле чисто живописном, плюс выразительность всего, что на картине передано. Это как раз то, что нужно», — писал художник (krimov.ru).

«Картина носит экспериментальный характер, — отмечают эксперты, — в основе эксперимента лежит сложная разработка зеленого цвета в различной степени его освещенности. <…> Отсутствие кромок холста дает основание предположить, что… работа является частью композиции большего размера».

Эксперты не указывают, где именно написан пейзаж, но некоторую информацию к размышлению новому владельцу могут дать известные места летнего пребывания художника в период его создания. Так, в 1913–1915 Крымов летом жил и работал в подмосковном поселке Красково, в 1916–1918 — в имении B. C. Мамонтова Горки Рязанской губернии, в 1920–1927 — близ Звенигорода (krimov.ru).

«Зеленый пейзаж с дорогой» (конец 1910-х — начало 1920-х) опубликован в каталоге-резоне исследователя и знатока творчества художника И. Б. Порто «Николай Крымов» (2009) под названием «Пейзаж с дорогой» без даты.

Раздел творчества художников Русского Зарубежья продолжает наш рассказ.

ТАРХОВ Николай Александрович (1871–1930) Букет чертополоха. 1910–20-е
Бумага на картоне, акварель. 39,4 × 26,2

«Тархова узнаешь в парижских салонах среди тысяч картин сразу», — писал Александр Бенуа о Николае Александровиче Тархове, авторе единственного натюрморта в каталоге — «Букет чертополоха» (1910–20-е). Уроженец московской состоятельной купеческой семьи, Тархов окончил казенное училище в Москве, после чего служил на Брестской железной дороге. Вскоре увлекся  искусством и решил стать живописцем. В 1894 поступал в МУЖВЗ, но не выдержал экзаменов. Стал заниматься самостоятельно. В 1897 работал в мастерской К. А. Коровина. Тогда же познакомился с молодыми художниками П. В. Кузнецовым, П. И. Уткиным, Н. Д. Милиоти, вместе с которыми в 1898 предпринял путешествие в Париж. В 1897 дебютировал на XV выставке Московского Общества любителей искусств. В 1899, также в Москве, экспонировал свои работы на выставке объединения «Мир искусства». Готовился поступать в петербургскую Академию художеств. Однако, не дожидаясь экзаменов, снова уехал в Париж. С 1899 постоянно жил во Франции, где посещал мастерские Ж.-П. Лоуренса  и Л. О. Меррона, а также Школу изящных искусств. Много работал на пленэре, писал городские и сельские пейзажи, натюрморты с цветами, фруктами и овощами, сцены сельской жизни.

В 1900-х добился известности в Париже. Его произведения не уступали по ценам работам наиболее ярких представителей французской живописи. Активно выставлялся в Париже (участвовал в Салонах, на групповых экспозициях, проводил персональные выставки) и в России. В 1909-м и 1910-м экспонировал свои работы на салонах Владимира Издебского. В 1910 состоялась персональная выставка в редакции журнала «Аполлон», высоко оцененная А. Н. Бенуа и С. К. Маковским.

Эксперт указывает, что наша работа «наиболее близка к серии натюрмортов, выполненных Николаем Александровичем Тарховым в деревне Орсе в районе Валле-де-Шеврез недалеко от Парижа. Художник приобрел там дом в 1911 году и переехал вместе с семьей. После этого в его творчестве виды сельских пейзажей, деревенской жизни, зарисовки полевых цветов и домашних животных стали основными темами».

Раннее творчество Тархова близко традициям русского символизма, с ярко выраженным декоративным началом, свойственным голуборозовцам. Затем, в Париже, он пришел к импрессионизму. Однако импрессионизм художника не был простым подражанием французским мастерам, но его собственной, присущей только ему манерой. По меткому выражению историка искусства В. И. Ракитина, «Тархов стоит на грани импрессионизма, постимпрессионизма и фовизма, сохраняя в переменчивой игре “измов” свою лирическую интонацию и индивидуальность».

Произведения художника находятся в собраниях музея Пти-Пале в Женеве, Люксембургского музея в Париже, Государственной Третьяковской галереи и ГМИИ им. А. С. Пушкина в Москве, Государственном Русском Музее в Санкт-Петербурге, многих частных коллекциях.

Посмертные выставки были устроены, в частности, в 1980 в Женеве (Музей Пти-Пале), в 1983 в Москве (ГМИИ им. А. С. Пушкина). В 2003-м состоялась ретроспективная выставка Тархова «Самостоятельная республика живописи» в Государственной Третьяковской галерее, ставшая самой масштабной экспозицией со дня смерти художника.

ФЕДЕР Адольф (1886 — не ранее декабря 1943) Деревенька на юге Франции. Конец 1910-х — 1920-е
Бумага, сепия, перо, кисть, акварель. 30 × 42

«Редким по своим качествам» произведением называет эксперт графическую композицию Адольфа Федера «Деревенька на юге Франции», датируемую концом 1910-х — 1920-ми годами.

Федер родился в Одессе, там же учился в рисовальной школе и художественном училище, по политическим соображениям уехал из России, некоторое время жил в Берлине, в 1908 переехал в Женеву, где посещал художественную школу. В 1910 поселился в Париже. Продолжил образование в Академии Р. Жюльена и студии А. Матисса. Писал портреты, натюрморты, жанровые сцены, пейзажи Южной Франции. Экспонировал свои произведения в Салонах.

В 1924 участвовал в экспедиции в Палестину. В середине 1920-х добился широкого признания. Произведения Федера репродуцировались во многих европейских и американских журналах. С успехом провел более десяти персональных выставок в парижских галереях. Экспонировал работы на многих групповых выставках в Париже, Нью-Йорке (1922), участвовал в выставке «Современное французское искусство» в Москве (1928). Был известен и как художник, и как крупный коллекционер африканской скульптуры. В 1943-м разделил судьбу многих еврейских художников, не сумевших уехать из оккупированного Парижа.

«Акварель “Деревенька на юге Франции” относится к характерным акварельным и живописным пейзажам Адольфа Федера, написанным на юге Франции, над которыми он работал начиная с 1910-х годов, — пишет эксперт. — В основе… акварельного пейзажа типичный для графических листов Адольфа Федера легкий и свободный рисунок, нанесенный пером, сепией. Затем, пользуясь мягкой и широкой кистью, он прописывает свой рисунок воздушной и прозрачной акварелью, позволяя ей мягко ложиться на бумагу и свободно растекаться. Результат получается удивительный: изображенный на бумаге простой сельский мотив юга Франции наполнен воздухом, солнцем. На этом пейзаже блестяще передано умиротворяющее состояние позднего лета, с характерным для этого времени предосенним светом».

БАРАНОВ-РОССИНЕ Владимир Давидович (1888–1944) Пейзаж с домом и деревьями. Около 1927
Холст, масло. 50 × 73,2

Владимир Давидович Баранов-Россине, автор живописного «Пейзажа с домом и деревьями» (около 1927), — человек удивительной и трагической судьбы. Состоялся как художник в Париже, работал в «Улье», дружил с Шагалом, Цадкиным, Сутиным, Архипенко. В 1917 году вернулся в революционную Россию, работал в Отделе ИЗО Наркомпроса, преподавал, оформлял первую годовщину Октября в Петрограде, работал над революционными панно, оформлял спектакли Мейерхольда. В 1925-м, когда начали затягивать гайки, разочарованный, вернулся в любимый Париж, чтобы, так получилось, жить в стесненных обстоятельствах, а потом в 1943-м испытать депортацию евреев и спустя год погибнуть в Освенциме (artinvestment.ru).

Эксперты отмечают, что в своих парижских поисках художник испробовал почти все авангардные течения, включая кубизм, кубофутуризм, абстракцию и сюрреализм. А еще раньше прошел путь академического пейзажа и почти неминуемого для художника тех лет постимпрессионизма. Своего «изма» Баранов-Россине не изобрел, но в рамках оформлявшихся течений его работы очевидно выделялись своей самобытностью. Интересно, что в скульптуре у Баранова была едва ли не наиболее новаторская роль: еще в 1910-х годах он чуть ли не первым разрабатывал крашеные и самодвижущиеся скульптуры, о которых остались документальные свидетельства. Тяга к технологичности проявилась не только в изобразительном искусстве: Баранов, как ренессансный художник, был увлечен изобретательством. Причем все его открытия связаны с природой света и цвета. На счету художника изобретение предтечи светомузыки «оптофона», прибора для определения качества драгоценных камней «фотохронометра», раскраски-невидимки «хамелеона», позже превратившейся в военный камуфляж, и даже аппарата для производства газировки. К сожалению, все эти изобретения не принесли художнику достатка, при жизни они остались невостребованными (artinvestment.ru).

В 2002 году прошла выставка Баранова-Россине в Государственной Третьяковской галерее, потом — знакомство с творчеством в Государственном Русском музее. В ноябре 2007 в Музее личных коллекций ГМИИ им. А. С. Пушкина прошла выставка «Владимир Баранов-Россине — художник русского авангарда», которая, по сути, открыла многим этого уникального художника.

Сохранившееся творческое наследие Баранова-Россине сравнительно невелико, причем далеко не все вещи относятся к ценным экспериментальным периодам. Наша картина «представляет собой характерный образец живописи В. Д. Баранова-Россине одного из наиболее интересных этапов в его творчестве, — отмечает эксперт. — Она относится к началу его Парижского периода. По стилистическим признакам она близка группе пейзажей, датируемых концом 1927. Натурное видение органично соединяется в них с активной динамикой художественного языка. Ведущим началом является концентрический ритм, которому подчинено движение форм и крупных мазков, строящих поверхность. Характерна для В. Д. Баранова-Россине своеобразная “плавкость” жидких мазков, “льющиеся” переходы тонов».

Сегодня В. Д. Баранов-Россине входит в топ-30 русских художников.

Читайте о художнике на AI: «Баранов-Россине — художник русского авангарда».

Следующий раздел каталога составили произведения трех очень разных авторов, работавших в советское время.

УДАЛЬЦОВА Надежда Андреевна (1886–1961) Яблони в цвету. 1953
Холст, масло. 60 × 80

Композиция «Яблони в цвету» (1953) — прекрасный образец редкой поздней живописи «амазонки авангарда» Надежды Андреевны Удальцовой. Известно, что в последние годы жизни и творчества Удальцова больше работала в графике, а обращения к живописи были довольно редкими. После всех трагических событий ее жизни и творчества и «глотка воздуха» в мае 1945-го, когда она показала свои работы на небольшой персональной выставке в залах МОССХ, в 1948 году на Удальцову вновь обрушились очередные обвинения в формализме и преклонении перед Западом, которые она перенесла тяжело. И кто знает, не написана ли наша весенняя, свежая, чистая, наполненная воздухом и солнцем композиция под влиянием общих настроений поздней весны 1953 года, когда вся страна, а с ней и Надежда Удальцова ждала и верила в перемены к лучшему.

Картина «Яблони в цвету» экспонировалась на групповой выставке произведений художников В. Н. Вакидина, А. А. Зеленского, Е. А. Малеиной, Н. А. Удальцовой, В. Б. Эльконина, организованной в 1958 году Московским союзом советских художников, и упоминается в ее каталоге. Эта выставка стала первой для Удальцовой после долгих лет молчания. Работа «Яблони в цвету» сопровождается фотографией правнука художницы Петра Андреевича Древина с холстом в руках и его подтверждением подлинности, написанным 29.10.2002.

РОЖДЕСТВЕНСКИЙ Константин Иванович (1906–1997) Индийская девушка с блюдом на голове. Вторая половина 1950-х
Бумага, графитный карандаш, гуашь. 88,5 × 62,5

Во 2-й половине 1950-х годов выполнен яркий жанровый рисунок гуашью «Индийская девушка с блюдом на голове» Константина Ивановича Рождественского.

«Творческая судьба мастера при внешнем благополучии была сложна и даже драматична. Его путь в живописи оказался прерванным в наиболее плодотворный и интересный период. Перспективные пластические идеи в его произведениях 1930-х годов не получили дальнейшего развития. Как живописец Рождественский активно работал сравнительно недолго, примерно с 1923 по 1936 год, позднее он занялся оформлением выставок. Первая же работа в этой области — Всемирная выставка 1937 года в Париже, в которой он участвовал как дизайнер под руководством Н. Суетина, — принесла ему известность. Потом был проект Нью-Йоркской выставки 1939 года, также получивший всеобщее признание. С этого началась успешная деятельность Рождественского по оформлению выставок (одна из последних — «Москва — Париж» 1981 года), продолжавшаяся вплоть до 1980-х годов. Эта работа совершенно заслонила собой ранний, “малевичевский” период его творчества. К. И. Рождественский стал знаменитым мастером советского экспо-дизайна, академиком, народным художником РСФСР» (Татьяна Михиенко, tg-m.ru).

В 1950–70-х Рождественский работал заместителем главного художника ВДНХ, на Всесоюзной строительной выставке, оформлял многочисленные советские выставки за рубежом, Всесоюзные художественные выставки в Москве, был куратором декоративно-прикладного искусства в Союзе художников СССР.

Очевидно, что наш натурный рисунок выполнен во время поездки в Индию — одной из многочисленных служебных командировок художника.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Константин Рождественский».

РОМАНОВИЧ Сергей Михайлович (1894–1968) Низвержение гигантов. 1960-е (?)
Бумага на холсте, масло. 42,8 × 38,5

Интересная разработка античной темы представлена в яркой, созданной в свободной, почти сезанновской (со скидкой на колорит) манере композиции «Низвержение гигантов» (1960-е (?)) Сергея Михайловича Романовича — возможно, вольной авторской вариации на тему известной картины П. Рубенса «Падение титанов» (1637–1638). «…В искусстве Романовича поражает его последовательность, настойчивость обращения к труднейшим художественным задачам, и главное, удивительная этическая красота. У Романовича духовная живопись. Великолепное мастерство, которым он владеет, он отдает человеку, возвышая его. Открывая в нём высокую красоту и внутреннюю силу. Не сомневаюсь в том, что придет время, когда имя Романовича станет широко известно» (Дмитрий Сарабьянов).

Предки Романовича по мужской линии (за исключением отца) были священниками. Вероятно, отсюда происходил его интерес к античной и христианской темам, которым посвящена основная часть его работ на протяжении всей жизни. Романович был дружен с Михаилом Ларионовым и Наталией Гончаровой, участвовал в художественном объединении «Лучисты и будущники» (1912–1914), экспонировался вместе с ними на выставках («Мишень» — 1913 год, «№ 4» — 1914 год). В советское время зарабатывал на жизнь идеологически правильными монументальными росписями, в выставках участвовал редко (с его-то тематикой!), после войны почти не экспонировался. Возвращение творчества этого интереснейшего художника к публике и специалистам началось в середине 1990-х. В 1995 году в Русском музее (Санкт-Петербург), а затем в Третьяковской галерее (Москва) прошла его ретроспектива, а еще через 8 лет, в 2003-м, в ГТГ состоялась научная конференция, посвященная творчеству художника: «…Картины и графика С. М. Романовича — это прекрасное искусство, которое должно поступить в наши лучшие музеи. Я уверен, что это рано или поздно произойдет» (Михаил Алпатов). Работы художника находятся в музейных собраниях Воронежа, Смоленска, Саратова, Павловска, Санкт-Петербурга, Москвы (источник: ru.wikipedia.org).

Самый большой раздел каталога — творчество шестидесятников.

СИДУР Вадим Абрамович (1924–1986) Сидящая. 1969
Бумага, тушь, фломастер. 29 × 28,7

В узнаваемой авторской стилистике выполнен рисунок тушью и фломастером «Сидящая» (1969) Вадима Абрамовича Сидура — пышное, но очень элегантное, изящное и ироничное ню.

КРОПИВНИЦКИЙ Евгений Леонидович (1893–1979) Девочка с цветком. 1970–1973
Бумага, цветные карандаши, тушь. 25,5 × 30,5

В 1970–1973 годах выполнен рисунок карандашами и тушью «Девочка с цветком» (1970–1973) Евгения Леонидовича Кропивницкого.

«Достаточно распространенный сюжет в изобразительном творчестве Евгения Кропивницкого — женские образы на фоне городских пейзажей, — пишет Оксана Саркисян. — Сейчас Кропивницкий в большей степени известен именно как живописец женских образов. Их абстрактность и примитивистская манера исполнения неизбежно отсылают к Матиссу и Модильяни, любимому художнику Кропивницкого. Женские образы Кропивницкого — утонченные и упрощенные почти до иконных, с преобладанием линии на плоскости. Но в отличие от Модильяни, портреты которого всегда сконцентрированы на изображаемой фигуре, женщины на рисунках Кропивницкого нередко вплетаются в орнаментальную линию городского пейзажа, в линию улицы, становясь частью архитектурных фантазий. В рисунках 1960-х их нередко сопровождают кошки, также включенные в орнамент. <…> Позже, в 1970-х, вместо кошек все чаще появляются цветы в горшках. Возможно, в этом орнаменте из улиц, домов, бараков, женщин и кошек основным содержанием является растворение во всеобщем и безличном» (prostory.net.ua).

ОРЛОВ Борис Константинович (1941) Геральдические поцелуи. Триптих. 1979–1981
Бумага, литография. 50 × 210 (общий размер)
Тираж 30 экземпляров, экземпляр № 7

Тираж 30 экземпляров, экземпляр № 7

Три литографии Бориса Константиновича Орлова из серии «Геральдические поцелуи» (1979–1981) представляют стиль, появившийся в творчестве художника в конце 1970-х и названный им социальной геральдикой. «Здесь я в конструктивистскую основу рельефа внедряю импланты из военной и спортивной геральдики» (borisorlov.ru).

«В то время меня больше всего увлекала социальная геральдика, вырванная из привычной системы. Первую серию портретов с использованием геральдических обозначений — военных или спортивных — я назвал парсунами: “Парсуна № 1”, “Парсуна № 2”. Названия были, конечно, парадоксальными и ироническими, поскольку персон (собственно от этого и происходит название жанра “парсуна”) у меня не было. Лишь знаки отличия: человеческая голова была сведена к ее обозначению, к схеме, а представление о личности — к регалиям и эмблемам. Все это придавало работам двойственный смысл. Тогда я и назвал этот стиль социальной геральдикой» (Борис Орлов, borisorlov.ru).

«В русском искусстве последнего полувека Борис Орлов занимает исключительное положение: он создатель собственного мифа, собственной художественной системы, индивидуального — легко узнаваемого — образного строя и стиля. Еще в советские времена его скульптуре удалось осуществить труднодостижимое — привлечь зрителя очной ставкой разведенных историей традиций классицизма, модернизма и авангарда. И тогда, и теперь — неутомимо избегая ловушек эклектических стилизаций — художник всякий раз демонстрирует редкое единство качеств: ясность оригинальных идей, предельную точность формы, мощную энергию, интеллектуальную искушенность» (borisorlov.ru).

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Портрет художника Владимира Николаевича Немухина. 1983
Бумага, уголь, черный карандаш. 62,5 × 47,5

«Портрет художника Владимира Николаевича Немухина» (1983) исполнен Анатолием Тимофеевичем Зверевым «непосредственно с натуры в мастерской его близкого друга художника-нонконформиста Владимира Немухина во время одной из художнических встреч-посиделок. Это уверенный, виртуозный и свободный рисунок, выполненный на хорошем для творчества Зверева 1980-х годов уровне. Рисунок прекрасно передает мастерство Зверева-рисовальщика и образ В. Н. Немухина, изображенный им», — пишет эксперт. В неопубликованном интервью AI Немухин рассказывал: «Зверев у меня жил, да много лет, преимущественно зимой. Летом я обычно уезжал в деревню, а он туда не ездил. Теперь жалею, что не брал его туда с собой. Когда мы разошлись с Мастерковой, был 1969 год, мне пришлось искать мастерскую из нежилого фонда. Тогда появляется у меня Зверев.

Умер он в 1986 — и все эти много лет мы плотно общались… <…> Бывало, откроешь дверь, а он на пороге спит.

— Почему не позвонил?

— Я тебя не хотел, старик, беспокоить.

… У нас была одна мастерская с Вечтомовым на двоих, и Зверев спал там у меня на лавке или на полу. Потом мы сделали ему широкую доску, и он спал у нас на кухне» (forum.artinvestment.ru). Немухин много помогал Звереву; работая в Горкоме графиков, организовывал его выставки, часто выручал из разного рода затруднительных ситуаций. Авторы мемуаров о Звереве не раз отмечали, что так, как Немухину, Зверев не доверял никому. Зверев не раз рисовал и писал Немухина. На нашем рисунке он создал замечательный портрет немолодого усталого мудрого человека.

И еще одно интересное воспоминание. Владимир Немухин писал: «Его “АЗ” всегда очень органично входило в композицию картины. Часто подпись соединялась с годом. Я помню, как счастлив он был в 1983 году, потому что цифра “3” читалась одновременно как буква “З”. Он получал удовольствие от этой каллиграфической подписи, которая выглядела на рисунке почти как китайская печатка (design.wikireading.ru). И именно такая подпись завершает нашу работу.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Игра в козла. 1994
Картон, карандаш, масляная пастель. 50 × 40

Владимиру Николаевичу Немухину принадлежит графическая композиция «Игра в козла» (1994). Этот сюжет — один из тех, над которыми художник работал в течение нескольких лет, не раз возвращаясь к ним. Художник экспериментировал с композицией, графикой, цветом и деталями, воплощая излюбленный мотив в разных техниках в живописи и графике.

ЦЕЛКОВ Олег Николаевич (1934) Портрет с палитрой. Квадратная тарелка. 2011
Фарфор, надглазурная роспись. 43 × 43,3 × 5

В 2011 году выполнена тиражная квадратная фарфоровая тарелка «Портрет с палитрой» Олега Николаевича Целкова. Первые фарфоровые изделия, выполненные по эскизам шестидесятников, появились довольно поздно, в начале 1990-х. Обращаясь к фарфору, экспериментаторы-шестидесятники исследовали его возможности как инструмента для воплощения своих магистральных творческих идей, а изучив, включили в свой художнический инструментарий. Каждый из них прошел собственный путь освоения фарфора, его пластических возможностей, взаимодействия с цветом. «По словам Владимира Немухина: “когда ты занимаешься фарфором, ты уже должен многое знать, фарфор не учит, а требует умения”» (Виктория Петухова. Фарфор как неприкладное искусство или еще одна грань нонконформизма // Фарфор шестидесятников: Выставка в галерее «Романовъ». М. : Бонфи, 2012. С. 19). «Олег Целков довольно много работал с фарфором. Поначалу пробы и эксперименты выражались в перенесении на фарфор уже готовой станковой работы, воплощения ее на тарелках в четырех цветовых вариантах, что не создавало гармоничного сочетания, способного усилить эстетические качества обеих составляющих. Но позже, когда этап освоения материала был пройден, художник получил чрезвычайно интересные результаты в работе над блюдом сложной прямоугольной формы с изогнутыми бортами, роспись которого была решена в черно-красной цветовой гамме (2009, Hopperdietzel, Германия) и над квадратной тарелкой (2009, Hopperdietzel, Германия), в которой художник отказался от свойственной ему стилистики масок-гримас и создал произведение, напоминающее скорее об эпохе изысканного модерна» (Там же. С. 15–16).

В «Портрете с палитрой», созданном в 2011 году, нет излюбленных целковских личин-масок (хотя персонаж совершенно узнаваемый), а есть изящный женский портрет, дополненный натюрмортом. Очень симпатичная и веселая работа, отсылающая к той самой изысканной стилистике модерна, с интересной композицией и необычными для автора элементами.

Завершает наш каталог раздел произведений, созданных на рубеже ХХ — XXI веков.

КОКУРИН Валерий Григорьевич (1930–2019)
У реки. 1978 Оргалит, масло. 57 × 76

В 1978 году написана живописная композиция «У реки» Валерия Григорьевича Кокурина — одного из основателей владимирской живописной школы, направления, не имеющего аналогов в спектре современного российского искусства. «Валерий Кокурин, наделенный от природы обостренным чувством цвета, даже среди смелых владимирских живописцев был одним из самых ярких и самобытных колористов. Стихия Кокурина — это цвет, в живописном хороводе звонких красок проявляется яркий темперамент личности художника, его неистребимое жизнелюбие.

У художника есть своя, кокуринская трактовка живописных принципов владимирской школы. Особенность творческого почерка этого замечательного мастера — повышенная декоративность и утонченность найденных им колористических аккордов.

Его живопись хоть и основана на фольклоре, но она пронизана эстетикой импрессионизма, европейского искусства, наконец, она по-особому чувственна и эмоциональна. Живопись Кокурина делает владимирскую школу более одухотворенной, придает ей особую манерность, легкость и изыск.

В дышащих, пульсирующих радостью полотнах Кокурина есть все: смелый и неожиданный колорит, юмор, элемент игры, а главное — большие чувства большого художника» (Надежда Севастьянова, научный сотрудник Владимиро-Суздальского музея-заповедника, vshr.jimdo.com).

ЛЕОНОВ Павел Петрович (1920–2011)
Взрослый сын Холст, масло. 75,4 × 91,5

Традиционно не датирована, но, судя по биографии одного из самых известных у нас и за рубежом отечественных наивных художников и представителей ар-брют Павла Петровича Леонова, написана самом конце ХХ века или в первые годы века XXI картина «Взрослый сын». «Движущей силой его творчества была внутренняя жизнь — сюжеты картин рождались в процессе осмысления и переживания увиденного, услышанного, прочитанного. Он создавал собственный мир, населяя его множеством машин, зверей, растений и персонажей, сопровождавших его ежедневный быт, среди которых были как члены его семьи, так и люди, виденные им по телевизору» (artinvestment.ru). Источником сюжетов его картин были не события, происходившие вокруг него, а переработанные в его сознании почти в мифические образы воспоминания о прошлом и размышления о будущем. Наша картина, очевидно, воплощает одно из многих утопических мечтаний художника, идеальное село, которому посвящены многие его работы. Скорее всего, свою роль в ее появлении сыграло нечто виденное по телевизору, иначе как объяснить цилиндр на голове центрального персонажа с гармошкой, а также слонов и верблюдов (хотя последних Леонов наверняка видел во время своих долгих скитаний по стране). Творческое наследие Павла Леонова, как пишут, довольно велико, но большинство работ были выполнены по заказам многочисленных почитателей его творчества, которые и сегодня не спешат расставаться с его картинами. Читайте об авторе на AI: «Художник недели: Павел Леонов».

БУХ Арон Фроимович (1923–2006) Осень. 2001
Оргалит, масло. 59,6 × 59,4

Наполненная свежим предзимним воздухом «Осень» (2001) Арона Фроимовича Буха — замечательный пейзаж в узнаваемой авторской манере. «В живописи должен быть запах воздуха, — писал художник. — Солнца должно быть больше, чем предмета, так же, как восторга больше, чем красок. Главное в живописи не то, что сделано на холсте, а то чувство, которое эта живопись вызывает. Свет к нам идет не только от звезд, но и от всего видимого мира, который мы изображаем. Писать не предметы, а сияние, которое от них исходит. Любой пейзаж — это прежде всего небо. Живопись — гимн солнцу» (expo-88.ru). В цвете Буху было подвластно всё — и роскошный пир красок, и деликатность тончайших переливов цвета, которую мы видим в нашей картине.

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Прозрачные мотыльки. 2009
Холст, масло. 90 × 100

Холст «Прозрачные мотыльки» (2009) Люси Вороновой — сложная композиционно и технически, но чистая, открытая и какая-то бесхитростная по ощущению работа. Это впечатление поддерживают многочисленные прозрачные мотыльки, слетевшиеся на цветочную поляну и покрывшие ее тонкой вуалью прозрачных крыльев.

Одновременно с нашим штатным 358-м AI Аукционом открыт 44-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». Каталог составили работы Семёна Агроскина, Юрия Бабича, Андрея Бисти, Алексея Ваулина, Наталии Глебовой, Александра Захарова, Виктора Крапошина, Егора Плотникова, Кирилла Протопопова и Ольги Пушкарёвой.

Всем желаем удачи на 358-м AI-Аукционе и 44-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.