20 лотов AI Аукциона — это 10 живописных работ, 6 листов оригинальной графики и 2 — печатной графики и 2 работы в смешанной технике. Кураторский аукцион целиком посвящен скульптуре

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 354 и 40-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 354-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В разделе русского искусства конца XIX века представляем единственную работу — «Портрет Жана Луи Лассаля» (1886) Константина Егоровича Маковского.

МАКОВСКИЙ Константин Егорович (1839–1915) Портрет Жана Луи Лассаля. 1886
Холст, масло. 61 × 50,2

Уроженец Москвы Константин Маковский принадлежал к одной из самых знаменитых художнических семей русского искусства. С 1851 учился в МУЖВЗ под руководством М. И. Скотти и С. К. Зарянко. В 1858 продолжил обучение в ИАХ в Петербурге в классе исторической живописи у А. Т. Маркова, Ф. А. Бруни и П. М. Шамшина. В 1861 отказался от написания конкурсной картины по заданной программе и получил разрешение избрать собственную тему для конкурса на малую золотую медаль. В 1862 за картину «Агенты Дмитрия Самозванца убивают сына Бориса Годунова» был награжден золотой медалью. В 1863 стал одним из участников «Бунта четырнадцати», отказавшись в числе других молодых художников участвовать в конкурсе на большую золотую медаль. Вышел из ИАХ со званием классного художника 2-й степени. Много путешествовал по всему миру, бывал во Франции, Италии, Голландии, Германии, на Ближнем Востоке и в Египте, в Болгарии, Сербии, Америке. С середины 1880-х жил преимущественно в Париже, где с 1893 имел мастерскую. Трагически погиб в Петрограде.

«Константин Маковский наиболее известен как виртуозный мастер салонного портрета, — пишет эксперт. — В таких работах ярко проявился талант живописца: легким быстрым мазком очерчены лица моделей, мастерски передана фактура костюмов и причесок, образы представлены ярко и поэтично. Среди моделей и заказчиков Маковского было множество представителей искусства: музыкантов, певцов, художников и т.д.».

Знаменитый французский баритон Жан Луи Лассаль (1847–1909), так мастерски написанный Маковским, был одним из самых тонких и разносторонних музыкантов своего времени и, как пишет музыкальная энциклопедия, «обладал необычайно гибким, густого тембра голосом. Высокое мастерство нюансировки, окраски звука давали Лассалю возможность насыщать драматизмом или юмором, углублять психологический подтекст музыкальной фразы».

«В книге сына художника С. К. Маковского “Портреты современников” (М., 2000, с. 46) в списке портретов К. Е. Маковского значится картина “Лассаль”, — отмечает эксперт. — В том же издании среди его воспоминаний (с. 50) встречается упоминание певца: “Помню бывавших у нас …из певцов… баритонов Лассаля и Девойода”. В книге Ф. И. Булгакова “Наши художники” (СПб, 1889, с. 26) указано, что к 25-летию художнической деятельности весной 1886 года художник выставил 60 произведений. В их списке под номером 10 значится “Портрет г. Лассаля”. С большой вероятностью можно предположить, что в изданиях упоминается исследуемая картина». Читайте о художнике на AI в сегодняшней статье нашей постоянной рубрики «Художник недели».

В следующем разделе мы объединили работы первой четверти ХХ века. Раздел получился большим и исключительно интересным.

Сразу двумя работами представлено творчество Петра Саввича Уткина, художника, как пишет эксперт, сейчас в значительной степени редкого «в силу того, что его картины распылены по музеям и частным собраниям».

УТКИН Пётр Саввич (1877–1934) Барки на реке. 1900-е
Холст (дублированный), масло. 49,3× 67,2

Петр Уткин родился в 1877 году на станции Тамбов близ Саратова. В детстве брал уроки рисования у художника-любителя А. П. Шеве в Саратове. В 1892–1895 посещал вечерние классы Рисовальной школы при Саратовском обществе любителей изящных искусств, которые вел В. В. Коновалов. В 1895–1897, уже будучи постоянным учеником школы, занимался под руководством Коновалова и Г. П. Сальвини-Баракки. С середины 1890-х часто посещал В. Э.  Борисова-Мусатова, пользовался его советами. В это же время состоялось его знакомство в П. В. Кузнецовым, впоследствии переросшее в дружбу и плодотворное сотрудничество. В 1897 переехал в Москву, продолжил обучение в МУЖВиЗ у А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина, Л. О. Пастернака, И. И. Левитана, в мастерской К. А. Коровина и В. А. Серова. За рисунок был награжден малой серебряной медалью. Входил в состав художественного кружка, возглавляемого П. В. Кузнецовым.

Жил в Москве и Саратове. В 1900 совместно с П. В. Кузнецовым предпринял путешествие на лодке по Волге от Симбирска до Саратова.

С 1898 участвовал в выставках, экспонировал свои работы на выставке Московского общества любителей художеств, в 1904 — на выставке «Алая роза» в Саратове. В 1902 вместе с П. В. Кузнецовым и К. С. Петровым-Водкиным был приглашен расписывать церковь Казанской Божьей матери в Саратове. В начале 1900-х сблизился в С. И. Мамонтовым, в 1903 работал в его гончарной мастерской «Абрамцево» в Бутырках (однако керамические изделия по эскизам Уткина не известны).

В 1907 был отчислен из МУЖВиЗ. В том же году стал одним из организаторов и активных участников выставки «Голубая роза» в Москве. Занимался книжной и журнальной иллюстрацией, сотрудничал с журналом «Золотое руно». В конце 1900-х — начале 1910-х совместно с П. В. Кузнецовым и скульптором А. Т. Матвеевым работал над созданием декоративно-паркового ансамбля усадьбы Я. Е. Жуковского Кучук-Кой в Крыму, выполнил росписи интерьеров и фасадов дома. После революции уехал в Саратов, занимался преподаванием, много экспонировался. В 1931 переехал в Ленинград, где по приглашению Академии художеств СССР стал профессором живописного отделения Института пролетарского изобразительного искусства (в 1932 переименован в Ленинградский Институт живописи, архитектуры и скульптуры).

Пейзаж «Барки на реке» (1900-е), как пишет эксперт, «по всей видимости, относится к раннему периоду творчества П. С. Уткина — времени обучения в МУЖВиЗ в конце 1890-х — 1900-х годах и создано под влиянием пейзажной живописи К. А. Коровина».

УТКИН Пётр Саввич (1877–1934) Рождение ночи. 1905
Бумага, пастель. 21,5 × 30,3

Пастель «Рождение ночи» (1905), как отмечает эксперт, «стилистически… вполне соответствует творческим особенностям Уткина зрелого периода и может быть отнесена к известному циклу его работ под названием “Мои ночи”, большая часть которых экспонировалась на знаменитой выставке в Москве “Голубая роза” в 1907 году».

Уткин — один из ведущих мастеров содружества символистов «Голубая роза». Его искусству присуща декоративность, загадочность образов, изысканность колористического решения. Художник предпочитал нежную аскетичную цветовую гамму с преобладанием синего и золотистого, добиваясь внутри этой палитры необычайного разнообразия оттенков. Свои картины, производящие впечатление фантастических пейзажей, Уткин писал крупными мазками, обобщая формы и достигая монументального размаха даже в работах небольшого размера.

ЛАРИОНОВ Михаил Федорович (1881–1964) Женский портрет. 1906–1907
Бумага, коричневые чернила. 7,4 (5,8 min) × 7,4 (2,5 min)

1906–1907 годами датирует эксперт «Женский портрет» Михаила Фёдоровича Ларионова. Рисунок выполнен на неровно обрезанном листе бумаги, не подписан, но сопровождается этикеткой с рукописной надписью Н. И. Харджиева. Как указывает эксперт, Харджиев «был близок с крупнейшими деятелями русского литературного, художественного и музыкального авангарда и посвятил изучению и коллекционированию русского футуризма всю свою жизнь. С Ларионовым и Гончаровой лично он знаком не был, так как оба художника эмигрировали из России до того, как Харджиев переселился в столицу (1925). Но он состоял с ними в активной переписке и получил значительное количество ранних работ Михаила Фёдоровича Ларионова из собрания его ученика Льва Жегина». Рисунки Ларионова небольшого формата, выполненные коричневыми чернилами, пером на тонкой желтоватой бумаге, часто неровно обрезанной, известны и в собрании второго крупного собирателя русского авангарда, Георгия Костаки. «Подчеркнутая характерность модели и интимный характер трактовки женского образа, — пишет эксперт, — позволяют предположить, что на рисунке изображена жена художника Наталья Сергеевна Гончарова».

КРЫМОВ Николай Петрович (1884–1958) Закат на опушке. 1916
Картон, масло. 24,4 × 12,4 (в свету)

Небольшой картон «Закат на опушке» (1916) принадлежит кисти Николая Петровича Крымова. Эксперт отмечает, что это «произведение создано под влиянием А. И. Куинджи. “Открытая в 1913 году посмертная выставка Куинджи принесла много нового и неожиданного даже тем, кто ранее был знаком с его работами. … Многократно посетивший выставку Крымов открыл для себя главное — созвучие собственным творческим поискам тех лет. Как следствие, в его работах середины 1910-х годов использован принцип пространственного построения пейзажа на основе чередования светлых и темных планов, заметны обобщенность контуров деревьев, внимание к аппликативности цветовых плоскостей и эффектам освещения” (Иван Порто. Цит. по: Экспертное заключение НИНЭ им. П. М. Третьякова ОЖ 12024, № 7627-26 от 13.08.2018)». На обороте картона расположена выставочная этикетка XIV выставки картин Союза русских художников, состоявшейся в 1916/1917 году. Эксперт отмечает, что на «данной выставке Н. П. Крымов экспонировал ряд этюдов с № 189 по № 193. Судя по этикетке, … пейзаж был среди них».

ГАУШ Александр Федорович (1873–1947) Крымская ночь. 1910-е
Картон, масло. Ø 12,5

Впервые на AI Аукционе представлена работа Александра Фёдоровича Гауша — теплая поэтичная композиция «Крымская ночь» (1910-е). Художник родился в 1873 году в Санкт-Петербурге. В 1893–1899 состоял вольнослушателем Высшего художественного училища живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ, где учился в мастерских А. И. Куинджи и А. А. Киселева. Параллельно занимался рисунком у П. П. Чистякова. В 1895 жил в Париже, где посещал Академию Р. Жюльена.

Жил в Петербурге (Петрограде). Писал пейзажи, натюрморты. С 1897 — участник выставок (Общества поощрения художеств). В 1903 выступил одним из основателей Нового общества художников (1904, 1905, 1907), член и экспонент Общества художников им. А. И. Куинджи. Экспонировал свои работы также на Весенних выставках в залах ИАХ (1900–1902), выставках Товарищества южнорусских художников (1904, 1905, 1907, 1909–1915), Союза русских художников (1906–1907), Общества Леонардо да Винчи (1906), «Союза молодежи» (1910), «Мира искусства» (1911–1913, 1915–1918, 1922), Товарищества независимых (1916). Участвовал также в выставках «Венок» (1908), «Венок-Стефанос» (1909), в Салоне В. А. Издебского (1909–1911). Провел персональную выставку в Художественном бюро Е. Н. Добычиной в Петербурге (1916).

Совершил поездку по России (1894). Неоднократно путешествовал по Германии, Франции, Италии, Австрии; посетил Испанию (1906) и Англию (1911–1912). В 1907–1920 состоял хранителем музея «Старый Петербург».

После Октябрьской революции преподавал в различных учебных заведениях Петрограда. Продолжал много экспонироваться, участвовал в выставках в России и показах русского искусства в Германии и США. С 1924 года жил в Севастополе, Одессе, Симферополе. Преподавал.

Наша небольшая работа выполнена в 1910-х годах — в период наивысшей творческой и выставочной активности художника.

АННЕНКОВ Юрий Павлович (1889–1974) Портрет Королёва. Шарж. 1910–20-е
Бумага на картоне, итальянский карандаш. 21,8 × 21,3 (лист с рисунком)

Шарж «Портрет Ковалёва» Юрия Павловича Анненкова эксперт Елена Михайловна Жукова датирует 1910–20-ми годами. Шаржи и карикатуры занимают значительное место в творчестве художника. Они были особенно многочисленны в начальный период его творчества, связанный с постоянной работой в журнале «Сатирикон» (1913–1914). «Скорее всего, — отмечает эксперт, — “Портрет Королёва” исполнен позже, в революционную эпоху, с обычным для этого времени “подкубливанием”.

К сожалению, кем был Королёв, установить не удалось. Надпись “Королев” сделана другим карандашом и, скорее всего, другой рукой; это запись “для памяти”. Шарж трудно назвать дружеским, т.к. примененный в рисунке гротеск имеет издевательский оттенок». В начале 1920-х Анненков имел «стойкую репутацию выдающегося портретиста», так что, учитывая очевидное портретное сходство, а также возможности Интернета и огромное количество постоянно пополняющих его оцифрованных документов и фотографий, новому владельцу рисунка, возможно, удастся установить, кого с таким мастерством и таким сарказмом изобразил художник.

МАЛЯВИН Филипп Андреевич (1869–1940) Голова крестьянки. Первая четверть ХХ века
Бумага, графитный и цветной карандаш. 24,3 × 25 (лист в сложенном виде), 42,5 × 31,6 (лист)

«Голова крестьянки» (1-я четверть ХХ века) Филиппа Андреевича Малявина продолжает собой большой ряд натурных зарисовок крестьян, мужчин и женщин, выполненных в узнаваемой авторской манере, и представляет автора прекрасным рисовальщиком. «Будучи сам выходцем из крестьянской семьи, — пишет эксперт, — Малявин сделал тему русской деревни одной из основных в своем искусстве. Многочисленные зарисовки, рисунки и живописные полотна с изображением крестьянок в ярких национальных одеждах выполнялись им в течение всего творческого пути». Малявин глубоко понимал быт и обычаи русского народа, его изображения крестьян отличаются яркой характерностью и живой динамикой композиции.

В отдельный раздел мы выделили две работы, имеющие отношение к 1920-м годам и к двум совершенно разным художественным направлениям, бурно развивавшимся в то время, — авангарду и ар-деко.

БОГОМАЗОВ Александр Константинович (1880–1930) Постановочный натюрморт. 1927–1928
Бумага (оборот макета расписания выпускных экзаменов учеников III класса Художественно-Ремесленной Учебной Мастерской Печатного дела в г. Киеве, выполненного в дореволюционной орфографии), акварель, графитный карандаш. 34,5 × 25,4

Акварель «Постановочный натюрморт» (1927–1928) создана Александром Константиновичем Богомазовым, живописцем, педагогом и теоретиком искусства, одним из первых мастеров и теоретиков авангарда. В теоретической работе «Живопись и элементы» он исследовал изобразительную природу простейших элементов — линии, формы, цвета, плоскости картины, а позже, развивая теоретические положения этого исследования, написал его продолжение — «Мысли об искусстве», где обратился к психологии восприятия цвета. «Искусство — бесконечный ритм, художник — его чувствительный резонатор», — говорил Александр Богомазов своим студентам в Киевском художественном институте (источники: Энциклопедия русского авангарда: изобразительное искусство, архитектура: [в 3 т.]/ авт.-сост.: В.И. Ракитин, А.Д. Сарабьянов. — М.: Глобал Эксперт энд Сервис Тим, 2013. Т. 1. С. 74–75; ru.wikipedia.org). В нашем позднем натюрморте, написанном уже зрелым художником и ученым и стилистически близком к хрестоматийным полотнам конца 1920-х (см. например, «Правка пил» (1927)), воплотились результаты многолетних теоретических исследований. Судя по владельческой надписи на рисунке, акварель была приобретена у вдовы художника Ванды Витольдовны Богомазовой Игорем Сергеевичем Дыченко, известным украинским искусствоведом и художником, исследователем украинского авангарда, собравшим уникальную художественную коллекцию.

ЭРТЕ (Тыртов Роман Петрович, 1892–1990) Радуга в цвету. 1983. По оригинальному рисунку 1929 года
Бумага, шелкография. 49,5 × 36,8 (лист в свету), 45 × 33,5 (изображение)

Романа Петровича Тыртова, чье имя стало символом красоты, изящества и чистоты стиля ар-деко, известен всему миру (и, увы, нашим соотечественникам тоже) под псевдонимом Эрте.

Роман Тыртов родился 23 ноября 1892 года в Санкт-Петербурге в семье генерал-лейтенанта флота Петра Ивановича Тыртова, начальника Морского инженерного училища. Росший в атмосфере русского аристократического общества, мальчик рано почувствовал очарование светского блеска, интуитивно тянулся к красивому, интересовался искусством. Известно, что он рисовал вечерние наряды уже в шестилетнем возрасте и, по воспоминаниям, на него сильнейшее впечатление произвела персидская миниатюра, обнаруженная в библиотеке отца: четкие декоративные линии и яркие цвета орнаментов и узоров потрясли юного художника.

Систематического художественного образования он не получил, но всегда интересовался искусством. Известно, что в 1906 году 14-летний Роман Тыртов брал уроки у И. Е. Репина.

В 1907 году он приехал в Париж, и нельзя сказать, чтобы год, который он там прожил, прошел для него впустую: Я не открыл для себя Бердсли, пока не прожил в Париже целый год.

Уже в 1910 году он вернулся в Париж, чтобы начать карьеру дизайнера. Обосноваться в Париже ему позволила должность корреспондента петербургского журнала «Дамские моды».

В 1915 году Эрте, к тому времени сотрудничавший со знаменитым модельером Полем Пуаре и сразу несколькими модными салонами в Европе и США — «Генри Бендл», «Альтман», «Лихтенштейн», — заключил контракт с журналом Harper`s Bazaar, ставший началом длительного и необычайно плодотворного сотрудничества: в последующие десятилетия Эрте выполнил для журнала в общей сложности 250 обложек. Рисунок для обложки к июньскому номеру 1929 года стал прообразом нашей сегодняшней шелкографии «Радуга в цвету», выполненной в 1983 году. Известно, что в своих тиражных работах, равно как и в скульптуре, которой он увлекся в поздний период творчества, Эрте воплощал мотивы, разработанные им ранее. Вот и наша сегодняшняя шелкография, подписанная автором и снабженная сертификатом издателя, увидела свет через 54 (!) года после создания оригинального рисунка для Harper`s Bazaar. Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Эрте».

Следующий раздел — один из самых любимых нашими участниками — творчество шестидесятников. Пожалуй, отличительной чертой сегодняшней подборки можно назвать то, что 4 из 5 работ созданы в 1960–70-е годы; а 5-я, поздняя, вещь хоть и выполнена в авторской манере, но весьма необычна.

КРАСНОПЕВЦЕВ Дмитрий Михайлович (1925–1995) Две раковины и камень. 1962
Картон, масло. 30,5 × 48

«Испробуй все доступные способы знакомства с предметом — осмотри со всех сторон, доступных обозрению, загляни внутрь и осмотри, хотя бы мысленно, форму предмета изнутри, как если бы она была полой, взвесь, если доступно или представь тяжесть, ощупай, определи теплоту и характер, фактуру поверхности, осмотри еще раз, меняя освещение, постучи, заставь звучать, нарисуй с главных сторон, смотря и не глядя, по памяти, подробно опиши словами и снова долго смотри со вниманием, сопоставь мысленно с другими, уже знакомыми объектами. Проделав это, знай, что состоялось лишь поверхностное знакомство с предметом» (Дмитрий Краснопевцев. Из записок разных лет. (Цит по: Дмитрий Краснопевцев. М.: Галерея «Дом Нащокина», 1995. б/п).

Натюрморт «Две раковины и камень» (1962) Дмитрия Михайловича Краснопевцева, как указывает эксперт, относится к переходным произведениям «от простых и более реалистичных натюрмортов к сложным метафизическим композициям. Уже в этом натюрморте видно стремление мастера к лаконичности, монументальности, “монохромности”, сдержанности, изысканности и гармоничности. Как и в хорошо известных более поздних натюрмортах Д. М. Краснопевцева, все изображенные предметы, написанные в изысканной по цвету гамме, с тончайшими цветовыми и тональными отношениями, находятся в сложном взаимодействии и хрупкой, гармоничной связи между собой, что является особенно важным для его подобных строгих, философских композиций».

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Без названия (Портрет девушки в платочке). 1967
Бумага, фломастер. 38,5 × 28 (в свету)

В характерной авторской манере своего времени выполнен рисунок фломастером «Без названия (Портрет девушки в платочке)» (1967) Анатолия Тимофеевича Зверева. Рисунок закончен, подписан и замечательно передает свежесть и очарование совсем юной девушки. «Кстати, несколько слов о его подписи. В 15–16 лет на рисунках и картинках он ставил свое “АЗ”, а начиная с 1954 года, подписывает всё, абсолютно всё. Интересно. Ведь такой незащищённый художник… и будто какая-то рука провидения заставляла его всё подписывать. Ведь молодые художники по-разному относились к своей подписи. Многие считали, что это неудобно, как-то нескромно, а он подписывал всё. Его “АЗ” всегда очень органично входило в композицию картины» (Владимир Немухин, design.wikireading.ru).

ПЛАВИНСКИЙ Дмитрий Петрович (1937–2012) Дерево и церковь. 1973
Бумага, офорт. 72 × 57,4 (изображение), 88 × 71 (лист)

Печатная графика шестидесятников — особый и до конца еще не исследованный огромный пласт их творчества. Она поражает красотой, фейерверком идей, мастерством и разнообразием. Каждый из тех, кто подходил к офортному станку, или литографскому камню, или резал формы на линолеуме, или делал акватипии, — работал в собственной, только ему одному присущей манере. Один из блестящих мастеров офорта среди шестидесятников — Дмитрий Петрович Плавинский, автор большой композиции «Дерево и церковь» (1973), гармоничной и очень многодельной, как вообще все офорты Плавинского. Работа из этого тиража была опубликована в книге Валерия Турчина «Одинокие в поисках смысла жизни» (М., 2009).

БЕЛЕНОК Пётр Иванович (1938–1991) Без названия. 1974
Бумага, тушь, коллаж. 55,3 × 52,6

Одна из самых узнаваемых работ в каталоге — «Без названия» (1974) Петра Ивановича Беленока. В этой работе нашли свое воплощение только еще некоторые черты знаменитого стиля художника, который он сам в шутку называл паническим реализмом, но именно этим она и интересна.Здесь уже есть деление на две зоны, есть фигурка маленького человечка, их «Петр Беленок по большей части вырезал из спортивных газет и журналов — именно там можно было обнаружить фотографии бегущих, прыгающих, падающих, кричащих спортсменов и болельщиков» (mmoma.ru), то есть людей в высшей степени напряжения физических и эмоциональных сил. Работа относится к серии композиций, в которых нижняя зона представляет собой то ли потеки застывшей лавы, то ли поверхность некоего космического тела — в общем, нечто совершенно безжизненное. Верхняя, черная, зона — «небо», но земное ли оно? Или это безвоздушное космическое пространство, в котором в невесомости скрючилась маленькая кричащая фигурка? В этой композиции пока еще нет сгустка энергии, некоего космического зла, которое вторгается в земной мир. Так что у «маленького человечка», кажется, пока еще есть возможность выбраться из неприятной ситуации, в которую он попал.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Пас. 2013
Холст, масло, коллаж, графитный карандаш. 60 × 60

Завершает раздел шестидесятников холст «Пас» (2013) Владимира Николаевича Немухина. Вещь строгая, мудрая и эмоциональная. Динамичная и предельно лаконичная даже для Немухина композиция, минимум деталей, но все — значимы, более чем сдержанно цветовое решение, в котором главную роль играет зеленое «сукно» карточного стола.

Небольшой раздел составили произведения, написанные в конце ХХ — начале ХХI века.

ЛЕОНОВ Павел Петрович (1920–2011) 1927 год. Молотьба пшеницы. Конная молотилка
Холст, масло. 77,4 × 87,9

Не датирована, но, судя по биографии одного из самых известных у нас и за рубежом отечественных наивных художников и представителей ар-брют Павла Петровича Леонова, написана в последней четверти ХХ века или в первые годы века XXI картина «1927 год. Молотьба пшеницы. Конная молотилка». «Движущей силой его творчества была внутренняя жизнь — сюжеты картин рождались в процессе осмысления и переживания увиденного, услышанного, прочитанного. Он создавал собственный мир, населяя его множеством машин, зверей, растений и персонажей, сопровождавших его ежедневный быт, среди которых были как члены его семьи, так и люди, виденные им по телевизору» (artinvestment.ru). Источником сюжетов его картин были не события, происходившие вокруг него, а переработанные в его сознании почти в мифические образы воспоминания о прошлом и размышления о будущем. Нашу картину, вероятно, вызвали к жизни какие-то документальные кадры, снятые в деревне первых советских лет, наложившиеся на детские воспоминания (в пользу «телевизионного» происхождения сюжета говорит точно проставленный на картине год). Это, возможно, воплощение одного из многих утопических мечтаний художника, воплощение идеального села, которому посвящены многие его картины. «Надо рисовать так, чтобы картина была как учебник — чтобы там были и буквы и рисунки, чтобы инженеру, проектировщику была польза: посмотрел и понял, как надо устроить деревню», — говорил художник. Творческое наследие Павла Леонова, как пишут, довольно велико, но большинство работ были выполнены по заказам многочисленных почитателей его творчества, которые и сегодня не спешат расставаться с его картинами. Читайте об авторе на AI: «Художник недели: Павел Леонов».

КОКУРИН Валерий Григорьевич (1930–2019) Этюд. 1994
Оргалит, масло. 40 × 55

В 1994 году написан «Этюд» Валерия Григорьевича Кокурина — одного из трех художников (Ким Бритов, Владимир Юкин и Валерий Кокурин), с именами которых связано возникновение и существование такого понятия, как «владимирская школа живописи». Яркий, написанный чистыми цветами, радостный городской пейзаж представляет собой очень характерную для художника работу. «Валерий Кокурин, наделенный от природы обостренным чувством цвета, даже среди смелых владимирских живописцев был одним из самых ярких и самобытных  колористов. Стихия Кокурина — это цвет, в живописном хороводе звонких красок проявляется яркий темперамент личности художника, его неистребимое жизнелюбие.

У художника есть своя, кокуринская трактовка живописных принципов владимирской школы. Особенность творческого почерка этого замечательного мастера — повышенная декоративность и утонченность найденных им колористических аккордов.

Его живопись хоть и основана на фольклоре, но она пронизана эстетикой импрессионизма, европейского искусства, наконец, она по-особому чувственна и эмоциональна. Живопись Кокурина делает владимирскую школу более одухотворенной, придает ей особую манерность, легкость и изыск.

В дышащих, пульсирующих радостью полотнах Кокурина есть все: смелый и неожиданный колорит, юмор, элемент игры, а главное — большие чувства большого художника» (Надежда Севастьянова, научный сотрудник Владимиро-Суздальского музея-заповедника, vshr.jimdo.com).

ДЖУНА (Давиташвили Евгения Ювашевна, 1949–2015) Без названия
Холст, масло. 80 × 100

Не датирована живописная композиция Джуны «Без названия». Возможно, именно с ее именем связано появление и почти молниеносное распространение в нашей стране термина «экстрасенс». Джуну знали везде, знали как целительницу и астролога, к ней обращались страждущие из самых высоких кабинетов и самых закрытых от посторонних глаз особняков, ее помощи искало огромное количество людей, она принимала множество пациентов. Жизнь этой женщины несколько десятилетий была окутана невероятным количеством вымыслов, большую часть которых, очевидно, выдумывала она сама, тем более, что близость к самым верхам предполагала секретность. Совершенно невероятно, но ей были предоставлены такие возможности, а на исследование «феномена Джуны» затрачивались такие средства, которые не снились ни одному ученому. Одни искренне верили в безграничность ее целительских возможностей, другие считали ее деятельность лженаучной, о ней снимали документальные фильмы и еще при жизни сняли художественный сериал (он вышел на экраны через три месяца после ее смерти). А еще Джуна занималась творчеством — пела, писала книги, рисовала картины, одна из которых вошла сегодня в наш каталог. «Прием у нее начинался в семь вечера и шел до двенадцати ночи. Потом она в мастерской рисовала картины, на каждой из которых оставляла свой знак — звезду. На ее рисунках преобладали синий, зеленый цвета, утонченные линии. Так она могла творить без перерыва и до 11 утра, а потом ложилась спать» (sobesednik.ru).

Завершает наш каталог раздел творчества современных художников.

ВОЛОГЖАНИН Николай Николаевич (1945) Вид на Карадаг. 1996
Холст, акрил. 71 × 90

В 1996 году написан холст «Вид на Карадаг» Николая Николаевича Вологжанина. Познакомиться с творчеством этого замечательного мастера можно в отдельной ветке «Вологжанин Николай Николаевич» на форуме AI, за нее огромное спасибо участнику с ником spigo, показавшему нам огромное количество фигуративных и абстрактных произведений художника.

«К Вологжанину тянет… Его неуёмное стремление к достижению, к разрешению поставленной задачи порой доходит до абсурда... Но что бы ни служило этой цели, будь то портрет или пейзаж, абстрактный образ или натюрморт, поиск формы <находится> в полной зависимости от идейной и духовной направленности автора. Рассматривая творчество мастера, нельзя не заметить, что это художник глубоко русский, преданный русской теме в живописи. В своё время мне представилась возможность видеть и наблюдать, как работает Вологжанин с натуры... Со свойственным <ему> темпераментом, острым видением природы и врождённым колористическим даром, Вологжанин создал целую серию тонких по настроению и насыщенности цветом пейзажей. Некоторые из них можно буквально назвать эпическими, ибо в них уже не фрагменты природы, натуры, а символическое видение всей России — с её неброской, неяркой природой. Но до того щемящей и бесприютной, что больно становится сердцу русского человека» (Сахаров А. И., искусствовед).

«Вологжанин — это безусловно явление в современной московской живописи, к сожалению, плохо и мало изученное сегодняшней критикой и специалистами в области искусства. Он стоит внимания» (А. Русанов).

Пейзажи Николая Вологжанина — это отдельная история. В них есть, если хотите, некий элемент потаённости, внутренней благородной сдержанности, который раскрывается человеку внимательному, вдумчивому и понимающему. Вместе с тем наш «Вид на Карадаг» (1996) выдает в авторе смелого, свободного, мощного живописца и интереснейшего колориста.

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Мозаика. Уединение. 2020
Холст, масло. 100 × 120

Холст «Мозаика. Уединение» (2020) Люси Вороновой написан в этом году, «в период весеннего карантина, в самый пик, когда не было возможности выйти на улицу. В ней присутствует интереснейший 3D-эффект калейдоскопичности мозаики как перспектива скорого и благополучного разрешения всех проблем» (Георгий Воронов).

«Мозаику складывают из маленьких красивых кусочков. Большое создают из малого. И всё так — крона дерева из листиков, гора из песчинок и камушков, океан из капель. Млечный путь из звезд. Это тихая работа, уединенная — создавать Вселенную. Каждый кусочек прекрасен и важен» (Люся Воронова).

Одновременно с нашим штатным 354-м AI Аукционом открыт 40-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство», целиком посвященный скульптуре. В каталоге: Pata, Андрей Бисти, Наталия Вяткина, Михаил Дронов, Кирилл Протопопов, Сергей Смуров, Елена Суровцева, Олег Цхурбаев.

Всем желаем удачи на 354-м AI-Аукционе и 40-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.