Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 343 и 29-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 343-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 29-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

ДЮРАН Андре (André Durand, 1807–1867) Новодевичий монастырь. У пруда. 1845
Бумага, литография с тоном. 29 × 38,5 (лист в свету), 24,3 × 35,8 (изображение)

Раздел русского искусства первой половины XIX — начала ХХ века открывает литография французского мастера Андре Дюрана «Новодевичий монастырь. У пруда» (1845), лист № 57 из альбома «Живописное и археологическое путешествие по России, предпринятое в 1839 г. под руководством Анатоля Демидова» [1849]. В 1839 году Андре Дюран, французский художник, рисовальщик, литограф и выдающийся мастер видового жанра, на средства известного мецената Анатолия Демидова предпринял поездку по русским городам, во время которой выполнил множество рисунков с натуры, зарисовывая все самое интересное из того, что встретилось ему в пути. Анатолий Демидов финансировал поездку, подготовку литографий, которая длилась почти десять лет, а также издание альбома литографий (источник: museum.ru). Источники расходятся в точном определении периода издания: от 1840 или 1842 до 1847, 1848, 1849 года. Опираясь на данные Госкаталога РФ, а также каталога приобретений Королевской библиотеки (Брюссель, Бельгия) за 1849 год (стр. 75), можно считать, что издание альбома, включившего в себя 100 литографий, завершилось в 1849 году.

БЕНУА Александр Николаевич (1870–1960) Мадам L. C. D. C. в церкви. Рисунок с гравюры XVII века. 1905–1906
Бумага, тушь, карандаш. 28,5 × 22 (в свету)

Творчество Александра Николаевича Бенуа мы, как правило, представляем в разделе авторов Русского Зарубежья, однако в этот раз мы расскажем о его работе именно там, где ему и надлежит быть, — среди русских художников. Рисунок «Мадам L. C. D. C. в церкви» (1905–1906) с гравюры Антуана Труво (Antoine Trouvain, 1656–1708) «Madame L. C. D. C. estant à l'Église» (1695) относится к серии рисунков с французских гравюр XVII–XVIII веков, сделанных художником во время работы в библиотеках Парижа и Версаля в 1905–1907 годах. «Собранные художником… материалы были использованы при создании исторических исследований и оформлении спектаклей», — отмечают эксперты. Бенуа писал, что произведения мастеров, изобразивших «в серии ремесленно-тонких гравюр интимную жизнь Версальского двора… бесценны для истории быта и одежды». По мнению экспертов, исполненные с гравюр рисунки А. Н. Бенуа, «безусловно, представляют авторское прочтение первоисточника. Художник как бы “оживляет” печатную технику, возвращая свежее ощущение оригинального рисунка. Характер преображения источника позволяет понять особенности формирования пластического языка графики А. Бенуа, его удивительного самобытного рисовального почерка, укорененного в искусстве прошлых эпох, хранящего “эхо прошедшего времени”».

ИВАНОВ Сергей Васильевич (1864-1910). Стул. Этюд. Конец XIX века
Холст на картоне, масло. 24,5 × 11

Концом XIX века датирует эксперт этюд «Стул» Сергея Васильевича Иванова — одного из основателей Союза русских художников, экспонента множества выставок, иллюстратора Пушкина, Лермонтова, Гоголя, участника знаменитого издания И. Н. Кнебеля и С. А. Князькова «Картины русской истории». Иванов известен как автор жанровых и исторических картин. В 1880–90-х годах он много путешествовал по России, объехал полстраны, от Вятки до Оренбурга. В 1888 посетил Эривань, Тифлис, Батум, делал для Русского фотографического общества снимки Кавказа. В 1896 был в Феодосии и Дагестане, в 1899 — в калмыцких и киргизских степях. Неоднократно путешествовал по Волге. В 1894 предпринял поездку по Европе: посетил Вену, Венецию, Милан, Геную, Марсель, в 1901 — Швецию и Финляндию. Для индивидуальной манеры этого времени характерны сдержанность (и даже порой аскетичность) цветового решения, стремление к лаконичности, ясности композиции, тщательной проработке деталей. Судя по деталям композиции, наш этюд, возможно, был создан именно в этот период где-то в Европе. В 1900-х художник обратился к историческим сюжетам, изменилась и его творческая манера: палитра значительно обогатилась, в колорите возобладали яркие, звучные цвета, мазок стал более широким и свободным. Интересны дарственные надписи на обороте картона. Первая, датированная 1 июня 1948 года, адресована известному московскому поэту-песеннику и либреттисту, «глубокому знатоку и ценителю живописи» Юрию Борисовичу Данцигеру (музыкальные спектакли по его либретто в 1920–40-е годы с успехом шли в разных театрах страны, писал он и для цирка). Вторая (чернила на ней выцвели и почти не видны) датирована 14 июля того же 1948 года и адресована Николаю Георгиевичу (фамилия не прочитывается) «на память о старом собирателе Юрии…». Новому владельцу работы, объединяющей замечательного художника, известного представителя московского театрально-эстрадно-циркового сообщества 1920–40-х годов и пока неизвестного, но, очевидно, входящего в ближний круг Ю. Б. Данцигера, т.е. явно незаурядного человека (иначе вряд ли знаток и ценитель живописи решился бы подарить работу всего лишь через полтора месяца после того, как сам получил ее в подарок; быть может, повод или адресат были для него слишком важны) предстоит разгадать эту интереснейшую загадку, а возможно, и обнаружить запечатленные в этюде предметы на одной из поздних исторических картин художника.

КОНДРАТЕНКО Гавриил Павлович (1854–1924) Вид Саввинского монастыря. Конец XIX — начало ХХ века
Фанера, масло. 34,5 × 46,5 (в свету)

Уникальное место силы в русской истории и культуре предстает на картине «Вид Саввинского монастыря» (конец XIX — начало ХХ века) Гавриила Павловича Кондратенко. Звенигород, Саввинская Слобода, Саввино-Сторожевский монастырь и его окрестности были излюбленным местом работы многих художников: сюда приезжали Константин Коровин и Исаак Левитан, Василий Переплетчиков и Лев Каменев, Константин Крыжицкий и Николай Крымов и еще многие русские пейзажисты. Окрестности монастыря многократно воспроизводились на открытых письмах. Одно из самых поэтичных подмосковных мест Гавриил Кондратенко писал не единожды. Эксперт отмечает, что «в каталоге провинциальной выставки СПб общества художников 1904–1905 г. под № 318 указана картина Кондратенко “Вид на Саввинский монастырь от пруда», воспроизведенная на старой открытке. Еще одна работа Кондратенко воспроизведена на старой открытке: “Дорога из Звенигорода в Саввинский монастырь” 1911 года».

СИНЕЗУБОВ Николай Васильевич (1891–1956) На прогулке. 1920-е
Холст, масло. 70,5 × 44,5

Холст «На прогулке» (1920-е) Николая Васильевича Синезубова «относится к “русскому” (в 1929 году художник уехал в Берлин и с 1932 жил и работал в Париже) периоду творчества Н. Синезубова, — пишет эксперт. — Мастер нередко обращался к созданию пейзажей и портретов с элементами жанра. Мотив одинокой женской фигуры, медленно бредущей по аллее или стоящей на городской улице, сидящей в комнате или склоненной над столом, часто встречается в работах Н. Синезубова, придавая им ощущение созерцательной меланхолии и вневременности. Работы художника 1920–30-х годов отличаются декоративной условностью и в то же время выразительностью, нарочитым примитивизмом, характерным уточняющим контурным рисунком… использованием колористической гаммы, построенной на сочетании жемчужно-белых, синевато-зеленых, коричнево-желтых и красно-розовых тонов».

Следующий раздел каталога — произведения художников Русского Зарубежья.

ВАСИЛЬЕВА Мария Васильевна (1884–1957) Красная фигура. 1930-е
Черная бумага на картоне, коллаж из красной бумажной фольги, графитный карандаш, процарапывание. 41 × 23

1930-ми годами датирует эксперт Елена Михайловна Жукова работу в смешанной технике «Красная фигура» Марии Васильевны Васильевой. «В ряду ее известных произведений, — отмечает эксперт, — значительное место занимают коллажи, которыми она увлекалась в тридцатые годы. “Красная фигура” (название условное) органично вписывается в круг этих работ <…> Индивидуальные особенности фигуры молодого человека, отраженные в коллаже, свидетельствуют о реальном прототипе этого изображения, а женская головка (скульптура?), которой он любуется, говорит о его причастности к искусству. Это ироничный и остроумный дружеский шарж, обыгранный в стиле античной краснофигурной вазописи. Составной частью произведения является авторская зеркальная рама, украшающая коллаж, придающая ему законченность и усиливающая артистическую трактовку образа юноши».

ИСУПОВ Алексей Владимирович (1889–1957) У конюшни. Конец 1940-х — 1950-е
Холст, масло. 49 × 70

Городской пейзаж с фигурами людей и лошадей «У конюшни» (конец 1940-х — 1950-е) представляет творчество Алексея Владимировича Исупова. В 1908–1913 Исупов учился в МУЖВиЗ у А. Е. Архипова, А. М. Васнецова, а также в мастерской К. А. Коровина и В. А. Серова. Еще будучи учеником, начал участвовать в выставках Союза русских художников, экспонент и член ТПХВ. В 1914 был призван в армию, отправлен в запасной полк в Туркестан. В 1917 освобожден от военной службы по ходатайству Союза русских художников. Жил и работал в Ташкенте и Самарканде, с 1921 — в Москве. В начале 1920-х уехал на лечение в Италию, в Россию уже не вернулся.

В творчестве сумел соединить российские художественные традиции и прекрасное знание технических приемов европейских школ живописи. Однако в России его имя до недавнего времени было известно только специалистам. Во многом это объясняется тем, что большая и наиболее плодотворная часть жизни художника прошла в Италии, где он приобрел известность блестящего рисовальщика и живописца, работая при этом в самых различных жанрах: портрете, пейзаже, натюрморте, бытовом и анималистическом жанрах.

«Сдержанная колористическая гамма коричневато-охристых тонов с добавлением зеленого, черного и акцентом красного представляет характерную экспрессионистическую цветовую гамму, свойственную мастерам эпохи романтизма. Данная стилистика отличает живописные работы А. Исупова, написанные в Италии в период эмиграции, в 1940–50-е годы, — пишет эксперт.

Характер и трактовка мотива с изображением лошадей, старых построек, фигур людей и романтически взволнованным пейзажем находят близкие аналогии со многими работами Исупова 1930–50-х годов».

Следующий раздел каталога представляет творчество мастеров, работавших в советское время.

НИВИНСКИЙ Игнатий Игнатьевич (1881–1933) Пьета. 1920
Бумага, офорт, сухая игла. 62,5 × 46,8 (лист), 40,5 × 30,8 (оттиск)

Большой офорт «Пьета» (1920) Игнатия Игнатьевича Нивинского — произведение выдающегося русского рисовальщика и графика. Художник обратился к офорту в 1911 году, и с этого времени офорт, наряду с театром и, позднее, книжной иллюстрацией, стал одной из главных областей его творчества. В 1920-м, через 3 года после революции, в тяжелейшее для страны время художник обращается к одному из самых трагических сюжетов христианской истории и помещает в центр композиции православный храм, предвидя будущие события. Офорт Нивинского поражает своей монументальностью и одновременно камерностью, высочайшей техникой исполнения. Это замечательная работа большого мастера.

ЧЕРНИХОВ Яков Георгиевич (1889–1951) Пастух. Из цикла «Методы изображений». 1914–1928
Бумага, тушь. 14,2 × 13

К циклу «Методы изображений» относится редкий тушевый рисунок «Пастух» (1914–1928) Якова Георгиевича Чернихова. Работа, что очень важно, сопровождается копией Сертификата Межрегионального общественного фонда «Архитектурный благотворительный фонд имени Якова Чернихова» — бумагой, подтверждающей не только подлинность произведения замечательного художника и архитектора, но и то, что работу не затронули драматические события, постигшие большую часть уникального творческого наследия Якова Чернихова.

НИССКИЙ Георгий Григорьевич (1903–1987) Дебаркадеры. 1951
Фотобумага, графитный карандаш, гуашь. 14,5 × 19

Георгию Григорьевичу Нисскому, сегодняшнему герою нашей постоянной рубрики «Художник недели», принадлежит гуашь «Дебаркадеры» (1951), выполненная на обороте фотооткрытки. Композиция работы сложная и интересная, многоплановая. Пейзаж написан свободно и, несмотря на маленький размер, производит впечатление большой картины, наполненной светом и чистым речным воздухом.

СТЕРЛИГОВ Владимир Васильевич (1904–1973) Залив. 1963
Бумага, масло. 18 × 22

В 1963 году написано масло «Залив» Владимира Васильевича Стерлигова. Участник «группы живописно-пластического реализма» Веры Ермолаевой, пройдя лагеря, фронт и в полной мере ощутив на себе удушающее давление тотального соцреализма, Стерлигов остался художником культуры 1920-х годов.

Пластический мир Стерлигова, «парадоксальный в своих неожиданных сопоставлениях и связях», мир, в котором «царствовал алогизм», напрямую связан с манифестом алогизма Малевича в его «Корове и скрипке» (1913) и со строками наиболее близкого Стерлигову по духу обэриута А. И. Введенского «…На обоях человек, а на блюдечке четверг…», или «…В кипятке была зима, в ручейке была тюрьма…», или «…Нам непонятное приятно, / необъяснимое нам друг, / мы видим лес, шагающий обратно, / стоит вчера сегодняшнего дня вокруг…»

Обэриуты отчетливо сознавали, что «разум не понимает мира», в котором живет его обладатель: по-видимому, мир устроен иначе, чем мы предполагаем, опираясь на наши взгляды об окружающем пространстве. Существует не только «мир», но и «антимир», «при этом антимир — живой участник художественного произведения». Человек непрерывно встречается с антимиром…

Принимая основные положения обэриутов, но будучи при этом учеником Малевича и последователем основателя органического направления Матюшина, Стерлигов создал оригинальную пластическую систему, развивающую идеи классического русского авангарда. Он считал, что если у Малевича супрематическая прямая преобразовывала структуры кубизма в беспредметные геометрические построения, то им самим раскрыта другая составляющая кубизма — кривая. «…Эта формообразующая кривая, которая в сферическом пространстве образует Купол и Чашу — своеобразную форму “упаковки” мира… Вселенная воспринимается как единый организм, основой которого является чашно-купольная криволинейная структура...» (А. Повелихина). Стерлигов утверждал, что все формы в природе стремятся по кривой к чаше и куполу и что «мы живем в куполе».

Во второй половине жизни художника вокруг него собрались увлеченные его идеями ученики, и возникла «Школа Стерлигова».

Следующий раздел каталога — творчество шестидесятников.

ГРИГОРЬЕВ Александр Ефимович (1949). Композиция 4. 1968
Бумага, темпера. 53,4 × 74,5

Темпера «Композиция 4» Александра Ефимовича Григорьева написана в 1968 году. Художнику 19 лет, и год назад начался недолгий, но интереснейший период в его жизни — участие в группе русских кинетистов «Движение», возглавляемой Львом Нусбергом.

«Мы дружили, все делили поровну, разбирали работы друг друга. Была интересная жизнь, хотя мы находились в полном одиночестве. Ничем подобным никто вокруг не занимался… До нас уже дошли отрывочные сведения о западном кинетизме — и мы приняли русский эквивалент этого термина: “Движение”» (из интервью Франциско Инфантэ, члена группы «Движение»). «Кинетисты жаждали преодолеть искусство реальных эстетических объектов и статических конструкций. Конструктивисты 20-х годов понимали движение не только как механическое движение, а также как форму восприятия времени и пространства, движение как универсальное положение. Отсюда возник тезис Нусберга, подтвержденный всей группой: “Я хочу работать с электромагнитными полями, со светящимися и пульсирующими концентрациями в пространстве, с различными движениями потоков газов и жидкостей, с зеркалами и оптическими эффектами, с изменениями тепла и запахов … и, конечно, с музыкой”. В тексте программы 1965 года под названием “Что такое кинетизм?” Нусберг определяет кинетический синтез: “…мы требуем использования всех возможностей и средств, как технических, так и эстетических, физических и химических явлений, всех видов искусства, всех процессов и форм восприятия, а также вовлечение психических реакций и влияние различных сенсорных возможностей человека, в качестве средства художественного выражения”» (quartagallery.ru). Григорьев примкнул к группе в 1967 году (вышел из группы в 1972-м) и успел принять участие в нескольких ее проектах. К тому же периоду относятся его первые работы в стиле абстрактно-геометрической минималистической живописи и пространственные кинетические объекты (alegrig.ru), в том числе и наша темпера «Композиция 4». Творчество участников группы в нашей стране не очень хорошо известно, тем ценнее работа участника группы «правильного» периода.

ИНФАНТЭ-АРАНА Франциско (1943) Артефакты. Из серии «Очаги искривлённого пространства». 1979
Бумага, фотография. 52 × 50

Фотография «Артефакты» (1979) из серии «Очаги искривленного пространства» шестидесятника Франциско Инфантэ-Араны отражает своеобразный диалог между природой и культурой (тем, что человек привносит в эту природу), который художник ведет на протяжении большей части своей творческой деятельности: «Для меня принципиально важно не нарушать никаких природных сцеплений. Природа должна остаться в том же первозданном виде. Я привношу свои элементы только на момент съемки, а затем их убираю. Материальность моих объектов весьма эфемерна… в своих работах я не приумножаю природные объекты, я их изменяю… Привнесенный мною объект изменяет природу вокруг себя, отражая ее, он ее преобразует. Это метафора» (источник: aroundart.ru).

«В 1976 году я как художник оформил книгу Клиффорда Саймака (книга «Заповедник гоблинов» вышла в 1972-м. — AI.). В ней речь шла об Артефакте, загадочном и желанном всеми. Особенно завораживали метаморфозы, происходящие в жизни с появлением этого Артефакта. Тема Артефакта очень увлекла меня, и я решил привносить его в природу и таким образом создавать некое организующее начало, каркас или сферу, внутри которой можно распоряжаться атрибутами самой природы: солнечным светом, воздухом, снегом, землей, небесами и т. д.

Словом “артефакт” обозначается вещь второй природы, то есть вещь, сделанная человеком и, стало быть, автономная по отношению к природе. Символически важен момент вычленения артефакта как искусственного объекта, дополнительного к природе. Уместно вспомнить понятие “рама” — конструкции, что одновременно и ограничивает бесконечность мира, и фокусирует внимание на этой бесконечности. То, что с древности известно об артефакте, свидетельствует о бесконечности мира, о связи всего сущего с Тайной, реально этот мир наполняющей. Сознание художника, вдохновившего ситуацию взаимодействия артефакта и природы, создает силовые линии поля игры. Поэтому мои работы, в которых человек отсутствует, всегда о человеке и о его душевном мире, артикулированном сознании» (nsad.ru).

ВЕЧТОМОВ Николай Евгеньевич (1923–2007) Спускающиеся сферы. 1999
Оргалит, масло. 43 × 32

Масло «Спускающиеся сферы» (1999) Николая Евгеньевича Вечтомова — характерное произведение художника, созданное в «уникальной как по письму, так и по сюжету сюрреалистической манере», — пишет эксперт. Говоря в целом о творчестве Николая Вечтомова, арт-критик Сергей Кусков отмечал: «Здесь конкретика природных и вообще земных реалий и впечатлений во многом абстрагируется, очищаясь от излишних деталей, от всякой будничности и локально конкретно узнаваемых примет знакомого повседневного окружения, обретая тем самым загадочную странность, парадоксальность, возвышенную отрешенность и специфический космизм звучания» (art-critic-kuskov.com).

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Суперслон. 2008
Бумага, акрил. 78 × 68,5

Композиция «Суперслон» (2008) Владимира Николаевича Немухина — это характерная работа художника 1990-х — 2000-х годов, созданная, как отмечает эксперт, «под влиянием художественного наследия мастеров русского авангарда и, по всей вероятности и прежде всего, К. Малевича и Л. Лисицкого. Именно отсюда использование в этой композиции ярких, насыщенных цветов и конструктивная строгость геометрических построений. Надо отметить, что композиционная формула, найденная в работе "“Суперслон”, оказалась настолько удачной, что стала одной из популярных и востребованных. Не случайно, что В. Н. Немухин исполнил несколько различных повторений “Суперслона” в разные годы».

ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич (1937–2012) Композиция. 2010
Холст, масло. 70 × 70

«Композиция» (2010) Эдуарда Аркадьевича Штейнберга бесспорно заслуживает внимания наших участников. На вопрос о поиске своего пути в искусстве художник отвечал, что к пониманию геометрической абстракции «пришел через русский авангард, прежде всего через супрематизм Казимира Малевича. Но я практически ничего нового не открыл, я только дал русскому авангарду другой ракурс. Какой? Скорее, религиозный. Свои пространственные геометрические структуры я основываю на старой катакомбной стенописи и, конечно, на иконописи. Моя маленькая заслуга состоит в том, что я чуть-чуть повернул русский авангард. Но, с другой стороны, я развиваю в своих работах традиции русского символизма… <…> Внутренняя концепция моих произведений, таким образом, строится на синтезе мистических идей русского символизма десятых годов и пластических решений супрематизма Казимира Малевича» (источник: books.google.de).

Традиционно финальный раздел каталога — произведения современных авторов.

ХАМДАМОВ Рустам Усманович (1944) Груши и бутылка. 1978
Бумага, коричневый карандаш. 42 × 29,5

В 1978 году выполнен рисунок «Груши и бутылка» Рустама Усмановича Хамдамова, недавнего героя нашей традиционной рубрики «Художник недели». «...Редкостно одаренный, с шлейфом загадочности, манящей незавершенности, Хамдамов существует в сознании современников скорее как образ, миф, сотканный из отблесков виденного, чем реальная фигура...» (Зоя Богуславская, fergananews.com). Таков и наш рисунок — легкий отблеск виденного. С любимой «моделью» автора — грушами. Кстати, никто не спрашивал его, почему он так часто рисует и пишет груши...

«Когда я возвращался из Москвы в далекие времена моих первых приездов в Россию, у меня с собой всегда были драгоценные рисунки Рустама Хамдамова. Я вез и показывал их Висконти, Феллиини, Антониони, и они восхищались вместе со мной. Сейчас в моем саду висит его икона и огромная кружка с грушами — удивительная картина! Ему дан талант милостью Божьей — дар художника, режиссера, дизайнера. А главное — он человек глубокой тайны» (Из интервью Тонино Гуэрра газете «Русская мысль», Париж, 23 октября 2003, bersoantik.com). «Рустам Хамдамов — одна из самых таинственных личностей в современном искусстве России. <…> … талант художника перевешивает все его недостатки, и даже те, кто его ругает, имеют в "закромах" пару-тройку его рисунков. Хамдамов превосходный стилист и чрезвычайно талантливый рисовальщик. Кажется, что он рисовал всегда. Однако систематического художественного образования Хамдамов не получил, был и остается самоучкой (что тренированный взгляд быстро обнаруживает в его работах), но уровень таланта настолько высок, что легко справляется с недостатками» (Вступительное слово издателя к альбомам Рустама Хамдамова, bersoantik.com).

СМОТРОВ Борис Петрович (1946) Май. 1996
Холст, масло. 90 × 120

Кистью Бориса Петровича Смотрова создан холст «Май» (1996), в котором в полной мере воплотилась авторская художественная манера. «Борис Смотров любит упрощенную, как в традиционной культуре, форму, пластикой которой он легко владеет, локальные цвета и их сочетания, завораживающие своей открытостью.

Удивительно, что в изобразительных высказываниях этого мастера начала XXI века сохраняется чистота и непосредственность, незамутненная холодными постмодернистскими изысками и искусами, ироничным цитированием, свойственным большинству его современников.

И все же его живопись и есть порождение постмодернизма, поскольку в ней переплавились и слились воедино многие явления искусства разных времен, которые художник умело апроприировал, сделав их частью своего пластического метода» (cultobzor.ru). За последний год прошли две крупные персональные выставки художника — в петербургском музее Эрарта и в музейно выставочном комплексе «Новый Иерусалим», в подмосковной Истре, а AI открыл рассказом о нем рубрику «Новые имена».

КРЕМНЁВ Сергей Владимирович (1953) Сказка у опушки. 2020
Картон, масло. 43,5 × 64,2

В 2020 году написан чудесный веселый и разноцветный холст «Сказка у опушки» художника из города Владимира Сергея Владимировича Кремнёва. Как правило, в его работах мы видим не столько традиции владимирской пейзажной школы, сколько нескрываемую любовь автора к этому яркому и самобытному направлению. Живопись Сергея Кремнева отличает своеобразный узнаваемый авторский колорит, более строгая и лаконичная композиция, большее внимание к графике. Уверенная, самостоятельная манера Сергея Кремнева замечательно проявляется в нашей картине, но, работая над сказочным сюжетом, автор добавляет к своей палитре больше тепла и света, расцвечивая холст радостными владимирскими красками.

АРХИПЕНКО Даниил Александрович (1985) Наблюдатель. 2020
Холст, масло. Ø 49,5

Классическое живописное тондо Даниила Александровича Архипенко из серии «Наблюдатель» (2020) завершает рассказ о текущем аукционе.

«Художник — это “пленник” красоты, — говорит автор. — Восхитившись, он хочет удержать это состояние, продлить его, поделиться им с кем-то еще» (uralvisiongallery.com). В работе Архипенко разворачивается панорама стихийных сил природы, масштаб которой определяют миниатюрные стаффажные фигурки людей. Здесь нет мистики, нет страха, только земля, небо и те, кто восхищенно наблюдает красоту мира. Искусство существует, «чтобы не растерять память о гармонии мира и передавать эти знания следующим поколениям. Чтобы отвлечь человека от сугубо конкретных реалий жизни, вынуть его из скорлупки, показать, как прекрасен и разнообразен мир. Чтобы реальность воспринималась цельнее, и оставалось меньше шансов запутаться в хаосе жизни» (uralvisiongallery.com).

Одновременно с нашим штатным 343-м AI Аукционом открыт 29-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Галины Быстрицкой. Дианы Воуба, Даши Делоне, Ильи Комова, Андрея Коровина, Анны Лавровой, Сергея Максютина, Андрея Мунца, Игоря Неживого, Александра Русова.

Всем желаем удачи на 343-м AI-Аукционе и 29-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.