В сводном каталоге — тридцать лотов: двадцать живописных работ, четыре листа оригинальной и один — печатной графики, две работы в смешанной технике, одна скульптура, одна фарфоровая тарелка и один объект

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 327 и XIII кураторского аукциона «XXI век».

В разделе русского искусства начала ХХ века мы представляем вниманию участников аукциона небольшую живописную работу «Морской пейзаж с лодками» Николая Александровича Тархова, выполненную в Париже в 1904 году — в самый период расцвета таланта художника и пика его популярности как у знатоков, так и у публики. В Париже, где Тархов поселился в 1899-м, он от ранних символистских вещей пришел к импрессионизму. Однако импрессионизм художника не был простым подражанием французским мастерам, но его собственной, присущей только ему манерой. «Тархова узнаешь в парижских салонах среди тысяч картин сразу», — писал Александр Бенуа. По меткому выражению историка искусства В. И Ракитина, «Тархов стоит на грани импрессионизма, постимпрессионизма и фовизма, сохраняя в переменчивой игре “измов” свою лирическую интонацию и индивидуальность». В нашей работе «любимый Тарховым косой, как бы танцующий мазок, музыкальные вплетения одного цвета-звука в другой, тонкое внимание к цветовым нюансам определяют почерк самобытного мастера, которому свойственна особая острота глаза, способного подметить изменение цвета солнечного диска за небольшой отрезок времени» (Бялик В. М. Николай Тархов 1871–1930. М. : Изд-во «Искусство — XXI век», 2006. (Художники русской эмиграции). С. 120).

Следующий раздел каталога — творчество художников Русского Зарубежья. Строго говоря, к таковым следовало бы отнести и Н. А. Тархова, однако его отъезд из России не был вынужденным, как у большинства тех, кто оставил страну после революции 1917 года. Поселившись за границей в 1899 году, Тархов сохранял тесные контакты с родиной, был членом и экспонентом ряда известных творческих объединений, в том числе «Мира искусства».

Постановочный «Натюрморт с апельсинами» (1920-е) Бориса Израилевича Анисфельда характеризует зрелый период творчества мастера и, по всей видимости, создан в США, где он жил и работал после эмиграции из России. Отмечая, что жанру постановочного натюрморта Анисфельд «не изменял на протяжении всего долгого творческого пути», эксперт указывает, что работы художника «всегда отличаются декоративностью и экспрессией, сочиненностью композиции и фантастическими мотивами, имеющими тем не менее реальную основу, динамичным размашистым мазком, сочной фактурой и, конечно, мастерским использованием эффектных, поражающих интенсивностью и насыщенностью колористических сочетаний». Эксперт цитирует Всеволода Воинова, который в 1912 году писал в статье об Анисфельде: «Он претворяет <…> натуру, пропуская, если можно так выразиться, сквозь горнило красочности. Он дает тонкие, изумительные по смелости и силе сопоставления цветов, которые сразу же проводят резкую грань между натурой, какова она есть сама по себе и какою она рисуется его творческому взору».

1950–60-ми годами, «американским периодом» творчества Давида Давидовича Бурлюка датирует эксперт холст «Букет хризантем на фоне моря». «С 1922 года художник жил в США (с 1941 постоянно в Хэмптон-Бейзе, Лонг Айленд), где часто создавал натюрморты, отличающиеся нарочито-примитивной манерой исполнения, неожиданными сочетаниями изображаемых предметов, декоративностью, фактурностью живописной поверхности, сложной и яркой цветовой гаммой с характерным коричнево-голубым с сиреневым колоритом, красно-бордовыми акцентами, сочетаниями лимонно-желтых и бирюзово-зеленых тонов». Наш натюрморт представляет собой очередное воплощение одного из любимых авторских мотивов — яркой цветочной композиции на фоне моря.

Раздел советского искусства первой трети ХХ века открывает «Композиция» из серии «Аристография» (1918–1924) Якова Георгиевича Чернихова. Серию составили красочные этюды графического искусства, отражающие диалог художника с «левыми» художественными течениями, преимущественно супрематизмом. В «Аристографии» художник использует формы основных геометрических элементов и разрабатывает целую систему колористических задач — монохромные композиции, работа с объемами с помощью наложений полупрозрачных слоев, «утяжеление» элемента темными цветами, создание сложнейших аксонометрических изображений тоновой растяжкой и т. д. Сам Чернихов называл эту серию «композиционным построением красок». Взяв за основу главные принципы знаменитых авангардистов, Чернихов переосмысливает их и дает новую интерпретацию, подчас удивлявшую своей гениальностью даже создателей этих направлений. Важно: лист на AI Аукционе получил устное подтверждение от «Архитектурного благотворительного фонда имени Якова Чернихова», что означает подтверждение подлинности работы, а также то, что она не находилась на хранении в РГАЛИ и не была объявлена в розыск. О художнике читайте на AI: «Художник недели: Яков Чернихов».

Второй лист раздела — эскиз иллюстрации «Тракторный цех на заводе “Красный путиловец”» (Конец 1920-х — 1930-е) Мечислава Васильевича Доброковского. В начале 1930-х годов, то есть примерно в то время, когда был создан наш рисунок, Доброковский записал в блокноте: «Я уже 13 лет стучусь к критикам искусства, чтобы дали место — место “под луной искусства” — эстетике заводского чертежа, потому что вещи (индустриальные), которые теперь признаны, наконец, достойными искусства, ведь прежде чем быть сделанными, родились в чертеже, в его координатах — рейсшиной и рейсфедером, ведь они сделаны! Поэтому чертёжная графика их передаёт лучше, чем сухая кисть или размывка.

Душа индустриальных вещей в чертеже!

Моё искусство — это “прямо к сведению”, без художеств, если хотите. Прямо с бумаги в мозг, без пересадки на станции “импрессион”».

Это было время, когда сельскому хозяйству, во многом разрушенному тремя войнами, трактора были жизненно необходимы. «Из-за отсутствия опыта и недостатка времени о разработке собственного образца не могло быть и речи. Самым простым по конструкции, дешевым и неметаллоемким в мире в то время считался легкий трактор «Фордзон», выпускавшийся в США с 1917 года. Его и решили поставить на производство. Для этого шесть новых 20-сильных тракторов разобрали до последнего винтика. Испытав детали и проведя металлографический анализ, подобрали материалы и установили технологию изготовления» (gvtm.ru). Серийное производство было начато в 1924 году на крупнейшем питерском машиностроительном заводе «Красный Путиловец». И конечно, такое событие, как инженерная подготовка и выпуск первого советского трактора, не могло не привлечь внимания художника Доброковского. Наш рисунок выполнен на заводе «Красный Путиловец», скорее всего, по заданию одной из редакций, в которых работал Доброковский.

Он прожил чуть более сорока лет, его жизнь, в которой было море, военный подвиг, работа в гуще советского индустриального строительства, оборвалась в 1938 году на Бутовском полигоне. И наверное, не будет большим преувеличением, рассказывая о художнике-моряке, процитировать писателя-моряка Виктора Конецкого: «Когда пытаешься войти в душевное состояние Пушкина, Лермонтова или Чехова накануне их смерти, то кажется, что главная боль терзала их оттого, что они понимали, сколько не успели, сколько не свершили. Они не могли не знать своей великой цены и не чувствовать в себе великих душевных сил, не использованных еще и на десятую долю. И как им от этого сознания невыносимо тягостно было умирать, и как они и звуком не дали этого понять, и какая высшая российская скромность в их молчании о главной тяготе» (baltkon.ru). Конецкий писал о гениях, но, наверное, так или почти так думает каждый талантливый человек, нашедший в жизни свое единственно правильное место и вырываемый из ее кипения болезнью, старостью или чужой волей. О художнике читайте на AI: «Художник недели: Мечислав Доброковский».

В следующем разделе представлено творчество отечественных художников второй половины ХХ века.

«Своеобразной поэтической сюитой, исполненной в легкой, свободной и изящной манере рисования карандашом», называет эксперт цикл натурных рисунков и темпер Валентина Ивановича Полякова, над которым он работал в конце 1950-х — 1960-х годах. Относя к этому циклу нашу работу «Лежащая обнаженная» (1963), эксперт отмечает, что «когда художник добавляет в свои рисунки цвет, то его вещи приобретают изысканную, сбалансированную, красочную декоративность, гармоничность». Ученик П. Г. Волокидина и Т. Б. Фраермана в Одесском художественном училище, ученик А. А. Осмеркина и П. Д. Покаржевского в Московском государственном художественном институте, Валентин Поляков более известен своими пейзажами, жанровыми работами, экспонированными на выставках и хранящимися в музейных собраниях, а также монументальными росписями. Вот почему особенно интересна наша натурная «Лежащая обнаженная» — светлая, изящная, поэтичная, раскрывающая еще одну грань таланта замечательного мастера.

Улочка старой Москвы, в 1992 году вернувшая себе историческое название Гончарная, изображена в городском пейзаже «Улица Володарского (Гончарная улица)» (1974) Сергея Авксентьевича Коляды. Мастер городского пейзажа и человек, влюбленный в наш город, Сергей Коляда запечатлевал на своих картонах и холстах любимые московские уголки, многие из которых сегодня уже исчезли безвозвратно, сменившись современной застройкой. И все его работы несут в себе дух старой Москвы — малоэтажной, чистой, теплой, потаенной и очень красивой.

В 1983 году создан офортный лист № 3 из серии «Космос» Гарифа Шариповича Басырова. «Я работаю над тем, что интересно именно мне, что действительно увлекает меня», — писал Гариф Басыров. «Он работал в разных графических техниках, как печатных (офорт, литография), так и уникальных (рисунки карандашом и тушью), предпочитая последние. Он экспериментировал с буквами и знаковыми системами, абстрактными коллажами и скульптурами-ассамбляжами… <…> никогда не топтался на месте, тиражируя самого себя, но двигался всегда только вперед от серии к серии, от проекта к проекту, от фигуративного к абстрактному, от графики к скульптуре, проживая одну творческую жизнь за другой» (basyrov.com).

В биографии на сайте художника есть скромная фраза: «Для многих Басыров впервые стал известен как автор рисунков на страницах популярного тогда журнала “Химия и жизнь”, этакого островка либерализма в топях брежневского застоя» (basyrov.com). Басыров не был просто автором рисунков — в СССР, пожалуй, не было другого печатного издания, которое можно было безошибочно узнать по единственному рисунку, по развороту, по одной странице. Журнал был невероятно популярен, в нем работали прекрасные художники, но для большинства читателей именно летящая графика Гарифа Басырова, сделанная в той же манере, что и наш сегодняшний офорт, была единственной и неповторимой.

«Летний день» (1998) Арона Фроимовича Буха — небольшой красивый холст, написанный в богатейшей палитре начала лета. Листья деревьев еще свежи июньской свежестью, маленькое чистое озерцо блещет яркими красками, желтые и розовые цветы как будто рассыпаны щедрой рукой художника по мягкой летней траве. Даже грозовая туча налита не сизой тяжестью, а цветом моря, с проблесками голубого неба.

Следующий большой раздел каталога — творчество шестидесятников.

Единственная скульптура в подборке — эмоциональная и в чем-то очень трогательная алюминиевая композиция «Мать и дитя» (1964) Вадима Абрамовича Сидура.

Рисунок фломастерами «Купающаяся» (1971) Вадима Абрамовича Сидура — разноцветная композиция, выполненная пластичными вытянутыми линиями. В этой работе интересна некая отсылка к жанру: обнаженная женщина существует не в абстрактном пространстве, в окружении цветов, а она вышла на берег у заводи, заросшей камышами, и держит в руках полотенце.

В 1975 году, до вынужденной эмиграции, написан холст «Ночная корова» Оскара Яковлевича Рабина. Предметно он более чем лаконичен: бараки, огромная луна, снег и корова. Зимний, переливающийся всеми оттенками перламутровых рабинских серых красок городской пейзаж. Бараки и корова (кстати, что она делает зимней ночью на улице?) опосредованно говорят о присутствии человека, и если бараки (очень важный образ для художника) создают атмосферу безрадостного убогого существования, то корова, пусть тощая и какая-то неустроенная, как, впрочем, все вокруг, вносит в эту атмосферу надежду на тепло и осмысленную жизнь. Эмоционально это очень рабинская работа.

Творчество Владимира Борисовича Янкилевского в каталоге представлено большой красочной пастелью с элементами коллажа из цикла «Пространство переживаний» (1990), выполненной на цветной бумаге.

Фарфор шестидесятников — уникальное большое и многообразное явление в искусстве второго русского авангарда. Тарелка по рисунку Франциско Инфантэ-Араны «Точка в своем пространстве» (1964) из графической серии «Источение — поглощение» принадлежит к ряду работ, выполненных в 1992 году Инфантэ и Эдуардом Штейнбергом совместно с Центром современного искусства (ЦСИ) и Товариществом «Кузнецовский фарфор». Каждая тарелка выпущена ограниченным тиражом в 25 штук плюс несколько ненумерованных (резервных) экземпляров. Вместо заявленных Франциско Инфанте четырёх тарелок было выпущено всего три. Большая часть тиража была закуплена Министерством культуры РФ.

«Фарфор оказался благодатным материалом для иллюстрирования идей Франциско Инфантэ. Можно сказать, что здесь получила новое преломление его известная “концепция артефакта”. “Артефакт” — это термин, которым в трактовке художника “обозначается вещь второй природы, то есть вещь, сделанная человеком и, стало быть, автономная по отношению к природе”, но которая, по мысли художника, связана с такими понятиями, как “традиция” и “культура”. Особый акцент в своей теории Инфантэ делал на воплощении в артефакте связи “техника — природа”, связи, способной, по его мнению, породить новый синтез внутри вечного искусства. В этой способности артефакта Инфантэ видел особый “символ Тайны творчества”. Фарфор же — материал, рожденный в огне, соединяющий в себе природную и технологическую стороны, издревле наделявшийся таинственными свойствами, — как ничто другое соответствовал авторской концепции артефакта. Поэтому, вероятно, столь гармоничными и логичными выглядят произведения Инфантэ на фарфоровых тарелках» (Виктория Петухова. Фарфор как неприкладное искусство или еще одна грань нонконформизма // Фарфор шестидесятников: Выставка в галерее «Романовъ». М. : Бонфи, 2012. С. 14).

Творчество Владимира Николаевича Немухина представляет композиция 1999 года «Карточный натюрморт». Как отмечает эксперт, он «относится к известному и популярному циклу… карточных раскладов, над которыми он работал в 1960-х — 2000- годах. Удачно найденная формула соединения пасьянсов с живописно-пластическими художественными приемами мастеров русского авангарда начала ХХ века принесла В. Н. Немухину успех и заслуженную популярность. Неслучайно, что некоторые наиболее удачные и интересные работы из этого цикла пасьянсов он неоднократно повторял».

К более позднему поколению мастеров другого искусства, семидесятникам, относится автор среднеразмерной минималистичной живописи «Композиция. Импровизация № 2» (2003) ленинградец Леонид Константинович Борисов Художник «занимается чистой геометрической абстракцией без обычных для ленинградского андеграунда философских коннотаций. Его интересует геометрическая форма, сочетание двух-трех форм само по себе… <…> Деликатность и утонченность цветового решения, расположение форм на холсте позволяют при предельной немногословности добиваться убедительного эффекта» (Л. Гуревич. Художники ленинградского андеграунда. Биографический словарь. — СПб.: Искусство-СПб, 2007. С. 26).

Завершающий раздел каталога — произведения современных авторов.

Открывает его геометрическая абстракция «Квадраты» (1989) Юрия Ивановича Желтова. «Обращаясь непосредственно к контексту искусства Желтова, можно отметить, что если на формально-стилистическом уровне оно напоминает о супрематизме, то на уровне основ формообразования не менее ощутим контакт с иконным построением пространства, — писал о художнике замечательный искусствовед и критик Сергей Кусков. — Таким образом происходит сочетание идей универсального общечеловеческого порядка с импульсами национальной духовной традиции (разумеется, в ее неортодоксальном, внедогматическом переосмыслении), и все это пропущено через стилевую “арматуру” геометрической абстракции XX века и пережито в экзистенциальном опыте личности» (art-critic-kuskov.com, прочитайте эту прекрасную публикацию).

Картина «Белые линии и гармония» (1998) принадлежит кисти Юрия Михайловича Скопова, художника студии Элия Белютина «Новая реальность», участника студийных выставок, а впоследствии одного из организаторов группы «Авангардная абстракция». Сегодня произведения Юрия Скопова находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи (Москва), Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), Венгерской Национальной художественной галереи (Будапешт), в других музейных и частных собраниях.

Натюрморт «Зимняя радуга. Поворот на лето» (2018) Люси Вороновой наполнен скрытой, но очень позитивной символикой, хотя он, пожалуй, не содержит никаких атрибутов солнцестояния, солнцеворота — солярного символа древних славян, разве что круг. Но поворот на лето — это движение к расцвету, к новой жизни и обновлению, а радуга, да еще зимняя, — верный знак грядущего благополучия.

В 2019 году написана обманка «Петр I» Алексея Викторовича Барвенко — довольно лаконичный натюрморт, собранный из предметов, которые, как краски на палитре, дополняют друг друга и вместе создают художественный образ Петра Великого.

Одновременно с нашим штатным 327-м AI Аукционом открыт 13-й аукцион проекта «XXI век. Современное российское искусство». Мы предлагаем вниманию участников произведения десяти художников современной российской арт-сцены, посвященные теме пейзажа: живопись Азама Атаханова, Валерия Бабина. Дианы Воуба, Ильи Комова, Ирины Корсаковой, Виктора Крапошина, Андрея Мунца, Игоря Неживого, Елены Утёнковой-Тихоновой и объект Семёна Агроскина.

Всем желаем удачи на 327-м AI-Аукционе и на XIII аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Тем, кто собирается впервые купить картину или рисунок, будет полезно узнать, что ни один монитор никогда аутентично не передаст произведения искусства. Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин). Дальше, чтобы экономить деньги и время участников, электронная система от имени каждого из них ведет торги с другими участниками, делая минимально возможные ставки до указанной участником суммы. Минимальный шаг ставки указывается в описании каждого лота. В случае если максимальные цены на один и тот же лот, указанные в двух или более ставках, совпадают, то выигрывает тот покупатель, чья ставка была сделана раньше.

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.