Открыт 135-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Ивана Акимова, Ольги Аксёновой, Владимира Акулинина, Анелии Алиповой, Даниила Архипенко, Нисо Атахановой, Сергея Базилева, Леонида Варушкина, Дмитрия Воронина, Бориса Головина, Джуны, Александра Захарова, Игоря Кислицына
Каталог AI Аукциона № 449 и 135-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 30 сентября, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — 8 живописных произведений, три работы в смешанной технике и две скульптуры.
Иван Акимов. Без названия
Автор недатированного холста «Без названия» Иван Николаевич Акимов — советский и российский живописец, творчество которого не вписывалось ни в жесткие регламентированные рамки художественной жизни советской эпохи, ни в реалии постсоветской России. Обладая незаурядными творческими способностями и высоко ценя при этом личную свободу и независимость, художник уединенно жил и работал в своей московской квартире, не стремился следовать каким-то конкретным стилистическим направлениям и не искал публичного признания. В произведениях Акимова отражаются результаты целого ряда авторских модернистских экспериментов, и в них особенно ощутимы влияния народного и наивного искусства (Мария Беликова).
Иван Акимов окончил Архитектурный институт в Москве. «Учился с удовольствием и прилежанием. Своим профессиональным образованием обязан прежде всего своему учителю Бархину Борису Григорьевичу. Много рисовал, лепил, занимался живописью.
После окончания института пришлось выбирать между “ящиком” (имею в виду закрытый военный проектный институт) и армией: сыграл в “ящик”. Четыре года активно проектировал и строил жилье. Параллельно, от тоски, много рисовал, даже на работе, в обеденный перерыв. Через некоторое время отважился показать свою живопись Бирштейну Максу Авадьевичу, он и рекомендовал меня в Молодежное объединение при МОСХЕ.
Стал выставляться. С 27 лет забросил архитектуру и стал заниматься только живописью, зарабатывая деньги на жизнь наглядной агитацией на “Комбинате диорамно-макетных и художественных работ”. Все свободное время посвящал живописи и мечтал уйти на “вольные живописные хлеба”. Понемногу приходила известность, стал выставляться и продаваться. Бросил комбинат и стал свободным художником» (Иван Акимов).
Творческий путь художника шел от ранних экспериментальных опытов живописи и графики до прикладных инсталляций и оригинальных работ по фольклорным мотивам.
Жизнь Ивана Акимова была посвящена поиску оригинальных индивидуальных форм творческого самовыражения, которые он сам называл своими «зелеными тараканами». Критики называют художника «человеком-загадкой». Он никого не пускал в свой внутренний мир, но его творческое переосмысление реальности поражало неожиданностью и точностью эстетических характеристик…
«Много работаю и никогда на выставках не показываю дважды одни и те же работы, — рассказывал художник. — Пишу большими сериями. Серия включает обычно от 10 до 100 картин, объединенных какой-либо темой. Работаю над серией до той поры, пока хватает воображения, терпения и желания. Как только заканчивается одна, начинается другая. Материал не имеет значения — это может быть графика, коллаж, инсталляция, живопись.
Меня увлекает сам процесс придумывания проектов, иногда они так и умирают, не реализовавшись, но нередко я к ним возвращаюсь, смотрю другими <глазами> и переделываю. Часто пишу по 14 часов в сутки. Работаю под любимую музыку, орущую на полную мощь, стоя, и прохожу не один километр, отходя и подходя к мольберту. В таком ритме, как правило, работаю не больше двух недель…» (Иван Акимов).
Холст «Без названия» входит в цикл под названием «Валенки», созданный автором по мотивам его детских воспоминаний. «Мое детство у меня почему-то ассоциируется с белоснежной зимой, бескрайними просторами и теплыми валенками. Когда детские воспоминания проецируются на бесконечные фрагменты моего прошлого и настоящего, то эти прозрачные наслоения создают тот иллюзорный мир моих картин, где всё взаправду, но все-таки чуть-чуть что-то не так» (Иван Акимов, ivan-akimov.net).
«“На выставках меня с трудом помещали в экспозицию, искали отдельную стенку. Я не уживался с любыми соседями”, — писал Акимов, любимец музыкантов, анахорет, индивидуалист» (rg.ru).
«Это тип художника, которому было интереснее создавать каждую следующую минуту свой мир, а не тусоваться. К тому же его собственного внутреннего мира ему было более чем достаточно» (Георгий Никич, куратор выставки Ивана Акимова в Малом Манеже, 2014. rg.ru).
Иван Николаевич Акимов родился 6 июля 1957 года в Москве. Член Союза художников СССР с 1984 и Московского Союза художников с 1993. С 1984 участвовал во всесоюзных, российских и московских выставках, а также в зарубежных экспозициях. Провел 18 персональных выставок в Москве. Жил и работал в Москве.
Работы находятся в собраниях художественных музеев России, в московской галерее CRASULA, в коллекции SWISS Bank, в частных коллекциях в Аргентине, Великобритании, Германии, Израиле, США, Португалии, России, Финляндии, Франции и Японии, в том числе в коллекциях Peugeot-Peyron (Франция), The Earl of Gowrie (Великобритания), W. Wittrock (Германия), Peter Мах (США), А. И. Антонова, Д. Н. Ермакова, И. Д. Кобзона, Стаса Намина (Россия), Natan Zakh (Израиль) (ivan-akimov.net).
Ольга Аксёнова. Тени. 2022
В творчестве Ольги Аксёновой синтезировались традиции иконописной школы и современные тенденции сетевого искусства, объединенные интересом к мистике. Художница пытается заглянуть в пограничное с реальным пространство, наполненное призрачными существами, состоящими из мерцающих эманаций знакомых образов. Персонажи ее работ — скитальцы, гости и странники. Они кочуют по бескрайнему ландшафту памяти, мифов, сказок и легенд, из которых художница черпает свою образность.
Волнистые, закрученные, вибрирующие линии рисунка Ольги Аксёновой близки манере Эдварда Мунка. В них воплощена скрытая экспрессия норвежского живописца, подрывающая внешнее чинное спокойствие изображаемых сцен. Этот язык Ольга Аксёнова использует, чтобы передать силу проступающих сквозь рентгеновское зрение художницы ликов персонажей, населяющих её внутренний мир и его проекцию на внешнее пространство.
Используя флуоресцентные цветовые пигменты, Аксёнова раскрывает мистическое содержание современного мира через обращение к образу, лику — концентрации культурной памяти (abramovagallery.art).
Владимир Акулинин. Пространственная композиция 3. 1998
Владимир Акулинин (1943–2020) — советский и российский художник-кинетист, один из старейших участников группы «Движение».
«Кинетическое искусство, зародившееся в Москве в начале 1960-х годов, появилось благодаря той же питательной среде, что и другие направления “диссидентского модернизма”, а отличалось от них (помимо прочего) тем, что апеллировало непосредственно к радикальным опытам супрематистов, конструктивистов и производственников 1920-х годов — причем не только к пластическим решениям абстракционистов и функционалистов, но и к их базовым утопическим воззрениям» (Саша Обухова, garagemca.org).
Художники-кинетисты, составлявшие «Движение» («русские кинеты», как они себя называли), создали в третьей четверти XX века творческое наследие, актуальное и в наше время. Оно включает разработки и художественные открытия в сфере «классической» живописи, графики и прикладного искусства, в области статических и кинетических объектов, перформансов и хепенингов. Опираясь на конструктивистские традиции русского авангарда начала XX века, используя идеи и завоевания современных им западных художников, «Движение» стремилось к синтезу искусств, объединяя передовое звучание так называемой «конкретной музыки» с мимансом и структурные живописно-графические геометризмы с кинетической скульптурой (artinvestment.ru).
Картина «Пространственная композиция 3» входит в цикл произведений Акулинина «Энергетическое и пространственное искусство», созданных на рубеже ХХ–ХХI веков. Часть полотен из этого цикла активизирует зрительное восприятие за счет создания оптической иллюзии вращения или свечения объектов. В других работах серии, в том числе и в «Пространственной композиции 3», сделан акцент на организации формальных элементов. Акулинин совмещает жанры пейзажа и геометрической абстракции, располагая по центру композиции вполне традиционные виды природы в окружении ритмизированных фиолетовых прямоугольных плоскостей на абстрактном фоне. Если в левой части полотна эти линии изгибаются под воздействием какой-то неведомой силы, то в правой они уводят взгляд зрителя далеко назад, в точку схода. Подобные построения наглядно иллюстрируют собой принцип перспективы и пространственной глубины и во многом созвучны летнему пейзажу в центре работы, где реализованы схожие принципы при изображении натурных видов. Работа вызывает ассоциации с произведениями Эрика Булатова, нередко совмещающего фигуративные изображения с абстрактными элементами или надписями. Однако если полотна московского концептуалиста носят в большей степени философский характер, то картина Акулинина посвящена главным образом формально-пространственным принципам, лежащим в основе композиции любого произведения (Мария Беликова).
Анелия Алипова. Портрет мальчика с листом. 2020
Для меня простота, умение видеть необычное в самых простых вещах, эксперимент, постоянный поиск являются основой творчества. Я работаю в разных стилях и направлениях, иногда смешивая их (Анелия Алипова).
На абстрактном темном фоне запечатлено монументальное лицо мальчика, внешний облик которого говорит о его африканских корнях. Интерес к племенным народностям характерен для творчества художницы, создавшей серию портретных образов представителей малочисленных этнических групп.
Несмотря на юный возраст героя, в его облике уже проскальзывают черты взросления. «Возраст мальчика позволяет ему одновременно “находится по обе стороны баррикады”: детская непосредственность и любопытство еще определяют его натуру, но во взгляде уже проскальзывает осознанная серьезность, ставящая его на путь взросления. Листок, скрывающий половину лица, служит своеобразной преградой. Несмотря на свою тонкость и хрупкость, для мальчика он — защита, которая оберегает от нашего вторжения. В любой момент он может убежать, скрыться, с другой стороны — ничего не мешает ему полностью открыть свое лицо, отодвинув этот листок», — пишет искусствовед Н. Соколова.
Палитра картины строится на сочетании оттенков коричневого, зеленого, голубого и розового. Работу отличает гладкая манера письма, большое внимание при этом художница уделяет передаче фактуры кожи ребенка, добиваясь визуального эффекта ее бархатистости (Мария Беликова).
Даниил Архипенко. Отпечатки. 2022
Даниил Архипенко, автор холста «Отпечатки» (2022) живет и работает в Санкт-Петербурге. В работах Архипенко человек и присутствует, и отсутствует одновременно. Он выступает как наблюдатель или оставляет свои отпечатки, растворяясь в окружающем его пейзаже, а порой совсем покидая его.
«В юности я часто путешествовал с родителями из Карелии в Мурманск и обратно. Мы преодолевали это немаленькое расстояние, около 1200 километров, на машине. В дороге я наблюдал за пространством, которое нас окружало. Подмечал какие-то колористические решения, созданные природой. Видел жителей населенных пунктов, встречавшихся на пути, — рассказывает Даниил Архипенко. — Когда едешь в машине, лица людей разглядеть невозможно. Я видел только стаффажные фигуры и силуэты, мелькавшие в пространстве. Все это отпечаталось в моей голове как фотокарточки и картинки, которые сейчас я проецирую через новые медиа, новые техники» (stolnick.ru).
В восприятии Даниила «отпечаток — это след, оставленный природой или же человеком во времени и пространстве, свидетельство о прошлом, которое мы обнаруживаем в настоящем; это признак постоянства в вечно изменяющемся мире». Объединив в своих работах современные материалы и секреты старых мастеров, Архипенко создал пространство тотального погружения зрителя в экспрессивную плоскость живописи (uralvisiongallery.com).
«Художник — это “пленник” красоты, — говорит автор. — Восхитившись, он хочет удержать это состояние, продлить его, поделиться им с кем-то еще» (uralvisiongallery.com). В работе Архипенко разворачивается панорама стихийных сил природы, масштаб которой определяют миниатюрные стаффажные фигурки людей. Здесь нет мистики, нет страха, только земля, небо и те, кто восхищенно наблюдает красоту мира. Искусство существует, «чтобы не растерять память о гармонии мира и передавать эти знания следующим поколениям. Чтобы отвлечь человека от сугубо конкретных реалий жизни, вынуть его из скорлупки, показать, как прекрасен и разнообразен мир. Чтобы реальность воспринималась цельнее, и оставалось меньше шансов запутаться в хаосе жизни» (uralvisiongallery.com).
Нисо Атаханова. Икат. 2022
«В своих работах я использую образы, увиденные в культурах Европы и Азии. Меня интересуют привычки людей, их практики, мировоззрение и то, как они связаны с окружающей средой, образом жизни людей. Часть работ посвящена уникальной природе мест, в которых я побывала. Поэтому путешествия и знакомства с традициями других стран очень тесно связаны с тем, что я создаю в своей мастерской в Москве.
Таким образом, в картинах соединяются образы идеализированного мной мира и реальные события из жизни общества. Угол зрения постепенно меняется. Раньше героями картин часто бывали животные и райские птицы. Сейчас все события развиваются в основном вокруг человека.
Мне нравится возрождать искренность, романтизм и надежду в своих работах, обращаясь назад к истокам и принимая концепции всего, что дала нам мировая художественная культура. С восторгом и озорством я погружаюсь в создание миров, вдохновленных опытом, историей, нашими предками и моей жизнью» (Нисо Атаханова).
Икат — ткань, окрашенная с помощью особой техники, при которой орнамент наносится на нити в процессе подготовки пряжи к тканью. Суть метода заключается в поэтапном «резервировании» нитей основы или утка (то есть, обматывании определенных участков в целях предохранения их от окрашивания) с последующим окрашиванием необмотанных участков, еще до того, как нити заправляются в ткацкий стан. Узоры иката имеют размытые, ступенчатые контуры. Лицевая и изнаночная стороны ткани практически одинаковы, что придает ей особую ритуальную ценность (как праздничные ткани, подношение богам и т.д.).
Такой метод был известен с древности в Египте и Китае, Индии и Индонезии, Мексике, Перу и Японии, в Центральной Азии.
Икат производится на ручном ткацком станке.
В Средней Азии (в Бухаре, Самарканде, Ходженте, Намангане, Маргилане) производство шелковых и полушелковых икатов (атлас, канаус, адрас) достигло особенного развития в XIX — начале ХХ века. Для среднеазиатских икатов характерны крупные, сплошь покрывающие ткань геометрические мотивы (абр, абрбанди; букв. — вязание облаков) (Е. Н. Успенская, bigenc.ru; Э. Гюль, fergana.media).
Нисо Атаханова родилась в 1989 в Москве в семье художников Светланы и Азама Атахановых. Окончила Московскую государственную художественно-промышленную академию им С. Г. Строганова. Занимается живописью, мозаикой и инсталляцией. Работает в архитектуре как художник монументалист.
Азам Атаханов родом из Душанбе, Светлана Атаханова родилась в Киргизии, «Нисо Атаханова родилась в Москве, но унаследовала от родителей любовь к восточному миру в искусстве. Она окончила то же учебное заведение, что и родители, получив основы своих навыков на факультете монументально-декоративной живописи. Активно участвует в различных выставках и конкурсах. Она тоже много путешествует, а затем яркие и богатые впечатления трансформирует на полотнах. В волшебном саду Нисо Атахановой живут Феникс, Дневной и Ночной стражи и прекрасные птицы. В мозаике цвета переплетаются животный и растительный мир, геометрические фигуры, демонстрируя смелость и безудержный полет фантазии автора.
“Мои работы часто сравнивают с произведениями родителей, — говорит художник. — Это естественно, ведь мы — одна творческая семья, придерживаемся одних и тех же законов в живописи, любим цвет. Но в то же время мы говорим о разных темах, у каждого свой путь. Я черпаю вдохновение от ощущения счастья — от путешествий, от общения с людьми, и мне хочется это передать всем вокруг!”» (sovetskaya-adygeya.ru).
Сергей Базилев. Осень. 2018
Я очень не люблю обобщений. Мне кажется, что, когда человек обобщает, он просто уходит от ответственности. Мне всегда нужна конкретика. Я люблю уточнения (Сергей Базилев, gallerix.ru).
Сергей Базилев — один из лидеров советского гиперреализма; ключевые проблемы которого он разрабатывает в живописи на протяжении десятилетий. Главная особенность направления и исходный материал для создания художественного произведения — фотографический образ. Важно отметить, что в 1970–80-е годы технические возможности не позволяли проецировать слайд прямо на холст, поэтому художники перерисовывали изображение с маленького проектора.
Советские гиперреалисты… интригуют зрителя всеми возможными способами, начиная от выбора тем — странных, захватывающих, шокирующих — и заканчивая эффектами живописной манеры. И если американские художники методично оттачивали технику гладкого сплавленного письма, то советские зачастую интересовались техническими сбоями и акцентировали неоднородность живописной поверхности, когда пастозные мазки могли соседствовать с прозрачными лессировками. В интерпретации советских «гиперов» картина реальности расслаивается, раскалывается и выглядит повреждённой множественными разрывами.
Сергей Базилев радикально обновил свою манеру и «вышел из сумрака» напряжённых и драматичных композиций конца 1980-х. Его постсоветские серии на первый взгляд решены в мажорных интонациях и наделены пленэрными качествами, как будто художник покинул мастерскую и начал работать в открытом пространстве. Этот переход из гипер- и фотореализма в импрессионизм не имеет отношения к историческому пленэрному импрессионизму, поскольку источниками для картин Базилева по-прежнему остаются фотографии в широком диапазоне — от архивных до современных снимков. А эффекты пленэрного освещения и свободная манера письма — это мнимые свидетельства непосредственности восприятия и естественности поведения в условиях некоего «искусственного рая» в эпоху постмодерна.
Доминанта пленэрных качеств определяет и выбор тем: вместо сюжетных композиций, претендующих на глобальное обобщение, художник предпочитает камерные портреты, сцены из частной жизни, пейзажные и натюрмортные мотивы. Сама эстетика пленэра — работы на открытом воздухе — стимулирует Базилева апробировать варианты уличного искусства и сводить их с традицией гиперреализма. Пленэр располагает к дальнему видению, и многие мотивы, зафиксированные в “упор” с помощью фотоаппарата, Базилев, соответственно, пропускает через дальнее видение. Таким образом ему удаётся совместить дистанцированный взгляд снаружи и максимально приближённый взгляд “изнутри” (как в ситуации создания “селфи”) (Кирилл Светляков, искусствовед, заведующий отделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи, sergeybazilev.ru).
В картине «Осень» узнается творческий метод Базилева, традиционно берущего за основу фотографически точный образ, который трансформируется посредством совмещения различных живописных техник. Фотография с видами осеннего пейзажа превращается у автора в объект живописного осмысления. «В картинах Базилева фотография парадоксальным образом умирает в ритме живописных мазков, и ее смерть в первую очередь связана с потерей документальной основы», — отмечает искусствовед К. Светляков (sergeybazilev.ru). За счет имитации пленэрной живописи и эскизной манеры письма создается иллюзия непосредственного натурного восприятия. Живописная фактура полотна имеет характерную для работ Базилева зыбкую, вибрирующую поверхность, в результате чего запечатленная сцена балансирует на грани фигуративности и абстракции. Цветовые отношения здесь явно доминируют над формальными — Базилев в очередной раз демонстрирует свой талант колориста, показывая богатое разнообразие оттенков осенней листвы, сквозь которую фрагментарно пробивается светлое голубое небо. «Осенняя» палитра произведения строится на сочетании желтых, оранжевых, коричневых, болотно-зеленых и багряных оттенков. Ритм динамичных разнонаправленных мазков создает эффект движения листвы на ветру. Таким образом, фотографический снимок, пропущенный через мнимое натурное видение, обрастает живописными качествами и превращается у Базилева в полноценную станковую картину, бросающую вызов ее первоисточнику (Мария Беликова).
Леонид Варушкин. Разрушение. 2020
Автор холста «Разрушение» (2020) Леонид Варушкин родился в 1995 в Ульяновске. Окончил Челябинское художественное училище (ныне ЮУрГИИ им. П. И. Чайковского, 2015). Учится (2017) в Академии художеств имени Ильи Репина на живописном отделении (мастерская станковой живописи под руководством заслуженного художника РФ Х. В. Савкуева).
«Разрушение» (2020) выполнено в той же стилистике, что и работа «Мост», после которой «в серии своих картин я начал работать с пространством, цветом и формой, — говорит художник. — Сюжет в этих произведениях как таковой отсутствует, главенствующей темой является состояние или ощущение в работах. На них показаны отрывки, вырванные из чьей-то жизни; отрывки, которые несут в себе ощущение от состояния изображённого момента» (rakovbaget.ru).
Художник выбирает преимущественно крупноформатные холсты (не составляет исключения и наша сегодняшняя полутораметровая работа): «Формат — это часть произведения, которая помогает раскрыться работе и показать себя в нужном ключе. Смотрю свои работы на выставках и прихожу к выводу, что в больших пространствах они для меня размера “самое то”» (rakovbaget.ru).
«Стиль мой ещё формируется, — рассказывает художник. — <…> Стиль, если и изменится, будет зависеть от новых поставленных задач. Он сформируется и устаканится, если делать работы, главное — найти то, что хочется художественно выразить» (rakovbaget.ru).
Дмитрий Воронин. Кот. 2021
Дмитрий Борисович Воронин — художник-анималист, работающий в графике и станковой скульптуре, член Союза художников России, почётный член-корреспондент Международной академии культуры и искусства. Известен прежде всего как мастер деревянной скульптуры, виртуозно работающий в таких сложных техниках, как маркетри и инкрустация, поверхность его работ отличается богатой орнаментикой, игрой фактур и декоративностью.
Творческие поиски Воронина идут в русле модернистских исследований пластических возможностей, для которых характерна стилизация форм, абстрактность мышления, акцент на выразительной подаче образа. Созданные им анималистические композиции всегда узнаваемы, непосредственны и очаровательны. Глубокие знания и отточенное мастерство художника воплощаются в оригинальном авторском стиле, сочетающем академический инструментарий и эстетику народного и наивного искусства.
Высокое мастерство Воронина проявляется в умелом сочетании материалов, различающихся по физическим свойствам, твердости, цвету, фактуре, текстуре. Воронин сосредотачивает внимание на кропотливой работе с поверхностью. Несмотря на камерный размер, скульптурная композиция характеризуется тенденцией к монументальности. Воронин создает яркие, острохарактерные образы животных, в которых узнается оригинальный авторский стиль (Мария Беликова).
Телеинтервью скульптора Дмитрия Воронина
Источник: youtube.com
«В конце 90-х годов, монтируя одну из скульптурных выставок, неожиданно увидел необычную работу. Спрашиваю: кто автор? Подходит скромный, худенький молодой человек… Это был Дима Воронин, а работа называлась “Рыба”.
С тех пор встреча с каждым произведением Димы вызывает у меня удивление и восхищение.
По мастерству обращения с материалом ему нет равных…
К своим открытиям в скульптуре Дима прошел и через классическую школу Строгановки, и через реставрацию, и через работу гл. художником фрезерного завода. В разное время его учителями были такие большие скульпторы, как Лев Михайлов, Александр Белашов, Александр Бурганов. Но сильнее всего, по мнению самого автора, на него <повлияло> творчество Андрея Марца. Гротескность образа, предельная лаконичность стали основными приемами и в творчестве скульптора Дмитрия Воронина.
В своих произведениях Дима как бы балансирует на грани. Отказ от традиционной пластики, идеализация формы, предельная выявленность материала легко могут увести в холодный дизайн и потерю внутренней теплоты содержания. Не случайно автор иногда возвращается к традиционной пластике — “Кот”.
Очевидна безразмерность многих произведений Димы, они могут быть воплощены и в более крупных размерах.
Почему животные? У Димы с детства были животные, он любил их и наблюдал за ними. Думаю, что внутреннее восхищение божественным творчеством — неисчерпаемость форм и конструкций — подлинный фундамент творчества скульптора Дмитрия Воронина» (22 апреля 2014, скульптор Борис Чёрствый).
Борис Головин. Море. 1994
Великолепная бронзовая композиция «Море» (1994) выполнена скульптором Борисом Прохоровичем Головиным. Художник мастерски сочетает выразительные женственные формы фигуры и изящную, легкую морскую пену. Обращается ли он к вечному сюжету рождения Афродиты из пены морской или воплощает обнаженную женщину у кромки легкого прибоя?
За короткий срок подготовки работы к аукциону собрать информацию о скульпторе Борисе Прохоровиче Головине оказалось очень сложно. По-видимому, он жил и работал в Москве, старший представитель семьи скульпторов Головиных (search.rsl.ru). В собрании Государственного исторического музея хранится медаль «Пабло Неруда» (1975) его работы; он автор мемориала боевой славы воинам — сотрудникам Трубного завода (1975) на улице Барклая, 6 (завод ныне снесен, судьба памятника нам неизвестна).
Возможно, больше сведений о нем содержит альбом скульптур малых форм «Golovin : Boris, Vladimir, Roman» (2014).
Джуна. Без названия. 1988
Возможно, именно с Джуной (Евгенией Ювашевной Давиташвили) связано появление и почти молниеносное распространение в нашей стране термина «экстрасенс». Джуну знали везде, знали как целительницу и астролога, к ней обращались страждущие из самых высоких кабинетов и самых закрытых от посторонних глаз особняков, ее помощи искало огромное количество людей, она принимала множество пациентов. Жизнь этой женщины была окутана невероятным количеством фантастических вымыслов, большая часть которых, как считается, принадлежала ей самой, тем более что близость к самым верхам предполагала закрытость. Совершенно невероятно, но ей были предоставлены такие возможности, а на исследование «феномена Джуны» затрачивались такие средства, которые не снились ни одному ученому. Одни искренне верили в безграничность ее целительских возможностей, другие считали ее деятельность, мягко говоря, лженаучной, о ней много писали, снимали документальные фильмы и еще при жизни сняли художественный сериал (он вышел на экраны через три месяца после ее смерти).
А еще Джуна пела, писала книги, рисовала картины, одна из которых вошла сегодня в наш каталог. «Прием у нее начинался в семь вечера и шел до двенадцати ночи. Потом она в мастерской рисовала картины, на каждой из которых оставляла свой знак — звезду. На ее рисунках преобладали синий, зеленый цвета, утонченные линии. Так она могла творить без перерыва и до 11 утра, а потом ложилась спать» (sobesednik.ru).
Александр Захаров. Муха. 2012
«Это серая муха, всем известная. Тут она тоже огромная, и сидит она на очень красивых розовых цветах. А пейзаж этот из ботанического сада, сильно увеличенный, сделанный с нижней точки, взгляд как бы изнутри, почти с земли. И в данной работе, в отличие от других произведений, есть кусочек неба.
Дети играют. Ну, играют не играют — они сталкивают в ямку детеныша мухи (личинку). Девочка в испуге, она стоит, обхватив лицо руками, но при этом с интересом смотрит на то, как мальчик толкает руками без страха и всякой брезгливости довольно крупную личинку.
У меня много ассоциаций из раннего детства, когда мы ловили жуков, личинок, разглядывали это все, собирали в коробочки. Кто-то боялся, мы пугали девочек. Поэтому это очень глубокие ощущения контакта с природой, страха перед ней и в тоже время освобождения от страхов. Некоторая жестокость у детей, когда, после преодоления страха, мальчишки начинали довольно жестоко играть с этими насекомыми.
Когда мне было лет пять-шесть, я не столько их коллекционировал, сколько разглядывал. У меня даже лупа была, мне подарили ее родители. И я рассматривал их. Так что впечатлений у меня много, связанных с общением с этим нижним миром: оно было очень тесное. Подобные воспоминания есть у каждого ребенка.
Дети видят этих насекомых гораздо больше, они крупнее в их сознании, чем они есть на самом деле. Много лет спустя в Германии я попал в заповедник, и вот я там встретил того жука, которого мы в детстве дровосеком называли. Когда он попадал нам, маленьким детям, в руки, мы испытывали ощущение сверхценности: это было какое-то мифологическое существо. И летали они там с таким звуком, словно вертолет. Он мне казался гигантским в детстве, а здесь он оказался совсем небольшим, 4-5 сантиметров. Да, достаточно интересный, но даже не жук-олень или жук-носорог.
В картине муха — это противнейшее существо (я над ней потрудился, конечно), она сидит сбоку, она неагрессивно смотрит на детей, она рядом, но, кажется, имеет отношение к личинке. А девочка испугана не личинкой, а действием мальчика, как в детстве. Я помню, что девочки боялись насекомых и осуждали мальчиков за их это пристрастие к разглядыванию или жестоким играм.
Вот с этими ощущениями (разного рода воспоминаниями из детства) мне и было интересно поработать и в этой картине, и в этой серии в целом» (Александр Захаров).
Для меня как художника с некоторых пор игрушки стали окошком в мир далекого детства, дверкой, за которой развернулась волшебная страна мечты, целая Вселенная. Маленький мир разворачивается в глубину до бесконечности, так же как для нас, взрослых, «большой мир».
Миниатюра наиболее удобная для меня форма выражения. Я создаю «маленькое окошко», заглянув в которое и заинтересовавшись открывшимся за ним пространством, зрителю невольно приходится как бы «уменьшаться в размере», становиться маленьким. «Превратившись» в ребенка, он получает право попасть внутрь. В открывшемся мире, с виду совершенно реальном, существует «обратная перспектива»: маленькое порой важнее большого. Начав много лет назад с огромных картин-панорам, напоминавших плоский лубок, я пришел сегодня к развернутой в глубину миниатюре» (Александр Захаров, cumir.ru).
Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения — тут и мильтоновские душистые рощи, где «пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...», и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия (triumph.gallery).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».
Игорь Кислицын. Полет II (Птица, несущая рыбу). 1997
Народные корни искусства и сегодня влекут всех профессионалов, да не все из них могут подняться выше простой аранжировки или стилизации. Игорь Кислицын сумел уверенно претворить, «перекодировать» в новое качество типовую структуру древних композиций. Постепенно ему раскрылся весь глубинный образный «орнамент» архетипа: роль силовых линий и узлов, ритмических пауз и акцентов, «вечное» поступательное или круговое движение, здоровая гармония рисунка и цвета, знаковость и символика фигур (Лев Дьяконицын, nasledie-rus.ru).
В своем творчестве Игорь Кислицын часто обращается к сакральным художественным традициям былых эпох: к древнерусской и византийской иконописи, романской фреске, готическому витражу и т. п. Уверенно поднимаясь над любой имитацией канона, художник погружается в исследование многомерных пластических кодов древних образов. Движение от поверхности в глубину, к обретению внутренней художественной формы идет не без активной интерпретации уроков русского классического авангарда (Вера Родина, искусствовед, artinvestment.ru).
Работа «Птица, несущая рыбу» принадлежит к серии «Полёт», созданной художником в конце 1990-х годов.
В этом образе запечатлён весь динамизм полёта, преображающего земное существо, издревле мечтающее о воздушной стихии, о свободном пребывании в ней. Эта Птица не знает гнезда как места, где жизнь лишь подготавливается, концентрируется и трансформируется, чтобы обрести полноценность и автономность. Она сама — Жизнь, Бытие, его сердцевина, преодолевшая диалектику центра и горизонта, ибо нет в ней становления, скольжения, развертывания в реальной среде и линейном времени. Она сама — вечный полёт, измерение свободы, победа легкости над «духом тяжести» (Ницше), сам воздух, сам эфир, само небо.
Речь, разумеется, идёт не о конкретном пернатом, точно или не очень изображенном на полотне, а о воплощаемых художником в этом убедительном и законченном образе многослойных интуициях свободы, воли, преодоления, цели и т.п.
Подобно молнии, раскалывающей небосвод, живописный образ мощно вторгается в наше сознание. Волей художника превращённая в знак, как чистая абстракция движения, как динамическая схема чистого полёта, эта птица делает нас кинематически сопричастными пространству, не знающему насилия гравитации и власти унылого земного притяжения.
Эта птица, как сказал бы Ницше, уже знает формулу своего счастья: «Да, Нет, прямая линия, цель...» («Сумерки идолов»). Лишь небольшое «оконце» с красным перекрестием в правом верхнем углу полотна, окрашенное в глубокие умбристо-охристо-багряные цвета «земной» стихии, данной в нижнем регистре картины, напоминает, откуда надо вырваться для обретения невесомой жизни в царстве «легкости», в горних высях духа (ибо Птица — это ещё и всегдашний символ духа).
Работа написана мастихином, пастозно, с широким дыханием. Бело-золотистая поверхность «воздушной стихии» заставляет вспомнить о разреженном воздухе горных высот, тонизирующем, бодрящем, просветляющем сознание.
Сама птица подобна витражному окну средневековой капеллы или причудливо складывающимся в «танцующую звезду» граням магического кристалла (Вера Родина, искусствовед).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Игорь Кислицын».
Желаем удачи на 135-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
AI
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220927_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220927_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
