Открыт 129-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Азама Атаханова, Елены Гориной, Анатолия Горяинова, Александра Захарова, Ильи Комова, Ирины Корсаковой, Виктора Крапошина, Александра Курилова, Юлии Малининой, Кирилла Протопопова, Анатолия Пурлика, Ирины Раковой, Романа Рахматулина
Каталог AI Аукциона № 443 и 129-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 19 августа, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — десять живописных произведений, одна работа в смешанной технике, одна скульптура и одна фотография.
Азам Атаханов. Пора в Бухару! 2015
Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атаханов, kommersant.ru).
Сам Атаханов, когда говорит о своих духовных учителях, называет мастеров Проторенессанса Дуччо и Джотто, Фра Анджелико и Беноццо Гоццоли, художников высокого Возрождения Мантенью и Тинторетто. От них монументальность его живописных полотен (Дмитрий Буткевич, kommersant.ru).
Творчество Азама Разиюллоевича Атаханова формируется на стыке восточного и западноевропейского искусства. Присущие восточной живописи экспрессия и насыщенность цветового решения гармонируют с композиционным и образным строем западной изобразительной традиции. Так, восточные сюжеты воплощаются в художественной манере, напоминающей искусство модернизма: порой она уходит в пуантилизм, а иногда цитирует приемы фовистов и примитивистов.
Работам Атаханова свойственна намеренная аппликативность, которой художник достигает при помощи четкого линейного контура и локальных цветовых пятен, и декоративность, проявляющаяся в плоскостном изображении и детализации. Художник не ограничивает свои творческие эксперименты одним жанром и пробует свои силы в пейзаже, портрете, натюрмортах, бытовых сюжетах. Полихромная, насыщенная живопись Атаханова изображает чарующий мир Востока и отражает его богатые культурные традиции (artinvestment.ru).
Источником вдохновения мастер называет красоту природы и человека в ней; всё то, что созидается человеком: произведения искусства и архитектуры, поэзия, сады и селения, жилища и предметы народного творчества, и конечно, музыка. Искусство для Азама Атаханова — это созидание благого, истинного, атрибутом которого является прекрасное. «Чем музыка отличается от шума, живопись от раскрашенной плоскости, литература от должностной инструкции? Лишь красотой. Только истинная красота придаёт искусству смысл. Постичь и передать её — единственная подлинная задача художника» (artmoskovia.ru).
Елена Горина. Полоса ненастья (Светлый дождь). 2009
Свет и Тьма для меня — состояния мира, человека. Внутри нас и вокруг нас. Они материальны вполне.
Тьма — это не ночь, это отсутствие… во тьме всё пропадает. Есть свет — мы чувствуем и видим. Можем даже увидеть меру радости или горя. Видим цвет и форму. Настроение — холодное или тёплое. Свет земной и свет небесный, природный и человеческий пересекаются, взаимодействуют.
Постепенно и в живописи и в графике нашлись способы выражения поставленной задачи. Тема Света неисчерпаема, и каждый следующий день может принести новое открытие (Елена Горина).
Пишу не предмет и не пейзаж, а чувство, которое переживаю, — то, что трогает и восхищает в происходящем. Может, поэтому мою живопись называют чувственной. Это мой «таинственный сад» (Елена Горина, vne-art.narod.ru).
Главное в живописном и графическом языке Елены Гориной — трепетное ощущение цвета, тончайших его оттенков, сочетаний тонов, когда, кажется, один рождается из другого, но уже со множеством переходов, образуя удивительную цветовую гамму, к которой подчас трудно подобрать какое-либо исчерпывающее определение. Цвет и колорит, гармония, построенная на согласии и контрастах цветовых пятен, виртуозная многослойная техника живописи, чувственная пластика рисунка позволяют ей создавать сложную свето-воздушную среду, в которой цвет — понятие, а форма — образ. Ее картины несут в себе энергию напряжения, неожиданную гармонию противоположностей. Они воспринимаются как образ нашего бытия (София Владимирова).
Анатолий Горяинов. Меланхолия. 2021
Анатолий Петрович Горяинов (1957) — известный российский фотограф, его работы неоднократно публиковались, выставлялись на многих отечественных и зарубежных площадках. В каждом жанре фотоискусства, в котором он работает, — любимом городском пейзаже, сельских пейзажах, натюрмортах, флоральных композициях и т.д. — Горяинов нашел собственный авторский язык. Он всегда разный, и в этом его своеобразие, но объединяет все его фотоработы очевидная композиционная стройность и сделанность (выверенность до миллиметра), а еще — насыщенность каждого снимка действием, движением. Это наполненные воздухом и одновременно удивительно плотные работы: взгляд мастера не терпит неоправданной пустоты. Московские фотографы — люди замечательные и очень интересные, каждый может часами рассказывать о своих профессиональных приключениях, хотя, конечно, есть истории легендарные — о том, например, как Николай Рахманов снимал Соборную площадь Кремля или как Анатолию Горяинову в девяностых удалось перекрыть движение на Тверской, чтобы с самой середины проезжей части сделать красивейшую ночную панораму в огнях от Пушкинской площади к Кремлю.
По образованию Горяинов — профессиональный художник, график, выпускник Московского государственного художественного института им. Сурикова. Как живописец он развивает в своем творчестве достижения европейского модернизма первой трети ХХ века — Парижской школы, фовизма, экспрессионизма, а также наивного искусства. Его работы хранятся в частных коллекциях России, Франции, Германии, Швейцарии.
Русская провинция, Москва и люди — это моя любимая тема творчества, и когда есть возможность, я беру, краски и холсты и с удовольствием делаю композиции города, провинции и людей! Это самое счастливое время, когда находишь тему с удачным светом и композицией. Главное в искусстве — это не объяснение своего творчества, а когда зритель получает творческий контакт с автором, видит его картины глазами и воспринимает сердцем! (Анатолий Горяинов).
Сюжет «Меланхолии» прост: обнаженная дама в шезлонге у моря. Если отвлечься от названия, то работа, окрашенная легкой иронией, производит на редкость позитивное впечатление, чувствуется, что художник писал ее с удовольствием.
Александр Захаров. Охота на шмеля. 2020
Бывает, что даже при небольшом увеличении маленькой картины пропадает все ее очарование: размываются линии, мутнеют краски, меняется колорит и разваливается композиция. «Охота на шмеля» (2020) Александра Захарова — это совсем другая история. Огромная (70 × 70) фотография, выполненная с миниатюрного (20 × 20) живописного оригинала, делает видимой почти незаметную на крошечной картине скрупулезную авторскую работу: мазки, тонкие цветовые переходы, какие-то малюсенькие капелюшки. На фотографии миниатюрная живопись обретает новые черты, новые детали и яркие краски.
***
Огромные работы искажают наше нормальное восприятие. Ребенок всегда видит не просто большую картину — он видит множество деталей. Из таких деталей и состоят мои работы. На них можно смотреть долго и каждый раз находить новые подробности. Именно так мы видели в детстве окружающий мир. Я пытаюсь «расковырять» и максимально расширить пространство (Александр Захаров, bolshoi.by).
Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения — тут и мильтоновские душистые рощи, где «пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...», и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия.
У его <живописных> работ есть еще одно важное свойство — «сверхплотность» поверхности: она безвоздушна, герметична, максимально концентрированна. Они как хороший цифровой исходник в тысячи пикселей, который можно растянуть на десятки метров. Чудесные приключения могут приобрести тотальность действия, странным образом конкурировать с реальностью или по крайней мере создавать параллельный поток…» (triumph.gallery).
Занимаясь долгие годы художественной печатью, работая в разное время с разными технологиями — от обрезной гравюры на дереве до офсетной литографии, я обратился сегодня к новым видам печати. Каждая моя миниатюра, являясь законченной картиной, одновременно служит мне как графику-печатнику чем-то вроде «негатива» для создания на ее основе произведений печатной цветной графики. Этот маленький «негатив» я использую в качестве основы (как медную доску-оригинал в гравюре) для создания многократно увеличенных по сравнению с оригиналом печатных листов. Результатом долгой и сложной работы с цветом становится цифровая «доска», с которой я печатаю ограниченный тираж. Это очень важная часть моего творческого метода. Увеличенный PRINT — это своеобразная помощь моему зрителю «разглядеть» пространство, иногда размером с ладонь, во всех подробностях, не прибегая к помощи увеличительных приборов. Полученные изображения — самостоятельные произведения в области цветной печати (Александр Захаров, cumir.ru).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».
Илья Комов. Дуэт. 2021
Визитной карточкой Ильи Комова была и остается любовь к цвету. Чистый, насыщенный, он господствует на плоскости холста. Пятна краски сталкиваются, то послушно ложась по форме, то разрывая ее, настаивая на собственной значимости и самодостаточности. Цвет становится основой художественной характеристики образа. Произвольное распластывание на полотне цветовых пятен не отменяет, однако, опыта традиционного искусства, которое неизменно задает точку отсчета. Колористическая экстравагантность демонстрируется в рамках продуманной композиции, не разрушая, а подчеркивая ее.
Мир Ильи Комова очень декоративен, красочен — порой пространство холста превращается в панно мерцающих мазков, то озаренных игрой багровых, охристых тонов, то затухающих в глухих и загадочных фиолетовых далях. Это притягательное свечение завораживает больше, чем сюжет или изображенный персонаж. Игра красок делает ненужными названия работ, она сама становится их главным содержанием, смыслом и украшением; несмотря на многолюдство теснящихся героев, цвет становится главным действующим лицом умело срежиссированного спектакля (Алла Михайлова, nasledie-rus.ru).
О художнике читайте на AI: «Персона недели: Илья Комов».
Ирина Корсакова. Маска. 1994
Я расскажу о том, что я люблю.
Покой и созерцание.
Свет и тень.
Ясность.
Трепет и окаменение.
Вибрации души, тона, цвета.
Предмет.
Фактуры материалов.
Фронтальную композицию.
Поверхность холста и физическое ощущение прикосновения к нему кисти.
Картину как проявленное.
Искать смыслы.
Когда я начинаю, я не думаю, о чем будет работа. Думаю о форме и об ощущении. А еще об ответственности за каждый сантиметр холста. Понимание смыслов приходит к завершению. И я здесь на той же позиции, что и зритель. Чему я могу его учить? Каждый видит свое, и это правильно. А я уже все сказала на холсте, и нужно так говорить, чтоб не нужно было вербальных пояснений (Ирина Корсакова).
Читайте о художнике на AI: «Пульс времени. Ирина Корсакова».
Виктор Крапошин. Чай. 2021
— Выходит, среди нас ты был и вроде не был,
Ты просто пустота, которой все равно,
А на земле любовь, а над землею небо…
— А я ем яблоко и смотрю в окно (spoemdruzya.ru).
Герой Виктора Крапошина не ест яблоко, а пьет чай, в остальном же все точно так, поэтому, наверное, и вспомнилась эта песенка из удивительного по красоте и человечности фильма «Король-олень» (1969). Волею художника мы почти не видим идущих под окном, но понимаем, что там мужчины и женщины, дети и голуби, то есть обычные городские жители; их много, и то ли они связаны общей целью, то ли это просто многолюдная улица. Не важно. Зато важно небо, которое, как, пожалуй, почти ни в одной другой работе художника, с первого взгляда обращает на себя внимание: высокое, плотно-голубое, в белых облаках.
Персонаж Крапошина — человек в футляре, узнаваемый в любое время. Он и в окно-то смотрит просто потому, что на подоконнике стоит стакан с чаем. Художник пишет его равновеликим огромному дому напротив окна, и самое удивительное в этом доме то, что в одних окнах темнота, а в других, где свет, ничего не происходит (совсем не по-крапошински, а стало быть, значимо), только где-то вдали, на балкончике, маячат две фигуры, одна из которых почти прикрыта облаком. Эти две фигуры — как знак того, что герой еще не совсем потерян для общества.
Кипит городская жизнь, а герою все равно, что на земле любовь, а над землею небо…
***
Виктор Крапошин не следует какой-либо выбранной программе, не иллюстрирует идею, он движется в пространстве холста интуитивно, но всевластно, выталкивая на сцену персонажи, чья явленная на холсте жизнь озадачивает — привлекает — не отпускает — завораживает и в конце концов заставляет серьезно задуматься. Его картины всегда остаются в определенной мере загадкой, всегда есть «куда их продолжить»; задев за живое, они всплывают в памяти, будоража внутренний взор, иногда одаривая, как искрящийся поток, каким-нибудь новым бликом смысла и чуть приоткрыв свою тайну.
Добродушная ирония или едкий сарказм, гротеск, а иногда и романтическая меланхолия, исходящие от работ художника, часто прикрывают глубокую философскую идею. Большей частью в его работах представлено два среза, два сечения, два вектора движения: к истинно человеческому или от него, борьба центробежных или центростремительных сил становления человеческой формы (Вера Родина, искусствовед).
У мужчин моего поколения одним из самых ценных качеств считалось наличие чувства юмора. У Вити Крапошина его столько, что хватило бы и на десятерых. А самое главное, что его юмор, а иногда самый чёрный, выплёскивался в его творчество. Все его картины, как золотой патиной, пронизаны этим чисто московским сарказмом и иронией. Позволю себе одну параллель: если в литературе у нас есть потрясающий Венечка Ерофеев с гениальными «Москва — Петушки», то в живописи у нас есть не менее блестящий Витя Крапошин со всем своим творчеством. В любой его картине есть трагизм одновременно с чёрным юмором, есть философские обобщения с хулиганским хихиканьем, а главное, есть любимый мной наш российский быт с советским душком, замешанный на самом настоящим концентрированном сюрреализме.
Виктор Сидорович Крапошин, как и большинство художников его поколения, не относит себя ни к какому художественному течению. Но мне, как его другу и поклоннику, кажется, что наиболее близкое определение — это фантастический реализм. Замешав суровый советский реализм в фантасмагорию своих снов и фантазий, он получил на выходе ни на кого не похожий стиль, а именно — совершенно фантастический реализм (Константин Кошкин, художник, искусствовед, yandex.ru/q).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Виктор Крапошин».
Александр Курилов. Речная суета. 1996
В творчестве Александра Курилова ярко проявилась эстетика абстрактного сюрреализма. Причудливые биоморфные формы его картин напоминают произведения каталонца Ж. Миро, а также работы позднего В. Кандинского, созданные во Франции в 1930–40-е годы. Эстетика сюрреализма подразумевает обращение к глубинам человеческого подсознания, образы которого не поддаются однозначной смысловой интерпретации и допускают вариативность толкований. «Фантазируя и объединяя свой мир с реальным, Курилов воплощает в своих произведениях удивительное сосуществование подлинной жизни и вымышленного, абстрактного мира, населенного настоящими героями и таинственными существами, и явлениями, живущими по воле автора в упорядоченности и полном согласии», — пишет о его творчестве искусствовед И. Бушухина (Мария Беликова).
Автор, рассказывает о своих работах как имеющих прототип в реальной, окружающей его жизни: здесь и деревенские соседи, дачники любимой Ташлы, курицы и собаки, небо, облака и любимая жена с дочкой… Александр Курилов развил собственный изобразительный язык, который хотя еще и содержит элементы предметности, но в основном определяется чисто изобразительными средствами — формой, цветом, линией, плоскостью. Картина мира, которую он выстраивает, — позитивна, наполнена любовью и гармонией (orinfo.ru).
Юлия Малинина. Путешествие белого облака. Амстердам. 2014
Юлия Малинина — художник с метафизическим взглядом на мир, органически присущим отечественной школе живописи. Такой взгляд обнаруживает в окружающем художника пространстве объекты, созданные человеком, и объекты природы, несущие на себе печать отрешенности от повседневного. Структурной основой для художника является Архитектура — универсальный символ человеческой деятельности, продукт инженерной мысли и технологии, сочетающий высокое искусство и функцию оформления жизни. В архитектуре для художника объединяются природное, социальное и культурное, присутствуют характеристики пространственной среды и человека (Анна Флорковская, член-корреспондент РАХ, artcontract.ru).
Фигуративная живопись у Юлии Малининой выглядит своего рода реконструкцией художественного языка модернизма ХХ века — будь то американский реализм Эдварда Хоппера или Чарльза Шилера или метафизические ландшафты Джорджо де Кирико (cultobzor.ru).
Я люблю архитектуру, в промышленном же воплощении ее предельная функциональность, выверенность, обусловленность нахождения на своем месте выходит на первое место и рождает особую эстетическую красоту. Красоту, как правило, без изысков. Для меня это практически портреты заводов и иных индустриальных объектов, извлеченные из фигуративной окружающей действительности. В серии нет ландшафта, окружающего пейзажа в его классическом понимании. В картинах, можно считать, наличие горизонта мы достраиваем в голове, додумываем, что внизу должна быть трава, наверху — небо. В каком-то смысле, возможно, этот подход — отголоски моего реставрационного образования и моей тесной работы с иконами. Используя такие построения, я отсылаю себя к иконописной практике условности окружающего, с идеально ровным поземом (Юлия Малинина, artuzel.com).
Кирилл Протопопов. Женщина-рыба. 2020
Когда человек начинает работать, участвовать в творческом процессе, он постепенно начинает понимать, что ему близко, из чего он может творить. Я начинал с живописи, с плоскости, потом перешел в рельеф. Когда я пришёл к скульптуре, то много экспериментировал и пробовал разные техники. Через какое-то время я почувствовал, что бронза — это какой-то «вечный» материал, что он мне близок. Бронза — это достаточно мягкий металл, а есть такой металл — тоже бронза, но с большим содержанием цинка, — латунь. Жёлтого цвета, более жёсткий. Я стал использовать в скульптуре именно латунь, потому что, мне кажется, она более напряжённая, более звонкая.
Ещё, когда ты делаешь скульптуру, всегда нужно думать о пропорциях. Есть такое понятие — оптический вес. Должен быть баланс. Нужно вращать композицию вокруг центра и смотреть сверху, снизу, сбоку… Ведь скульптура — она круглая (Кирилл Протопопов, st-tatiana.ru).
Творческая стилистика Кирилла Протопопова основана на союзе воображения, творчества и знания — это необходимая формула для поиска авторского баланса между материалом и воображением, натурой и совершенной формой. Его скульптура балансирует на грани между произведением искусства и интерьерным объектом.
Пластика Протопопова, наделенная чертами высокой ювелирной эстетики ар-деко, никогда не впадает в утилитарность. Излюбленным материалом автора является бронза с многообразием оттенков поверхности металла, камень и смальта в сочетании с традиционной и современной техникой, а также графическим дизайном. Структура и выразительность поверхности здесь особенно важна, поскольку она дает представление о внутреннем напряжении произведения, а также определяет его взаимодействие с окружающим пространством (Екатерина Шмакова, искусствовед).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Кирилл Протопопов».
Анатолий Пурлик. Цветок кактуса. Обнаженная с цветком. 2008
«...бесполезно и скучно изображать реальность, ибо сама реальность уже неспособна удовлетворять автора в его желании оставаться действительно верным своей собственной природе. Тривиальное окружение уступает место воображению художника…» (Анатолий Пурлик, liveinternet.ru).
«Копировать на плоскости увиденное — скучно... Хороший способ проверить, обладает ли картина мелодией, прост: нужно взглянуть на неё с такого расстояния, чтобы нельзя было разобрать ни сюжета, ни линий. Если мелодия присутствует в картине, значит, она и имеет смысл и запечатлевается в вашей памяти...
24 квадратных метра холста — вот, что потребуется для воплощения каждого часа ваших эмоций от пережитого.
Образы появляются, как сок спелого фрукта, способного утолять жажду творчества не испитой до конца чаши...» (Анатолий Пурлик).
Ирина Ракова. Две вишни (Благая весть). 1991
Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.
Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).
Живопись Ирины Раковой — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает.
Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Ирина Ракова».
Роман Рахматулин. Ночь Кутузовского проспекта. 2020
При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь (Роман Рахматулин, romulen.ru).
Художник Роман Рахматулин искренне любит Москву, а его авторская манера деликатно преображает самые узнаваемые московские пейзажи: оставляя «в фокусе» единственный, самый значимый и выразительный объект, художник скрывает в потоках дождя, отсветах фонарей, наплывах тумана фрагменты городского пейзажа, легким намеком сообщая об их присутствии. Разбегающиеся в разные стороны автомобили сообщают всей композиции дополнительную естественную динамику. Дождь, свет, машины — все движется, и тем большее внимание зрителя сосредотачивается на «фокусном» объекте. Зритель любящим взглядом вглядывается в преображенный вид и знакомится с ним заново.
***
Художник необыкновенно остро чувствует окружающий мир, и пытается выразить свои ощущения только ему свойственным языком. Отсюда поиск необычных приемов и техник, поскольку стандартных технологий классической живописи (которыми Роман, кстати, безукоризненно владеет) ему явно не хватает для выражения всего богатства эмоций.
Здесь и эксперименты с акриловыми смесями, с различными смешанными техниками, с использованием объема и дополнительного материала — иногда травы, иногда потали. В общем, границ у искусства нет и быть не может, если художник страстно любит этот мир и честно пытается передать свои чувства зрителю (art-gnezdo.ru).
…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами. В общем, при взаимодействии с произведением искусства советую выстроить замкнутое пространство, где будете только вы и объект. (Пространство должно блокировать исторические, культурологические и прочие пояснения и расшифровки, включая то, что про эту вещь думает критик и ваш сосед по лестничной клетке…) Оказавшись в этом пространстве, вы должны наладить исключительно ваше взаимодействие (прослушивание, просмотр, ощупывание) с объектом. Музыка, скульптура, живопись — становятся таковыми только при наличии зрителя (для природы и физики это все те же элементы, молекулы, колебания волн, а для времени — пыль); таким образом, предмет искусства без вас, без зрителя, пустышка — значит, ТЫ, зритель, — его часть и изволь функционировать как часть произведения, со всей ответственностью, не перекладывая ни на кого своей работы, не облегчая себе жизнь (Роман Рахматулин, romulen.ru).
Желаем удачи на 129-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220815_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220815_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
