Открыт 116-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Ивана Акимова, Ивана Акулинина, Даниила Архипенко, Азама Атаханова, Константина Батынкова, Дмитрия Воронина, Михаила Дронова, Александра Жатова, Юлии Картошкиной, Александра Кацалапа, Сергея Кривцова, Андрея Мунца, Константина Худякова
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 430 и 116-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
В составе аукциона 13 лотов — семь живописных произведений, три скульптуры, две работы в смешанной технике и одна композиция, выполненная цифровой печатью.
Иван Акимов. Веселье. Из цикла «Валенки, или Русская утопия Ивана Акимова». 2002
Холст «Веселье» (2002) входит в цикл под названием «Валенки, или Русская утопия Ивана Акимова» (1988–1990, 2004–2005). Эта серия «всегда была с Иваном в задумках творческих и в его желании надеть на себя настоящие русские валенки, “тепло рук и души, чтобы душе не остыть”».
«Память — интересная штука, — писал Иван Акимов. — В ней можно мгновенно перескакивать из одной географической точки в другую, из одного десятилетия в другое. Моё детство у меня почему-то ассоциируется с белоснежной зимой, бескрайними просторами и тёплыми валенками. Когда детские воспоминания проецируются на бесконечные фрагменты моего прошлого и настоящего, то эти прозрачные наслоения создают тот иллюзорный мир моих картин, где всё взаправду, но всё-таки чуть-чуть что-то не так. То мужики мелковаты, а бабы великоваты. А то кентавры глушат водку с мужиками и, хрустя огурчиком, рассказывают о своих житейских проблемах, после чего восторженные слушатели неторопливо взмывают в небо и с высоты своего полёта высматривают ещё открытый винный магазин. Бабы безразлично наблюдают за полётом нетрезвого мужицкого косяка и после приземления неторопливо разбирают своих по домам: “Вернулся и слава Богу, теперь можно спокойно выпустить полетать стадо домашних рыб”. Жизнь течёт медленно и размеренно. Завтра будет новый день и старые заботы» (ivan-akimov.net).
«Это тип художника, которому было интереснее создавать каждую следующую минуту свой мир, а не тусоваться. К тому же его собственного внутреннего мира ему было более чем достаточно» (Георгий Никич, куратор выставки Ивана Акимова в Малом Манеже, 2014. rg.ru).
«“На выставках меня с трудом помещали в экспозицию, искали отдельную стенку. Я не уживался с любыми соседями”, — писал Акимов, любимец музыкантов, анахорет, индивидуалист» (rg.ru).
Автор вырос в понимании и сопротивлении догмам, сам обнаружил бесконечность форм и языков художественного выражения, но не смог «вписаться» в новые рыночные организационные структуры постсоветской художественной жизни — замкнулся в своей квартире, тотальной ежечасности творчества, в гармонии «любования» (ключевые слова «Ваня» + «Люба»), в борьбе с собой, в диалоге со «своими зелёными тараканами» (cultobzor.ru).
Творческий путь художника шел от ранних экспериментальных опытов живописи и графики до прикладных инсталляций и оригинальных работ по фольклорным мотивам.
Жизнь Ивана Акимова была посвящена поиску оригинальных индивидуальных форм творческого самовыражения, которые он сам называл своими «зелеными тараканами». Критики называют художника «человеком-загадкой». Он никого не пускал в свой внутренний мир, но его творческое переосмысление реальности поражало неожиданностью и точностью эстетических характеристик… Его работы — не художественный товар, а интимный диалог с самим собой и близкими людьми. Полотна Ивана Акимова — это «русская утопия», неустанное любование непростым, но прекрасным миром предметов и чувств.
«Много работаю и никогда на выставках не показываю дважды одни и те же работы, — рассказывал художник. — Пишу большими сериями. Серия включает обычно от 10 до 100 картин, объединенных какой-либо темой. Работаю над серией до той поры, пока хватает воображения, терпения и желания. Как только заканчивается одна, начинается другая. Материал не имеет значения — это может быть графика, коллаж, инсталляция, живопись.
Меня увлекает сам процесс придумывания проектов, иногда они так и умирают, не реализовавшись, но нередко я к ним возвращаюсь, смотрю другими <глазами> и переделываю. Часто пишу по 14 часов в сутки. Работаю под любимую музыку, орущую на полную мощь, стоя, и прохожу не один километр, отходя и подходя к мольберту. В таком ритме, как правило, работаю не больше двух недель…
Первой большой серией были “Звезды”. Это условное название. В этих работах вместе с масляной краской использовал звезды и другие металлические армейские знаки отличия, а так же большое количество значков доперестроечной эпохи, создавая из них декоративные композиции. Это не было соцартом — это была просто игра со знаками и значками как с декоративным материалом, и я не обращал внимания на их символику.
Параллельно я придумывал серию “Евреи в снегах”, которую в те времена было проще назвать “Валенки”. К этой теме я вернулся через 10 лет. Новые сюжеты, хотя герои все те же. Простая жизнь с элементами бытового сюрреализма».
Иван Николаевич Акимов родился 6 июля 1957 года в Москве. Окончил Московский Архитектурный Институт. Член Союза художников СССР с 1984 и Московского Союза художников с 1993 г. С 1984 года участвовал во всесоюзных, российских и московских выставках, а также в зарубежных экспозициях. Провел 18 персональных выставок в Москве. Жил и работал в Москве.
Работы находятся в собраниях художественных музеев России, в московской галерее CRASULA, в коллекции SWISS Bank, в частных коллекциях в Аргентине, Великобритании, Германии, Израиле, США, Португалии, России, Финляндии, Франции и Японии, в том числе в коллекциях Peugeot-Peyron (Франция), The Earl of Gowrie (Великобритания), W. Wittrock (Германия), Peter Мах (США), А. И. Антонова, Д. Н. Ермакова, И. Д. Кобзона, Стаса Намина (Россия), Natan Zakh (Израиль) (ivan-akimov.net).
Владимир Акулинин. Мир и Антимир. 2001
«Кинетическое искусство, зародившееся в Москве в начале 1960-х годов, появилось благодаря той же питательной среде, что и другие направления “диссидентского модернизма”, а отличалось от них (помимо прочего) тем, что апеллировало непосредственно к радикальным опытам супрематистов, конструктивистов и производственников 1920-х годов — причем не только к пластическим решениям абстракционистов и функционалистов, но и к их базовым утопическим воззрениям» (Саша Обухова, garagemca.org).
Владимир Акулинин (1943) — советский и российский художник-кинетист, один из старейших участников группы «Движение».
Художники-кинетисты, составлявшие «Движение» («русские кинеты», как они себя называли), создали в третьей четверти XX века творческое наследие, актуальное и в наше время. Оно включает разработки и художественные открытия в сфере «классической» живописи, графики и прикладного искусства, в области статических и кинетических объектов, перформансов и хепенингов. Опираясь на конструктивистские традиции русского авангарда начала XX века, используя идеи и завоевания современных им западных художников, «Движение» стремилось к синтезу искусств, объединяя передовое звучание так называемой «конкретной музыки» с мимансом и структурные живописно-графические геометризмы с кинетической скульптурой (artinvestment.ru).
Содружество художников-кинетистов Владимир Акулинин сравнил с «Великолепной семеркой» Джона Стерджеса — «рыцари нового искусства, художники, вместе приходят к близким эстетическим практикам, основу которых составляли, однако, совершенно разные мотивации». Самого Акулинина «к геометрической абстракции привели… представления о природе скульптуры, которая есть не что иное, как “сочетание плоскостей разных конфигураций в пространстве”» (Саша Обухова, garagemca.org).
Визуальная составляющая холста Акулинина «Мир и Антимир» (2001) напоминает достижения западного оп-арта, представители которого также стремились добиться разнообразных оптических иллюзий на плоской поверхности холста. Однако если зарубежные коллеги делали акцент именно на создании средствами живописи изощренных оптических эффектов, то в работе Акулинина наблюдается стремление дать художественное осмысление ключевых онтологических вопросов, ответы на которые дают как религия и философия, так и современная наука. Ярко выраженная «космическая» перспектива произведения сближает картину Акулинина на идейном уровне с работами Малевича, Кудряшева, Матюшина. Идейный лидер группы «Движение» Лев Нусберг, оказавший большое влияние на ее участников, в частности, рассматривал кинетическое искусство как высшее проявление человеческого духа: «Искусство должно следовать принципу — в бесконечном хаосе этого мира создавать некое “убежище” для гармонии и равновесия», – писал он (quartagallery.ru).
Эта точка зрения отразилась и в «Мире и Антимире». На непроницаемом черном фоне, отсылающем, вероятно, к темному пространству Вселенной, сияют два круга — «мир» и «антимир», согласно авторской трактовке. Эти два измерения, несмотря на семантическую оппозицию в названии работы, тесно между собой связаны и неотделимы друг от друга, что подчеркивается как их взаимопроникновением, так и перекличкой, наблюдаемой в цветовой гамме. Художник использует яркие спектральные цвета — зеленый, желтый, синий, красный и оранжевый. Пульсирующая энергия света исходит от этих кругов, словно символизируя метафизическое измерение, которое они выражают. Спиралевидные линии, напоминающие пропеллер двигателя, создают оптическую иллюзию вращения. В результате Акулинин добивается живого и концентрированного изображения с особой цветовой ритмикой и динамикой, а в самой работе предпринята попытка осмысления философских аспектов мироздания (Мария Беликова).
Даниил Архипенко. Отпечатки. Глава «Рождение». 2021
«Я подумал о том, что все мы, наблюдатели, чем-то связаны по рукам и ногам — семьей, друзьями, различными событиями. Но когда ты находишься в естественной среде, то пребываешь в состоянии гармонии и уже ничем не связан. Сейчас мы выезжаем за город и восхищаемся лесом, полями, горизонтом. А раньше все было по-другому: люди жили в окружении природы, поражались строящимся домам, первым машинам. Но все будто перевернулось: мы уезжаем за город, чтобы удивиться, хотя живем в среде, которая удивляла людей раньше. Парадокс какой-то» (Даниил Архипенко, artzot.ru).
Даниил Архипенко, автор холста «Отпечатки. Глава “Рождение”» (2021) живет и работает в Санкт-Петербурге. В работах Архипенко человек и присутствует, и отсутствует одновременно. Он выступает как наблюдатель или оставляет свои отпечатки, растворяясь в окружающем его пейзаже, а порой совсем покидая его.
В восприятии Даниила «отпечаток — это след, оставленный природой или же человеком во времени и пространстве, свидетельство о прошлом, которое мы обнаруживаем в настоящем; это признак постоянства в вечно изменяющемся мире». Объединив в своих работах современные материалы и секреты старых мастеров, Архипенко создал пространство тотального погружения зрителя в экспрессивную плоскость живописи (uralvisiongallery.com).
«Художник — это “пленник” красоты, — говорит автор. — Восхитившись, он хочет удержать это состояние, продлить его, поделиться им с кем-то еще» (uralvisiongallery.com). В работе Архипенко разворачивается панорама стихийных сил природы, масштаб которой определяют миниатюрные стаффажные фигурки людей. Здесь нет мистики, нет страха, только земля, небо и те, кто восхищенно наблюдает красоту мира. Искусство существует, «чтобы не растерять память о гармонии мира и передавать эти знания следующим поколениям. Чтобы отвлечь человека от сугубо конкретных реалий жизни, вынуть его из скорлупки, показать, как прекрасен и разнообразен мир. Чтобы реальность воспринималась цельнее, и оставалось меньше шансов запутаться в хаосе жизни» (uralvisiongallery.com).
Азам Атаханов. Дорога в Хисор. 2021
Хисор — так по-таджикски звучит название города Гиссар к западу от Душанбе, недалеко от кишлака Лучоб, родины Азама Атаханова.
«Вдохновение я беру в пейзажах родного для меня кишлака Лучоб, который находится вблизи города Душанбе» (Азам Атаханов, tj.sputniknews.ru). Лучоб для Атаханова не просто точка на карте, город или селение в одной из его многочисленных поездок, но — место силы, поэтому особенно интересно увидеть глазами художника его жителей, природу, почувствовать атмосферу. «Летом — осенью каждого года он старается высвободить время для поездки в Лучоб — горный кишлак, расположенный неподалеку от Душанбе. Природа родной земли приобщает к вечному, неизменному течению жизни, открывает вневременность, тайну в “обыденности бытия”» (Азам Атаханов. Поэма о смыслах. М., 2019. С. 16).
Атаханов — художник, синтезирующий в своём творчестве культурные традиции персидского Востока, русского авангарда и европейского Ренессанса, показывает иную, метафизическую сторону реальности, лишь внешне подобную окружающей действительности» (artmoskovia.ru).
Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атаханов, kommersant.ru).
Для художника наиболее важными категориями живописи являются цвет и пространство: его интересуют насыщенность цвета, верно найденный тон, его «звучание» в картине. «Изначально задача живописи — с помощью цвета создавать и передавать образ, информацию, чувства, как в музыке с помощью звука. Всё, что касается цвета, пространства и его влияния на зрителя, — это то, чем я занимаюсь 30 лет», — говорит Атаханов.
Источником вдохновения мастер называет красоту природы и человека в ней; всё то, что созидается человеком: произведения искусства и архитектуры, поэзия, сады и селения, жилища и предметы народного творчества, и конечно, музыка. Искусство для Азама Атаханова — это созидание благого, истинного, атрибутом которого является прекрасное. «Чем музыка отличается от шума, живопись от раскрашенной плоскости, литература от должностной инструкции? Лишь красотой. Только истинная красота придаёт искусству смысл. Постичь и передать её — единственная подлинная задача художника» (artmoskovia.ru).
Константин Батынков. Клоун. 2009
Я рисовал цирк всю жизнь, ну, по крайней мере, регулярно возвращался к этой теме. На самом деле цирк нас окружает, куда ни посмотри.
…Когда я был ребёнком, цирк был наиболее значимым видом искусства для нас тогдашних. Впечатление, полученное в детстве, хорошо укореняется. Ведь мы постоянно ходили в цирк. Во всех маленьких и крупных городах были открыты цирки, в Сочи, Красноярске. Когда я играл в баскетбол и мы приезжали на соревнования в какой-нибудь город, то культурной программой было обязательное посещение местного цирка. Музей-то не всегда был, а цирк-то всегда. Причём гастролировали в основном одни и те же артисты. <…> Я вживую видел много раз Никулина, Енгибарова, Шульгина, Карандаша, Олега Попова, который почему-то сильно не нравился детям, но официально считался самым великим клоуном. Когда в программке было его имя, дети говорили «УУУУУУ!!!!!». Все хотели Никулина, Енгибарова, которые были дико смешными и остроумными. Цирк был частью нашей жизни. Окуджава про цирк пел «Она по проволке ходила, болтала белою ногой»… Ещё лет десять назад показывали какие-нибудь фестивали цирка. А сейчас он исчез из телевизора, исчез из жизни. Может, просто сама жизнь превратилась в цирк? Цирк уехал, клоуны остались, просто они сейчас иначе выглядят и называются по-другому (Константин Батынков, iskusstvo.livejournal.com).
Это совсем иной Батынков — без «войнушки», вертолетов, кораблей. Кто-то, возможно, впервые откроет его для себя.
Это не грустный клоун. Это не шут, которому дурацкий колпак дает право на правду. Это немолодой клоун, мудрый клоун со смешинкой в глазах и еще одной, главной, чертой, о которой — ниже. Художник рассказывает о клоунах, которых ему довелось видеть в детстве и в молодости. Конечно, так не принято, но давайте попробуем представить себе, кто из них ближе всего к образу, написанному уже взрослым состоявшимся человеком. Примерим на них этот образ.
Леониду Енгибарову не суждено состариться, это артист из иного мира. Юрий Никулин, Михаил Шуйдин или Михаил Николаевич Румянцев (Карандаш) — блестящие профессионалы, серьезные на репетициях и уморительно смешные на манеже, каждым словом, жестом или взглядом понятные любому. Олег Попов — Солнечный клоун. Главными чертами его образа были доброта, трогательное дружелюбие и искренность (вспомните «Солнце в авоське»!). Его герой не заставлял хохотать до колик, и потому был не всем понятен, особенно детям (как пишет Батынков), но его короткие выступления дарили людям удивительный душевный свет, как будто он солнечным лучиком касался каждого сердца и ненадолго возвращал взрослым зрителям чистоту и бесхитростность детства. «Клоун» Константина Батынкова — добрый и искренний клоун. Олег Попов? Пожалуй…
Дмитрий Воронин. Бык. 2022
Дмитрий Борисович Воронин — художник-анималист, работающий в графике и станковой скульптуре, член Союза художников России, почётный член-корреспондент Международной академии культуры и искусства. Известен прежде всего как мастер деревянной скульптуры, виртуозно работающий в таких сложных техниках, как маркетри и инкрустация, поверхность его работ отличается богатой орнаментикой, игрой фактур и декоративностью.
Телеинтервью скульптора Дмитрия Воронина
Источник: youtube.com
Творческие поиски Воронина идут в русле модернистских исследований пластических возможностей, для которых характерна стилизация форм, абстрактность мышления, акцент на выразительной подаче образа. Созданные им анималистические композиции всегда узнаваемы, непосредственны и очаровательны. Глубокие знания и отточенное мастерство художника воплощаются в оригинальном авторском стиле, сочетающем академический инструментарий и эстетику народного и наивного искусства.
Высокое мастерство Воронина проявляется в умелом сочетании материалов, различающихся по физическим свойствам, твердости, цвету, фактуре, текстуре. Воронин сосредотачивает внимание на кропотливой работе с поверхностью. Скульптура «Бык» (2022) отличается выраженной декоративностью художественного решения, достигаемой за счет чередования разноцветных фрагментов древесины. Поверхность работы ритмизирована геометрическими узорами из треугольников и спиралевидных завитков, а также точечными вставками из меди. Несмотря на камерный размер, скульптурная композиция характеризуется тенденцией к монументальности. Воронин в очередной раз создает яркий образ животного, в котором узнается оригинальный авторский стиль (Мария Беликова).
«В конце 90-х годов, монтируя одну из скульптурных выставок, неожиданно увидел необычную работу. Спрашиваю: кто автор? Подходит скромный, худенький молодой человек… Это был Дима Воронин, а работа называлась “Рыба”.
С тех пор встреча с каждым произведением Димы вызывает у меня удивление и восхищение.
По мастерству обращения с материалом ему нет равных…
К своим открытиям в скульптуре Дима прошел и через классическую школу Строгановки, и через реставрацию, и через работу гл. художником фрезерного завода. В разное время его учителями были такие большие скульпторы, как Лев Михайлов, Александр Белашов, Александр Бурганов. Но сильнее всего, по мнению самого автора, на него <повлияло> творчество Андрея Марца. Гротескность образа, предельная лаконичность стали основными приемами и в творчестве скульптора Дмитрия Воронина.
В своих произведениях Дима как бы балансирует на грани. Отказ от традиционной пластики, идеализация формы, предельная выявленность материала легко могут увести в холодный дизайн и потерю внутренней теплоты содержания. Не случайно автор иногда возвращается к традиционной пластике — “Кот”.
Очевидна безразмерность многих произведений Димы, они могут быть воплощены и в более крупных размерах.
Почему животные? У Димы с детства были животные, он любил их и наблюдал за ними. Думаю, что внутреннее восхищение божественным творчеством — неисчерпаемость форм и конструкций — подлинный фундамент творчества скульптора Дмитрия Воронина» (22 апреля 2014, скульптор Борис Чёрствый).
Михаил Дронов. Фехтовальщик. 2005
Михаил Дронов — один из ведущих отечественных скульпторов. Художник отточенной формы принадлежит к поколению «восьмидесятников», чьи творческие пути определялись временем и осознанием себя частью этого времени. Он создает свой художественный мир, причудливый и многообразный, основанный на взаимосвязи реальности, фантазий и гротеска. Скульптор — экспериментатор, и дух его поисков всегда интересен. С легкостью объединяя реалистически-иллюзорную лепку с обобщенными формами, скульптор создает станковую работу, многофигурную композицию или натюрморт, где образный мир произведений подчинен исключительно свободе мироощущения и самовыражения (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
Михаил Дронов — яркий представитель поколения художников, которые родились в годы «оттепели», сформировались в 1970-х и вступили в творческую жизнь в 1980-х. Он принадлежит к группе мастеров, широко образованных, прошедших серьезную классическую школу и внутренне свободных. Узнаваемый, яркий художественный язык Дронова строится на высочайшем профессионализме. Это позволяет ему сочетать классическую традицию с пластическими новациями.
Достигая минимальными средствами максимального эффекта, он создает фантастический, насыщенный аллегориями и символами, мир. Его остроумная образность включает и повествовательное начало — оно прочитывается не в многословной детализации формы, а через внутреннее состояние причудливых персонажей.
Монументальные произведения автора установлены в нескольких городах. На площади Рембрандта в Амстердаме — скульптурная группа «Ночной дозор». М. Дронов выполнил ее совместно с А. Таратыновым по мотивам знаменитого полотна. Жителям Москвы знакома композиция Дронова «Александр и Натали» перед храмом «Большое Вознесение» у Никитских ворот, где венчался Пушкин с Гончаровой, и изображения благоверного князя Гавриила Псковского и преподобного Варлаама Хутынского на оконной арке южного фасада храма Христа Спасителя. Еще две монументальные работы скульптора представлены в Петербурге: «Пётр I» в аэропорту Пулково и «Святой Пётр» в Александровском парке (museum.ru).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Михаил Дронов».
Александр Жатов. Силуэты и формы. 2018
Натюрморт — преобладающий жанр в произведениях Александра Николаевича Жатова. Живописная композиция «Силуэты и формы», созданная в 2018 году, относится к своеобразному «переходному» периоду в творчестве художника. Из дня сегодняшнего в этой работе интересно наблюдать характерные черты ранней манеры художника — и те, которые сохранятся в зрелом периоде творчества (например, исторический характер подачи сюжета даже в постановочном натюрморте), и те, что всего через год останутся только на ранних полотнах (в частности, принцип сделанности и четкой детализации: «рама» и фон словно собраны из отдельных пикселей), уступив место более свободной живописной манере, отчасти обращенной к эстетике голландского натюрморта XVII века.
Александр Николаевич Жатов — живописец, график. Родился в 1982 году в Саратове, в семье художника Николая Владимировича Жатова. Окончил Саратовское художественное училище (2003). Живет и работает в Орле. Победитель конкурса «Пою мое отечество» (2004). Участник областных выставок. Работы хранятся в частных собраниях в России и за рубежом.
Юлия Картошкина. Девушка с гитарой. Оммаж Анри Матиссу. 2021
О картинах Юлии Картошкиной просто и ясно написал коллекционер Александр Флоренский: «прекрасны и удивительны, их скорее нужно покупать и вешать на стену» (irin-krainov1.livejournal.com).
Юлия Картошкина — московская художница, творчество которой созвучно европейскому модернизму первой трети ХХ века, в особенности фовизму и экспрессионизму. Окончила курсы в МХГПА им. С. Г. Строганова и Российскую Государственную Специализированную Академию Искусств. Регулярный участник всероссийских групповых и персональных выставок. Работы Картошкиной находятся в собрании Саратовского музея им. Радищева, а также в частных коллекциях России и за рубежом.
В работе «Девушка с гитарой. Оммаж Анри Матиссу» (2021) содержатся стилистические и сюжетные отсылки к французскому фовизму, в частности к произведениям Анри Матисса, создавшего множество изображений женщин в интерьерах комнат. Как и французский живописец, Картошкина сосредотачивает внимание на колористической составляющей, которая главенствует над формой, задавая определенный эмоциональный настрой. Для этого художница использует яркие локальные цвета. Фигуры девушек, сидящих на диване в комнате, трактованы плоскостно. Работу отличает декоративно-ритмизированная организация формальных элементов и отказ от пространственной глубины в пользу цветовых плоскостей. Картошкина создает красочное произведение, в котором живет эстетика фовизма, радующая зрителей энергией цвета и наполняющая их позитивным эмоциональным зарядом (Мария Беликова).
Александр Кацалап. Натюрморт с зеленым яблоком. 2001
Александр Кацалап не ограничивается в творчестве одним выбранным стилем или направлением, он свободно оперирует изобразительными кодами в зависимости от художественной задачи, совмещает в своем творчестве полистилистику модернизма и концептуальное искусство.
Каждый новый проект Александра Кацалапа — это новый творческий период, отмеченный новой магистральной идеей и новой, оригинальной художнической манерой, не похожей на все предшествующие и будущие. Так, «Мегаполис», до краев наполненный бегущими людьми, отсылает к стилистике примитива. «Моя территория» — микромир дачного дома и участка, ограниченный забором, который нередко становится ключевым образом работ серии. А раньше — черное небо с решетками и идеи космизма в работах, показанных в Зверевском центре на совместной выставке с Александром Шеко, учеником и другом Бориса Смирнова-Русецкого, теоретика и одного из основателей «Амаравеллы». А потом — произведения, отсылающие к стилистике шестидесятника Владимира Немухина, многолетнее знакомство и общение с которым оказало на Кацалапа огромное духовное влияние. И т.д. Эта непохожесть разных серий сближает Кацалапа с шестидесятником Сергеем Бордачёвым, таким же очевидным противником универсальных стилистических формул.
«Натюрморт с зеленым яблоком» написан в 2001 году, в период, когда манера Кацалапа по стилистике и образно-сюжетной составляющей обращалась к эстетике модерна. Композиция в естественных спокойных тонах производит впечатление витража или мозаики, а ее выраженная декоративность и романтические интонации обогащают зрительское восприятие.
Работая в разных «манерах», всегда примеряя к ним критерий «сделанности», он одинаково далек как от полного увлечения чисто живописно-пластическими приемами… так и от «литературной зауми» сюжетного или концептуального толка. Он правдив, часто прямолинеен в отстаивании своего права, «своей территории», своего мироощущения: мира вещного, прочного, порой и с мистическими реминисценциями символов и намеков, но своего, отгороженного от суеты и мишуры повседневности (Валерий Дудаков, коллекционер, художественный критик).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Кацалап».
Сергей Кривцов. Бегущий носорог. 2021
Животный мир, его бесконечное разнообразие привлекали меня с детства. Мне нравилось рисовать и лепить животных. И я сделал свой выбор, став художником-анималистом. Еще студентом посчастливилось познакомиться с удивительным мастером, мэтром отечественной анималистики скульптором Андреем Валериановичем Марцем. Он был моим наставником в освоении этого сложного, интереснейшего жанра.
В своих работах стремлюсь передать динамику и экспрессию. Люблю показывать зверей в момент борьбы, напряжения всех сил, когда исход схватки неясен и накал достигает апогея (Сергей Кривцов, academy-andriaka.ru).
Он может причудливо изогнуть и закрутить форму, казалось бы, невероятным образом. Но при этом пластика сохранит естественность и будет точна.
Для него конкретное наблюдение — отправная точка создания художественного образа. Анималистика — один из самых трудных жанров, ведь главный источник вдохновения здесь — природа. А она, как известно, изучения требует длительного и тщательного. Художник-анималист самостоятельно постигает анатомические особенности разных животных, наблюдает их, становясь настоящим натуралистом.
Однако природу недостаточно просто скопировать. Чтобы бронза «ожила», нужно вдохнуть в нее свою энергию. Сергей Кривцов уверен: «Скульптура – не застывший металл, это механизм, имеющий невидимые внутренние пружины и рычаги, нужно только суметь их правильно найти и заложить». Художник, как и писатель, должен сродниться со своим героем, «влезть в шкуру» каждого зверя, чтобы понять его образ.
Характерная черта этого скульптора — честный, серьезный подход к работе. Кривцов старается ориентироваться на классические каноны «старого образца», правда, нередко экспериментирует и с новыми материалами. Но если речь идет о бронзовом литье, никогда не пропускает этапы: пластилин — гипс — воск — бронза: «Только работая с полной отдачей на всех этих стадиях, можешь получить результат». Это тот случай, когда творческое вдохновение художника и владение ремеслом соединяются вместе, чтобы дать рождение замечательным произведениям (academy-andriaka.ru).
Андрей Мунц. Водоворот событий. 2002
«Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям» (Андрей Мунц).
Будучи архитектором, а также педагогом, Мунц зачастую действует в рациональном творческом поле. Поэтому столь ценна для него становится возможность спонтанного самовыражения, которую дает живопись, не привязанная к натуре. Художник стремится изобразить не то, что видит, а то, что чувствует. Его работы являются отражением свободного и личного эмоционального переживания (Юлия Волгина, искусствовед).
Как бы ни был логичен и последователен окружающий нас мир, наполненный завершенными формами предметов, он все равно живет по законам содержания. Художники-реалисты, последовательно и скрупулёзно описывая форму за формой и взаимодействия их в пространстве, транслируют свои личные переживания и размышления, связанные с изображаемым.
Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена эта последовательность и внешняя логика, в нем, как будто, и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения, в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.
И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя (Наталья Сопова).
Константин Худяков. Женщина & Мух. 2014
В творчестве Константина Худякова авангардный футурологический пафос органично сочетается с визуальной эстетикой цифрового мифа.
Константин Худяков, по сути, является художником-визионером, предвосхитившим цифровой тоталитаризм… (erarta.com).
Метод художника бескомпромиссно современен: на протяжении полутора десятков лет Худяков сосредоточен на максимально вдумчивом и детальном освоении цифровых технологий и коммуникаций как уникальных и универсальных инструментов, наилучшим образом подходящих для решения актуальных творческих задач. Что это за задачи? В общем виде их можно описать как попытку создания новой мифологии. Мифологии распада прежней цивилизации и зарождения новой, синтеза биологического и технологического начал, сопоставления масштабов макро- и микрокосма, метафизического переосмысления пространства и его заполнения (moscowarch.ru).
«Константин Худяков исследует тотальность пространства через тотальность образа — н инкрустирует образы пространств деталями и фактурами, выводит их за пределы плоскости, дает нам рассмотреть их с разных сторон. Он погружает нас в великолепный ужас новой виртуальной тотальности», — пишет о произведениях мастера художественный критик А. Евангели (web.archive.org).
Компьютерная работа окрашена эмоционально «ровно настолько, насколько талантлив или бездарен художник, — говорит академик РАХ Константин Васильевич Худяков, автор тиражного холста «Женщина & Мух» (2014). — <Компьютер — это> инструмент, авторская технология, которые позволяют раскрыть и показать образы, рождаемые воображением, переживаниями, впечатлениями». Работа в нашем каталоге фигуративна, изобретательна и насыщена множеством элементов, разбираться в которых по-настоящему интересно.
Читайте о художнике на AI: «Художник недели. Константин Худяков».
Желаем удачи на 116-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220516_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220516_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
