Открыт 88-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   18 октября 2021

В каталоге собраны произведения Юрия Бабича, Константина Батынкова, Марии Буртовой, Анатолия Горяинова, Дмитрия Горячкина (группа «ДАДИМ»), Юрия Григорьева, Михаила Ермолова, Александра Кацалапа, Бориса Кочейшвили, Валерия Кошлякова, Андрея Мунтяна, Дамира Муратова, Шамиля Надрова, Ирины Раковой, Романа Рахматулина и Тимофея Смирнова

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 402 и 88-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 88-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 16 лотов — девять живописных произведений, два листа оригинальной графики, три работы в смешанной технике, одна скульптура и одна фотокомпозиция.

Юрий Бабич. Портрет девушки. 2010

Мой метод был создан для производства фотографического изображения, обладающего станковым характером. В результате получаются произведения эксклюзивного музейного качества, воссоздающие пластику дагеротипного изображения, которое, как казалось ранее, осталось в истории фотографии середины XIX века (Юрий Бабич).

Эксперименты по созданию новых методов печати фотографических изображений были начаты Юрием Бабичем ещё в 1996 году. От первых опытов до уникальной авторской технологии, позволяющей получить высококачественное дагероскопическое изображение, в полной мере воссоздающее пластику старинных дагерротипов, прошло почти 12 лет.

С технической точки зрения дагероскоп — это многослойное изображение, полученное путём последовательного спекания образующих его слоёв. Основой дагероскопического изображения служит подложка из драгоценных металлов, на которую с помощью самых современных технологий, таких как технология масштабируемой печати, нанесено фотографическое изображение, покрытое ламинатом или нейтральными в химическом отношении лаками. Благодаря многослойной основе дагероскопа изображение меняет свои свойства в зависимости от ракурса, условий освещения и наличия микро-разрывов на золотых или серебряных слоях, наносимых поверх металлического листа перед переносом на него самого изображения. С этим связан и принципиальный отказ автора от репродуцирования его работ, которые теряют при плоскостном воспроизведении большую часть своих художественных качеств.

Каждую неделю в аукционном обзоре мы пишем, что аутентично передать произведение искусства ни одно устройство не может, ибо между произведением и зрителем стоят фотоаппарат и экран. Личное восприятие не заменит никакая техника, ибо каждый человек видит картину и чувствует ее ауру по-своему. Работы Юрия Бабича видеть лично необходимо — это главное условие их правильного восприятия.

Читайте об авторе и его уникальной технологии фотопечати на AI: «Персона недели: Юрий Бабич».

Константин Батынков. Без названия. Из серии «Снеговики». 2001

Константин Батынков, известный своей виртуозной живописью, тяготеющей к технике каллиграфии, — художник, чей панорамный всеохватывающий взгляд удивляет вниманием к деталям. Эстетика его произведений отсылает к искусству Общества станковистов, участники которого запечатлевали индустриализацию начала XX века. Константин Батынков, с юности увлеченный Александром Лабасом, также обращается к теме городского пейзажа. Однако пространство его работ наполняется узнаваемыми деталями: самолетами, вертолетами, дирижаблями, летающими тарелками, кораблями, подлодками — военной техникой, которую он изучал в Московском институте инженеров гражданской авиации. Эти объекты возникают в самых неожиданных местах, наполняя образ произведения фантазийной сюрреалистичностью (Сергей Попов, искусствовед).

Портреты Константина Батынкова совсем не похожи на городские пейзажи ни идеей, ни манерой, ни стилем, но в творчестве художника они занимают важное место и не менее узнаваемы, чем знаменитые батынковские «войнушки».

Известная серия портретов снеговиков, к которой относится наш сегодняшний лист, обязана своим рождением проектам пейзажного строительства Николая Полисского в Никола-Ленивце.

Полисский рассказывал в интервью: «Можно сказать, что все началось со снеговиков. Бесконечный снег в бескрайних просторах — основной русский материал, нам захотелось что-нибудь из него сделать. Мы решили налепить снеговиков, но в большом количестве, и они стали личностями, индивидуумами. <…> В Москве мы много говорим с Костей (Батынковым. — AI.), обо всем, постоянно… Костя — это человек, с которым я обсуждаю все проекты. Это поддержка, советы. Он сделал серию портретов снеговиков. В этом проекте участвовал и С. Лобанов».

Для Константина Батынкова снеговики, портреты которых стали его своеобразным «вкладом» в совместный проект, — «это прообраз, архетип».

«Первая мысль человека, когда он видит первый снег, — сделать снеговика; и все делают снеговиков, от мала до велика, — объяснял Николай Полисский идею проекта. — Народная забава. Это нравится всем. Это скульптура, существующая во всех северных странах. Наш опыт в том, что мы их наделали в огромном количестве. Можно их сравнивать. Это огромные куклы, живые скульптуры, чей век недолог, чья жизнь напоминает человеческую: рождение, различные условия жизни и естественная смерть» (polissky.ru).

Мария Буртова. Самоизоляция 3. 2020

«У всех художников бывают наиболее продуктивные периоды. У Марии Буртовой этот период случился в нелегкие времена пандемии.

День за днем она работала, творила и создавала образы самоизоляции. Ее взгляд был обращён к пейзажу, сюжетным сценам в метро, были и детские игрушки, да и просто все мы, погруженные в страх и трепет неизвестности завтрашнего дня и системы запретов.

Подобные темы захлестнули большинство авторов в то время, но у Маши масочно-пандемийные сюжеты приобрели иной характер. Поэтически философский. Образы — это рефлексия человеческого ума. Ума, который призывает зрителя к соразмышлению.

Рассматривание работ Марии Буртовой — это диалог.

Диалог с художником.

Художники всегда на карантине и в самоизоляции. Что помогает им создавать» (текст предоставлен М. Буртовой).

Анатолий Горяинов. Первый снег. 2017

Анатолий Петрович Горяинов (1957) — известный российский фотограф, его работы неоднократно публиковались, выставлялись на многих отечественных и зарубежных площадках. В каждом жанре фотоискусства, в котором он работает, — любимом городском пейзаже, сельских пейзажах, натюрмортах, флоральных композициях и т.д. — Горяинов нашел собственный авторский язык. Он всегда разный, и в этом его своеобразие, но объединяет все его фотоработы очевидная композиционная стройность и сделанность (выверенность до миллиметра), а еще — насыщенность каждого снимка действием, движением. Это наполненные воздухом и одновременно удивительно плотные работы: взгляд мастера не терпит неоправданной пустоты. Московские фотографы — люди замечательные и очень интересные, каждый может часами рассказывать о своих профессиональных приключениях, хотя, конечно, есть истории легендарные — о том, например, как Николай Рахманов снимал Соборную площадь Кремля или как Анатолию Горяинову в девяностых удалось перекрыть движение на Тверской, чтобы с самой середины проезжей части сделать красивейшую ночную панораму в огнях от Пушкинской площади к Кремлю.

По образованию Горяинов — профессиональный художник, график, выпускник Московского государственного художественного института им. Сурикова. Как живописец он развивает в своем творчестве достижения европейского модернизма первой трети ХХ века — Парижской школы, фовизма, экспрессионизма, а также наивного искусства.

Русская провинция, Москва и люди — это моя любимая тема творчества, и когда есть возможность, я беру, краски и холсты и с удовольствием делаю композиции города, провинции и людей! Это самое счастливое время, когда находишь тему с удачным светом и композицией. Главное в искусстве — это не объяснение своего творчества, а когда зритель получает творческий контакт с автором, видит его картины глазами и воспринимает сердцем! (Анатолий Горяинов).

«Первый снег» (2017) Анатолия Горяинова отчасти отсылает зрителя скорее к нидерландской провинции, к зимним пейзажам Питера Брейгеля Старшего. Но пейзаж Горяинова — теплый, уютный, с дымками, поднимающимися из труб к яркому голубому небу, с веселыми сороками, которым ничего не угрожает.

В этой работе мы узнаем чистые цвета художника и его характерную графичность, узнаем тщательно выстроенную композицию, узнаем в чем-то наивную и очень человечную живопись московского мастера.

Дима Горячкин. Человек — электронные часы. 2019

Дима Горячкин — в прошлом координатор Зверевского центра современного искусства, действующий куратор Центрального дома архитектора, сооснователь галереи «Искусство — это всё!», фотограф, скульптор и художник

«Критик Александр Панов, — рассказывает Дима Горячкин, — дал очень точное определение моим работам: “Ты пытаешься восстановить отсутствующие воспоминания”. Дело в том, что у меня физиологически очень плохая память. У меня почти нет в бэкграунде детских, юношеских воспоминаний. Но меня всегда интересовало мое прошлое, прошлое предков, взаимосвязи между временами, социумами, пространствами. И так как я достаточно большой эгоист, мне было интересно, прежде всего, как это все преломлялось во мне. А поскольку я ничего не помню…

— Это не сами воспоминания, а их символы?

— Именно. Я восстанавливаю не конкретные воспоминания, а их значение для меня» (rus.lsm.lv).

Куратор и критик Лиза Плавинская относит Диму Горячкина к третьему русскому авангарду — явлению, которое она сама (автор термина) описывает как «хаотичное сборище художников, находящихся вне системы не только по обстоятельствам, но и по убеждениям, свободных в творческом выборе всего и объединенных только диким желанием работать».

Рассуждая об авангарде, художник Лидия Витковская пишет: «К характерным и общим чертам большинства авангардных феноменов относятся их осознанный заостренно-экспериментальный характер, революционно-разрушительный пафос, направленный на традиционное искусство и традиционные ценности культуры; резкий протест против всего, что представлялось их создателям и участникам ретроградным, консервативным, обывательским, буржуазным, академическим.

Третий авангард пошел совсем другим путем. “Искусство — это всё!” — это и слоган движения, и название галереи, долго и успешно путешествующей по миру, по новым и влиятельным ярмаркам. Смирившиеся и даже преуспевшие в мире буржуа художники (в общем смысле этого слова) создали необычный стиль, причем, что интересно, с использованием как обычных, так и самых современных технологий.

Дмитрий Горячкин променял фотоаппарат на сварку и резку металла и теперь делает важные скульптуры, отдаленных родственников Джакометти и Родена. Он считает, что искусство просто обязано быть серьезным».

Устремленные ввысь скульптуры Димы Горячкина всем своим видом говорят нет условностям. Отсутствие плавильной печи не повод отказываться от работы с металлом. Изобретение новой технологии опять как решение насущных проблем. («И я нашел собственную технологию: нагреваю железо до 2 тысяч градусов, чтобы получить рваную фактуру, которая мне нужна».) Нет пробуксовке! Только вперед! Интуитивно складывая кусочки металла и оплавляя их сварочным аппаратом, Дима достигает поставленной цели. Его скульптуры живут и дышат, танцуют и стремятся ввысь (Ольга Погасова).

Юрий Григорьев. Гурзуф. Дом А. П. Чехова. 2007

Природа не просто пейзаж или среда обитания, природа — часть нас самих, и я не знаю, какая она объективно, и никто не знает. Я знаю природу только через свое восприятие: изображая ее, я изображаю себя, свои настроения, чувства… (Юрий Григорьев, gallerypst.com).

В творчестве Григорьева продолжают жить достижения европейского модернизма первой трети ХХ века, французского фовизма, немецкого экспрессионизма, живописи мастеров круга «Бубнового валета», хотя Григорьев не ведет ни с кем из художников прямого диалога. Его также привлекает колористическая составляющая работ Эль Греко. Работы Григорьева отличаются свободной лепкой живописных форм, где цвет является одной из главных составляющих изобразительного языка (Мария Беликова).

Михаил Ермолов. 12.04.1961. 2018

Известность Михаилу Ермолову принесла серия оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха», в которой представлены образы, ассоциирующиеся в массовом сознании с советским детством. Автор воспроизводит на своих полотнах атрибуты ушедшей эпохи, которые в своей ретро-стилистике напоминают выцветшие полотна, созданные в середине прошлого века.

«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).

12 апреля 1961 года человек впервые совершил полет в космос. Художник обращается к этому событию и к образу первого космонавта. Портрет Юрия Гагарина он помещает в центр красной звезды — как абсолютную ценность, отсылая зрителя к ордену Красной Звезды, одному из самых почитаемых в армии и в народе орденов.

Возможна и еще одна трактовка «звездного обрамления» портрета первого космонавта — на первый взгляд несерьезная, но, быть может, по сути, даже более важная для автора, которому тогда едва ли исполнилось шесть лет. Всеобщий восторг охватил после сообщения о полете Гагарина всех, от мала до велика, и каждый мальчишка немедленно начал мечтать о космосе. А первоклашек принимали в октябрята и вручали значок — маленькую красную звездочку с детским портретом Ленина (тогда еще Володи Ульянова), который носили на школьной форме. О ребенке с портрета нужно было рассказывать, соединять его в детском сознании с образом «дедушки Ленина» с памятников, названий и пр. И вот к такому значку — только с портретом современника, первого человека, преодолевшего земное притяжение, по стопам которого хотели пойти все мальчишки страны, живого символа их мечты — отсылает образ на картине Михаила Ермолова.

Александр Кацалап. Мегаполис и территория. 2020

Александр Кацалап совмещает в своем творчестве полистилистику модернизма и концептуальное искусство, создавая оригинальные и узнаваемые произведения.

В середине 2000-х Кацалапу посчастливилось познакомиться с Владимиром Николаевичем Немухиным — одним из немногих мастеров, с именами которых связано понятие второго русского авангарда. По собственному признанию художника, Немухин оказал существенное влияние на его мировоззрение, задав концептуальный вектор его творчеству. Как и многие нонконформисты, Кацалап также переосмысливает достижения отечественного искусства 1910–20-х годов. Он совмещает супрематические формы Малевича с примитивистской эстетикой, заполняя все пространство своих работ геометризированными персонажами и отказываясь от перспективы и глубины.

С 2011 года художник работает над проектом «Моя территория» — серией картин, скульптур и инсталляций, объединенных мотивом личной территории человека, первообразом которой стал собственный участок художника, окруженный забором, и коттедж, где он живет. «В 2011 году я осознал простой факт, что всё, что есть на моем участке в коттеджном поселке, недалеко от Москвы, в полной мере отражает весь мир в его громадности и многообразии. На моем участке есть трава, деревья, облака, небо, солнце, звезды, птицы, а если чего и не хватает, то Интернет поможет связаться с любой точкой мира. И у меня, у художника, нет потребности в поисках новых впечатлений, нет необходимости ехать куда-либо, потому что, у меня есть всё...» (Александр Кацалап).

Работая в разных «манерах», всегда примеряя к ним критерий «сделанности», он одинаково далек как от полного увлечения чисто живописно-пластическими приемами, что заполняет нашу выставочную практику всем уже поднадоевшей «виртуозностью» абстракции, так и от «литературной зауми» сюжетного или концептуального толка. Он правдив, часто прямолинеен в отстаивании своего права, «своей территории», своего мироощущения: мира вещного, прочного, порой и с мистическими реминисценциями символов и намеков, но своего, отгороженного от суеты и мишуры повседневности (Валерий Дудаков, коллекционер, художественный критик).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Кацалап».

Борис Кочейшвили. Женщина в шляпе. 1985

Произведения Бориса Кочейшвили находятся в собраниях ведущих музеев — Государственной Третьяковской галереи, ГМИИ им. Пушкина, Государственного музея Востока, Государственного Русского музея, Музея Людвига (Германия), Национальной галереи Грузии, Музея AZ, более чем в тридцати российских региональных художественных музеях, а также в частных собраниях по всему миру.

Самобытный и независимый представитель поколения «семидесятников», Борис Кочейшвили закончил художественное училище 1905 года, обучался искусству печатной графики в легендарной художественной студии Нивинского под руководством Евгения Тейса. В 1964 году Кочейшвили стал самым молодым членом МОСХа и, вместе с другими видными советскими художниками, был отправлен в творческую командировку в Италию. Впечатления от этой поездки оказали большое влияние на молодого автора.

Борис Кочейшвили состоялся в графике и в живописи, изобрел новый вид скульптурного рельефа. Его стихи вошли в Антологию русской поэзии второй половины ХХ века наряду с произведениями Иосифа Бродского и Всеволода Некрасова (tretyakovgallery.ru).

Собственный узнаваемый стиль Бориса Кочейшвили сформировался в 1970-х. В основе его — острый характерный рисунок, театральность, своеобразная пластическая резкость. Считается, что Кочейшвили в первую очередь сильный график, мастер композиции и пластики произведения (Тамара Вехова, искусствовед, artinvestment.ru).

В середине 1970-х Кочейшвили начинает показывать свои «фирменные» рисунки тушью на мелованной бумаге (Александр Боровский, kocheishvili.foundation). В 1972 году состоялась первая персональная выставка художника — в Офортной экспериментальной студии им. И. И. Нивинского. В конце 1970-х второй женой художника становится актриса Лия Ахеджакова. Он пишет её портреты, а также Инны Чуриковой, Фазиля Искандера и других (ru.wikipedia.org).

Несмотря на близость к «другому искусству» и неофициальной культуре, Борис Кочейшвили не был подпольным художником-нонконформистом. <…>

Работы Кочейшвили достаточно увидеть один раз, чтобы впредь безошибочно определять руку художника. А секрет прост: свой язык и стиль, сформированные в 1960-х, художник пронес почти неизменными через пять десятилетий. Менялись техники, менялась палитра, к графике и традиционной «плоской» живописи в 1990-х добавились фирменные «медные» картины и гипсовые рельефы. Но общая манера и символьность остались прежними — из тех еще времен (artinvestment.ru).

Валерий Кошляков. Площадь Маяковского. 1992

«Площадь Маяковского» (1992) Валерия Кошлякова выполнена на гофрокартоне — произведения на этом материале стали одной из «визитных карточек» художника. Работа относится к большой серии видов Москвы, над которой Кошляков работал в 1990-х, и написана в очень интересном ракурсе. Обычно центром композиции избирают памятник поэту, а в перспективе — вид на Садовое кольцо в сторону Большой Садовой улицы, в нашей же работе художник изображает площадь (ныне она носит название Триумфальной) и ее исторические здания в противоположном направлении: справа зритель видит колоннаду здания Концертного зала Чайковского, а впереди — сохранившееся до сих пор, хоть и в сильно перестроенном виде, здание доходного дома братьев Хомяковых, памятное москвичам старшего поколения по располагавшемуся на его первом этаже ресторану «София». Памятник поэту едва угадывается в дымке.

В начале 1990-х Кошляков приехал из Ростова, где учился, работал и жил, в Москву. Здесь он постепенно пришел к своему особому художественному стилю, узнаваемому почерку, который выделил его и заставил запомнить среди великого множества представителей молодого поколения концептуальных авторов.

Крупноформатные работы он выполняет разведенной белилами гуашью (в дальнейшем — и акрилом) по гофрированному упаковочному картону (из которого делают коробки для бытовой техники). Сочетание этих материалов создает неповторимую фактуру размытости, дымки, случайных потеков и линий, из которых взгляд выхватывает безукоризненный силуэт, принадлежащий давно ушедшей эпохе. Вместе с техникой и стилем определилась и основная (на долгие годы) тематика произведений: художнику интересны символы мировой классической культуры — архитектура и памятники прошлых эпох (artinvestment.ru).

Для одних его работы «не только напоминают о неумолимом беге времени, о разрушительном законе энтропии, об исчезновении древних культур, но и свидетельствуют о современном мире, который, несмотря на все достижения цивилизации, оказывается как никогда хрупким и уязвимым» (Анна Арутюнян, mmoma.ru). Другие видят в них проявление оппозиции к реальности в редуцированной форме и утверждение вечности канонов старого искусства. «В античности нельзя разочароваться, что бы с ней ни делать — ломать или реставрировать. <…> Ностальгические напоминания о вечности, пусть и превращенные в тень, должны намекать на ложность той картины действительности, которую нам внушает массовая культура» (В. С. Турчин).

Творчество Кошлякова — это довольно редкий случай, когда современный русский художник не вызывает идиосинкразии ни у одной из групп покупателей. Наоборот, он по душе и тем и другим. Знаковая фигура в лагере «актуальщиков», в прошлом соратник Авдея Тер-Оганьяна по товариществу «Искусство или смерть», художник знаменитого сквота в Трехпрудном переулке — Валерий Кошляков не встал на путь протеста ради протеста и полного отрицания пластических основ. Не случайно его живопись остается вполне понятной как поклонникам контемпорари, так и закоренелым консерваторам. Античные руины на гофрокартоне или символы советской эпохи на металле не вызывают внутреннего протеста у ценителей, чье зрение настроено на классику (artinvestment.ru).

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Валерий Кошляков».

Андрей Мунтян. Курительница трубки. 2003

С самого рождения перед глазами художника на стенах висели старые фламандцы, а антикварная мебель красного дерева украшала быт. Блестяще образованная бабушка учила считывать тонкие метафизические вибрации событий и вещей. Постепенно стало выкристаллизовываться аморфное, дотоле неосознанное, тело Гармонии. У будущего мастера сложился сугубо индивидуальный вкус к определенной эпохе, литературе и музыке. Соединенные Судьбой, эти 3 вектора привели к четвертому — живописи (mountian.ru).

Потомственный художник, Мунтян избрал близкую к классической технику — настолько, что он часто выбирает сюжеты, которые любили художники ранних времен, Его картины аллегорически повествуют о том, что волнует людей во все времена: красота мира, духовный рост, проявление силы, нравственный выбор, взаимоотношения (ng.ru).

До 1986 года Андрей Мунтян работал в области плаката и промышленной рекламы. Однако начиная с 1986 г. стал заниматься только живописью и графикой. За годы своей творческой деятельности провел более 50 персональных выставок в России, Италии, Франции, США, Австрии, Германии, Испании, Японии, Португалии, Эстонии, Латвии и Черногории.

В живописи приоритетами художника являются философско-религиозная тематика и иконопись. Но, выезжая на природу, он с большой охотой и любовью пишет ее в технике а ля прима. Скрупулезность подхода к живописным работам проявляется и в его графике. Тушью и пером он передает не только характеры отдельных людей, но и создает вымышленные пейзажные пространства.

С 2005 года Андрей Мунтян постоянно проживает в г. Будва, Черногория. Пишет картины под музыку периода Барокко — Баха, Генделя, Перголези, Моцарта, Зеленки (mountian.ru).

Дамир Муратов. Атланты. 2009

Я воспринимаю мир как улыбку Бога, а не как сопротивление непонятно чему (Дамир Муратов, artuzel.com).

Ирония, эрудиция, доброта — мир, который создает вокруг себя Дамир Муратов, — уютный, яркий, наполненный смыслом. Он тот художник, что может водить тебя за собой по миру античной мифологии, или за нос — в твоем потребительско-бытовом мирке, но тебе одинаково хорошо в любых путешествиях рядом с ним. Обожаю яркие цвета, которые он выбирает, и простор для интерпретаций, который он оставляет своим поклонникам (Татьяна Шкирина, главный редактор Омской телевизионной компании, omskzdes.ru).

Очень хорошо о художнике сказала одна из участниц форума AI: «Хочу сказать об одной очень важной черте или качестве его личности и творчества. Дамир — художник. Имею в виду: он постоянно художник! Когда-то это было нормально, теперь встречается один раз на тысячу. Большинство художников “работает художниками” и мечтает наконец стать чем-то вроде чиновника или бизнесмена и надеть дорогой костюм. Странное, но повсеместное явление… Так вот Дамир Муратов из тех единиц. Он не только занимается искусством, создает инсталляции, арт-объекты, пишет картины и пр. Он создает художественную среду. В нем Homo ludens нашел свое идеальное воплощение. Он формирует вокруг себя атмосферу радостного спонтанного творчества: веселого, игривого, непринужденного» (zarajara, forum.artinvestment.ru). Действительно, таковых единицы — Сергей Параджанов, Тонино Гуэрра, Дамир Муратов. Волшебников, естественно и неустанно преобразующих мир вокруг себя в радостную реальность.

Шамиль Надров. Зеленые яблоки. 2016

В своем творчестве я пытаюсь изобразить мир, который похож или отражает «действительность». И все же это другой мир. В нем присутствуют все реалии действительности, существующие во все времена, кипят те же страсти, волнения, желания, мечты. Театр, в котором участвуют маски, персонажи с определенными характерами. Театр, где постановщик играет с куклами, пытаясь в игре найти ответ на волнующие многих проблемы (Шамиль Надров).

Шамиль Надров создает удивительный мир, полный тайн и секретов, и так неожиданно похожий на наш. Этот мир — заповедная область жизни маленьких странных человечков-кукол или новых подвигов уже утвержденных в искусстве изображений. Художник легко и свободно строит композицию сюжетов, захватывая нас оригинальной трактовкой персонажей: ироничных и простоватых. Именно в композиции закладывается интрига, по драматургии аналогичная театральной. Нельзя не отметить само письмо Шамиля Надрова, разнообразие цветовых и пластических форм. Кисть то строго движется по плоскости холста, упруго вдавливая мазок в поверхность, то определяет заметно строгий ряд ритмических акцентов, то беспорядочно замешивает мазки в общем пятне, одинаково существующем с другими, подобными ему. Это придает картинам одно явно выраженное качество театральности происходящего, ощущаемого через показ эффектов иллюзии и фейерверка. Отсюда можно сделать вполне традиционный вывод о параллельности миров яви и вымысла, мира театральных действ и нашего действительного абсурдного существования... (И. Ермолаев, persona.rin.ru).

Ирина Ракова. Кот, прислонившийся к палитре. 2021

Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.

Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).

Живопись Ирины Раковой — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает.

Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Ирина Ракова».

Роман Рахматулин. Подводное солнце. 2019

При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь (Роман Рахматулин).

…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами. В общем, при взаимодействии с произведением искусства советую выстроить замкнутое пространство, где будете только вы и объект. (Пространство должно блокировать исторические, культурологические и прочие пояснения и расшифровки, включая то, что про эту вещь думает критик и ваш сосед по лестничной клетке…) Оказавшись в этом пространстве, вы должны наладить исключительно ваше взаимодействие (прослушивание, просмотр, ощупывание) с объектом. Музыка, скульптура, живопись — становятся таковыми только при наличии зрителя (для природы и физики это все те же элементы, молекулы, колебания волн, а для времени — пыль); таким образом, предмет искусства без вас, без зрителя, пустышка — значит, ТЫ, зритель, — его часть и изволь функционировать как часть произведения, со всей ответственностью, не перекладывая ни на кого своей работы, не облегчая себе жизнь (Роман Рахматулин, romulen.ru).

В пространство, о котором пишет художник, вплывает желтая рыба с огромным глазом, золотится ее чешуя, медленно колышутся вуали хвоста и плавников. Подводное солнце неспешно плывет и загадочно улыбается. И всем вокруг становится тепло и легко, потому что все на свете хорошо. Веселые пузырьки плывут в воде рядом с ним, отражая золотистый свет. Остается только его почувствовать и улыбнуться. Просто так.

Тимофей Смирнов. Глаза дома. 2003–2019

К теме дома в разные периоды творчества обращаются многие авторы — художники, поэты, музыканты, «ведь дом всегда таков, каков ты есть», словами из песни «Машины времени». Образ дома в произведении художника — это образ интимный, как ни странно звучит, своего рода автопортрет, отражающий мироощущение автора. Дом на картине Сергея Лучишкина («Шарик улетел», 1926, ГТГ), дома Анатолия Слепышева, Оскара Рабина, Виктора Крапошина и любого другого художника — они многое рассказывают об авторах, быть может даже то, что художник рассказывать о себе не хочет.

Дом Тимофея Игоревича Смирнова, созданный «в силу ума и души», располагается на рабочем экране смартфона. Зрителю предлагается решить, был ли он таким изначально или изменился в силу постоянного присутствия в смартфоне и, стало быть, в жизни его владельца. Вопрос вроде бы странный, но для Тимофея Смирнова — совершенно естественный.

«Тимофею Смирнову крайне важна иная интонация, иная трактовка привычного подхода. В оригинальности неоригинального (даже в названиях работ и серий), в достаточно бережном отношении к источникам цитирования — именно и есть то, что вызывает интерес. Художнику кажется необходимым парадоксально и неожиданно обрамить один контекст совершенно другим, с точки зрения здравого смысла неподходящим. Какой бы группой изобразительных мотивов он бы не занимался, он ищет “совлечение несовлекомого”, которое в Средневековье служило аллегорией остроумия.

Это произошло по ряду причин, которые также привели его и к профессиональному искусствоведению, он учился на образцах, планомерно перетекая по всему пространству истории искусства.

Так и родилась магистральная тема всех его работ и серий, ее можно определить, как пространство культуры и метафоры, позволяющих выйти за пределы оболочки вещей и явлений, а главное — обыденности-повседневности с бытовым оттенком.

Методы создания почти плакатно-рекламные, только если это и реклама, то художественного видения и философского мировоззрения.

Таким образом, три главные составляющие нового — пресловутые “хорошее, старое, забытое” — сплавляются Тимофеем Смирновым (в смысле плавильной печи) с их новым восприятием воедино уже в сегодняшнем времени. Кто-то назовет это старомодным “московским сюрреализмом”, кто-то метафизическим символизмом. Кому как будет угодно...» («Оксюморонные картины Тимофея Смирнова», arteex.ru).

Желаем удачи на 88-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI