Открыт 65-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   10 мая 2021

В каталоге собраны произведения Семёна Агроскина, Сергея Базилева, Наталии Жерновской, Дмитрия Кедрина, Игоря Кислицына, Валерия Кошлякова, Андрея Криволапова, Юлии Малининой, Игоря Снегура, Яны Ческидовой

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 379 и 65-го аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 65-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 10 лотов — восемь живописных произведений, одна работа в смешанной технике и одна скульптура из стекла

Семён Агроскин. Наблюдение № 6. Монтенегро. Из серии «Вуайерист». 2016

Художник будто возрождает старые жанры, но в тихом предстоянии их образов схвачен нерв современности. Реальность Агроскина поэтична, но узнаваема, она вызывает мгновенный отклик в памяти. Камерность, специфика ракурса, приглушенный колорит картин дают ощущение интимности, искренности показанного момента. В то же время эти полотна созерцательны, умозрительны, художник изымает все лишнее, сосредотачиваясь на предмете размышления, чувствования. Он доводит образы до тонкой грани между изображением самого явления и мысли о нем: «Предметный и видимый мир на грани исчезновения, растворения и схлопывания перед неизбежным концом цивилизации — вот, пожалуй, концепция, близкая мне» (vladey.net).

Стиль Агроскина лаконичен и прост. Но именно в этом и кроется индивидуальность художника. Взглянув первый раз на его картины, может показаться, что полотна бедны и однообразны из-за небольшой палитры красок, используемых художником.

Но стоит присмотреться и можно обнаружить богатство оттенков того или иного цвета. Все это дополняют причудливые формы и извилистые линии, которые так характерны для художника.

У автора есть поэтический вгляд на окружающий мир. В живописи много экспрессивных движений, но они не нарушают состояния тишины, пустоты, одиночества. В наблюдениях художника чувствуется неуловимый юмор. Есть внимательное отношение к «ничтожности», мелочам, обыденности. Все замечает, во всем находит мотив. Этот художник понимает магию поверхности, материальность, образность цвета (anysite.ru).

Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Семён Агроскин».

Сергей Базилев. Алупка. 2020

Сергей Базилев — один из лидеров советского гиперреализма; ключевые проблемы которого он разрабатывает в живописи на протяжении десятилетий. Главная особенность направления и исходный материал для создания художественного произведения — фотографический образ.

Его постсоветские серии на первый взгляд решены в мажорных интонациях и наделены пленэрными качествами, как будто художник покинул мастерскую и начал работать в открытом пространстве. Этот переход из гипер- и фотореализма в импрессионизм не имеет отношения к историческому пленэрному импрессионизму, поскольку источниками для картин Базилева по-прежнему остаются фотографии в широком диапазоне — от архивных до современных снимков. А эффекты пленэрного освещения и свободная манера письма — это мнимые свидетельства непосредственности восприятия и естественности поведения в условиях некоего «искусственного рая» в эпоху постмодерна.

Доминанта пленэрных качеств определяет и выбор тем: вместо сюжетных композиций, претендующих на глобальное обобщение, художник предпочитает камерные портреты, сцены из частной жизни, пейзажные и натюрмортные мотивы. Сама эстетика пленэра — работы на открытом воздухе — стимулирует Базилева апробировать варианты уличного искусства и сводить их с традицией гиперреализма. Пленэр располагает к дальнему видению, и многие мотивы, зафиксированные в “упор” с помощью фотоаппарата, Базилев, соответственно, пропускает через дальнее видение. Таким образом ему удаётся совместить дистанцированный взгляд снаружи и максимально приближённый взгляд “изнутри” (как в ситуации создания “селфи”) (Кирилл Светляков, искусствовед, заведующий отделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи, sergeybazilev.ru).

…Не натура, а её воспроизведение через фотографию или слайд лежит в основе его живописи. Начавшись в 80-е годы с интереса к западному фотореализму, это опосредование «исходника» через некое техническое средство приводит к появлению совершенно особых образов.

Его портреты всегда предельно узнаваемы и в то же время ускользающи, физически резки и одновременно находятся словно за стеклом. Его пейзажи (или пейзажные фоны тех же портретов) выписаны и в то же время изощрённо «смазаны», словно нечёткий фотоснимок. У иконописцев были пробелы, заканчивающие образ, у классиков — лессировки, а картины Сергея отличает особая зыбкая, колеблющаяся плёнка. Она состоит из псевдоимпрессионистических отблесков, вибраций, бликов...

Кстати, в его многолетней борьбе именно за продолжение жизни картины, когда все вокруг говорили о её смерти, он был не одинок, как показало время. «Новая живописность» в последние 20 лет проявила себя в немецкой, английской и других арт-школах (Ольга Козлова, sergeybazilev.ru).

Наталья Жерновская. Северный флот. 2020

Мы все, рожденные в искусстве конца восьмидесятых — начала девяностых, воспитанные возможностью доверия идеалу в Академии Тимура Новикова, влюбленные в себя, и друг в друга, и в окружающий мир, полный сокровищ искусства и духа, остались бы навсегда простыми изваяниями той уходящей постепенно эпохи, но стиль и невесомое дыхание фотографии в произведениях и проектах Натальи Жерновской сохраняют биение жизни в мраморном сердце статуи нашего эстетического представлениях о месте человека во дворце, театре и возле огромного металлического корабля. И так далее... (Елизавета Плавинская, куратор, искусствовед, критик)

Художественный путь Натальи Жерновской начался в 1991 году, когда она познакомилась с Тимуром Новиковым и поступила в его Новую Академию Изящных Искусств, которая появилась… на волне формирования нового имперского консерватизма в стране, интереса к большим стилям прошлого. Влившись в сообщество неоакадемистов, Жерновская начинает дружбу с Владиславом Мамышевым-Монро и Георгием Гурьяновым, оказавшим влияние на ее творчество, но своим «учителем» художница называет именно Тимура Новикова. В 1997 году в среде Новой Академии складывается движение «Новые серьезные», куда входят Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Егор Остров, Константин Гончаров, сама Наталья Жерновская и другие. «Новые серьезные» противопоставляли себя «шуточному» постмодернизму, особенно популярному в те годы в современном искусстве, и обращались к изучению классической живописи и шедевров старых мастеров (vladey.net).

Поворот «ко всему классическому и античному» в годы распада Советского Союза был не просто удачным коммерческим ходом, позволившим Новикову и членам его Академии занять никому не нужную в то время неоклассическую нишу. Неоакадемический проект Тимура Новикова (наряду с национал-большевистской утопией Лимонова, Дугина, Летова и Курёхина) в середине 1990-х стал одним из первых опытов постиронических художественных практик в постсоветской России. Отличительная черта постиронии — использование возможностей иронии для реализации серьезного смысла. Как отмечает российский философ и публицист Кирилл Мартынов, «постирония — это состояние, в котором границы серьезности и иронии оказываются размытыми. Постироник намеренно допускает двусмысленность своей речи, его игра состоит в том, чтобы заставить вас сомневаться: он это серьезно или нет? <…> постирония может вести к “новой искренности”, то есть позволять иронику говорить о серьезных вещах. Последний аспект самый примечательный — постирония становится культурным механизмом разрыва с постмодернизмом» (nlobooks.ru).

В творчестве Натальи Жерновской преобладают характерные для художников круга Новой Академии сюжеты — сцены с участием рабочих, моряков, людей в форме, танцоров, написанные в лаконичной, почти монохромной манере. Это можно заметить в работе <из серии> «Советская античность» 2015 года: древнее искусство рельефа соединяется с тоталитарной эстетикой в исполнении художницы. Ее привлекает красивое в классическом понимании, и в представленной работе она любуется видимым — телом, выражением лица, посадкой одежды. Запечатлевая выразительные жесты работников производства, изображая их в красноречивых позах, Жерновская романтизирует советское реалистическое искусство, что крайне редко для российских художественных течений 90-х годов. При этом она вдохновляется и различными современными медиа — фотографией и видео. «Я рисую то, что хотела бы сфотографировать, и фотографирую то, что могла бы нарисовать», — говорит она. Благодаря этому эффектные образы с полотен Натальи Жерновской хочется рассматривать снова и снова (vladey.net).

Живопись Натальи Жерновской продолжает и развивает эстетику её знаменитых фотосессий. Ее живописная манера отличается контрастностью и светоносностью, что делает её картины исключительно красивыми и очень глубокими по смыслу. Эстетика солнечной античности и интеллектуального неоклассицизма в современную эпоху имеет прекрасное воплощение в живописных произведениях Натальи Жерновской (Елизавета Плавинская, куратор, критик, искусствовед).

Д митрий Кедрин. Январь. 2018

Пограничный, предельный, окраинный мир волновал меня с детства. И в этом вечернем пейзаже городского парка я нашел его край — ограду, за которой неведомое таинственное пространство. Это пространство — мой извечный манок, пугающий и притягательный, оно и есть основа и главная интрига сюжета. Рано или поздно я покину уютную декорацию освещенных фонарем деревьев и исчезну в темноте за оградой. И память обо мне останется в моих следах на снегу, пока утренняя метель не занесёт их (Дмитрий Кедрин о картине «Январь»).

Кедрин — профессиональный художник-график, выпускник Московского Полиграфического института. Полученные там образование, умения и навыки не просто пригодились, но оказались важными и в живописи: «Спонтанная, эмоциональная, экспрессивная живопись требует постоянного контроля. Я называю это “вовремя остановиться”.
Для меня важно равновесие цветовых масс. Иногда какой то цвет начинает “кричать” — приходиться его успокаивать или находить ему поддержку — гармонизировать картину.

Много работаю чистым, открытым цветом, Я выжимаю краску из тюбика прямо на холст и использую тюбик как рисовальный инструмент. Это дает плотную, насыщенную цветную линию или пятно. Чтобы линия не была равномерна по всей длине, механистична, я расплющиваю ее пальцем или мастихином (Дмитрий Кедрин).

Его яркая экспрессивная живопись композиционно очень точна и даже в чем-то графична, но именно эта ее организованность и помогает зрителю глубоко сосредоточиться на художественном высказывании и услышать художника.

Игорь Кислицын. Огненное море. 2001

Черное Солнце — элемент, раз за разом возникающий на холстах Игоря Кислицына. По мере развития темы всадников Черное Солнце укореняется в их окружении, оно восходит в небе Героев.

***

В пространствах мистических ландшафтов, предельно абстрактных, доведенных до степени условного знака, восходят разного рода светила, «Небесные Тела» — звезды, луны и прежде всего солнца. Возникают конгломераты беспредметных и фигуративных структур, рождается символография Духа. Стрелы, и пунктиры, и круги, и кельтские кресты, и прочие линейные пиктограммы — это знаки и начертания, проступающие в напластованиях красочных фактур, не менее значимые, чем тематические персонажи картин, равноправно существующие в едином ритме с ними, внося дополнительные уровни символики и семантики.

Особую роль играет и характерная для картин живописца как бы возникшая из преломлений цветового спектра специфичная, писаная «рама в раме». Возникая как преграда, между «реальной» жизнью за пределами холста и внутренним микрокосмом, созерцаемым внутри этой «ограды», охраняет сердцевину этого малого мира своей геометрией (Вера Родина, искусствовед, artinvestment.ru).

Народные корни искусства и сегодня влекут всех профессионалов, да не все из них могут подняться выше простой аранжировки или стилизации. Игорь Кислицын сумел уверенно претворить, “перекодировать” в новое качество типовую структуру древних композиций. Постепенно ему раскрылся весь глубинный образный «орнамент» архетипа: роль силовых линий и узлов, ритмических пауз и акцентов, «вечное» поступательное или круговое движение, здоровая гармония рисунка и цвета, знаковость и символика фигур (Лев Дьяконицын, nasledie-rus.ru).

Творчество Игоря Кислицына видится особо важным и своевременным в контексте ретроспективного воссоединения с традицией былого русского авангарда, часто одновременно почвенно укорененного и небесно ориентированного, учитывая, конечно, и самобытный предшествовавший опыт русского Серебряного века с его высокой культурой и во многом утраченными после 17-го года духовно-эстетическими исканиями (Сергей Кусков, nasledie-rus.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Игорь Кислицын».

Валерий Кошляков. Котельническая набережная и Устьинский мост. 1995

Пейзаж «Котельническая набережная и Устьинский мост» (1995) Валерия Кошлякова относится к большой серии городских московских видов, созданной художником в 1990-х. В одной технике и на одном материале — на новом чистом холсте, поверхность которого беспорядочно и намеренно неаккуратно заклеена обрывками бумаги, несущими на себе красочный слой. Позже он придет к знаменитым античным образам, выполненным на гофрокартоне, который на многие годы станет основным материалом художника, к работам, сделанным с использованием скотча или только скотчем. Наш пейзаж не первый, но огромный и очевидный шаг в направлении стиля, «узнаваемого почерка, который выделяет его и заставляет запомнить среди великого множества представителей молодого поколения концептуальных авторов» (artinvestment.ru).

И кстати, сам мотив сталинской высотки на Котельнической у моста Кошляков писал не раз. Как не раз писали и еще больше говорили искусствоведы о самом авторе. Одним его работы «не только напоминают о неумолимом беге времени, о разрушительном законе энтропии, об исчезновении древних культур, но и свидетельствуют о современном мире, который, несмотря на все достижения цивилизации, оказывается как никогда хрупким и уязвимым» (Анна Арутюнян, mmoma.ru). Другие видят в них проявление оппозиции к реальности в редуцированной форме и утверждение вечности канонов старого искусства. «В античности нельзя разочароваться, что бы с ней ни делать — ломать или реставрировать. <…> Ностальгические напоминания о вечности, пусть и превращенные в тень, должны намекать на ложность той картины действительности, которую нам внушает массовая культура» (В. С. Турчин). А мы предложим еще одну трактовку — поэтическую. Стихи Юлий Ким написал к фильму Марка Захарова «Дом, который построил Свифт», но и художник, и поэт, каждый своим языком, говорят о единственном и главном.

Вот опять линяет краска,
Вот опять спадает маска,
А под ней — ещё одна,
А под той — ещё одна...
Но сквозь годы и румяна,
Незаметно и упрямо,
Никогда не до конца —
То ли светлый, то ль печальный,
Проступает изначальный
Чистый замысел творца... (Юлий Ким).

Творчество Кошлякова — это довольно редкий случай, когда современный русский художник не вызывает идиосинкразии ни у одной из групп покупателей. Наоборот, он по душе и тем и другим. Знаковая фигура в лагере «актуальщиков», в прошлом соратник Авдея Тер-Оганьяна по товариществу «Искусство или смерть», художник знаменитого сквота в Трехпрудном переулке — Валерий Кошляков не встал на путь протеста ради протеста и полного отрицания пластических основ. Не случайно его живопись остается вполне понятной как поклонникам контемпорари, так и закоренелым консерваторам. Античные руины на гофрокартоне или символы советской эпохи на металле не вызывают внутреннего протеста у ценителей, чье зрение настроено на классику (artinvestment.ru).

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Валерий Кошляков».

Андрей Криволапов. Ловец певчих птиц. 2018

Первым и главным моим наставником был и есть мой папа. Прекрасный скульптор поражал меня своей энергией к творчеству. Учась в художественном училище, на отделении скульптуры и поступив в Московскую государственную художественно-промышленную академию им. С.Г. Строганова на кафедру художественной обработки стекла, я связал свою жизнь с этим материалом.

Творческие эксперименты с отливкой скульптуры из стекла я начал с занятий в академии. Меня всегда притягивало античное стекло. Стекло с его первозданностью и древностью этого материала. Именно не полная прозрачность, а с вкраплениями песка, глины, пузырьков соды и патины времени привлекали меня в стекле.

В своих работах я стараюсь повторить и воссоздать природу стекла, добавляя в стекло окислы металлов, составляя шихту для отливов в форму. Я пришел к новому видению и эстетическому взгляду на стекло (Андрей Криволапов, museum.ru ).

Андрей Криволапов последовательно избегает художественной сиюминутности. Его вдохновляют Священное Писание и средневековые сказания, былинные мотивы, сюжеты русской и античной истории.

В рельефах и скульптурных композициях из литого стекла скульптор достиг удивительного мастерства в очень редкой технологии. Моллирование, которое он использует, — это особая авторская технология отливки из расплавленного стекла в специальных формах. Аналогичные приемы использовали, например, в Древнем Египте, до изобретения сирийцами стеклодувной трубки в I в. н. э. На рубеже XVIII — XIX веков технология была популярна в северо-восточной Франции. Моллирование позволяет Андрею Криволапову не только создавать сложные и большие скульптурные формы из стекла, но раскрывает зрителю совершенно новые грани технических возможностей этого материала. А его многочастные серии не имеют аналогов в современном художественном стеклоделии (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

Юлия Малинина. Путешествие белого облака. Амстердам. 2014

Юлия Малинина  — художник с метафизическим взглядом на мир, органически присущим отечественной школе живописи. Такой взгляд обнаруживает в окружающем художника пространстве объекты, созданные человеком, и объекты природы, несущие на себе печать отрешенности от повседневного. Структурной основой для художника является Архитектура — универсальный символ человеческой деятельности, продукт инженерной мысли и технологии, сочетающий высокое искусство и функцию оформления жизни. В архитектуре для художника объединяются природное, социальное и культурное, присутствуют характеристики пространственной среды и человека (Анна Флорковская, член-корреспондент РАХ, artcontract.ru ).

Фигуративная живопись у Юлии Малининой выглядит своего рода реконструкцией художественного языка модернизма ХХ века — будь то американский реализм Эдварда Хоппера или Чарльза Шилера или метафизические ландшафты Джорджо де Кирико (cultobzor.ru ).

Я люблю архитектуру, в промышленном же воплощении ее предельная функциональность, выверенность, обусловленность нахождения на своем месте выходит на первое место и рождает особую эстетическую красоту. Красоту, как правило, без изысков. Для меня это практически портреты заводов и иных индустриальных объектов, извлеченные из фигуративной окружающей действительности. В серии нет ландшафта, окружающего пейзажа в его классическом понимании. В картинах, можно считать, наличие горизонта мы достраиваем в голове, додумываем, что внизу должна быть трава, наверху — небо. В каком-то смысле, возможно, этот подход — отголоски моего реставрационного образования и моей тесной работы с иконами. Используя такие построения, я отсылаю себя к иконописной практике условности окружающего, с идеально ровным поземом (Юлия Малинина, artuzel.com ).

Игорь Снегур. Танцы цвета. 1995

Началом живописи считаю: соотношение аморфной формы и геометрии. От этой пары берет начало все: любая форма, любой знак и любой символ. Цвет — непостоянное, он третье начало в живописи. Функция цвета — в изменчивости, и в нем отражено время. Природа во всей полноте покоится в нас, в нашем глубинном Бытии; нам остается только показать ее через знаки и символы, воспитываясь и обучаясь у нее.

Сам по себе цвет существует вне человека, художник одухотворяет его своим отношением. Отношение проявляется в качествах: тепло — холодно, контраст, насыщенность; так возникают живописные конструкции, ключ к восприятию зрителем языка живописи (Игорь Снегур).

Вне зависимости от времени создания и формальных рамок, картины Игоря Снегура в любой период творчества сохраняют удивительную точность линий, мягкость цвета, глубину идеи. Во всех его картинах отражается особая философская концепция: тщательно продуманное сочетание простейших геометрических форм символически воплощает взгляды художника на отражение времени и пространства в искусстве.

Сам Игорь Снегур так характеризует свое творчество: «Я работаю в трехмерном пространстве: оно не глубокое — где-то, может быть, пять-десять сантиметров. Можно уходить и в более глубокое — это как бы путешествие художника в живописном пространстве, которое он совершает. Вид путешествия во “времени-пространстве” — вот что такое живопись и ее меняющиеся формы» (mmoma.ru ).

Читайте о художнике на AI: «Художник недели. Игорь Снегур» .

Янина Ческидова. Душа танцует. Из серии «Жители». 2002

В 1989 году я впервые поехала в Ташлу — деревню в горах рядом с Башкирией. Эта поездка глобально повлияла на мое творчество, и Ташла стала «местом силы». Нежелание потерять Ташлу повлияло на отказ переехать в Москву для развития карьеры. Не жалею ни разу об этом. Хотя бы потому, что искусство — не карьера для меня, а неумение жить иначе.

С 1997 года у нас появился свой дом в Ташле, и в 2002 году написана серия холстов «Жители» («Душа поет», «Душа летает», «Душа танцует», «Брат Коля учит брата Лешу» и др.). Когда живешь рядом, и сам будто становишься тем самым жителем. Чувствуешь.

Наши животные тоже всегда в кадре.

В основном все мои картины в любой технике — это рассказы о любимых местах и людях, близких друзьях. Я рисую слова.

Главное в творчестве — искренность. Источник вдохновения — мелочи жизни, из которых состоит мой большой мир. Главное — не бояться ошибиться, иначе можно всю жизнь стоять на одном месте. У меня нет определенного стиля, узнаваемы скорее персонажи, которые растут вместе со мной, и неожиданные темы для творчества. Чистый холст — свежие мысли и шанс родить новый мир (Яна Ческидова, yana-cheskidova.wixsite.com).

Желаем удачи на 65-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

AI