В каталоге 20 лотов: одиннадцать живописных работ, пять листов оригинальной и два — печатной графики и две работы в смешанной технике

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 381 и 67-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 381-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 28 мая, в 12:00.

Русское искусство второй половины XIX — начала ХХ века

МЕЩЕРСКИЙ Арсений Иванович (1834–1902) Зимний пейзаж. 1870
Холст, масло. 43 × 63,4

Арсений Иванович Мещерский, автор живописного полотна «Зимний пейзаж» (1870), на протяжении всей жизни сохранял приверженность жанру пейзажа, называя себя «рисовальщиком природы». Совершив много путешествий как по России, так и по европейским странам (Турция, Греция, Италия, Швейцария), он создал сотни пейзажных полотен, внеся свою лепту в становление национальной школы реалистического пейзажа. Художник принимал участие в выставках передвижников, однако в отличие от произведений большинства его коллег, стремившихся обнаружить «нищету народной жизни» в том числе и в пейзажном жанре, в работах Мещерского с видами русской природы не найти социального пафоса. Напротив, ему свойственно поэтическое восприятие мотивов русской природы.

Лирические интонации проходят через все творчество живописца, их можно обнаружить и в представленном зимнем пейзаже. Произведение отличает скрупулезная техника рисунка, четко выверенная композиция, соблюдение классического принципа выстраивания трех пространственных планов, натуралистичность изображаемых видов. Большое внимание уделено передаче эффектов освещения, а также цветовых градаций и теней на поверхности снега. Светлая гамма зимних красок создает атмосферу покоя и тишины (Мария Беликова).

Пейзажи скалистых берегов — один из излюбленных сюжетов в живописи художника. Можно предположить, что наш пейзаж создан в Финляндии, где художник время от времени бывал в поисках вдохновения.

Читайте о художнике на AI сегодняшнюю публикацию «Художник недели: Арсений Мещерский».

Искусство художников Русского Зарубежья

ГОНЧАРОВА Наталия Сергеевна (1881–1962) Финикийка. Эскиз вечернего платья. 1920-е — начало 1930-х
Бумага, уголь, акварель, гуашь. 94,5 × 67

Эскиз роскошного вечернего платья «Финикийка» (1920-е — начало 1930-х) Наталии Сергеевны Гончаровой выполнен во Франции, очевидно, по заказу одного из парижских модных домов. «После отъезда во Францию Наталья Сергеевна Гончарова, зарекомендовавшая себя как театральный художник, начала получать заказы на исполнение эскизов женской одежды, — отмечает эксперт. — В 1920-х годах она сотрудничала с модным домом Myrbor Марии Куттоли, а также с рядом других дизайнеров (в их числе традиционно называют Н. Ламанову и Коко Шанель)» и парижских домов моды. Ее работы печатали модные издания — «Вог» и «Ванити Файр». В эскизе вечернего платья «Финикийка» отразился интерес художницы к различным мировым культурам — в частности, к культуре древнего Востока.

Искусство ХХ века

СЕРЕБРЯКОВА Зинаида Евгеньевна (1884–1967) В парке Гатчины. Горбатый мост. 1924
Бумага, темпера. 46,5 × 60 (в свету)

Работа «В парке Гатчины. Горбатый мост» Зинаиды Евгеньевны Серебряковой относится к зрелому периоду творчества художницы и датирована знаковым для нее годом — 1924-м. Похоронив в революционные годы мужа, умершего от тифа в 1919-м, и потеряв родовую усадьбу в Нескучном, в 1920 году она с семьей переезжает из Харькова в Петроград. «…Несмотря на постоянную занятость и некоторое облегчение ситуации с продуктами в связи с началом новой экономической политики (нэпа) и получением академического пайка (правда, достаточно скудного), Серебряковой к началу 1924 года так и не удалось выбиться из того сложного времени житейских трудностей. На ее иждивении по-прежнему находились четверо подрастающих детей и мать, без поддержки которой Зинаида Евгеньевна вообще не могла бы работать.

Отчаяние звучит в ее письме А. Н. Бенуа: “Если бы Вы знали, дорогой дядя Шура, как я мечтаю и хочу уехать, чтобы как-нибудь изменить эту жизнь, где каждый день только острая забота о еде (всегда недостаточной и плохой) и где мой заработок такой ничтожный, что не хватает на самое необходимое. Заказы на портреты страшно редки и оплачиваются грошами, проедаемыми раньше, чем портрет готов”» (Алла Русакова, royallib.com). Надежды художницы на продажу работ в Америке, куда в 1923 году ее произведения были отправлены вместе с вещами других художников на крупную передвижную выставку, не оправдались: две работы были проданы всего за 500 долларов.

В это тяжелое время Серебрякова, мечтая о временном отъезде во Францию, чтобы как-то поддержать семью, устроить в Париже выставку, продать по возможности свои работы и получить заказы на портреты, в творчестве ищет, по всей видимости, утраченную гармонию, проблески которой находит в сбалансированном и рациональном синтезе природы и архитектуры, характерном для дворцово-парковых комплексов эпохи классицизма. Изображение видов Гатчины в 1920-е годы можно воспринимать как сентиментальную отсылку к воспоминаниям юности, равно как и к безвозвратно утраченному историческому прошлому России.

В произведении, несомненно, ощущается тематическая близость известным дворцовым циклам дяди Серебряковой Александра Бенуа. Однако если в работах прославленного мирискусника преобладают черты стилизации, то у Серебряковой изображаемый вид приближен к натурному восприятию. Работа написана в мягких приглушенных тонах, в ней можно наблюдать совмещение линеарности и живописности: Горбатый мост прописан довольно четко и ясно, в то время как деревья, наоборот, трактованы зелеными цветовыми пятнами и их контуры расплываются. Эскизная незавершенность вносит в произведение лирические интонации. Выбранная техника темперной живописи, одна из любимых у Серебряковой, хорошо подходила для пленэра, позволяя улавливать изменения в состоянии природы (Мария Беликова).

ВОЛОШИН Максимилиан Александрович (1878–1932) Без названия (Горный пейзаж). 1930
Бумага, акварель. 9,1 × 15,1

В последний день 1930 года написана и через два дня отослана с кратким новогодним поздравлением некоему Самуилу Ефимовичу красивая маленькая (9,1 × 15,1) акварель «Без названия (Горный пейзаж)» Максимилиана Александровича Волошина — работа из цикла видов Коктебеля, изысканная, поэтичная, легкая, с «волошинским» настроением. Судя по размеру акварели, она, скорее всего, предназначалась для пересылки в почтовом конверте — известно много акварелей Волошина, которые он пересылал друзьям почтой.

Работа подписана монограммой, датирована и надписана автором. К сожалению, фамилия адресата нам неизвестна, поэтому новому владельцу акварели предстоит увлекательная и интересная исследовательская работа.

НАЛБАНДЯН Дмитрий Аркадьевич (1906–1993) Море. Гурзуф. 1936
Холст, масло. 50,3 × 73

Кисти Дмитрия Аркадьевича Налбандяна, известного художника, автора парадных портретов, эффектных натюрмортов и пейзажей в стиле советского импрессионизма, принадлежит среднеразмерный холст «Море. Гурзуф» (1936). Эксперт отмечает, что работа «представляет собой натурный пейзаж, выполненный со свойственными Д. А. Налбандяну экспрессией, декоративизмом и колористической выразительностью. В творчестве художника, начиная с 1930-х годов и до позднего периода, неоднократно встречаются поэтические морские сцены с волнами и завитками морской пены на переднем плане, скалами и утесами, парусниками и парящими в небе чайками».

ТЫШЛЕР Александр Григорьевич (1898–1980) Верея. Вечер. 1956
Холст на картоне, масло. 35 × 49,2

В 1956 году написан пейзаж «Верея. Вечер» Александра Григорьевича Тышлера. «В 1940–50-е годы Александр Тышлер создает много пейзажей Плеса и маленького подмосковного городка Вереи, где художник часто жил и работал, — пишет эксперт. —“Начало — весь пройденный путь художника. Его следует искать в пейзажах Вереи, десятках картин и этюдов, которые из года в год, в течение многих лет пишет Тышлер. Маленькие светлые дома, разбросанные на крутых улочках и плоскогорьях, слоистая земля, ярусы оврагов, обожженные закатным солнцем трава и небо, холодная голубизна глубокой реки, нежное оперение деревьев, прозрачная дымка далей. Маленькие мазки, положенные как мозаика, так что глаз улавливает каждый удар кисти, движение самых тонких переходов цвета, ритм живописи. Тышлер — романтик-художник, одаренный богатым воображением, крепко привязан к природе, к натуре” (Сыркина Ф. Я. Александр Григорьевич Тышлер. М., 1966. С. 66).

Реальный пейзаж Вереи с характерным рельефом местности и очертаниями домиков и церкви на высоком холме часто сочетался с фантастическими или театральными сюжетами, погружая зрителя в таинственный мир художника с неповторимым творческим почерком. Это и специфический колорит с многоцветьем сиреневых, розовых, фиолетовых, бирюзовых, оранжевых тонов, это и использование мелких фактурных мазков, перекрывающих друг друга и образующих вибрирующую, живую, “дышащую” поверхность, это и общее поэтически-сказочное восприятие окружающей действительности».

АЛЕКСАНДРОВА Татьяна Борисовна (1907–1987) Джим Хокинс и Джон Сильвер на пристани. Эскиз иллюстрации к роману Р. Л. Стивенсона «Остров сокровищ». 1960–70-е
Бумага с водяным знаком ГОЗНАК, тушь. 55,4 × 41

Живая, интересная в деталях жанровая композиция «Джим Хокинс и Джон Сильвер на пристани» — эскиз иллюстрации к роману Р. Л. Стивенсона «Остров сокровищ», выполненный известным художником-иллюстратором Татьяной Борисовной Александровой тушью на бумаге в 1960–70-х годах. Внешность персонажей довольно условна, однако их занятия и антураж — всегда строго по тексту. Таким образом, художница позволяет читателю увидеть авторский текст. Совсем небольшой фрагмент главы девятой «Порох и оружие» — «“Испаньола” стояла довольно далеко от берега. Чтобы добраться до нее, нам пришлось взять лодку и лавировать среди других кораблей. Перед нами вырастали то украшенный фигурами нос, то корма. Канаты судов скрипели под нашим килем и свешивались у нас над головами» (lib.ru) — дает автору иллюстрации возможность показать Бристольский порт, где снаряжалась и откуда отправилась в плавание «Испаньола».

ГРИГОРЬЕВ Александр Ефимович (1949) Раздробленность № 1. Из серии «Раздробленность». 1978
Бумага, темпера. 29,3 × 38,9 (в свету)

Темперой на бумаге в авторском стиле кинетического маньеризма написана «Раздробленность № 1» (1978) из серии «Раздробленность» Александра Ефимовича Григорьева. Механистичная фрагментарность подчеркивает изящество стилизованной бабочки. Работа написана через 6 лет после выхода Григорьева из группы русских кинетистов «Движение», возглавляемой Львом Нусбергом; пять лет участия в группе (1967–1972) были интереснейшим периодом в жизни художника и конечно, повлияли на его дальнейшее творчество.

«Мы дружили, все делили поровну, разбирали работы друг друга. Была интересная жизнь, хотя мы находились в полном одиночестве. Ничем подобным никто вокруг не занимался… До нас уже дошли отрывочные сведения о западном кинетизме — и мы приняли русский эквивалент этого термина: “Движение”» (из интервью Франциско Инфантэ, члена группы «Движение»). «Кинетисты жаждали преодолеть искусство реальных эстетических объектов и статических конструкций. Конструктивисты 20-х годов понимали движение не только как механическое движение, а также как форму восприятия времени и пространства, движение как универсальное положение. Отсюда возник тезис Нусберга, подтвержденный всей группой: “Я хочу работать с электромагнитными полями, со светящимися и пульсирующими концентрациями в пространстве, с различными движениями потоков газов и жидкостей, с зеркалами и оптическими эффектами, с изменениями тепла и запахов … и, конечно, с музыкой”. В тексте программы 1965 года под названием “Что такое кинетизм?” Нусберг определяет кинетический синтез: “…мы требуем использования всех возможностей и средств, как технических, так и эстетических, физических и химических явлений, всех видов искусства, всех процессов и форм восприятия, а также вовлечение психических реакций и влияние различных сенсорных возможностей человека, в качестве средства художественного выражения”» (quartagallery.ru). Григорьев примкнул к группе в 1967 году (вышел из группы в 1972-м) и успел принять участие в нескольких ее проектах. К тому же периоду относятся его первые работы в стиле абстрактно-геометрической минималистической живописи и пространственные кинетические объекты (alegrig.ru).

МАЙОРОВ Игорь Евгеньевич (1946–1991) Без названия (Танец)
Бумага цветная, окрашенная в массе, гуашь, акрил. 72 × 50,6

Яркий динамичный недатированный рисунок «Без названия (Танец)» представляет в каталоге творчество Игоря Евгеньевича Майорова.

Творчество шестидесятников

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Белое солнце. 1961
Бумага, гуашь. 41,2 × 59,3

Настоящее украшение каталога — большая гуашь с акварелью Анатолия Тимофеевича Зверева «Белое солнце» (1961).

«Пейзаж “Белое солнце” во многом уникальная ранняя работа А. Т. Зверева, написанная в характерной для его творчества конца 1950-х — начала 1960-х годов экспрессивной манере, — отмечает эксперт. — Гуашь написана мощно, экспрессивно и характеризует Анатолия Зверева как великолепного живописца-новатора. Хаотично нанесенные энергичные мазки и массы краски образуют великолепный полуабстрактный пейзаж. Так до Зверева не работал никто. Надо учитывать, что работы художника конца 1950-х — начала 1960-х годов встречаются в России крайне редко, так как большинство этих вещей было вывезено и находится в зарубежных частных коллекциях».

НЕИЗВЕСТНЫЙ Эрнст Иосифович (1925–2016) Лес душ. 1967
Бумага, офорт. 48 × 25,6 (лист), 19,5 × 14 (изображение)
Тираж 20 экземпляров. Экземпляр № 4

Исключительный интерес представляет малотиражный офорт «Лес душ» (1967) Эрнста Иосифовича Неизвестного. В 1967 году художник работал над иллюстрациями к Данте: в издательстве «Наука» готовился к выпуску в серии «Литературные памятники» сборник «Данте Алигьери. Малые произведения», и заместитель главного редактора издательства И. М. Кулькин пригласил Эрнста Неизвестного, с которым был ранее знаком и дружен, выполнить иллюстрации к книге. Когда иллюстрации были готовы, он организовал встречу с составителем и ответственным редактором сборника И. Н. Голенищевым-Кутузовым.

Сразу оговоримся: наш офорт в книге не опубликован — «Божественная комедия», к которой выполнен рисунок «Лес душ», к малым произведениям не относится. Мы лишь хотим обратить внимание читателей на то, как воспринял художническую трактовку Данте уже очень немолодой человек «другой эпохи» И. Н. Голенищев-Кутузов — крупнейший специалист по творчеству поэта, блестящий знаток итальянского языка, автор переводов прозы и стихов к «Малым произведениям», в том числе и о «Каменной Даме».

И. М. Кулькин вспоминал, как Голенищев-Кутузов: «внимательным взглядом рассматривал нас: “прошёлся” взглядом по моей персоне, затем перевел взгляд на Эрнста. На лицо… набежала тень, она-то и послужила для меня сигналом к действию. Обратившись к Голенищеву-Кутузову, я назвал себя представителем издательства Академии наук, представил Эрнста, сказав при этом, что он сотворил великолепные гравюры к “Малым произведениям” Данте и выразил надежду, что он их одобрит. После краткого моего вступления Эрнст приступил к показу иллюстраций. Он, как фокусник, извлекал из широкоформатного планшета гравюры. Первая из них произвела фурор. Об этом свидетельствуют с восторгом произнесенные Голенищевым-Кутузовым слова: “О, Каменная Дама!” (подрисуночная подпись оригинала гравюры “Стихи о Каменной Даме”). Разнородная ментальность нашего микроколлектива из трех человек моментально трансформировалась в единый интеллектуальный менталитет. У нас возникло глубокое взаимопонимание. То же самое повторилось с женским групповым портретом. Голенищев-Кутузов назвал его “Новая жизнь” (подрисуночная подпись оригинала гравюры “Новая жизнь”). Я посмотрел на своих коллег “другими глазами”, как на крупнейших специалистов в постижении интеллектуального наследства Великого Данте. Мера моего восхищения ими не имела границ. <...> Таким образом, визит к И.Н. Голенищеву-Кутузову был весьма успешным» (chelovek.iph.ras.ru).

И еще небольшое замечание: иллюстрацию к «Аду» XIV века выполнил художник-фронтовик, прошедший через ад века двадцатого, и это конечно наложило свой отпечаток на авторское прочтение поэмы Данте.

ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич (1937–2012) Композиция. Октябрь 1980
Холст, масло. 90 × 80,5

Автор «Композиции», написанной в октябре 1980 года, Эдуард Штейнберг — классик нонконформизма, художественный язык которого сформировался в контексте «подпольных» религиозно-философских исканий эпохи застоя. Его творчество стало востребованным не только в отечественной среде, но и за рубежом, оказавшись в чем-то созвучным тому, что делали послевоенные мастера Европы и США, работавшие в русле геометрической абстракции и минимализма. По словам самого художника, его «метагеометрия» является синтезом изобразительных «кодов» супрематизма, иконописи и катакомбной живописи раннехристианского искусства, а также русского символизма начала ХХ века.

Представленная картина с простым названием «Композиция» является характерной для творчества Штейнберга 1970–80-х годов. Именно в эти годы он погружается в глубинные исследования возможностей выражения своих духовных прозрений с помощью минимальных художественных средств. Художник использует приглушенную палитру и обращается к базовым геометрическим первоформам, которые наполняются у него религиозной символикой. Пирамидальная статичная композиция, составленная из геометрических фигур, водружена на условный пьедестал. Боковая «подпорка» в виде диагональной линии усиливает стабильность всей структуры, не давая ей «распасться». При этом внутренняя взаимосвязь фигур подчеркивается взаимопроникновением круга и квадрата друг в друга. Штейнберг выстраивает сложные пространственные отношения между изображаемыми объектами и фоном, трактованным у него как бесконечное метафизическое пространство, в котором фигуры пребывают вне времени точно так же, как и образы на иконах. Включение в композицию цифр — их можно встретить и на многих других его картинах — исследователи творчества Штейнберга связывают с каббалистической нумерологией, где цифра один призвана символизировать некий Абсолют. По словам французского искусствоведа Жан-Клода Маркадэ, «картины Штейнберга — это молчаливые молитвы, стройные гимны миру духа и живой жизни, свободные от второстепенных подробностей и необузданных страстей» (Мария Беликова).

ЖАРКИХ Юрий Александрович (1938) Нюансы свободного времени. 1984
Холст, масло, золотянка. 100 × 100

Одна из самых поразительных и роскошных работ каталога — метровый холст «Нюансы свободного времени» (1984) Юрия Александровича Жарких.

В 1970-е годы Жарких — один из лидеров неофициального искусства Ленинграда и Москвы, организатор первых выставок художников андеграунда в Ленинграде в ДК имени Газа (1974) и «Невский» (1975), участник знаменитой «бульдозерной выставки» (1974) в Москве. С 1977 года живет в Париже, много работает, выставляется, висит в лучших мировых музеях, включая Центр Помпиду, продается на аукционах. Везде, кроме своей страны. Читайте о нем на AI и обратите внимание на то, что «в России выставками художник не избалован и знакомство с творчеством Жарких сегодня, по сути, можно начинать заново. Тем вдвойне интереснее.

… Самое неправильное, что можно сделать перед этим знакомством, — это заблаговременно начитаться критики и ранних искусствоведческих трактовок творчества Жарких. Иначе во всем потом будет мерещиться ужас, спекшиеся массы и “состояния абсолютной смерти”, замешанные по рецептам аналитического искусства. Жарких все-таки совсем не Филонов, последователем которого его считают, и небезосновательно. Его творчество вполне самостоятельно и узнаваемо. Да, в его сюжетах нередко присутствуют антропоморфные сплетения, нагромождения существ с прозрачной кожей. Но это скорее стилистический прием для передачи собственных философских идей. Короче, никого не слушайте, читайте Жарких с листа, там во всём можно разобраться без посторонней помощи» (artinvestment.ru).

Наша работа не о смерти, она — о Времени, о Жизни и о Любви! В ее композиции гармонично соединились икона, окруженная клеймами, и циферблат. Художник отметил каждый «час» действа и прокомментировал на обороте самое главное в сюжетах «клейм».

КАЗАРИН Виктор Семёнович (1948–2021) Черная ворона. 1986
Оргалит, масло, процарапывание. 80 × 122,5

Вороны у Виктора Семёновича Казарина разные — летящие, тонкие, сосредоточенные, веселые, агрессивные. «Черная ворона» (1986) — работа середины 1980-х, когда Казарин создал русский неоэкспрессионизм, — вещи откровенно бунтарские, яростные. Наша ворона, пожалуй, одна из самых «казаринских» — очень энергичная, взъерошенная, с густыми черными перьями, которые отсвечивают разными цветами, выполненная на одном дыхании. В интервью AI художник рассказывал: «Вдохновение — процесс скоротечный, длится 10–15 минут. Надо его ловить и быстро реализовать. Дольше просто сердце может не выдержать напряжения. И здесь многое зависит уже от мастерства. Отсюда этот метод быстрого письма. Но мастерство — это еще и громадная работоспособность, и труд с перенапряжением» (artinvestment.ru).

ЖЕЛТОВ Юрий Иванович (1942–2021) Квадраты. 1989
Холст, масло. 73 × 60

В 1989 году написана геометрическая абстракция «Квадраты» Юрия Ивановича Желтова.

Желтов учился у М. С. Перуцкого, А. И. Шугрина, А. М. Глускина. С Глускиным и Шугриным, сыгравшим большую роль в формировании его как художника, Желтова связывали не только годы ученичества, но и последующая многолетняя дружба. Окончил в 1965-м художественно-графический факультет МГПИ им. Ленина, с этого же года начал участвовать в московских выставках. В 1975 был принят в Союз художников СССР.

Вторая половина 1980-х — важный период в творчестве художника. Большое количество его работ было приобретено зарубежными коллекционерами, стали поступать предложения о сотрудничестве от западных галерей. В 1989-м Желтов принял приглашение знаменитой парижской галереи Дениз Рене, с именем которой связано не только возникновение опт-арта и кинетического искусства, но и развитие традиций конструктивного искусства вообще. (С 1944 галерея является крупнейшим мировым центром конструктивного искусства, с которой работали практически все значительные европейские и американские художники этого направления. На протяжении десятилетий галерея представляет творчество самых разных мастеров геометрической абстракции: от Кандинского, Мондриана, Малевича, Купки до Арпа, Альберса, Вазарели, Полякова и современных художников.) В этом же году состоялась его первая персональная выставка у Дениз Рене. С 1990 живопись Ю. Желтова ежегодно представлена в Salon International d’Art (Базель) и FIAC (Париж). Он выставлялся на арт-ярмарках Франкфурта, Кёльна, Мадрида, Брюсселя, Афин, Страсбурга. Принимал участие в музейных выставках в разных странах.

«Обращаясь непосредственно к контексту искусства Желтова, — писал о художнике искусствовед и критик Сергей Кусков, — можно отметить, что если на формально-стилистическом уровне оно напоминает о супрематизме, то на уровне основ формообразования не менее ощутим контакт с иконным построением пространства (“Соединение русского авангарда с иконой меня очень занимало”, — вспоминает Юрий Желтов (vesti.ru). — AI.). Таким образом происходит сочетание идей универсального общечеловеческого порядка с импульсами национальной духовной традиции (разумеется, в ее неортодоксальном, внедогматическом переосмыслении), и все это пропущено через стилевую “арматуру” геометрической абстракции XX века и пережито в экзистенциальном опыте личности» (art-critic-kuskov.com, прочитайте эту прекрасную публикацию!).

Юрия Ивановича Желтова не стало 1 мая 2021 года. Светлая память!

КАЛИНИН Вячеслав Васильевич (1939) Птица. 1989
Бумага, офорт, акватинта. 48,5 × 63 (изображение), 53,4 × 68,2 (лист в свету)
Тираж 50 экземпляров. Экземпляр № 16

Офорт с акватинтой «Птица» (1989) Вячеслава Васильевича Калинина — подробная, мастерски сделанная динамичная сцена, продолжающая своеобразный деревенский цикл в творчестве художника. В большом корпусе его печатной графики работы обычно заполнены многочисленными деталями, лицами, зданиями, сюжетами. Все они сплетаются и переплетаются, побуждая зрителя изучать листы буквально по миллиметру. «Птица» — исключительно редкий эстамп, с единственным персонажем, занимающим большую часть листа. Роскошная, детально, по-калинински проработанная птица с интересным сложным характером.

Печатная графика шестидесятников — отдельная большая и исключительно интересная тема для искусствоведов и коллекционеров. Работали в ней многие художники, но автор нашей гравюры, бесспорно, один из блестящих виртуозов офорта.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Вячеслав Калинин».

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Суперслон. 1992
Тонкий прессшпан на картоне, графитный карандаш, темпера. 75 × 54,8

«Суперслон» (1992) Владимира Николаевича Немухина — характерная работа художника 1990-х — 2000-х годов, «созданная, — как отмечает эксперт, — под влиянием художественного наследия мастеров русского авангарда, и прежде всего К. Малевича и Л. Лисицкого. Именно отсюда в этой работе конструктивная строгость геометрических построений. Надо отметить, что композиционная формула, найденная в работе “Суперслон”, оказалась настолько удачной, что стала одной из самых популярных и востребованных. Именно поэтому В. Н. Немухин исполнил несколько различных повторений “Суперслона” в разные годы».

Картина «Суперслон» написана в 1990-е годы, когда творчество художника захватило явление солнечного затмения. Мотив этот уходит корнями в историю русского авангарда. Образ (условно) красного круга, перекрытого идентичным черным кругом на формальном уровне близок супрематизму. Это не опустошенное, это энергичное отрицание, удерживающее позитивную силу. Образно говоря, черное «затмевает» красное.

На картине Немухина статуэтку слона — не просто как предмет, но как символ мещанской культуры, сосредоточенной вокруг «вещности», — «затмили» супрематические фигуры, которые, в свою очередь, спорят друг с другом, стремясь закрыть, подавить, пересилить. «Предмет» здесь лишен власти, но на картине вообще нельзя найти «лидера», она полна анархического духа. И это позволяет еще одно, прямо противоположное прочтение работы: «наивысшим» оказался предмет. Не случайно название «Суперслон» содержит иронию над supremus» (Злата Адашевская, di.mmoma.ru).

КРАСНОПЕВЦЕВ Дмитрий Михайлович (1925–1995) Четыре эскиза будущих картин. 1960–90-е

Четыре эскиза будущих картин — карандашные и тушевые рисунки Дмитрия Михайловича Краснопевцева — автором не датированы (а исследователи датируют подобные рисунки 1960–90-ми) и, возможно, созданы в разное время. Так, мотив подвешенных предметов появляется в творчестве художника во второй половине 1970-х. Мотив чаши, наполненной множеством мелких предметов, дважды повторен в картине «Две вазы, наполненные предметами» 1972 года. Мотив свитка и пера, которое заправлено под нить, обвязывающую свиток, встречается в картине «Кувшин, рулоны, белое перо на черном фоне», созданной в 1981 году.

Художник записывал в дневнике: «Идеал картины (мечты и желания).

Равновесие, устойчивость, статичность.

Невозможность что-либо изменить без ущерба целому: только так, как есть, единственное решение, другое невозможно, немыслимо.

Внутренние конфликты, контрасты, несоответствия в целом уравновешены и заключены в общую “раму”, в результате полное спокойствие и незыблемость. Впечатление (увы, только впечатление) постоянства, неразрушимости, вечности, совершенства.

Порядок, чистота, тишина, покой, торжественность. Всё, изменяющего времени больше нет, оно остановилось. Совершенно как пирамида, храм, формула. Это контраст жизни, которая есть постоянное движение, перемена, рождение и смерть, создание и разрушение без конца. Возможно, мы воспринимаем так жизнь, глядя на нее вблизи и находясь внутри, а на расстоянии, на нужном удалении все эти перемены, контрасты и конфликты тоже уравновешены, и целое — устойчиво и незыблемо» (Дмитрий Краснопевцев. Из записок разных лет. Цит. по: Дмитрий Краснопевцев. М. : Галерея «Дом Нащокина», 1995, б/п).

ЦЕЛКОВ Олег Николаевич (1934) За столом со свечами. 2006
Холст, масло. 96,4 × 161,5

«За столом со свечами» (2006) Олега Николаевича Целкова — образ типичного авторского персонажа. В работе наблюдается нарушение привычных точек зрения, в результате чего персонаж за столом изображается крупным планом в необычном ракурсе, сверху. Характерная авторская палитра, производящая эффект неонового свечения, выстраивается на основе двух цветов — фиолетового и малинового. Блики от свечей передаются светлыми пятнами, что является ироничной отсылкой к светотеневой моделировке форм в духе Рембрандта, одного из любимых художников Целкова (Мария Беликова).

Уже в 1961 году Целков нашел свою магистральную тему — лица-личины-маски. Другие десятилетиями ищут, экспериментируют, находят (если находят) годам к сорока, а то и под конец жизни. А Целкову еще тридцати не было, и — нашел. Чуть ли не приснилось. «…Я впервые случайно “стянул” с лица лицо “по образу и подобию” и увидел “ЛИЦО”. Потрясению моему не было предела. Я написал как бы портрет, однако не портрет отдельно взятого субъекта, а портрет всеобщий, всех вместе в одном лице и — до ужаса знакомом… На лице отпечатались миллионы лет, прожитые человечеством в прошлом. И столько же — в непроглядном будущем…» (Олег Целков. Париж. 2001).

Повезло? Конечно, повезло. Но везение нужно еще и обуздать. Другой бы со временем заметался, бросился бы в эксперименты, «разделился» бы на ценные и менее ценные периоды. А Целков — нет. Художнику достало прозорливости, а скорее даже житейской хватки уцепиться за идею «масок» и кардинально больше ничего не менять. За полвека варьировались детали (добавлялись топоры, ножи, вилки, стулья, бабочки, кошки и прочие булавки, гвозди и веревки), значительно менялась и эволюционировала палитра, драматически росли размеры (музейные работы Целкова имеют просто исполинские размеры, по нескольку метров). Но основные «лица-личины» оставались прежними. Результат — абсолютная узнаваемость, большой рынок работ сопоставимого качества и отсутствие совсем уж выраженной «периодности» (artinvestment.ru).

Читайте о художнике на AI: «Инвестиционные идеи на рынке искусства. Мысль № 2. Вложения в работы Олега Целкова» и «Художник недели: Олег Целков».

Творчество современных художников

ВОРОНОВА Люся (1953) Grand Hong Kong. 2020
Холст, масло. 100 × 120

GRAND HONG KONG. Большой город — как Большой Космос. Сияет, звучит, манит, волнует. Окна-звёзды, пульсация, ритм (Люся Воронова).

Завершает каталог огромное (100 × 120) полотно «Grand Hong Kong» (2020) — «замечательная работа Радостного периода Люси Вороновой. Мы часто встречаем в названиях ее произведений упоминание городов — и это очень интересно. Люся не уделяет внимания достопримечательностям или официальной символике городов, за основу берется только собственное ощущение, вызываемое посещением места или рассказом о нем» (Георгий Воронов).

Люся пишет: «Моя палитра в холстах: красный — Жизнь, синий — Небо, черный — Вечность, охра — золото, много золота. Все так же, как в иконе, в народной культуре и искусстве классического авангарда». Холст «Grand Hong Kong» (2020) из тех вещей, что хорошо смотрятся на экранах, но при личном контакте производят ошеломляющее впечатление.

Одновременно с нашим штатным 381-м AI Аукционом открыт 67-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Юрия Бабича, Марии Буртовой, Димы Горячкина, Владимира Коркодыма, Pata (Пааты Мерабишвили), Андрея Мунца, Николая и Александра Передних, Романа Рахматулина, Сергея Смурова, Сергея Терехова.

Всем желаем удачи на 381-м AI-Аукционе и 67-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.