В каталоге 20 лотов: десять живописных работ, пять листов оригинальной и четыре — печатной графики и одна работа в смешанной технике

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 380 и 66-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 380-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 21 мая, в 12:00.

Русское искусство второй половины XIX — начала ХХ века

ТРАНКОВСКИЙ Алексей Иванович (1847–1914 (?)) Девушка с гирляндой цветов. Конец XIX — начало XX века
Холст, масло. 91,3 × 64,7

Открывает каталог работа, автор которой, как это случилось со многими русскими художниками, был популярен у современников, а позже оказался забыт. Революция, эмиграция, репрессии, невозможность свободного творчества в условиях послереволюционной страны сделали свое дело — и авторам, след которых затерялся во времени, еще только предстоит возвращение в историю русского искусства.

Алексей Иванович Транковский, автор прелестной композиции «Девушка с гирляндой цветов», датируемой экспертами концом XIX — началом XX века, был сыном состоятельного помещика Смоленской губернии. Обрывочные сведения, которые приводят эксперты, не позволяют узнать, был ли он самоучкой или окончил Строгановское училище. Неизвестно также, откликнулся ли Совет Академии Художеств на прошение Транковского предоставить ему звание художника. О творчестве его известно лишь, что писал он в основном жанровые полотна, композиции на историческую тематику и натюрморты.

Во всем этом тумане неизвестности есть все же маяки, важные для автора и его картин.

Произведения художника хранятся в художественных музеях Воронежа, Самары, Мичуринска Тамбовской области, Юрьева-Польского и, возможно, в других музейных собраниях и частных коллекциях. Работа музейных сотрудников по изучению этих произведений, историй их бытования позволяет надеяться на обнаружение новых фактов биографии и, возможно, других работ художника, и на провинциальных музейщиков в этом смысле надежды, кстати, больше, чем на столичных, хоть у последних и информационных возможностей больше, и финансовых.

Далее, как пишут эксперты, работы художника неоднократно воспроизводились на почтовых открытках до революции 1917 года. Это значит, что сегодняшние филокартисты, а среди них наверняка есть владельцы открыток с репродукциями полотен Транковского, могут заняться или уже занимаются его изучением со всем коллекционерским азартом.

Более того, в 1914 году некоторые живописные полотна Транковского были показаны на выставке в Париже. Возможно, там сохранились неизвестные отечественным исследователям документы и материалы, связанные с выставкой и с последним периодом жизни автора, год смерти которого известен лишь предположительно.

БАБАДИН Валериан Витальевич (конец XIX — начало XX века) Летний пейзаж. Рыбаки у речки. 1901
Холст, масло. 104,7 × 130

Реалистический холст «Летний пейзаж. Рыбаки у речки» (1901) принадлежит кисти Валериана Витальевича Бабадина, о котором справедливо можно сказать почти все, что было сказано выше об А. И. Транковском, хотя биографических сведений о нем еще меньше, не известен даже год его рождения и смерти. «Известно, — отмечает эксперт, — что художник создал обширную серию летних, осенних и зимних видов, разномасштабных по формату, которые были востребованы у местной публики. В. В. Бабадин был вхож в круг живописцев русской реалистической школы конца XIX — начала ХХ века. Посещал мастерскую популярного и востребованного художника Ю. Ю. Клевера, влияние которого прослеживается в творчестве мастера. Его работы неоднократно воспроизводились в дореволюционных изданиях».

Произведения Валериана Витальевича Бабадина неоднократно появлялись на рынке, в базе AI таковых зафиксировано более двадцати. Госкаталог музейного фонда РФ не упоминает его работы в отечественных музейных собраниях, однако он постоянно пополняется, и есть надежда, что информация о картинах Бабадина в российских музеях в нем появится. А пока остается надеяться на исследования искусствоведов и коллекционерскую страсть филокартистов.

МУРАВЬЁВ Владимир Леонидович (1861–1940) Лисица в зимнем лесу. Первая четверть XX века
Холст, масло. 42 × 61

Первой четвертью ХХ века эксперт датирует масло «Лисица в зимнем лесу» графа Владимира Леонидовича Муравьёва. Вольноприходящий ученик Академии, он учился у М. К. Клодта и Ю. Ю. Клевера, пользовался советами К. Я. Крыжицкого, был членом Санкт-Петербургского общества художников и Общества русских акварелистов, активно выставлялся на академических выставках, а в 1893 году провел персональную экспозицию.

«Наибольшую известность живописец граф Владимир Леонидович Муравьев получил как мастер охотничьих сцен, — отмечает эксперт. — Его кисти принадлежит ряд зимних пейзажей с фигурками животных. Картины художника были популярны среди публики и коллекционеров. Находясь под большим влиянием Ю. Ю. Клевера, он так же экспериментировал со световыми эффектами и фактурой красок, создавая эффектные, солнечные пейзажи. … Композиция с лисицей в зимнем лесу продолжает ряд таких работ. Картину отличает характерная для художника подробная проработка ветвей деревьев и кустов, превращенная в тонкий снежный узор».

Граф Муравьёв был талантливым пейзажистом, по-настоящему тонко, без слащавости понимавшим русскую природу, лес и его обитателей. Страстный любитель и знаток охоты, повадок животных, их поведения, Муравьёв перенес свое глубокое пристрастие на листы и полотна. Картины графа Муравьёва активно публиковались в дореволюционной печати.

Сегодня его работы хранятся в музейных художественных собраниях Иркутска, Днепропетровска, Козьмодемьянска, Сыктывкара и других музейных и частных коллекциях.

Известно, что после революции В. Л. Муравьёв изменил подпись — в частности, перестал упоминать титул, ранее бывший ее непременным атрибутом. Судя по наличию титула в подписи на картине «Лисица в зимнем лесу», можно уверенно предположить, что написана она была до 1917 года.

Искусство художников Русского Зарубежья

СТЕЛЛЕЦКИЙ Дмитрий Семёнович (1875–1947) Женский портрет. 1922
Бумага на картоне, сангина, соус. 77 × 54

Открывает раздел искусства художников Русского Зарубежья «Женский портрет» (1922) работы Дмитрия Семёновича Стеллецкого. Все его творчество и вся жизнь, были посвящены древнерусскому и народному искусству.

Окончив Высшее училище при Академии художеств (отделение скульптуры), Стеллецкий много ездил по стране, изучал древнерусское искусство и архитектуру. Писал маслом и темперой картины, стилизованные в духе иконописи и древнерусской миниатюры. Создавал скульптуры из раскрашенного гипса и дерева. Занимался мелкой декоративной пластикой и художественным фарфором. Создал рукописный текст и иллюстрации к «Слову о полку Игореве» (1900–1906), которые по рекомендации В. А. Серова приобрела Третьяковская галерея. Писал иконостасы и фрески в храмах. Занимался театрально-декорационной деятельностью, книжной графикой — каллиграфией и изографией. «Предмет неизменного восхищения и подражания Стеллецкого — древнерусское и народное искусство. В самых разных видах художественного творчества — в скульптуре, в мелкой пластике (керамике), в театральной декорации, в станковой живописи, в монументальной росписи, в иллюстрациях и создании рисованной книги, включающей текст и иллюстрации, воссоздающей или возрождающей рукописную книгу («Слово о полку Игореве»), — Стеллецкий обнаруживает приверженность древней традиции, следуя ей <...> со все большей точностью и буквализмом» (Е. И. Кириченко, цит. по: mj.rusk.ru).

В 1914 году Д. С. Стеллецкий отправился в поездку по Италии и Франции, на родину вернуться не смог. О своей вынужденной эмиграции он писал: «Южный климат, природа и моя деятельность на чужбине мне далеко не по душе. Я здесь оторван от корней моего дарования, от России, родной и близкой душе соей. Мне не хватает русского воздуха, русских полей и, главное, — русских людей. Меня всегда вдохновляла только работа для Русской жизни и Русского дела» (ru.wikipedia.org).

В 1920-х построил дом-мастерскую «Крыша» в Ля-Напуле, близ Канн (разрушена после его смерти). Чтобы заработать средства для строительства, расписывал виллы и особняки на французской Ривьере. В Ля-Напуле писал в летних лагерях портреты членов Национальной юношеской организации «Витязи», создал несколько надгробных памятников, исполнил керамические скульптуры (artrz.ru).

Дмитрий Семенович очень страдал в разлуке с родиной. Причин своего невозвращения он не объяснил, но годы эмиграции переживал тяжело. Сохранилось его письмо И. С. Остроухову от 7 октября 1922 года: «Вот уже 8 лет, как я не покидаю Францию и, слава Богу, все время занимаюсь живописью и скульптурой. Но я должен признаться, что мне кажется бессмысленным работать на иностранцев и отдавать им мой труд и талант. Теперь, например, я расписываю фресками дом отдыха англичан, выстроенный в строгом романском стиле XII в. Мне ужасно обидно, что большая работа так и останется у чужих людей и в чужой стране (окрестности Cannes по дороге в Graace). (...) Вообще я не изменил своей любви к иконам и древнерусскому искусству. Я готов бы быть простым учителем рисования и скульптуры в Москве, и мне доставило бы это более удовлетворения, чем вести здесь экзотическое существование. Я был бы Вам очень благодарен, если бы Вы написали мне, возможна ли и желательна моя работа теперь в Москве» (mj.rusk.ru).

Наш тонкий и вдохновенный «Женский портрет» выполнен в том же 1922 году. К сожалению, имя модели неизвестно.

БЕНУА Александр Николаевич (1870–1960) Набережная. 4 августа 1927
Бумага, графитный карандаш, акварель. 22 × 26,3

Акварельная композиция «Набережная» Александра Николаевича Бенуа написана в самом начале августа 1927 года в небольшом французском городке Санари-сюр-Мер на берегу Средиземного моря, где художник недолго жил с семьей.

19 мая 1927 года Александр Бенуа писал Ф. Ф. Нотгафту: «… не будет ли тогда благоразумнее мне сначала хотя бы на три недели съездить отдохнуть (ведь подумайте только, сколько теперь лет я без передышки, — если не считать четырех недель в Бретани, работаю и извожусь нервами!)? На этом очень настаивает Кока (Н. А. Бенуа. — AI.), который так в своих письмах из Милана… и говорит, — что он меня “потащит” на берег моря в Provence… Я очень замотался, очень устал… Чувствую при этом самую категорическую необходимость куда-то отъехать, прийти в себя, очухаться…» (Цит. по: benua.su). Можно осторожно предположить, что поездка в Санари, в Провансе, — это тот самый небольшой долгожданный отдых, о котором так мечтал художник. Пусть и не в июне, а в августе — сентябре 1927 года. Изучать подробности биографии художника, относящиеся к середине 1927 года, предстоит новому владельцу акварели; известно только, что в Санари-сюр-Мер написан ряд акварельных пейзажей, и к этой небольшой серии, очевидно, принадлежит и наша изящная композиция.

ВАСИЛЬЕВА Мария Васильевна (Ивановна, Михайловна; 1884–1957) Материнство. 1933
Фольга на бумаге, продавливание, проскребание, графитный карандаш. 30,5 × 24,2

Необычна композиция «Материнство» (1933) Марии Васильевны Васильевой — «русской феи с Монпарнаса», французской художницы русской эмиграции и русской художницы Парижской школы.

Личность этой женщины и ее роль в том, что искусство XX века таково, каким мы его знаем, сложно переоценить. В ранней молодости, в 1900-х годах, она брала уроки живописи у Матисса, с 1909 года выставлялась в Парижских салонах: Осеннем и Независимых. Она позировала Модильяни, получила предложение руки и сердца от Анри Руссо, писала портреты Жана Кокто и Пикассо, а также основала «Русскую Академию», а затем и клуб помощи художникам. Кроме того, она была талантливой художницей, чье станковое творчество было не раз отмечено на различных выставках, а занятие прикладным искусством позволило пережить самые сложные времена.

Среди произведений прикладного искусства в творчестве Васильевой большую известность в 1916 году получили гротескные куклы-портреты из различных материалов (папье-маше, кожи, проволоки, ткани, клеенки) — образы А. Матисса, П. Пикассо и других французских художников и поэтов, друзей художницы. Куклы-портреты она делала и позже по заказу кутюрье П. Пуаре.

Мария Васильева занималась также искусством иллюстрации, карикатурой, сценографией, декорированием мебели, оформлением интерьеров, изготовлением масок, статуэток и пр. Эксперт отмечает, что по своей натуре она была художником-декоратором, что отразилось на ее живописи, интересной не столько собственными открытиями, сколько изобретательной стилизацией под различные направления.

Из увлечения художницы декупажем и коллажем возникло ее пристрастие к цветной фольге, которую она использовала с большой изобретательностью. Особенно значительное число станковых работ с применением этого красивого и податливого материала она создала в 1930-е годы, вырезая из него изображения для коллажей или делая подобия рельефов.

Работа «Материнство» (1933) «изготовлена из цельного листа фольги способом продавливания рисунка, нанесенного на обороте, остроконечным инструментом и обработки листа наждаком. Достигнуто подобие “старинного” рельефа из металла». Эксперт указывает, что изображение молодой парижанки в шляпке, с модной прической 1930-х годов, обнимающей сына-подростка, дополнено нимбом вокруг головы, что роднит нашу работу с многочисленными примитивистскими коллажами Васильевой на тему Мадонны. В то же время у изображенных людей, вероятнее всего, были прототипы, так как в образах и женщины, и мальчика угадываются вполне портретные черты.

«Намеренное смешение жанров и видов искусства (портрета с иконой, рисунка с чеканкой по металлу) создает игровой эффект, свойственный творчеству Марии Васильевой в целом, — отмечает эксперт. — Она свободно использовала различные приемы и стили, иронично переиначивая их, фантазируя, что составляет ее творческую индивидуальность».

ГЛЮКМАН Григорий Ефимович (1898–1973) Кистевой рисунок. Женщины. 1936
Картон, масло. 39 × 57,5

«Кистевой рисунок. Женщины» (1936) представляет в каталоге творчество интереснейшего художника Григория Ефимовича Глюкмана (Гликмана).

Григорий Гликман родился в Витебской губернии. До 1917 жил в Витебске, самостоятельно занимался искусством. В 1917–1920 учился в МУЖВЗ (ГСХМ).

В 1920 эмигрировал в Берлин. Входил в берлинское литературное содружество «Веретено» (1922). В 1924 около 9 месяцев работал во Флоренции, изучал средневековое итальянское искусство, затем поселился в Париже, где изменил свою фамилию на Глюкман.

С середины 1920-х занимался преимущественно живописью. Писал портреты, сцены из городской жизни, пейзажи. Особую популярность в 1930-е получили его ню. В Париже познакомился и подружился с известным скрипачом Яковом Хейфецем, который впоследствии собрал наибольшую коллекцию его картин (artrz.ru).

В июне 1941, после оккупации немцами Парижа переселился на юг Франции и вскоре эмигрировал в США. Жил в Нью-Йорке, с 1945 — в Лос-Анджелесе. В 1954 получил американское гражданство.

В творчестве Глюкмана соединились традиции русского искусства и прекрасное знание приемов европейских школ живописи, в частности он активно использовал колористические достижения старых венецианских мастеров и французских художников второй половины XVII — начала XVIII столетия, в особенности А. Ватто, Н. Ланкре, Ж. Б. Патера. Как и старые мастера, он писал преимущественно на деревянных досках, кропотливо накладывая одну краску поверх другой, чтобы нижние слои просвечивали сквозь верхние, благодаря чему добивался эффекта необычайной глубины и богатства оттенков. Этот метод отличался трудоемкостью, так как краски, наложенные ранее, должны были высохнуть, прежде чем художник мог продолжить работу над картиной.

Произведения Глюкмана находятся в частных собраниях и в коллекциях многих европейских и американских музеев, среди которых Национальный музей современного искусства, Люксембургский музей и Музей Пти Пале в Париже, Художественный музей Чикаго и др.

ЛАНСКОЙ Андрей Михайлович (1902–1976) Абстрактная композиция. 1967 (?)
Холст, масло. 51 × 62

Топ-лот каталога — живописная «Абстрактная композиция» 1967 (?) года Андрея Михайловича Ланского.

О многих художниках-эмигрантах в контексте истории российского искусства можно услышать: «талант, которого мы потеряли». К сожалению, далеко не всегда «потерявшегося» художника, находит другая страна — продвинуться по европейской арт-лестнице удалось немногим из покинувших советскую Россию. Но Андрея Ланского художественная Франция именно нашла и усыновила, сделав его своим Андре.

Работы Андре Ланского, несмотря на всю широту используемых им приемов — от рельефной пастозности масла до тончайших градаций цвета в графике, на очень разный масштаб — от широкоформатных монументальных композиций до маленьких компактных работ, всегда очень созвучны человеку. Ланской не подавляет зрителя, он, скорее, делится с ним своими эмоциями, фантазиями. В его работах нет конкретной формы, но угадывается сюжет и легко считывается настроение.

Читайте о художнике сегодняшнюю публикацию: «Художник недели: Андрей Ланской».

Искусство ХХ века

ВОЛОШИН Максимилиан Александрович (1878–1932) Без названия (Берег моря). 1931
Бумага, акварель. 8,4 × 16,8

В 1931 году выполнена красивая маленькая (8,4 × 16,8) акварель «Без названия (Берег моря)» Максимилиана Александровича Волошина — работа из цикла видов Коктебеля, изысканная, поэтичная, легкая, с «волошинским» настроением. Судя по размеру акварели, она, скорее всего, предназначалась для пересылки в почтовом конверте — известно много акварелей Волошина, которые он пересылал друзьям почтой.

Работа подписана монограммой, датирована и надписана автором. Одно слово в надписи мы разобрали весьма условно, но (внимание!) возможно, что новому владельцу акварели вместе с прелестным рисунком достанутся неизвестные волошинские стихи:

Вѣтеръ упругiй и влажный отъ моря
Ласково клонитъ dервя <деревья к?> землѣ

Если исследователям Волошина эти строки уже известны, возможно, они расскажут что-то о том, кому была адресована эта удивительная акварель. Исключительно ценный и очень красивый рисунок!

ЛАБАС Александр Аркадьевич (1900–1983) Троицкое. В саду. 1961
Холст, картон, масло. 49,2 × 69,8

В 1961 году написана жанровая картина «Троицкое. В саду» Александра Аркадьевича Лабаса. «Как ни у кого, в творчестве Александра Лабаса счастливо сочетаются бурлящая энергия двадцатого века, его неудержимый ритм, пафос созидания — с изысканной тонкой манерой, с неизбывным ощущением радости жизни, — и мы признаем Александра Лабаса одним из лучших отечественных мастеров прошедшего столетия» (И. А. Антонова. Каталог выставки «К столетию мастера». ГМИИ им. А. С. Пушкина. 2000, labasfond.ru).

«Мне кажется, что в живописи может все строиться гармонично, в полном соответствии цвета и формы, линейного построения, перспективы линейной и цветовой, рисунка и цвета в едином движении, в едином ритме и вглубь картинной плоскости. Я думаю, что современная живопись в большей степени пойдет по другой дороге. И здесь многое еще не открыто, и прежде всего, в противопоставлении движения и ритма, рисунка и цвета. Я бы сказал, в столкновении: рисунок — как один мотив или голос, а цвет — другой мотив. Иногда они сталкиваются и расходятся как в фугах Баха…» (Александр Лабас, 1960-е, labasfond.ru).

Важно: при покупке работа будет сопровождаться Сертификатом подлинности Фонда содействия сохранению творческого наследия художника Александра Лабаса (Лабас-Фонда).

ВИНОГРАДОВ Леонид Николаевич (1938–2021) Лето у Спаса. 1985
Холст, масло. 59 × 78,2

Холст «Лето у Спаса» (1985) создан волшебной кистью Леонида Николаевича Виноградова. Мы уже выставляли несколько его прекрасных работ на торги, но, к сожалению, впервые рядом с годом рождения художника должны написать и вторую дату — 2021 год.

«Люблю вставать рано утром, стараясь уловить пробуждение природы, чтобы открыть впечатления от ее красоты и мудрости, — писал Леонид Виноградов. — <…> Для меня родная природа является основным источником вдохновения. Даже зимой, в лютую стужу заставляю себя работать “на натуре”. И, как часто бывает, этот процесс начинает меня согревать, а иногда становится даже жарко. Надеюсь, что мои работы также способны согреть душу зрителя. Во всяком случае, я всегда старался работать честно и за свой многолетний труд мне не стыдно».

«Колорист божьей милостью, он пишет не отвлеченное, условно декоративное пространство, а живую среду, рожденную переменчивой игрой света и воздуха, такой разной в каждое время суток… В серьезном подходе этого незаурядного автора к художественным проблемам живописи — залог дальнейшего углубления решаемых им в искусстве задач» (С. М. Иваницкий, ГТГ).

«Виноградов обладает редким даром колориста. Но он обладает также даром видеть действительность в солнечном свете. И даже заброшенный деревенский дом — это повод для создания цветовой гармонии в зеленом и серо-голубом.

Неискушенный зритель радуется сходству, яркости красок природного мотива, не замечая тех сложных живописных преобразований, которые совершает художник. Виноградов развоплощает реальный ландшафт, раскладывая его в калейдоскоп сияющих цветов, чтобы потом снова собрать его в колористическую композицию, несущую одновременно и иллюзию жизнеподобия, и эмоциональный заряд чистой радости бытия» (А. Ю. Чудецкая, кандидат искусствоведения, научный сотрудник ГМИИ им. А. С. Пушкина).

Леонид Виноградов — заслуженный художник РФ. Его работы находятся в собрании Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), Костромского историко-архитектурного и художественного музея-заповедника, Новосибирского государственного художественного музея, Тульского областного художественного музея, Ярославского художественного музея, в отечественных и зарубежных частных коллекциях.

Творчество шестидесятников

НЕИЗВЕСТНЫЙ, Эрнст Иосифович (1925–2016) Ад. 1967
Бумага на картоне, офорт. 47 × 25,8 (лист), 29 × 20,5 (изображение)

Очень интересен офорт «Ад» (1967) Эрнста Иосифовича Неизвестного. В 1967 году художник работал над иллюстрациями к Данте: в издательстве «Наука» готовился к выпуску в серии «Литературные памятники» сборник «Данте Алигьери. Малые произведения», и заместитель главного редактора издательства И. М. Кулькин пригласил Эрнста Неизвестного, с которым был ранее знаком и дружен, выполнить иллюстрации к книге. Когда иллюстрации были готовы, он организовал встречу с составителем и ответственным редактором сборника И. Н. Голенищевым-Кутузовым.

Сразу оговоримся: наш офорт в книге не опубликован — «Божественная комедия» к малым произведениям не относится. Мы лишь хотим обратить внимание читателей на то, как воспринял художническую трактовку Данте уже очень немолодой человек «другой эпохи» И. Н. Голенищев-Кутузов — крупнейший специалист по творчеству поэта, блестящий знаток итальянского языка, автор переводов прозы и стихов к «Малым произведениям», в том числе и о «Каменной Даме».

И. М. Кулькин вспоминал, как Голенищев-Кутузов: «внимательным взглядом рассматривал нас: “прошёлся” взглядом по моей персоне, затем перевел взгляд на Эрнста. На лицо… набежала тень, она-то и послужила для меня сигналом к действию. Обратившись к Голенищеву-Кутузову, я назвал себя представителем издательства Академии наук, представил Эрнста, сказав при этом, что он сотворил великолепные гравюры к “Малым произведениям” Данте и выразил надежду, что он их одобрит. После краткого моего вступления Эрнст приступил к показу иллюстраций. Он, как фокусник, извлекал из широкоформатного планшета гравюры. Первая из них произвела фурор. Об этом свидетельствуют с восторгом произнесенные Голенищевым-Кутузовым слова: “О, Каменная Дама!” (подрисуночная подпись оригинала гравюры “Стихи о Каменной Даме”). Разнородная ментальность нашего микроколлектива из трех человек моментально трансформировалась в единый интеллектуальный менталитет. У нас возникло глубокое взаимопонимание. То же самое повторилось с женским групповым портретом. Голенищев-Кутузов назвал его “Новая жизнь” (подрисуночная подпись оригинала гравюры “Новая жизнь”). Я посмотрел на своих коллег “другими глазами”, как на крупнейших специалистов в постижении интеллектуального наследства Великого Данте. Мера моего восхищения ими не имела границ. <...> Таким образом, визит к И.Н. Голенищеву-Кутузову был весьма успешным» (chelovek.iph.ras.ru).

И еще небольшое замечание: иллюстрацию к «Аду» XIV века выполнил художник-фронтовик, прошедший через ад века двадцатого, и это конечно наложило свой отпечаток на авторское прочтение поэмы Данте.

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Женщина с рыжими волосами. 1968
Ткань на доске, масло. 58,5 × 42

«Женщина с рыжими волосами» (1968) — один из вдохновенных женских образов, созданных талантом и кистью Анатолия Тимофеевича Зверева. Эта работа, пишет эксперт, «относится к классическому циклу женских портретных образов, созданных А. Т. Зверевым в 1960-х годах и принесших ему славу одного из лучших богемных портретистов. Лучшие работы этого цикла носили ярко выраженный экспрессионистический характер, где смелые сочетания красок, их звонкий, напористый цвет, кляксы и затеки, брызги и мощные уверенные линии краски, нанесенные непосредственно из тюбика, определяли художественный стиль и метод работы Зверева в это время. … Портрет написан живо, декоративно. Художник мастерски пишет маслом, имитируя свою акварельную манеру и уточняя рисунок энергичными, красочными линиями. Образ изображенной женщины получился выразительным, с характером».

ПЛАВИНСКИЙ Дмитрий Петрович (1937–2012) Старая кузница. 1975
Бумага, офорт. 32,4 × 48,8 (изображение), 40,8 × 56,3 (лист)

Мастеров офорта, подобных Дмитрию Петровичу Плавинскому, не только среди шестидесятников (которые много работали в техниках гравюры), но и вообще в отечественном искусстве XX века, пожалуй, найдется немного. «Дима учился офорту в гравюрном кабинете Пушкинского музея у старых мастеров. Одним из самых любимых был Дюрер» (Мария Плавинская, colta.ru).

«В 1970-х Дима много писал о своих путешествиях, о своих приятелях и назвал это время “советский Ренессанс”. <…> Путешествовал один, в кедах, с рюкзачком. И на поезде, и пешком. Как угодно. Было четкое представление, что разные культуры существуют рядом друг с другом, дополняют друг друга и составляют общую культуру. Что мир невозможно разделить на Восток и Запад. И одно из важных достижений Димы, на мой взгляд, — он в своем творчестве объединил Восток и Запад. У него было целостное представление о мироздании, о Вселенной, о нашей Земле с ее геологией, археологией, географией, животными. Он — художник-космист. Он работал с символами» (Мария Плавинская, colta.ru).

Офорт «Старая кузница» (1975) воплощает мотив, к которому в 1975 году автор обращался как минимум дважды. Офорт 1975 года, изображающий тот же узнаваемый интерьер старой полуразрушенной кузницы, но немного в другом ракурсе, хранится в составе коллекции Нэнси и Нортона Додж в Музее Циммерли и опубликован в в монографии: Dmitri Plavinsky / J. E. Bowlt, A. Jakimovich, E. Plavinskaya-Mikhailova, D. Plavinsky. — New York: Rizzoli International Publications, 2000. С. 219.

ЯКОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934–1998) Зимний пейзаж. 1979
Бумага, гуашь. 83,2 × 59,5

Гуашь «Зимний пейзаж» (1979) Владимира Игоревича Яковлева относится к циклу пейзажных произведений художника. «Следует отметить, — пишет эксперт, — что зимние пейзажи особенно ему удавались. В этих лаконичных, ритмически организованных зимних мотивах, написанных в изысканной гамме, есть что-то пронзительное, щемящее, поэтичное».

ХАРИТОНОВ Александр Васильевич (1931–1993) Снопы под дождем в августе. 1986
Холст, масло. 25,5 × 30

От мастерской художника прослеживается провенанс холста «Снопы под дождем в августе» (1986) Александра Васильевича Харитонова. Купленный у автора друзьями, известными художниками-карикатуристами и мультипликаторами Галиной и Валентином Караваевыми в 1980-х, он хранился в их собрании, ни разу не меняя владельца.

«Не люблю необычные, томные “левитановские” места, — писал Харитонов в одном из писем. — Нужно писать все обыкновенное, то, что видят каждый день, и делать это необыкновенным» (цит. по: newtimes.ru).

Харитонов сначала писал сюжет крупными мазками, причем без подготовки и карандашного наброска, потом использовал кисточки все меньшего и меньшего размера. Иногда таким образом он накладывал до 40 слоев красок, достигая переливчатого свечения и мерцания законченных холстов. «Моя живопись, — писал Александр Харитонов в конце жизни, — зиждется на трех китах: византийская иконопись, древнерусская иконопись и церковная вышивка драгоценными камнями, жемчугом, бисером. Моими учителями были Достоевский, Гоголь, Саврасов, Флоренский и Моцарт» (цит. по: newtimes.ru). Именно к древним техникам церковной вышивки, а вовсе не к пуантилизму, с которым нередко сравнивают манеру художника, напрямую отсылают нас его филигранные работы.

ВЕЧТОМОВ Николай Евгеньевич (1923–2007) Ночные бабочки. 1999
Картон, акварель, тушь. 47,2 × 73

В узнаваемой авторской манере, технике и цветовой гамме выполнен картон «Ночные бабочки» (1999) Николая Евгеньевича Вечтомова.

«Николай Вечтомов — один из немногих представителей советского неофициального круга художников, к которому правомерно может быть применим термин “сюрреалист”. Входил в “Лианозовскую группу” вместе со Львом Кропивницким, Оскаром Рабиным, Лидией Мастерковой, Владимиром Немухиным и другими. Начав с натурных композиций, через эксперименты абстрактного экспрессионизма в конце 1950-х годов, пришел к характерным для дальнейшего его творчества беспредметным композициям — фрагментам альтернативной реальности» (Сергей Попов, pop/off/art).

В творчестве художника арт-критик Сергей Кусков в первую очередь отмечал, что «здесь конкретика природных и вообще земных реалий и впечатлений во многом абстрагируется, очищаясь от излишних деталей, от всякой будничности и локально конкретно узнаваемых примет знакомого повседневного окружения, обретая тем самым загадочную странность, парадоксальность, возвышенную отрешенность и специфический космизм звучания.

<…>

Присущие душевному складу нашего художника романтические устремления побуждают его искать именно все редкостное, экстраординарное, загадочно-волнующее или магично-мистическое в познаваемом им мире и, обнаружив такие мотивы или источники вдохновения, заострять, усиливать акцентировать “выпадение” их инаковости относительно всего обыденного, буднично-привычного. Данная ситуация проявляется уже на уровне формально-стилевом, когда, например, художник либо подводит в основе своей конкретно-изобразительные мотивы к границе Абстракции, либо уподобляет свои жизненные наблюдения каким-то сюрреалистическим или “метафизическим” живописным видениям, или обнаруживает и усиливает в них подобно некоей инопланетной реальности, хотя на самом деле подобное видимое в сущности возможно и здесь — на земле, но лишь в исключительных, измененных состояниях реальности» (art-critic-kuskov.com).

БУЛАТОВ Эрик Владимирович (1933) Слава КПСС. 2005
Бумага, литография. 59,7 × 59,7 (лист)
Тираж 100 экземпляров, экземпляр № 74

Литография «Слава КПСС» (2005) одного из основателей школы московского концептуализма, Эрика Владимировича Булатова воспроизводит одноименное живописное произведение, едва ли не самое известное в его творчестве. «Это воспринималось просто как лозунги советской действительности. Да, кругом написано “Слава КПСС”, плакат такой — ну и что? Или наоборот — наши философствующие диссиденты обрушивались на меня: как ты мог по нашему русскому небу написать эти жуткие слова? Пространственный смысл в моих картинах… просто не замечался. Читались сами слова: “Слава КПСС”. А больше — что еще там смотреть, и так все понятно. В лучшем случае все воспринималось как американский поп-арт, сделанный на советском материале. Так думали те, кто пытался найти тут какую-то иронию. Но никакой иронии не было. Был прямой портрет этой реальности» (Эрик Булатов, znak.com).

«…Я настаиваю на том, чтобы зритель внимательно смотрел на то, что нарисовано. Например, когда человек подходит к моей работе “Слава КПСС”, он читает надпись: “А-а, ну это я знаю”. А надо, чтобы не знал заранее, а смотрел на картину. Там между буквами и небом есть расстояние, буквы не приклеены, не написаны по небу. А раз есть расстояние — каждый живет сам по себе. И дальше смотрите сами.

Я настаиваю: понимание искусства начинается не со знания, а с ощущения. Понимание приходит или не приходит потом. Изначально понимания вообще быть не должно, оно ни при чем... Если происходит наоборот, то искусство остается неувиденным, непонятым» (Эрик Булатов, forbes.ru).

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Эрик Булатов».

ПРИГОВ Дмитрий Александрович (1940–2007) Динамика бога. Стадия III (The Dynamic Of The God. Stadium III). 1993
Бумага, шелкография. 78,7 × 61,4 (лист), 59,2 × 41,8 (изображение)

Единственная в каталоге работа представителя следующего поколения второго русского авангарда — семидесятников — тиражный лист «Динамика бога. Стадия III» (1993) Дмитрия Александровича Пригова.

Творчество современных художников

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Ночь музеев. 2008
Холст, масло. 79 × 100

Музейное для картины — это знак качества произведения и его ценности в творчестве художника. В сложной и необычной «Ночи музеев» (2008) Люси Вороновой отразился целый ряд важных принципов ее творчества, получивших дальнейшее развитие в более поздних работах. Так получилось, что картина была закончена в Ночь музеев 2008 года, но у художницы (и это хорошо знают любители и знатоки ее творчества) никогда ничего случайного не бывает. Значит, было нужно, чтобы именно этой замечательной работе ночь искусства подарила и название, и свою волшебную ауру.

***

Портретная серия работ Люси началась с рисунков, продолжилась на больших грунтованных ватманах и до середины 2000-х существовала только на бумаге. В 2005–2006 годах начался плавный переход портретного цикла на холст.

Начиная с 2008 года Люся стала уделять особое внимание фону — в этом решении видится перекличка с работами 1970-х. Последующие 2-3 года — недолгий, но творчески очень плодотворный период поиска уникального (не повторяемого!) фона для каждого изображаемого человека в зависимости от его настроения, душевного состояния и того, каким видела его Люся. Главным персонажем еще выступает человек! Если мы обратимся к каталогам тех лет, мы без труда сможем найти одну из наиболее известных её цитат: «Всегда начинаю с человека. Мой первый жест — человек, его состояние, его смысл. Позирующий создает мне образ. И уже дальше в его пространстве возникает фон. В каждом человеке ищу Человека. Люди очень разные, каждый космос, загадка, неожиданность. Моя палитра в холстах: красный — Жизнь, синий — Небо, черный — Вечность, охра — золото, много золота. Все так же, как в иконе, в народной культуре и искусстве классического авангарда».

В тот же период возникает уникальный прием изображения в рамках одного холста сразу 2-3 портретов одного человека. Стоит отметить, что модель всякий раз позирует в разное время, между сеансами может пройти всего день, а в некоторых случаях и несколько недель.

Работ тех лет, где использован этот прием, не так много. Среди них есть такие известные вещи, как «Пётр и Пётр» и «Четыре состояния» (2007). Как правило, коллекционеры не спешат с ними расставаться, и причина этого кроется не столько в удачной инвестиции в уникальную вещь, сколько в исходящей от работ ауре позитива (Георгий Воронов).

***

…Есть в творчестве Люси Вороновой отдельная мощная «женская линия». Ф. Ницше призывал «философствовать, принимая тело как путеводную нить». Не знаю, о философствовании ли идет речь, но, уверен, в творчестве Люси Вороновой телесное поверяет всё — состояние души, эмоциональность, изобразительный драйв. Здесь многое архетипично: сам характер телесности — крупные угловатые фигуры, форма, тяготеющая к силуэтности, взаимоотношения с фоном. Даже лица решены в одном примитивизирующем приеме: нос и брови — в одно касание, без отрыва. Так же — примитивизирующе — рисуются рты: преувеличенно длинные, в одну линию красным цветом (вспоминается мандельштамовское «кроваво-красный рот»). При подобной архитепичности — удивительное для художника разнообразие нарративов, к которым располагают изображения. Да не располагают — взывают: к толкованию, к рассказу, к пониманию. Взять эти раскрашенные рты — кому они принадлежат? Что это — неумело подведенные губы женщины из социальных низов? Боевая раскраска путаны? Кричащий макияж коверной?

Люся Воронова знает свои модели — это близкие, знакомые из общего круга, случайные персонажи, есть позирующие из циркового мира, есть профессиональные натурщицы. Надо сказать, родственные и дружественные отношения, очевидно, важные для художника, не выносятся на люди. Художник не силен и в социальном (скорее, её сейчас просто не интересуют социальные контрасты, волей-неволей проявлявшиеся в её ранних рисунках).

Люся Воронова сильна в другом: она подселяет свои модели в свои же визуальные миры-миражи, в свой Райский сад, и присматривается: как они себя поведут? Какие человеческие качества проявят? Какие образы претворят — инженю? Ориентальных гурий и вакханок из наивной клееночной живописи? Шемаханских цариц? Лотрековских или союзгосцирковских клоунесс? Сереньких мышек, вяжущих «шапочки для зим»? Вообще, приживутся ли они в её цветовых орнаментах и аксессуарах, с «птицами счастья» на плечах? Об этом её притчи.

Для подобной «проявки» среда должна обладать особой суггестией. Мне представляется, у Люси Вороновой живописная среда по степени воздействия (и интровертного, направленного на своих же насельников, моделей художника, и экстравертного — вовне, на зрителей) сравнима разве что со знаменитыми психоделическими ( в широком словарном смысле от др.-греч. ψυχή — душа, δήλος — ясный) «горохами» Я. Кусамы (Александр Боровский, заведующий Отделом новейших течений Государственного Русского музея, текст предоставлен Г. Вороновым).

Одновременно с нашим штатным 380-м AI Аукционом открыт 66-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Константина Батынкова, Фарида Богдалова, Елены Гориной, Галины Дулькиной, Николая Жатова, Владимира Ковальчука, Марины Колдобской, Юлии Мамонтовой, Романа Рахматулина, Марины Фёдоровой.

Всем желаем удачи на 380-м AI-Аукционе и 66-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.