В каталоге 30 лотов: 19 живописных работ, 5 листов оригинальной графики, 3 работы в смешанной технике, 2 скульптуры и 1 икона

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 371 и 57-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 371-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 57-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 19 марта, в 12:00.

Каталог открывает икона «Святой Апостол и Евангелист Лука» XVII века.

Икона «Святой Апостол и Евангелист Лука». Деталь Царских врат иконостаса. XVII век
Дерево, левкас, темпера. 60 × 48

Царские врата — это главные врата иконостаса в православном храме, они ведут в алтарную часть храма. Царские врата находятся в центре самого нижнего ряда иконостаса и символизируют собой врата Рая, открывающие человеку путь в Царствие Небесное.

Традиционно на двух створках Царских врат помещают фигуры архангела Гавриила и Девы Марии, образующие вместе сцену Благовещения, как символ того, что через Боговоплощение двери Рая, запертые после грехопадения человека, вновь стали для всех открытыми.

Как правило, на вратах изображены четыре евангелиста в знак того, что с Радостной вести о воплощении Христа и через приобщение к Евангельской проповеди человеку открываются двери спасения.

***

Один из евангелистов, традиционно изображаемых на створках Царских врат, — святой апостол и евангелист Лука, уроженец Антиохии Сирийской, апостол из 70-ти, сподвижник святого апостола Павла (Фил.1,24; 2Тим.4,10), врач из просвещенной греческой среды. Услышав о Христе, Лука прибыл в Палестину и здесь горячо воспринял спасительное учение от Самого Господа. В числе 70-ти учеников святой Лука был послан Господом на первую проповедь о Царствии Небесном еще при жизни Спасителя на земле (Лк.10,1-3). После Воскресения Господь Иисус Христос явился святым Луке и Клеопе, шедшим в Еммаус.

Апостол Лука принял участие во втором миссионерском путешествии апостола Павла, и с тех пор они были неразлучны. Когда святого Павла оставили все сотрудники, апостол Лука продолжал делить с ним все трудности благовестнического подвига (2Тим.4,10). После мученической кончины первоверховных апостолов святой Лука покинул Рим и с проповедью прошел Ахаию, Ливию, Египет и Фиваиду. В городе Фивы он мученически окончил земной путь.

Предание усваивает ему написание первых икон Божией Матери. «Благодать Рождшегося от Меня и Моя милость с сими иконами да будет», — сказала Пречистая Дева, увидев иконы. Святой Лука написал также иконы святых первоверховных апостолов Петра и Павла. Евангелие написано им в 62–63 годах в Риме, под руководством апостола Павла. Святой Лука в первых стихах (Лк.1,3) четко выразил цель своего труда: наиболее полно и в хронологической последовательности описал по порядку всё, что известно христианам об Иисусе Христе и Его учении, и тем самым дал твердое историческое обоснование христианского упования (Лк.1,4). Он тщательно исследовал факты, широко использовал устное предание Церкви и рассказы Самой Пречистой Девы Марии (Лк.2,19, 51).

В богословском содержании Евангелие от Луки отличается прежде всего учением о всеобщности спасения, совершенного Господом Иисусом Христом, о вселенском значении евангельской проповеди. Святой апостол написал также книгу Деяний святых апостолов в 62–63 годах в Риме. Книга Деяний, являясь продолжением Четвероевангелия, повествует о трудах и подвигах святых апостолов после Вознесения Спасителя. В центре повествования — Апостольский Собор (51 год по Рождестве Христовом) как основополагающее церковное событие, послужившее догматическим основанием для отмежевания христианства от иудейства и самостоятельного распространения его в мире (Деян.15,6-29). Богословским предметом книги Деяний является преимущественно Домостроительство Святого Духа, осуществляемое в основанной Господом Иисусом Христом Церкви от Вознесения и Пятидесятницы до Второго пришествия Христова (azbyka.ru).

Раздел искусства русских художников конца XIX — начала ХХ века начинает изобразительную часть каталога.

БЕНУА Альберт Николаевич (1852–1936) Зимний пейзаж с речкой. 1894
Бумага, графитный карандаш, акварель, белила. 24,5 × 33,2

Изящный заснеженный «Зимний пейзаж с речкой» (1894) — работа Альберта Николаевича Бенуа, крупнейшего мастера акварельной живописи второй половины XIX — начала ХХ века, художника академической традиции. Он родился в 1852 году в одной из самых знаменитых художнических семей русского искусства, давшей миру целое созвездие архитекторов, живописцев, графиков, сценографов. В 1871–1877 Альберт Бенуа учился в ИАХ на архитектурном отделении. Одновременно занимался акварелью под руководством Л О. Премацци. В 1876 был удостоен большой поощрительной медали и малой золотой медали за программу «Проект университета». В 1877 за программу «Вокзал в парке близ станции» был признан достойным получения большой золотой медали, дающей право на заграничное пенсионерство; однако награды не получил, так как женился во время конкурса, что не допускалось правилами. В том же году выпущен из Академии со званием классного художника-архитектора 1-й степени. После окончания ИАХ отошел от архитектуры и сосредоточился на акварельной живописи; принимал участие в академических выставках.

«И с каким же упоением работал Альбер! — вспоминал его родной брат художник Александр Бенуа. — Не проходило дня весной, летом и осенью, чтобы он не делал по этюду или даже по нескольку в день. И чем эти этюды были свободнее и проще, тем они были прекраснее. При этом твердые знания, приобретенные от Премацци, помогли Альберту справляться и с труднейшими задачами. Наслаждением было глядеть, как у него сразу на бумаге намечался пленивший его эффект, с какой быстротой вырисовывались предметы, как ловко, где нужно, он пользовался не успевшим еще высохнуть местом, а где нужно работал по сухому. Все становилось на свои места и расцвечивалось красками, и это с такой быстротой, что в полчаса, в час самое большее главное было готово, намечено, и Альбер уже складывал свои “орудия труда” и летел дальше в поисках другого мотива».

В 1883 по приглашению Александра III Альберт Бенуа сопровождал Царскую семью в летней экскурсии по финским шхерам на яхте «Царевна». В том же году Совет ИАХ подал ходатайство об отправлении Бенуа в пенсионерскую поездку за границу для совершенствования в технике акварели. В 1883–1885 в качестве пенсионера ИАХ он учился в Италии, Франции, Англии. В 1884 за акварели «Местечко Балье», «Город Сан-Ремо» и другие был удостоен звания академика Императорской академии художеств. В том же году посетил Алжир, Тунис и Египет.

Наш «Зимний пейзаж с речкой», датированный 3 ноября 1894 года, вероятнее всего, написан в Европе. Дополнительно это предположение подтверждает авторская дарственная надпись: À Mademoiselle Violette Ingano. «В этой работе, — пишет эксперт, — хорошо просматривается виртуозное владение А. Н. Бенуа техникой акварельной живописи, его умение мастерски и “живо” передавать настроение и состояние выбранного пейзажного мотива, сделать его возвышенным и одухотворенным, наполнить своеобразной поэтикой».

СТЕПАНОВ Александр Николаевич (1861–1911) Лоточник. 1890-е — 1900-е
Бумага, акварель, белила, графитный карандаш. 46,6 × 30,2

«Лоточник» (1890-е — 1900-е) Александра Николаевича Степанова относится к так называемым «городским типам» и представляет сюжет, широко распространенный начиная с 1830-х годов и любимый и художниками, и, со второй половины XIX века, — фотографами, и конечно, публикой. Фотографы делали огромные серии — московские типы, петербургские типы, киевские типы и т. д., включая туда разносчиков, чистильщиков, священнослужителей, солдат, студентов, баб-торговок, купцов — словом, всех, кого можно было встретить на улице. «Одним из популярнейших петербургских типов, — пишет эксперт, — были продавцы “на крик” — лоточники. Подобным образом продавались продукты питания (овощи и фрукты, рыба, мясо), диковинные сладости, небольшие предметы домашнего обихода, красочные ленты и многое другое». Считалось, что некоторыми товарами, например детской игрушкой, можно только «торговать на крик».

«“Крик” — понятие профессиональное, — пишет исследователь и москвовед Владимир Муравьев, — так разносчики и торговцы называли присловья, с которыми продавали свой товар. “Крик” выполнял роль и вывески, и рекламы. Был традиционный, общепринятый “крик”, которым большинство и пользовалось, был “крик” свой — придуманный или переиначенный торговцем, высшей же степенью “крика” считалось “краснобайство”, то есть достаточно развернутое повествование, отдельные продавцы могли краснобайствовать часами» (Муравьев В. Московские слова и словечки. Происхождение московских пословиц, поговорок, речений, песен; топонимика московских улиц, площадей и переулков. — М. : Изограф, 1999. С. 393).

Живописец и график Александр Николаевич Степанов был известен как анималист, пейзажист, портретист. С детства глухонемой, он учился в школе для глухонемых. С 1883 по 1891 обучался в Императорской академии художеств, которую успешно окончил со званием классного художника. Жил и работал в Санкт-Петербурге. Участвовал в выставках с 1883: Общества русских акварелистов, ИАХ, Санкт-Петербургского общества художников, Всероссийской в Нижнем Новгороде, Весенних в ИАХ, Blanc et noir, Товарищества художников, 1-го Дамского кружка. В 1912 году в Обществе русских акварелистов состоялась персональная выставка художника. Работы А. Н. Степанова были хорошо известны публике, их охотно приобретали коллекционеры и любители изобразительного искусства. Картина «На скотном дворе» (1890) была воспроизведена в журнале «Нива».

Произведения его находятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Одесском художественном музее, Севастопольском художественном музее им. М. П. Крошицкого, Пензенской областной картинной галерее им. К.А. Савицкого, Екатеринбургском музее изобразительных искусств, Воронежском областном художественном музее им. И. Н. Крамского, Сумском областном художественном музее и др.

МАНЕВИЧ Абрам Аншелович (1881–1942) Городской пейзаж. Киев. Конец 1900-х — начало 1910-х
Холст, масло. 37 × 34,2

Холст «Городской пейзаж. Киев» (конец 1900-х — начало 1910-х) Абрама Аншеловича Маневича — редкая работа доэмиграционного периода художника, который специалисты называют самым ярким в его творчестве.

Для выходца из патриархальной еврейской семьи, начинавшего творческую карьеру с вывесок в мастерской маляра, 1900–1910-е годы были периодом яркого взлета, в него уложились события, определившие всю его жизнь и творчество. Окончив в 1905 Киевское художественное училище, Маневич уехал из России для продолжения образования в Мюнхенской академии искусств. В 1907 состоялась его первая персональная выставка в галерее Kunst-Verein в Мюнхене, после которой он возвратился в Киев. А в 1909 в Киевском художественном музее прошла большая персональная выставка.

В начале 1910-х Маневич путешествовал по Швейцарии, Англии, Италии, посетил Максима Горького на острове Капри. В 1912–1915 жил в Париже. К 1912 году относятся и его первые парижские экспозиции. Его работы приобретали не только коллекционеры, но и музеи: сразу два произведения пополнили собрание Лионского художественного музея, одна картина попала в Люксембургский музей Парижа. Но настоящую международную славу принесла Маневичу большая персональная выставка в парижской галерее знаменитого П. Дюран-Рюэля (1913), открывшего в свое время миру многих импрессионистов. Парижская публика с восторгом приняла молодого художника, его работы высоко оценил поэт-символист Эмиль Верхарн, и преданного поклонника своего творчества Маневич нашел в А. В. Луначарском, жившем тогда в Париже. Революционер активно хвалил в газетах «бурного, сильного художника, привнесшего в Париж немного неба, воздуха, бедности и шири, грусти и улыбки родной природы». Живописцу предлагали экспонироваться в Лондоне и в Нью-Йорке, но тосковавший по родине Маневич отказался и вернулся в Киев (1915).

По возвращении Маневич участвовал в киевских, московских и петроградских выставках, стал членом Еврейского общества поощрения художеств. В начале 1916 года он приехал в Петроград и устроил персональную выставку в Художественном бюро Н. Е. Добычиной. Экспозиция привлекла огромное количество посетителей, львиная доля работ была распродана, причем одно произведение было приобретено закупочной комиссией Академии художеств, а еще два — Обществом имени А. И. Куинджи.

История русского искусства знает примеры, когда деятельная помощь меценатов и просто людей неравнодушных помогала талантам, у которых практически не было шансов стать настоящими художниками, превратиться в истинных мастеров и обрести признание. Маневич — удивительный пример большого мастера, в судьбе которого огромную роль сыграла такая помощь. Читайте о художнике на AI нашу сегодняшнюю публикацию «Художник недели: Абрам Маневич».

КРЫМОВ Николай Петрович (1884–1958) Зеленый пейзаж с дорогой. Конец 1910-х — начало 1920-х
Холст на картоне, масло. 39 × 26,7

«Зеленый пейзаж с дорогой» (конец 1910-х — начало 1920-х) выполнен кистью Николая Петровича Крымова. «В искусстве живописи нужно передавать в правдивых отношениях по свету и цвету природу или выразительность природы. Для этого нужно изучать натуру, приглядываться к выразительности всего, что нас окружает, — как кошка смотрит, например, на птичку, как скупой жадно схватывает монеты и т.д. Идеал, конечно, будет, когда соединится и первое и второе, так как будет и верность отношений тонов, правдиво передающих природу, в смысле чисто живописном, плюс выразительность всего, что на картине передано. Это как раз то, что нужно», — писал художник (krimov.ru).

«Картина носит экспериментальный характер, — отмечают эксперты, — в основе эксперимента лежит сложная разработка зеленого цвета в различной степени его освещенности. <…> Отсутствие кромок холста дает основание предположить, что… работа является частью композиции большего размера».

Эксперты не указывают, где именно написан пейзаж, но некоторую информацию к размышлению новому владельцу могут дать известные места летнего пребывания художника в период его создания. Так, в 1913–1915 Крымов летом жил и работал в подмосковном поселке Красково, в 1916–1918 — в имении B. C. Мамонтова Горки Рязанской губернии, в 1920–1927 — близ Звенигорода (krimov.ru).

«Зеленый пейзаж с дорогой» (конец 1910-х — начало 1920-х) опубликован в каталоге-резоне исследователя и знатока творчества художника И. Б. Порто «Николай Крымов» (2009) под названием «Пейзаж с дорогой» без даты.

Единственной работой представлено творчество художников Русского Зарубежья. Мы уже привыкли причислять к ним и Альбера Бенуа, и Абрама Маневича, но доэмиграционные произведения, вошедшие в наш каталог, позволили в этот раз рассказать о них именно в разделе творчества русских мастеров конца XIX — начала ХХ века.

БЕРМАН Евгений Густавович (1899–1972) Колонны в Карнаке. 1964
Холст, масло. 107 × 74,5

Фантазия, экзотическая сказка, таинственная и чарующая — большое (107 × 74,5) полотно «Колонны в Карнаке» (1964) кисти Евгения Густавовича Бермана. Она принадлежит к целому циклу подобных впечатляющих, эмоциональных фантазийных пейзажей с руинами неоромантической направленности, которые художник во множестве писал на протяжении всего своего творчества. Евгений (Эжен, Юджин) Берман был одним из основателей неоромантического направления в искусстве, которое ставило своей целью возрождение интереса к фигуративной живописи. Алек Эпштейн, автор книги «Забытые герои Монпарнаса», называет его «неогуманистом». Однако точнее всех об этом интереснейшем художнике Русского Зарубежья, забытом на родине, но хорошо известном в США и Европе, очевидно, написал историк моды Александр Васильев: «Этот энигматический художник принадлежал той ушедшей плеяде замечательных русских театральных декораторов, которые соединили петербургскую школу живописи начала XX века с поэтическим видением европейской античности».

Следующий раздел каталога — творчество советских художников.

ЗЕНКЕВИЧ Борис Александрович (1888–1972) Натюрморт с синим рукомойником и яблоками. 1927
Холст, масло. 55,5 × 70

«Натюрморт с синим рукомойником и яблоками» (1927) принадлежит кисти Бориса Александровича Зенкевича. Художник занимался живописью, графикой, литографией, работал в книжной иллюстрации, писал плакаты.

Борис Александрович Зенкевич родился 15 января 1888 года в селе Николаевский Городок (ныне Октябрьский Городок) Саратовской губернии в семье преподавателя математики Мариинского земледельческого училища коллежского советника Александра Осиповича Зенкевича и гимназической учительницы Евдокии Семеновны Зенкевич.

Участвовал в революционных событиях 1905 года в Саратове. В 1906–1914 жил в Европе‚ учился в Сорбонне и Политехникуме в Льеже, посещал в Льеже Студию И. П. Похитонова (до 1913). Работал в Мастерской профессора Ф. Марешаля (до 1914).

В 1914 вернулся в Россию. Участник Первой мировой войны. После демобилизации учился в Саратове в Боголюбовском рисовальном училище (1917) у А. О. Никулина, в Саратовских ГСХМ (1918–1919) под руководством А. И. Савинова. В 1918 участвовал в оформлении города к революционным праздникам, оформлял журнал «Горнило»; совместно с художниками В. Г. Калягиным и В. А. Апостоли выполнил знамя для дивизии В. И. Чапаева.

Преподавал в Саратовском художественно-промышленном техникуме, возглавлял графическую мастерскую (1923–1928).

С 1928 жил в Москве. Исполнял в основном лирические и индустриальные пейзажи, жанровые композиции. Работал в литографии, рисовал тушью, акварелью, сангиной, сепией.

Член (с 1928) и экспонент АХРР — АХР (1925–1932). Член МОССХ (с 1932). Выезжал в творческие командировки в Баку (1929), Армавир (1930), Коломну (1931)‚ Донбасс (1938). В 1920–30-е оформлял и иллюстрировал книги для московских издательств. В годы Великой Отечественной войны рисовал плакаты для «Окон ТАСС».

Участник выставок с 1916 (Саратов). Принимал участие в выставках АХР, юбилейной выставке «Художники РСФСР за XV лет» (1932, ГРМ, Ленинград; 1933–1935, ГИМ, Москва), на которой показал 13 работ — живопись и графику. Работы экспонировались на зарубежных выставках: биеннале в Венеции (1928, 1932), Кёльне (1929), Лондоне (1930, 1934), Сан-Франциско (1933), Филадельфии (1934), Нанкине (1936) и др. Персональные выставки состоялись в 1928 году в Саратове и в 1940 году в Москве.

Умер 16 февраля 1972 года в Москве.

Работы Б. А. Зенкевича имеются в Государственном музее изобразительного искусства им. А. С.  Пушкина, Государственной Третьяковской галерее, Государственном русском музее, Ярославском художественном музее, Иркутском художественном музее, Свердловской областной картинной галерее (digitalsovietart.com, tatishevo.saratov.gov.ru, artgallery.krasno.ru).

Наш натюрморт датирован 1927-м. А годом ранее в Радищевском музее открылась, как было сказано в газетной публикации, «первая в Саратове выставка рисунков» — персональная выставка Б. А. Зенкевича. Марко Брун писал в газете «Саратовские известия» 8 октября 1926 года: «Выставка заключает 35 работ по периодам: 24, 25 и 26 годы, причем первые два года (25 и 26) выставлены как этапы, пройденные уже Зенкевичем в его художественном росте; 26 год — это талант, уже определившийся, вышедший из периода исканий на самостоятельный путь.

Борис Зенкевич — член ассоциации художников революционной России, иначе — АХРРа, в свое время выкинувшего лозунг: “Поиски нового, героического реализма”. Но АХРР вначале, в погоне за героическим содержанием, как того властно требовал революционный момент, отодвинул на второй план мастерство формы. Зенкевич принадлежит к той позднейшей группе “ахровцев”, которая огромное значение придает сочетанию того “что изображено” с тем “как изображено”. Иначе говоря, художник стремится к гармонии содержания с формой. Он реалист — в выборе сюжета, но в своих работах много места уделяет качеству рисунка, его культуре, его отделанности. Поэтому в его работах нет растрепанности, нет небрежности, неряшливости, — они подчинены требованиям мастерства, без которого нет и не может быть зрелости таланта, какую бы область проявления его вы не взяли: живопись, музыка, театр и т. п. Он работает и растет — об этом свидетельствуют выставленные им работы 24 и 25 годов. Еще недавно чувствовалось подражание старым иностранным мастерам — в выборе сюжета, в манере рисунка; теперь Зенкевич самостоятельно ищет и изучает натуру и взятому у нее материалу старается дать свою собственную законченную форму, свое собственное истолкование и освещение. Его уклон к реализму выразился и в выборе тем. Среди выбранных рисунков мы находим, напр., ряд работ с сюжетами из крестьянской жизни: “Отдых на пашне” (уголь), “Голова старухи” (сангина), “За обедом” — семья крестьянина (санг.), “Старуха с прялкой”, “За шитьем”, “Мать с ребенком” и др.; некоторые из них (“За шитьем”, “Старуха с прялкой”) отличаются большой зрелостью рисунка.

Работы Бориса Зенкевича — пока этюды, кусочки жизни, кусочки будущей большой работы, которую мы вправе ждать от этого художника. Но этюды интересные, обещающие. Путь, по которому идет Зенкевич — натура и совершенствование формы — путь правильный и верный и при дальнейшей работе, а Зенкевич выставленными “этапами” своего роста показал, что он умеет плодотворно работать. Это художник может обрадовать крупными достижениями» (library.sgu.ru).

САРЬЯН Мартирос Сергеевич (1880–1972) Цветы. 1962
Бумага, акварель, белила, графитный карандаш. 32 × 48,5 (в свету)

Еще один натюрморт в каталоге — акварельная композиция «Цветы» (1962) Мартироса Сергеевича Сарьяна. «Легкий, воздушный, но при этом уверенный карандашный рисунок и нежная прозрачная акварельная краска делают этот интересный натюрморт изысканным и уникальным», — отмечает эксперт. Натюрморт очень динамичен, цветы и листья, стоящие в кувшине, как будто вовлечены в движение воздуха.

ГЕРАСИМОВ Сергей Васильевич (1885–1964) Осень. 1963
Холст, масло. 51 × 61

«Импрессионистическим подходом, экспрессивным мазком, ярким и сложным колоритом», как пишет эксперт, отличается натурный пейзаж «Осень» (1963) выдающегося русского пейзажиста Сергея Васильевича Герасимова.

Традиционно разнообразен и интересен любимый нашими участниками раздел каталога, представляющий творчество шестидесятников.

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Деревья. 1985
Холст на картоне, масло. 50,5 × 35,3

К позднему периоду творчества Анатолия Тимофеевича Зверева относится холст «Деревья» (1985) — красивая, композиция, написанная разнообразной, довольно яркой и благородной палитрой.

БЕЛЕНОК Пётр Иванович (1938–1991) Космос. 1988
Оргалит, тушь, акрил, коллаж. 80 × 72,5

Одна из самых узнаваемых работ в каталоге — «Космос» (1988) Петра Ивановича Беленока.

В 1967 году выпускник киевского института Пётр Беленок, успешный и обласканный властями скульптор в украинском городе Ровно, автор памятников вождям и героям и обладатель собственной мастерской и штата помощников, променял радужные перспективы на подвальную московскую мастерскую, снова ненавистные памятники вождям, жизнь впроголодь, неустроенность, депрессии, залитые алкоголем, полную нестабильность и случайные заработки в статусе неофициального художника.

«Вы рисуйте, вы рисуйте, вам зачтется…» — провидчески писал Булат Окуджава. Это уже потом были резонансные выставки в кафе «Синяя птица», павильон «Пчеловодство» и «Дом культуры» на ВДНХ, горкомовские выставки «Двадцатки» (в одной группе со Снегуром, Файбисовичем, Харитоновым, Худяковым и др.). Потом — западные музеи, многочисленные зарубежные выставки неофициального русского искусства, в том числе проекты глезеровского передвижного «Музея современного русского искусства в изгнании». И конечно, работы в «Другом искусстве» в Третьяковке и в Русском музее.

Вот, что пишет о Белиноке (через «и», но это в те времена, когда и Кабакова многие знали как Толю, а не Илью) художник-шестидесятник Анатолий Брусиловский в своей знаменитой книге «Студия»:

«Для заработка он ваял “Ильичей”, а для души писал абстракции с включением коллажа — несущиеся в вихре фигурки людей, то ли гибнущие в шквале стихий, то ли спасающиеся бегством. Экспрессивные черно-белые абстракции вызывали сильное ощущение конца света… В подвальной мастерской (очевидно, бывшей котельной) стояли грузные, еще недоделанные идолы “Лениных” — источник заработка, средств для существования для семьи. Среди них — контрастом — петины почти монохромные большие работы. Он нашел свою запоминающуюся манеру и тему, психологически очень созвучную тогдашнему нашему настроению. Я предложил Пете назвать свое направление — катастрофизмом… Его кумиром был французский художник более старшего поколения Анри Мишо, которого он переименовал на украинский лад: Андрiй Мiшок! Что-то созвучное было у них, какие-то стыки пластического языка. Но, разумеется, Белинок был целиком самобытен… “А как Андрэ Бретон? А Ив Танги! А помнишь у Дельво? Тристан Тцара писал по этому поводу…” А вокруг серые цементные глыбы истуканов вождя немо прислушивались к диковинным именам. Сюрреализм!» (artinvestment.ru).

Один из ключевых неофициальных художников и создатель уникального «панического реализма» (к слову, название авторское и шуточное), он умер в 1991-м в бедности и полузабвении. Сегодня работы Беленока продаются на аукционах и в галереях, входят в значимые музейные и частные собрания, пользуются популярностью у знающих и умных коллекционеров. Их увозили на Запад, они есть на аукционах в Лондоне и Нью-Йорке. Они пока еще доступны на рынке, но на фоне роста интереса к нонконформистам может сбыться тихое пророчество Окуджавы — и останется только сожалеть о сегодняшней недальновидности.

В нашей работе нашли свое воплощение все черты фирменного панического реализма. «Картина делится на две зоны: нижнюю — светлую, в которой помещены человеческие фигурки, и верхнюю, занимающую несравнимо большую площадь, где на темном фоне красуется абстрактная фигура — некая сверхсубстанция, в которой заключена мощная энергия. Она передается ташистским взмахом кисти — этот динамичный жест, возможно, совершался художником уже после кропотливой работы по расположению фигур в нижнем ярусе картины. Получившаяся фигура являла собой живопись в чистом виде, ее стихийная беспредметность резко контрастировала с реалистичной составляющей картины, в результате чего возникал эффект “вторжения иного мира”». Ну, а «“маленьких человечков” Петр Беленок по большей части вырезал из спортивных газет и журналов — именно там можно было обнаружить фотографии бегущих, прыгающих, падающих, кричащих спортсменов и болельщиков» (mmoma.ru).

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Пётр Беленок».

ВЕЧТОМОВ Николай Евгеньевич (1923–2007) Скала. 1997
Холст, масло. 50 × 70

В уникальной как по письму, так и по выдуманному научно-фантастическому сюжету сюрреалистической манере выполнена «Скала» (1997) Николая Евгеньевича Вечтомова. В этой работе проявляется своеобразное авторское отношение к Мирозданию и Вселенной. Земная ли это скала или космическая? Скорее — вселенская. «Присущие душевному складу нашего художника романтические устремления побуждают его искать именно все редкостное, экстраординарное, загадочно-волнующее или магично-мистическое в познаваемом им мире и, обнаружив такие мотивы или источники вдохновения, заострять, усиливать акцентировать “выпадение” их инаковости относительно всего обыденного, буднично-привычного, — писал, как будто отвечая на наш вопрос, арт-критик Сергей Кусков. — Данная ситуация проявляется уже на уровне формально-стилевом, когда, например, художник либо подводит в основе своей конкретно-изобразительные мотивы к границе Абстракции, либо уподобляет свои жизненные наблюдения каким-то сюрреалистическим или “метафизическим” живописным видениям, или обнаруживает и усиливает в них подобно некоей инопланетной реальности, хотя на самом деле подобное видимое в сущности возможно и здесь — на земле, но лишь в исключительных, измененных состояниях реальности» (art-critic-kuskov.com).

ЖУТОВСКИЙ Борис Иосифович (1932) Весна 1945 года. 2005
Оргалит, гипс, лак, золото, смешанная техника. 80 × 30

«Я бесконечно оптимистичен. Я родился на свет, я получил образование, я нашел нишу своей одержимости, и у меня есть возможность ее реализовывать. Все это — высшая форма человеческой удачи» (Борис Жутовский, artifex.ru).

Борис Иосифович Жутовский получил образование в Московском полиграфическом институте, учился у профессора Андрея Гончарова, окончил отделение художников книги. Работал иллюстратором и книжным дизайнером в издательствах Москвы. В течение многих лет занимался в студии Элия Белютина «Новая реальность». Начал выставляться в 1959-м, участвовал в знаменитой скандальной выставке «30 лет МОСХ» в Манеже в декабре 1962 года. В 1969 году стал членом Союза художников СССР. В 1979 году в Москве возобновились полулегальные выставки современного искусства, и Борис Жутовский неоднократно выставлял свои картины в залах на Большой Грузинской улице. В качестве иллюстратора участвовал во многих выставках книжного искусства (litres.ru).

Живописные работы Бориса Иосифовича Жутовского — отдельная замечательная и исключительно красивая история. Так, наша абстрактная композиция «Весна 1945 года» (2005) — удивительный пластический эксперимент, в котором авторская манера работы с материалом сочетается с объемной пластической массой, рождая выразительный эмоциональный образ, очень красивый и насыщенный мощной позитивной энергией. Весна 1945 года для поколения Бориса Жутовского — это время, когда война закончилась, пришла Победа, люди полны надежд на лучшую — мирную и счастливую — жизнь, на светлое и радостное будущее. И все эти чувства, пронесенные через всю жизнь, ярко воплощены в нашей работе.

БЕЛЮТИН Элий Михайлович (1925–2012) Спор двух мужчин. 2007
Бумага C.M.FABRIANO - 100/100 cotton, цветная гуашь, шариковая ручка. 85,5 × 60,8

Графика Элия Михайловича Белютина «Спор двух мужчин» (2007) относится к большой серии жанровых композиций на бумаге, выполненных, так же как и наша работа, гуашью и шариковой ручкой, с изображением двух персонажей. Иногда они имеют авторские названия — «Мать и дочь», «Сатир и Нимфа», «Мы любим друг друга», «Соседи», нередко остаются без названия. Но в каждом случае автору удается передать отношения, связывающие персонажей, — любовь, дружбу, конфликт в той или иной степени накала. Сегодняшняя работа «Спор двух мужчин» (2007) — это, пожалуй, именно спор, не ссора. Брутальные полуабстрактные образы эмоциональны, увлечены происходящим, но не агрессивны.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Композиция с линейкой. 2015
Холст на картоне, акрил, графитный карандаш, коллаж. Ø 40,2

«Композиция с линейкой» (2015) — поздняя работа Владимира Николаевича Немухина. Исходя из ее формы и композиционного решения, пишет эксперт, работа «вероятнее всего, является эскизом неосуществленной тарелки. Работа в декоративно-прикладном искусстве привлекала В. Н. Немухина, и он разработал и создал немало прекрасных вещей в фарфоре и других материалах. Как правило, в основе тарелок лежат известные и популярные сюжеты картин Немухина. Так… “Композиция с линейкой” построена на фрагменте “Композиции с треугольником. 1+1”, созданной под влиянием наследия и художественно-пластического языка мастеров русского авангарда 1910–20-х годов».

«В фарфоре Немухина… отчетливо слышны отголоски идей конструктивизма и увлечения абстракцией. Влияние русского авангарда на творчество нонконформистов, в том числе в фарфоре, было определяющим. Это поколение художников училось у авангарда совершенно сознательно. Мастера черпали в искусстве 1920-х годов бесчисленные идеи, которые потом развивали в соответствии с собственными представлениями и практикой. Владимир Немухин об этом говорит так: “Мой интерес к художественному фарфору зародился давно — когда я углубленно осваивал опыт первого русского авангарда. Идеологическую важность агитационного фарфора я никак не ощущал, как, впрочем, и все ценители этого вида искусства. Меня интересовала сугубо эстетическая проблематика, революционные подходы, приемы, методология работы с этим материалом“”» (Виктория Петухова. Фарфор как неприкладное искусство или еще одна грань нонконформизма // Фарфор шестидесятников: Выставка в галерее «Романовъ». М. : Бонфи, 2012. С. 12)

С четырех тарелок, выполненных в 1990 году на фабрике Villeroy & Boch в Люксембурге по эскизам Владимира Немухина 1970-х годов, начался фарфор шестидесятников. Кто-то из его коллег по цеху, раз попробовав, оставил этот сложный материал («Когда ты занимаешься фарфором, — говорил Немухин, — ты уже должен многое знать, фарфор не учит, а требует умения» (Там же. С. 19)). Сам же Владимир Николаевич много лет серьезно и последовательно занимался фарфором, экспериментируя и в росписях, и в области фарфоровой пластики. Наша работа, по-видимому, одно из последних обращений художника к благородному порцеллину.

Завершающий раздел каталога — творчество современных художников.

МЕССЕРЕР Борис Асафович (1933) Тореро и Рок. Эскиз костюмов и мизансцена из балета «Кармен-сюита». 1967
Бумага, фломастер. 61 × 43

Театральную графику в каталоге представляет рисунок фломастерами «Тореро и Рок» — эскиз костюмов и мизансцены из балета «Кармен-сюита» (1967), выполненный Борисом Асафовичем Мессерером к постановке на музыку Ж. Бизе в оркестровке Р. Щедрина по либретто и в хореографии кубинского хореографа Альберто Алонсо. Премьера одноактного балета состоялась в Большом театре 20 апреля 1967 года. Партию Кармен танцевала Майя Плисецкая.

«Мессерер… превратил сценическое пространство в своего рода полукруглый дощатый загон, обозначавший и цирковую площадку — место боя быков, и обобщенно-метафорическую арену жизни, на которой разыгрывается трагический спектакль человеческого бытия. В центре дощатого забора — вход на арену, а наверху, полукругом, — стулья с высоченными спинками; на них сидят люди, которые являются и зрителями разворачивающегося на арене представления, и судьями. Такая двойственность была принципом сценического решения, последовательно проведенным через весь спектакль. Огромная условная маска быка, которая висела над сценой как своего рода эмблема балета, могла считаться афишей, приглашающей на представление боя быков, и одновременно образом безликости» (Виктор Березкин, belcanto.ru).

Наш эскиз представляет сцену на арене для боя быков, где Тореро демонстрирует свое блестящее мастерство в противостоянии с существом, в котором слиты образ быка и образ Рока.

НЕСТЕРОВА Наталия Игоревна (1944) Авокадо. 2009
Холст, масло. 50 × 70

Летний натюрморт на фоне зимнего пейзажа за окном — холст «Авокадо» (2009) Наталии Игоревны Нестеровой. Странно, но почему-то вспоминается Грузия — тепло и чистота укрытых огромными снегами имеретинских пейзажей, запах кофе из ручной кофемолки, груша, гранат, виноград, грецкие орехи… Тепло дома, хранимого заботливыми руками. И — авокадо, как заморская диковина, случайно принесенная в дом.

КРЕМНЁВ Сергей Владимирович (1953) Золото осени. 2018
Картон, масло. 50 × 69

Натюрморт «Золото осени» (2018) принадлежит кисти художника из города Владимира Сергея Владимировича Кремнёва. Как правило, в его работах мы видим не столько традиции владимирской пейзажной школы, сколько нескрываемую любовь автора к этому яркому и самобытному направлению. Живопись Сергея Кремнева отличает своеобразный узнаваемый авторский колорит, более строгая и лаконичная композиция, большее внимание к графике. Но, пожалуй, в нашей сегодняшней работе ярче видны радостные черты владимирского пейзажа, прежде всего его настроение, внутреннее ощущение. Деревенский пейзаж написан яркой обширной палитрой желто-красно-золотых красок бушующей среднерусской осени, на фоне которых отчетливее видны немногие холодноватые краски, присущие авторской манере Сергея Кремнева.

ВОРОНОВА Люся (1953) Люблю тебя. 2019
Холст, масло. 100 × 120

В 2019 году написан большой холст Люси Вороновой «Люблю тебя».

В творчестве Люси Вороновой 2019-й, как и день сегодняшний, — это радостный период, когда художник обращается к самым любимым мотивам и раскрывает их по-новому, когда по-новому играют и искрятся краски, а образы по-новому глубоки и убедительны. Художник творит счастливо и свободно. Люся всегда дает названия своим холстам, точные и отражающие самую важную авторскую идею, которая на первый взгляд может быть не очевидна, но открывается постепенно. Вот такова и наша картина «Люблю тебя».

Для этой работы художнице позировала только одна натурщица. Люся говорит нам: полюбите себя, испытайте это счастье, эту свободу! Цветы, краски, свет — они просто есть, они вне времени, — все сосредоточено в едином миге осознания любви!

МЕДВЕДЕВ Андрей Викторович (1960) Портрет неизвестной
Холст, масло. 65,5 × 19,5

Завершает наш каталог недатированный «Портрет неизвестной» Андрея Викторовича Медведева. В этой работе нет театральных сцен и карнавальных персонажей — странных, часто отстраненных, столь часто встречающихся в произведениях художника и создающих атмосферу такой же странной игры. Здесь игровой элемент воплощен иначе: образ юной девушки на фоне городского пейзажа, чем-то напоминающего толедские крыши Эль-Греко, отсылает зрителя к средневековому идеалу женской красоты, а почти монохромная серебристая палитра еще более уносит его во «тьму былого». Но это «растворение во времени» как раз и заставляет зрителя собственным взглядом вывести образ из «небытия», приблизить, рассмотреть...

Одновременно с нашим штатным 371-м AI Аукционом открыт 57-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». Каталог составили работы Азама Атаханова, Алексея Ваулина, Александра Захарова, Игоря Кислицына, Виктора Крапошина, Андрея Криволапова, Юлии Мамонтовой, Кирилла Протопопова, Елены Утёнковой-Тихоновой и Янины Ческидовой.

Всем желаем удачи на 371-м AI-Аукционе и 57-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.