Открыты 360-е торги AI Аукциона и 46-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   16 декабря 2020

В общем каталоге собрано, как обычно, 30 лотов: 16 живописных работ, 5 листов оригинальной и 1 — печатной графики, 3 работы в смешанной технике, 3 скульптурные композиции, 1 икона и 1 фотография

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 360 и 46-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 360-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 46-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 18 декабря, в 12:00.

Каталог открывает икона «Распятие Иисуса Христа» северного письма XVII века.

Икона «Распятие Иисуса Христа». Русский Север. XVII век
Дерево (сосна), левкас, темпера. 64 × 47

«Распятие» — одна из наиболее значимых восточно-православных икон с изображением Иисуса Христа. Она не просто очень красива, она несет в себе глубокий смысл, постоянно напоминая о совершенной жертве Христа на Кресте — важном для всех верующих христиан событии, которое произошло на Голгофе почти две тысячи лет назад (russianicon.com).

Даже на кресте Иисус продолжал молиться за всех людей: «Прости им, Отче. Ибо не ведают, что творят». Поэтому иконе Распятия люди молятся о прощении грехов. Считается, что перед этой иконой легче искренне раскаяться в неправедных делах и получить духовное очищение (obikonah.ru).

Русское искусство начала ХХ века представляет «Летний пейзаж с озером» (1906) Николая Петровича Крымова.

КРЫМОВ Николай Петрович (1884–1958) Летний пейзаж с озером. 1906
Картон, масло. 46,5 × 52,4

Николай Петрович Крымов родился в 1884 году, в 1904-м поступил в МУЖВЗ, где обучался по классу архитектуры, а в 1907-м перевелся в класс пейзажной живописи. Экспонироваться он начал в 1905 году, а уже через год, в 1906-м, на выставке ученических работ МУЖВЗ его картину «Крыши под снегом» (1906, ГТГ) купил для своей коллекции А. М. Васнецов, а спустя два года картину приобрела Третьяковская галерея. В 1909 Советом Третьяковской галереи была закуплена еще одна работа Крымова, «Желтый сарай».

1900-е годы, период обучения в МУЖВЗ и время создания нашей картины, считаются, пожалуй, самым ярким периодом в творчестве художника. В студенческие годы он принял участие в выставке «Голубая роза» (1907), экспонировался на выставках и в 1910 был принят в Союз русских художников, в 1911-м участвовал в Международной художественной выставке в Риме, и к моменту окончания училища (1911) 26-летний Николай Крымов был уже известным и признанным мастером.

Крымов — один из лучших русских пейзажистов ХХ столетия, художник удивительной чуткости к видимому, сохранявший верность своему искусству на почтительной дистанции от социальных, политических и культурных перемен, происходивших в России. В ранний период творчество живописца было созвучно тенденциям, сформировавшим основу, на которой развился русский авангард: открытиям постимпрессионизма, эстетике искусства символизма, интересу к примитиву. Однако Крымов не пришел к авангардной трактовке формы — его художественные поиски были сосредоточены на явлениях природы, для правдивого запечатления которых он впоследствии разработал самобытную систему, укорененную в тональных и цветовых взаимоотношениях.

«Летний пейзаж с озером» (1906) представляет собой, как отмечает эксперт, «композиционный эскиз, выполненный художником в 1906 году, но подписанный в более позднее время, о чем свидетельствует соблюдение уже советской орфографии в написании фамилии без твердого знака. Вероятно, работа была подписана уже после того, как автор укрепил картон вдоль нижнего края композиции “надставкой” шириной 3,7 см. Идентичность красочных паст и формы мазков на основном картоне и “надставке” говорят о том, что увеличение формата картины было выполнено самим автором».

Весьма разнообразен сегодня раздел творчества художников Русского Зарубежья.

ШАГАЛ Марк Захарович (1887–1985) Чичиков на постели («Tchitchikov Sur Le Lit»). Лист XVI из 1-го тома книги Гоголя «Мертвые души» (Les Âmes mortes, Париж: изд-во Tériade, 1948). 1923–1927
Бумага, офорт, сухая игла. 22 × 30,2 (лист в свету), 19,9 × 28,4 (изображение)

Офорт «Чичиков на постели» Марка Захаровича Шагала (лист ХVI из 1-го тома двухтомника Гоголя «Мертвые души», изданного парижским издательством Tériade тиражом 368 экземпляров в 1948 году с 96 иллюстрациями, выполненными Шагалом в 1923–1927 годах) — это редкий случай, когда иллюстрация к «Мертвым душам», с одной стороны, не дает нам точного указания на эпизод поэмы, но с другой — оставляет простор для раздумий внимательного читателя: то ли герой в гостинице губернского города NN, то ли у Коробочки, то ли у Ноздрёва…

Задумав заказать Шагалу книжные иллюстрации, известный французский маршан и издатель Амбруаз Воллар предложил художнику французский роман, но Шагал посоветовал свой вариант — «Мертвые души» Н. В. Гоголя, и Воллар согласился. С 1923 по 1925 год Марк Шагал трудился над гравировкой 107 досок, используя технику офорта в сочетании с гравюрой сухой иглой, акватинтой и механическими способами обработки досок. Редко кто из художников брался за такие сложные с технической точки зрения проекты. Сложной техникой работы с деревом Шагал овладел еще в Берлине.

Шагал не отходил от сюжета — практически все иллюстрации последовательно описывают действия книги. Образы гротескны: персонажи предстают в необычном виде в фантастических и уродливо-комических обликах. Образы одного героя на разных иллюстрациях настолько сильно отличаются, что их бывает непросто узнать с первого взгляда: например, лицо Чичикова постоянно меняется. А город N, в котором происходят события «Мертвых душ», напоминает родной провинциальный Витебск. К концу 1924 года он выполнил около 60 офортов, а в январе количество сделанных офортов достигло 100. Работа окончена — дело за Волларом.

В 1927 году был отпечатан первый тираж серии иллюстраций. Одновременно с этим Анри Монго перевел текст поэмы на французский язык. Несколько комплектов получили Воллар и Шагал, основная часть оттисков предназначалась для книги. Но Воллар не спешил печатать, хотя для этого и была выбрана лучшая французская типография. Этого не произошло и в 30-х годах. В июле 1939 года Воллар погиб. Лишь после Второй мировой войны в 1947 году изданием занялись дочь Шагала Ида и французский издатель Эжен Териад. Впервые книга «Мертвые души» с иллюстрациями Шагала вышла в свет осенью 1948 года. Издание представляло собой два массивных несброшюрованных тома, упакованных в футляр. Иллюстрации располагались на вкладных листах. В том же году иллюстрации были удостоены Гран-при Венецианского биеннале (m-chagall.ru).

МАРЕВНА (Воробьёва-Стебельская Мария Брониславовна, 1892–1984) Обнаженная натурщица. 1930-е — начало 1940-х
Бумага, акварель, карандаш. 66,1 × 45,2

Акварель «Обнаженная натурщица» (1930-е — начало 1940-х) принадлежит русской художнице Парижской школы Марии Брониславовне Воробьевой Стебельской, Маревне, как ее окрестил М. Горький в 1911 году, и именно с этим псевдонимом она вошла в историю мирового искусства. Возвращение Маревны в русское искусство началось, пожалуй, в 2004 году, когда книга «Моя жизнь с художниками “Улья”» (одна из трех мемуарных книг Маревны) была издана на русском языке и Государственная Третьяковская галерея устроила первую персональную выставку художницы в России. В 2011-м, после исторической выставки мастеров Парижской школы в ГМИИ им. А. С. Пушкина, заслуженный интерес к их творчеству вообще и Маревны в частности в нашей стране взлетел до невиданных доселе высот.

«За декоративность и тщательность выполнения работы Маревны 1920–30-х годов сравнивают с рукоделием: кубистические композиционные схемы своих картин она заполняла бесчисленными точечными мазками краски, используя приемы пуантилизма. Такая экзотическая смесь стилей стала визитной карточкой художницы, и этот свой уникальный художественный язык она оттачивала до максимальной степени мастерства, добиваясь в работах четкой, выраженной структурности композиции, прозрачности красочного слоя и изумительно тонких и сложных оттенков и полутонов» (artinvestment.ru). «Обнаженная натурщица» написана, очевидно, до войны в Париже или на юге Франции, когда формирование узнаваемого уникального авторского стиля Маревны уже завершилось, и сегодня мы можем любоваться блестящей композицией, выполненной в изысканном авторском акварельном колорите. Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Маревна».

ВЕЩИЛОВ Константин Александрович (1878–1945) Морской пейзаж. Конец 1930-х —1940-е
Холст, масло. 51 × 73,3

Концом 1930-х — 1940-ми годами эксперт датирует «Морской пейзаж» Константина Александровича Вещилова, отмечая, что изобразительный мотив и стилистика имеют непосредственные аналогии с произведениями художника, относящимися к американскому периоду творчества, а также что «композиционные и колористические особенности… приемы фактуропостроения красочного слоя характерны для произведений художника позднего периода творчества». Вещилов переехал в США в середине 1930-х годов, жил и выставлялся в Нью-Йорке, написал целый ряд морских пейзажей с каменистыми берегами, к которому, по всей вероятности, относится и наш пейзаж. О художнике читайте на AI: «Художник недели: Константин Вещилов».

ЛЕВИ Василий Филиппович (1878 — ок. 1954) Осенняя дорога
Фанера, масло. 60 × 73

Не датирован пейзаж «Осенняя дорога» Василия Филипповича Леви. Уроженец Харькова, первые художественные навыки он получил в харьковской гимназии. Во время Русско-японской войны публиковал в газете «Новости» фельетоны под заглавием «Дневник рядового», которые сопровождал собственными рисунками. Участвовал в выставках Кружка местных художников в Харькове (1900–1908). По окончании гимназии поступил на юридический факультет Петербургского университета, затем работал  присяжным поверенным округа петербургской судебной палаты.

В 1916-м оставил адвокатскую практику, чтобы всецело посвятить себя занятиям живописью. В том же году переехал в Териоки под Петроградом, где построил себе дом и мастерскую. В 1918-м по совету И. И. Бродского привез свои работы на просмотр к И. Е. Репину, получил его одобрение. Со временем стал его доверенным лицом, посредником при продаже его картин и организатором выставок. С 1919 по 1930 устроил более пятидесяти выставок Репина: в Хельсинки, Амстердаме, Гааге, Гамбурге, Выборге, Праге, Брно, Копенгагене, Осло, Стокгольме, Гетеборге, Ницце, Канне и других европейских городах. С 1922 экспонировал на этих выставках собственные работы.

В 1930–1939 жил в Париже. В 1930 участвовал в Выставке живописи русских мастеров в Амстердаме, в 1931 стал одним из устроителей и участником Выставки русских художников в галерее d’Aligman; пейзаж «Снег под солнцем» был приобретен Люксембургским музеем Парижа. Участвовал в выставке русского искусства в галерее «Дрюо» (1931). В 1939 поселился в Стокгольме, продолжал заниматься живописью. Преобладающим жанром в творчестве Леви был пейзаж, особенно виды заснеженных деревенских улочек, в последние годы жизни он обратился к лирическому натюрморту. Произведения Леви находятся в Люксембургском музее в Париже, в ряде музеев Швеции и Финляндии.

«Осенняя дорога» — пейзаж с динамичной, интересной композицией, насыщенный воздухом. Неяркий колорит, невысокое, но чистое небо, березы, ели, валуны у дороги позволяют предположить, что создана эта работа на севере Европы.

Искусство советского периода представляет прибрежный пейзаж «Море. Камни. Крым» (1939) Василия Семёновича Сварога (Корочкина).

СВАРОГ (КОРОЧКИН) Василий Семёнович (1883–1946) Море. Камни. Крым. 1939
Бумага, графитный карандаш, акварель. 19 × 26,5 (в свету)

Василий Семёнович Корочкин родился в Старой Руссе, под Новгородом, в семье крестьянина и прачки. В два года лишился отца. Интерес к творчеству проявился у него в раннем возрасте. Заметив его, учитель рисования старорусского городского училища Чистяков собрал среди жителей города по подписке деньги, чтобы мальчик после окончания училища мог продолжить художественное образование.

Псевдоним «Сварог» появился у Корочкина во время обучения в ЦУТР барона Штиглица в Петербурге (1896–1900). Его соученик В. А. Соколов позже вспоминал: «На третьем году обучения, перед очередным экзаменом, он получил задание написать картину на тему “Бог небесного огня Сварог” — божество в мифологии западных славян. Ну, наш Вася пошел фантазировать — намалевал солнце, звезды, молнии, всполохи северного сияния, зори, радуги, а в этом сверкающем окружении — лик божества. Картина удалась, но экзаменаторы сказали: “Корочкин, в зеркало ты, что ли, смотрел, когда писал Сварога? Точь-в-точь на тебя похож”. С того дня мы в шутку стали величать его Сварогом. Он привык к этому прозвищу» (В. А. Соколов, цит. по: ru.wikipedia.org).

После окончания училища (1900) сотрудничал с петербургскими иллюстрированными журналами «Живописное обозрение», «Волшебный фонарь», «Солнце России». В 1911 году получил 1-ю премию на конкурсе, организованном редакцией журнала «Солнце России», за серию рисунков к произведению Льва Толстого «Живой труп».

В 1915 познакомился с сыном И. Е. Репина Юрием и написал его портрет. Репин-старший восторженно одобрил эту работу, позволил ее автору присутствовать на своих портретных сеансах, а через год рекомендовал его для вступления в Товарищество передвижников. Так работы Сварога появились в экспозициях передвижных выставок, и уже на весенней Передвижной выставке того же 1916-го его картина была удостоена первой премии.

Революцию Сварог принял с радостью и деятельно. В 1918 году активно участвовал в украшении Петрограда к празднованию первой годовщины Октябрьской революции и «работал особенно интенсивно, так как великие события требовали от каждого большого напряжения сил». В это время он создал портреты вождей мировой и русской революции.

1919–1922 годы художник провел в Старой Руссе, где тяжело болела его мать. Организовал в городе Народный дом, создал художественную студию, самодеятельные хоровые и оркестровые кружки, любительский оперный театр. Много писал, создал портреты, пейзажи.

В 1923 году вступил в АХРР, а в 1925-м получил серебряную медаль на Всемирной выставке в Париже за альбом «9 января», для которого выполнил 11 больших рисунков.

Сварог много и разносторонне работал в собственном жанре, который сам он называл «политической композицией». Писал героев-летчиц, челюскинцев, пионеров, портреты партийных и советских руководителей, великие советские стройки, причем одни картины выполнялись на основе личных впечатлений, другие на основе газетных сообщений. В 1940-м возглавил только что созданную Студию военных художников имени М. Б. Грекова.

В жизни и творчестве Сварога было еще одно увлечение — музыка. «Во-первых, я художник, но я одинаково страстно люблю музыку и пение. Я не представляю себе жизни без этих трёх искусств. Если я когда-нибудь буду лишён одного из них, если равновесие будет нарушено, я, наверное, перестану быть художником», — писал Сварог (ru.wikipedia.org). Он прекрасно пел, исполнял на сцене сложные оперные партии, играл на гитаре, написал несколько портретов композиторов и музыкантов, натюрморты с музыкальными инструментами.

В 1941-м немолодой уже художник уехал в эвакуацию, жил, работал и выставлялся в Нальчике, Тбилиси, Самарканде. В 1942-м получил тяжелую травму, после которой работать уже не мог. Умер в Москве в 1946-м. В 1948-м состоялась посмертная ретроспектива, на которой были представлены картины, портреты, этюды из экспозиций Государственной Третьяковской галереи, Государственного Исторического музея, Центрального Дома Советской Армии, музеев А. С. Пушкина, М. Горького, Академии художеств СССР и областных музеев. Ряд работ сегодня находится в Государственном Русском музее, а самая большая часть наследия хранится в Старой Руссе (по ru.wikipedia.org).

Наш пейзаж «Море. Камни. Крым» (1939), судя по авторской надписи на обороте картона, создан у скал мыса Айя в Крыму, в окрестностях бухты Батилиман. «С 1910-х годов в этих местах располагался дачный поселок, перешедший в 1924 году в ведение Академии наук СССР, организовавшей там дом отдыха, — пишет эксперт. — В 1938 и 1939 годах Василий Семёнович Сварог бывал в этих местах и создал по впечатлениям крымских поездок обширную серию акварельных пейзажей».

Самый большой раздел каталога — творчество шестидесятников.

ВЕЧТОМОВ Николай Евгеньевич (1923–2007) Без названия (Движение планет). 1962 (?)
Бумага, акварель, коллаж. 28,5 × 39,8

Необычен редкий ранний коллаж «Без названия (Движение планет)» (1962 (?)) Николая Евгеньевича Вечтомова. Любителей искусства художника эта небольшая изящная композиция приглашает углубиться в изучение его жизни и творчества — альбомы, каталоги, публикации, чтобы понять, что вызвало ее к жизни.

Арт-критик Сергей Кусков, мнение которого шестидесятники ценили очень высоко, писал о Вечтомове: «Присущие душевному складу нашего художника романтические устремления побуждают его искать именно все редкостное, экстраординарное, загадочно-волнующее или магично-мистическое в познаваемом им мире и, обнаружив такие мотивы или источники вдохновения, заострять, усиливать акцентировать “выпадение” их инаковости относительно всего обыденного, буднично-привычного. Данная ситуация проявляется уже на уровне формально-стилевом, когда, например, художник либо подводит в основе своей конкретно-изобразительные мотивы к границе Абстракции, либо уподобляет свои жизненные наблюдения каким-то сюрреалистическим или “метафизическим” живописным видениям, или обнаруживает и усиливает в них подобно некоей инопланетной реальности, хотя на самом деле подобное видимое в сущности возможно и здесь — на земле, но лишь в исключительных, измененных состояниях реальности» (art-critic-kuskov.com).

Подлинность работы устно подтверждена Экспертным советом ARTinvestment.RU.

ВЕЙСБЕРГ Владимир Григорьевич (1924–1985) Обнаженная натурщица. 1976
Бумага, акварель, графитный карандаш. 31,8 × 48,6 (в свету)

В 1976 году выполнена акварельная композиция «Лежащая обнаженная» Владимира Григорьевича Вейсберга. «В 1972 году, благодаря хлопотам друзей, В. Вейберг получил мастерскую на Сиреневом бульваре, в Измайлове, — пишет эксперт. — Это позволило ему приглашать натурщицу или просить кого-то из учениц позировать — начался этап работы с обнаженной моделью. Эти работы представляют собой законченные графические произведения с собственной задачей. В акварелях с натурных сеансов Вейсберг продолжает растворять натуру — благодаря самой технике акварели контуры фигур женщин соединяются с бесконечным пространством: “Акварель приятная своей игрой, своей страшной свободой. Она дает отдых от масла”». За годы творчества художник выполнил большой ряд подобных работ, часть их находится в музейных собраниях. Вне зависимости от времени создания все эти работы (и наша не исключение, конечно) объединяет мастерское владение акварелью и исключительная деликатность художника в изображении обнаженной натуры.

«…Принципиальное своеобразие Вейсберга состоит в том, что его творчество, в противоположность перманентному новаторству авангардизма, дает некий культурно-преемственный синтез. …Оставаясь в рамках традиционно-предметного мышления, опирающегося на принципы гармонизации цвета, Вейсберг придал ему свое, вполне оригинальное истолкование. В отличие от Сезанна (его влияние было определяющим для Вейсберга до начала 1960-х годов), создавшего модель обозримого цветоконструктивного построения картины, русский художник выдвинул свою, на первый взгляд “абсурдную” идею “невидимой живописи”, получившей также название стиля “белое на белом”. Однако вещи зрелого Вейсберга убеждают в плодотворности этой идеи, вернее целого идейного комплекса, смысл которого можно было бы определить как переключение живописи от чувственно-эмоционального восприятия цвета на интеллектуально-чувственное по преимуществу. …Цвет у него дифференцируется на тысячи невидимых (действительно невидимых) частиц, образующих совершенно неповторимую, насыщенную тональными колебаниями и как бы изнутри светящуюся субстанцию…» (Е. Б. Мурина).

О художнике читайте на AI: «Художник недели: Владимир Вейсберг».

ЯКОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934–1998) Мужская фигура. 1970-е
Бумага, цветные карандаши. 42 × 30

Графическая композиция « Мужская фигура» (1970-е) представляет творчество Владимира Игоревича Яковлева.

«Художественный метод Яковлева несомненно экспрессивен: спонтанная экстатичность подвижного, порывистого, открытого письма, где столь красноречивы застывшие на поверхности следы динамичного исполнительского жеста-мазка (или штриха в рисунке), непосредственно через свою энергию несет глубинный смысл живописного или графического высказывания, — писал арт-критик Сергей Кусков.

Наряду с ритмом кисти или линии художник импульсивно и страстно выражает во внешнем и очевидном именно внутреннее, сокровенное. Происходит это опять же через наглядность, как бы чувственную осязаемость самого исполнительского процесса. Определенная “подключенность” необходима для правильного созерцания и восприятия искусства такого рода. Язык кисти и красок (линии и штриха в рисунке) одновременно доносит предельно обобщенную суть изображаемого и вместе с тем визуализирует события внутреннего мира художника, подвижную смену его душевных состояний. Потому такой метод можно определить как экспрессивный: глубоко внутреннее выражено в самом внешнем. Поверхность с ее выразительно застывшими всплесками чувственного мазка, с ее фактурностью и цвето-световыми вибрациями, живописными неровностями и шероховатостями (как и мятежно-гармоничные линии и штрихи рисунков) — все эти “поверхностные” факторы напрямую свидетельствуют о сокровенном. Еще одно показательное свойство “идеального экспрессиониста” наблюдается у Яковлева (пожалуй, среди наших шестидесятников более, чем у кого-либо другого) — абсолютная искренность его искусства» (art-critic-kuskov.com).

ЯНКИЛЕВСКИЙ Владимир Борисович (1938–2018) Без названия. 1980
Бумага, тушь, цветные карандаши. 21,8 × 28,5

Творчество Владимира Борисовича Янкилевского в каталоге представляет легкая, светлая, чистая, наполненная воздухом и очень узнаваемая графическая композиция «Без названия» (1980), нарисованная тушью и цветными карандашами.

БЕЛЕНОК Пётр Иванович (1938–1991) Настигающая аномалия. 1983
Картон, тушь, бумага, коллаж. 57 × 41,6

В самобытной и моментально узнаваемой графической композиции «Настигающая аномалия» (1983) Петра Ивановича Беленока интересно наблюдать черты, которые не вписываются в канон его авторской манеры. Нет привычного разделения на большое темное небесное и малое белое земное пространство. Вместо этого широким мазком глубокого темно-голубого цвета автор делит лист на две почти равные части и резкими ударами кисти пишет «аномалию» — непонятно откуда (ну нет черной бездны!) взявшиеся странные сгустки темной злобной энергии. Необычно их количество: как правило, художник наделяет злой силой единый космический объект. Более того, настигая убегающего человечка, двойная «аномалия» одновременно варварски нарушает бело-голубую чистоту листа, хотя обычно в работах Беленока стихия угрожает только человечкам и очевидно равнодушна к среде, в которой они пребывают. Таким образом, в более чем лаконичной абстрактной композиции автор сумел рассказать большую историю.

«Иронично называя свой метод “паническим реализмом”, Беленок активно использовал коллаж, усиливающий натуралистический эффект композиции (своих экспрессивных «человечков» он вырезал из спортивных журналов), в сочетании с почти ташистскими приемами абстрактной живописи» (Владимир Прохоров, Анна Арутюнян, mmoma.ru).

ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич (1937–2012) Композиция (Улица Герасима Сулоева). 1986
Холст, масло. 72,5 × 57,8

«Композиция (Улица Герасима Сулоева)» (1986) Эдуарда Аркадьевича Штейнберга относится к т. н. «Деревенскому циклу», над которым художник работал в 1985–1987. В нем наблюдается, как пишет арт-критик Сергей Кусков, «заметное, я бы сказал программное, “приземление” — нисхождение мастера от верхнего мира к нижнему, от эфирного инобытия к здешней, почвенной, основе человеческого существования, к теме земной укорененности судеб… В “Деревенском цикле”, или в “Похоронке” (как ее порой зовет автор), он осваивает повседневное жизненное пространство, не гнушаясь включением обыденного, быта. <…> Последние пятнадцать лет Штейнберг живет летом в собственной избе на реке Ветлуге, неподалеку от тех мест, где в былые времена находились скиты заволжских раскольников. Действительно, эта сельская глубинка им основательно обжита, душевно прочувствована и духовно освоена, осмыслена. Ему дорог еще сохранившийся здесь традиционный, крестьянский образ жизни, нерасторжимо связанный с тем прижизненным наделом земли, который есть и земной удел, данный человеку для обживания и возделывания. Опыт вдумчивого всматривания в свое окружение — окрестность — позволил Штейнбергу отслоить все преходящее, наносное, случайное… <…> В этом новом фигуративном цикле художника то очевидно, то полускрыто присутствуют деревенские персонажи с их неповторимыми судьбами, запечатленные в пространстве припоминания, простор и протяженность которого — аналог вечности или вечной памяти. Рассеянные знаки человеческого присутствия — метки прожитых жизней, бренных, преходящих и тем самым уникальных и ценных— впечатались и закрепились в скупых жестах, пластических символах, в скорописи линий, прерывных, как линии “здешней” судьбы» (Сергей Кусков, art-critic-kuskov.com).

ПУРЫГИН Леонид Анатольевич (1951–1995) Русский Эрос. 1992
Холст, масло. 45,5 × 37

В узнаваемой с первого взгляда авторской манере написана небольшая картина «Русский Эрос» (1992) Леонида Анатольевича Пурыгина, «Лени из Нары Гениального», как он сам себя определял. Центральный персонаж картины в этот раз не совсем один, но он, со своей спутницей на руках, занимает, как обычно, ее основную часть, его окружают сотни мелких фигур, антропоморфных образов, лиц. Но интересно, что художник не населяет ими все пространство картины, оставляет воздух — синий, розовый, зеленый. Как и всякий представитель искусства арт-брют, Пурыгин изобрел собственный мир-фантасмагорию, в котором существуют его кибиасики и еще множество других неназванных сущностей.

Наша работа выполнена в 1992 году, вероятнее всего в США, хотя, возможно, и в России, куда он приезжал в 1992-м, провел выставку современного российского «наивного искусства» и открыл специальную галерею, с помощью которой стремился поддержать стилистически близких ему молодых художников. Картина «Русский Эрос» (1992) опубликована в том же 1992 году, при жизни художника.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Леонид Пурыгин».

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016). Ваза для фруктов. Модель для фарфора. 2010
Дерево, акрил, бронзовая краска. 20,5 × 28 × 28

Владимир Николаевич Немухин говорил: «Когда ты занимаешься фарфором, ты уже должен многое знать, фарфор не учит, а требует умения» (Цит. по: Виктория Петухова. Фарфор как неприкладное искусство или еще одна грань нонконформизма // Фарфор шестидесятников: Выставка в галерее «Романовъ». М. : Бонфи, 2012. С. 19). Роскошная, великолепно сделанная деревянная «Ваза для фруктов» (2010) Владимира Николаевича Немухина представляет собой модель для последующего изготовления в фарфоре. Серия фарфоровых ваз в подобном колорите — белые с золотом — была изготовлена небольшим тиражом, 7 экземпляров, в 2011 году на предприятии Porzellan-Manufaktur GmbH во Франкфурте-на-Майне. В этой же серии в 2011-м получила воплощение в благородном порцелине и наша модель (ваза из тиража опубликована: Там же. С. 40).

В фарфоре Немухин работал много, пожалуй, больше, чем кто-либо из шестидесятников. Работы, выполненные по его моделям и расписанные вручную по его эскизам, выходили в Люксембурге, России, Германии. Да, собственно, и сам авторский фарфор второго русского авангарда начался в 1990-х именно с его четырех тарелок, созданных в технике деколи по эскизам 1970-х. «Мой интерес к художественному фарфору, — говорил Владимир Николаевич, — зародился давно, когда я углубленно осваивал опыт первого русского авангарда. Идеологическую важность “агитационного фарфора” я никак не ощущал, как, впрочем, и все ценители этого вида искусства. Меня интересовала сугубо эстетическая проблематика, революционные подходы, приемы, методология работы с этим материалом» (Там же. С. 12).

Тарелки, чайные пары, чайницы, скульптура, вазы для цветов и фруктов — художник воплощал в них магистральные творческие идеи и придумывал оригинальные формы и мотивы.

Примыкает к разделу творчества шестидесятников работа художника-нонконформиста следующего поколения — фарфор «Музыкант (синий)» 1978 года семидесятника Бориса Константиновича Орлова.

ОРЛОВ Борис Константинович (1941) Музыкант (синий). 1978
Фарфор, надглазурная роспись. 38,5 × 23 × 20

«Уникальным для шестидесятников образцом работы в фарфоре скульптора-нонконформиста был “Музыкант” Бориса Орлова в двух вариантах — в бело-синем и бело-красном. Известная композиция, созданная скульптором еще в 1978 году при помощи бумаги и гуаши, получила новую жизнь в фарфоре» (Там же. С. 18).

Работа из нашего тиража опубликована (Там же. С. 113).

«В русском искусстве последнего полувека Борис Орлов занимает исключительное положение: он создатель собственного мифа, собственной художественной системы, индивидуального — легко узнаваемого — образного строя и стиля. Еще в советские времена его скульптуре удалось осуществить труднодостижимое — привлечь зрителя очной ставкой разведенных историей традиций классицизма, модернизма и авангарда. И тогда, и теперь — неутомимо избегая ловушек эклектических стилизаций — художник всякий раз демонстрирует редкое единство качеств: ясность оригинальных идей, предельную точность формы, мощную энергию, интеллектуальную искушенность.

“Аполлоническое начало”, на которое любит ссылаться сам художник, вполне справедливо отождествляется им с началом героическим. Именно эту героическую линию и отстаивает Борис Орлов на сцене современного российского искусства. Речь идет не только о сюжетах и фабулах, о специфике выразительных средств, о драматургии или художественных предпочтениях, но также о твердости собственной независимой позиции в искусстве» (borisorlov.ru).

Не датирована, но, исходя из фактов творческой биографии автора, выполнена на рубеже XX —XXI веков большая картина «А. С. Пушкина пригласили на ярмарку» наивного художника Павла Петровича Леонова.

ЛЕОНОВ Павел Петрович (1920–2011). А. С. Пушкина пригласили на ярмарку
Холст, масло. 110, 5 × 101

«Движущей силой его творчества была внутренняя жизнь — сюжеты картин рождались в процессе осмысления и переживания увиденного, услышанного, прочитанного. Он создавал собственный мир, населяя его множеством машин, зверей, растений и персонажей, сопровождавших его ежедневный быт, среди которых были как члены его семьи, так и люди, виденные им по телевизору» (artinvestment.ru). Источником сюжетов его картин были не события, происходившие вокруг него, а переработанные в его сознании почти в мифические образы воспоминания о прошлом и размышления о будущем.

Пушкин — наше всё… Над этой фразой не иронизирует только ленивый, но вот ведь: даже в больном сознании уже очень немолодого, много видевшего и слишком много страдавшего человека Пушкин — образ светлый и веселый. Возможно, Леонов читал Пушкина, наверняка видел по телевизору. И вот он приглашает его на ярмарку (один из мотивов его любимой темы идеального села), туда, где весело, многолюдно, шумно, туда, где Пушкин будет органичен. Люди пешие и конные, они плывут в лодках, едут в повозках и в автомобилях, купаются, играют на музыкальных инструментах, поют, танцуют, смотрят кино (или картину самого Леонова?), летят птицы, бродят диковинные павлины с длинными хвостами, бегут и прыгают животные — словом, всё и вся движется и веселится. И Пушкину нравится: сняв цилиндр, он приветствует этот праздник жизни!

Творческое наследие Павла Леонова, как пишут, довольно велико, но большинство работ были выполнены по заказам многочисленных почитателей его творчества, которые и сегодня не спешат расставаться с его картинами. Читайте об авторе на AI: «Художник недели: Павел Леонов».

Искусство современных художников завершает каталог.

БАТЫНКОВ Константин Александрович (1959) Лес. 2001
Холст на доске, акрил. 41 × 47

«Лес» (2001) Константина Александровича Батынкова — жанровая работа в фирменной монохромной гамме художника. В отличие от огромного числа наполненных движением работ, эта ночная сцена статична. В ней нет знакомых батынковских вертолетов, кораблей и прочей милитарии отнюдь не воинственных, а скорее забавных листов и холстов. Здесь все проще и драматичнее: стоит толпа маленьких фигурок, на небольшом расстоянии вокруг нее стоят фигурки с собаками и фигурки с оружием. Толпа молчит, молчит ночной лес, белеет снег. Сон, переходящий в смерть?

НЕСТЕРОВА Наталия Игоревна (1944) Ракетки (2004). Теннис (2004). Пара
Ракетки. 2004
Холст, масло. 80 × 88,5
Теннис. 2004
Холст, масло. 80 × 88,5

Парные работы «Ракетки» и «Теннис» Наталии Игоревны Нестеровой созданы в 2004 году. Спортивная тема в творчестве художницы время от времени возникает, причем рассматривается как бы с двух сторон. Одна сторона воплощается в таких работах, как «Регата» (2013) или «Скачки» (2017). Где-то на втором плане плывут яхты или скачут лошади, а основное внимание и автора, и зрителя вслед за ней, обращено на спины публики, наблюдающей за происходящим. Другой авторский взгляд на спорт представляют наши сегодняшние парные работы: в центре композиции опять же не спортсмены, а скорее, атмосфера игры — поле, небо, сетка, лес на горизонте, ракетки, в общем ряду — игроки. Эти стороны, по сути, очень близки: спорт в творчестве Нестеровой выступает фоном, источником эмоций, основой, на которой художница разворачивает свою человеческую комедию.

«… Самое сложное, но и самое важное для художника — стать узнаваемым. Нужно придерживаться некой последовательности. Хотя все зависит от индивидуальных качеств человека, у кого-то разбрасывание превращается в стиль. Но для меня все-таки главное  − узнаваемость. Это когда вы идете по большой выставке и вдруг поворачиваете голову, потому что этот художник вам знаком и он вас притягивает. У художника должен быть внутренний стержень и должно быть что-то, что он хочет сказать зрителю, причем не с натугой, а с легкостью. Русским художникам не хватает легкости. От русских всегда исходит страдание. Если вы будете все время смотреть на страдание, то в какой-то момент намылите веревку. Искусство должно поднимать человеческий дух, а не разрывать душу на части» (Наталия Нестерова, dianov-art.ru).

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) День рождения в октябре. 2008
Холст, масло. 80 × 100

Заканчиваем рассказ чудесной работой — «День рождения в октябре» (2008) Люси Вороновой. «День рождения — Праздник. А день рождения осенью с особым настроением. Еще золото на деревьях, но уже ожидание Нового года. Подарки, чудеса. Елка в украшениях. Настроение — радость» (Люся Воронова).

Холст «День рождения в октябре» — прекрасный образец творчества Люси Вороновой. Яркий желтый фон с новогодними игрушками, полуобнаженная модель — все это характерно для работ 2008 года. Радостное настроение праздника и ожидания праздника, о котором говорит Люся, подчеркивают щедро рассыпанные по поверхности холста крупные гроздья красной и черной рябины, рядом с которыми она пишет еще небольшие, но уже вполне заметные изящные елочные игрушки, вплетенные в растительный орнамент. Кстати, забавные маленькие человечки (присмотритесь: их много и они все — разные!) — это настоящие дореволюционные елочные игрушки (Георгий Воронов).

Одновременно с нашим штатным 360-м AI Аукционом открыт 46-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». Каталог составили работы Семёна Агроскина, Азама Атаханова, Юрия Бабича, Алексея Ваулина, Елены Гориной, Александра Захарова, Егора Кошелева, Виктора Крапошина, Александра Савко, Елены Суровцевой.

Всем желаем удачи на 360-м AI-Аукционе и 46-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.