Открыт 144-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
Каталог AI Аукциона № 458 и 144-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 2 декабря, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — 9 живописных произведений, три скульптуры и один объект.
Семён Агроскин. Остров. 2022
Семён Агроскин занимает какое-то совсем особое место в современном художественном процессе. Он парадоксален, и это отличает его и от «левых» и от «правых», от авангардистов и традиционалистов. Стремление к предметной изобразительности, возрождение «старых» жанров, таких как натюрморт, портрет, автопортрет, пейзаж, интерьер, глубина и серьезность самой позиции художника по отношению к миру, — что это, как не безнадежная в глазах многих архаика? Но при этом живопись Агроскина производит впечатление очень современной: в ней схвачен живой повседневный нерв, ритм, пульсация города и человека, порой возникает неожиданный угол зрения на предметы, лица, жесты и движения.
Работы Семёна Агроскина наполнены тишиной, молчанием, одиночеством. Это ощущение достигается точным выбором сюжета, композиционным решением: окно, за которым просто темнота или неуютное отчужденное пространство, либо предмет интерьера, выступающий из пустоты (Вера Чайковская).
В работах Агроскина ничего не происходит, нет никакой развернутой фабулы, все находится в состоянии статики, но они притягивают внимание зрителей своей неоднозначностью и глубинным подтекстом, скрывающимся за кажущейся простотой. Многозначительность молчания заставляет задуматься о серьезном, почувствовать себя вовлеченным в образный ряд автора.
Прямой взгляд на явление — из окна ли, из внутреннего ли пространства личности, которое тоже есть «окно», какая-то рамка, мировоззренческая или физическая, — исключает, казалось бы, разомкнутость и многосмысленность самого явления (так бывало в работах Михаила Рогинского).
Всё превращается, скорее, в некоторые внутренние формулы постижения внешнего мира, это столь же явления, сколь и мысли о явлениях (Вера Калмыкова, cultobzor.ru).
Агроскин наделяет мир старых вещей порывом вверх, к небесам. Старые каменные лестницы уходят в сияющую белизну пространства, а черные проломы распахнутых дверей и окон, контрастирующие со светлыми стенами, намекают на неведомые зигзаги и возможности бытия. Так на абсолютно непоэтическом материале развертывается романтическая сага о человеческой жизни (Вера Чайковская, agroskin-art.ru).
«Остров» (2022) балансирует на грани живописи и объектного искусства. Художник использует старую оконную раму и тем самым метафорически осмысляет феномен картины как окна в другой, иллюзорный мир. Небольшой островок предстает живописной панорамой, открывающейся взгляду зрителя из окна старого дома. Наверное, почти каждый человек хоть раз мечтал у окна о необитаемом острове посреди лазурного моря… Агроскин воплощает этот образ мечты, и увлекает зрителя в пространство свободы за старым, много раз перекрашенным окном.
Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Семён Агроскин».
Максим Аксёнов. Ангелочек. 2007
Творчество московского скульптора Максима Аксёнова представляет бронзовая скульптура «Ангелочек» (2007).
Скульптор, восхищаясь приемами древних, создает свою античность, строит на ее основе свою пространственно-пластическую эстетику, включая в образы современности отдаленные намеки на эпоху классики (Катерина Шмакова).
Максим Аксёнов родился в Москве в 1967 году. Окончил МХПА им. С.Г. Строганова (1998).
Член МСХ (2000), член правления секции скульптуры МСХ и ОМС.
Выставляется с 1995. Участник более 80 выставок. Персональные выставки в Российской академии художеств (2012) и галерее «А 3» (2015).
Награжден благодарственной грамотой РАХ (2013), медалью МСХ «За вклад в развитие изобразительного искусства» (2010).
Работы находятся в Государственном Русском музее (Санкт-Петербург), частных коллекциях в России, Австрии, США и др.
Статьи о художнике опубликованы в журналах «Salon», «Мезонин», «АртХроника», газете Академии Художеств «Галерея» (oms.ru).
Даниил Архипенко. Отпечатки. 2021
Даниил Архипенко, автор тондо «Отпечатки» (2021) живет и работает в Санкт-Петербурге. В работах Архипенко человек и присутствует, и отсутствует одновременно. Он выступает как наблюдатель или оставляет свои отпечатки, растворяясь в окружающем его пейзаже, а порой совсем покидая его.
«В юности я часто путешествовал с родителями из Карелии в Мурманск и обратно. Мы преодолевали это немаленькое расстояние, около 1200 километров, на машине. В дороге я наблюдал за пространством, которое нас окружало. Подмечал какие-то колористические решения, созданные природой. Видел жителей населенных пунктов, встречавшихся на пути, — рассказывает Даниил Архипенко. — Когда едешь в машине, лица людей разглядеть невозможно. Я видел только стаффажные фигуры и силуэты, мелькавшие в пространстве. Все это отпечаталось в моей голове как фотокарточки и картинки, которые сейчас я проецирую через новые медиа, новые техники» (stolnick.ru).
Художник — это «пленник» красоты, — говорит автор. — Восхитившись, он хочет удержать это состояние, продлить его, поделиться им с кем-то еще (uralvisiongallery.com). В работе Архипенко разворачивается панорама стихийных сил природы, масштаб которой определяют миниатюрные стаффажные фигурки людей. Здесь нет мистики, нет страха, только земля, небо и те, кто восхищенно наблюдает красоту мира. Искусство существует, «чтобы не растерять память о гармонии мира и передавать эти знания следующим поколениям. Чтобы отвлечь человека от сугубо конкретных реалий жизни, вынуть его из скорлупки, показать, как прекрасен и разнообразен мир. Чтобы реальность воспринималась цельнее, и оставалось меньше шансов запутаться в хаосе жизни» (uralvisiongallery.com).
Алексей Барвенко. Обманка. Liberty. 2021
«Если тема задана, начинаешь думать, искать предметы, подбирать вещи для натуры. В основном, конечно, все пишется с натуры. Если найти вещь невозможно, приходится подключать поиск в Интернете, искать в архивах. Выдуманный контекст картины всегда формируется на основе времени жизни человека. <…>
Я люблю работать с символикой, она своеобразный культурный шифр, но я не вставляю символы куда попало, такие вещи пишутся только к месту. <…> По сути, мои картины требуют некоторого знания истории, философии, географии. Прежде чем посмотреть на картину, нужно иметь приблизительное понимание контекста, а само изображение — это информация к размышлению. Вы смотрите на заданную тему и начинаете думать. Неожиданно ваши знания дополняются просмотром картины и таким образом, вы еще больше проникаетесь увиденным» (Алексей Барвенко, rewizor.ru).
Алексей Барвенко развивает традиции отечественной академической школы живописи. В духе русских мастеров XVIII и XIX века Григория Теплова (1716/1717–1779) и Фёдора Толстого (1783–1873) он создает натюрморты-обманки, на которых с точностью изображены предметы старины, элементы гербария, репродукции классических шедевров. По словам художника, для него обманка — способ удержать исчезающий мир, визуальная форма ностальгии. «Встраивая в свои работы то полотна Леонардо, то русские иконы, он и подчёркивает связь между ними (связь прежде всего предметную, ведь мировым шедеврам соседствуют вещи из традиционно-романтического обихода художника), и одновременно сохраняет, не боясь тавтологии, облик предметов, простёгивающих все уровни времени», — пишет о произведениях Барвенко искусствовед В. Калмыкова (openklub.ru).
«Обманка. Liberty» (2021) выполнена в знакомой авторской стилистике и отсылает зрителя к событиям истории США конца XVIII — начала XIX века. Художник средствами живописи создает образ времени, скрупулезно подбирая предметы и мастерски передавая их фактуру. Автор тщательно выписывает (таков закон жанра!) прожилки на высохшем листке, рельефы на серебряных старинных монетах, блеск, исходящий от поверхности золотых карманных часов на цепочке, передает мягкость белого пера. Желтый фон работы — мягкая старинная ткань со звездочками — своеобразный перифраз фрагмента американского флага. В современных условиях жанр натюрморта-обманки, популярный в прошлых столетиях, встречается редко, и работы Барвенко предоставляют зрителю возможность почувствовать очарование этого своеобразного вида искусства (Мария Беликова).
Константин Батынков. Вышка. 2010
Константин Батынков, известный своей виртуозной живописью, тяготеющей к технике каллиграфии, — художник, чей панорамный всеохватывающий взгляд удивляет вниманием к деталям. Эстетика его произведений отсылает к искусству Общества станковистов, участники которого запечатлевали индустриализацию начала XX века. Константин Батынков, с юности увлеченный Александром Лабасом, тоже обращается к индустриальной теме.
Морская нефтяная вышка — один из тех образов, к которым художник возвращается не единожды как к символу современного технического прогресса. К тому же любимое Батынковым море, береговая линия на дальнем плане дают дополнительный простор для авторской фантазии. Но и здесь пространство его работ наполняется узнаваемыми деталями: самолетами, вертолетами, дирижаблями, летающими тарелками, кораблями, подлодками — военной техникой, которую он изучал в Московском институте инженеров гражданской авиации. Эти объекты возникают в самых неожиданных местах, наполняя образ произведения фантазийной сюрреалистичностью. Так, в небе плывет не дирижабль, а самая настоящая подводная лодка, летают птицы, вертолетики. Никакой войнушки, просто движуха под ярким полуденным солнцем.
Картины Батынкова абсолютно узнаваемы: фирменная монохромная палитра и излюбленная тематика — разнообразные летательные аппараты и прочие «мегаобъекты», подавляющие своей мощью муравьиного размера людишек, — и так же далеки от воинственности, как игра в солдатики от апологии милитаризма. Эти композиции будто пришли из сна. Своей зыбкостью, какой-то нездешностью они напоминают творения любимцев Батынкова из числа современников — Валерия Кошлякова и Питера Дойга (Peter Doig). Декоративные картины словно проецируют какую-то отстраненную ностальгию вперемешку с чувством абсурдного (artinvestment.ru).
Леонид Варушкин. В городе. 2020
Автор холста «В городе» (2020) Леонид Варушкин родился в 1995 в Ульяновске. Окончил Челябинское художественное училище (ныне ЮУрГИИ им. П. И. Чайковского, 2015). Учится (2017) в Академии художеств имени Ильи Репина на живописном отделении (мастерская станковой живописи под руководством заслуженного художника РФ Х. В. Савкуева).
Картина «В городе» (2020) выполнена в той же стилистике, что и работа «Мост», после которой «в серии своих картин я начал работать с пространством, цветом и формой, — говорит художник. — Сюжет в этих произведениях как таковой отсутствует, главенствующей темой является состояние или ощущение в работах. На них показаны отрывки, вырванные из чьей-то жизни; отрывки, которые несут в себе ощущение от состояния изображённого момента» (rakovbaget.ru).
Художник выбирает преимущественно крупноформатные холсты (не составляет исключения и наша сегодняшняя почти двухметровая работа): «Формат — это часть произведения, которая помогает раскрыться работе и показать себя в нужном ключе. Смотрю свои работы на выставках и прихожу к выводу, что в больших пространствах они для меня размера “самое то”» (rakovbaget.ru).
«Стиль мой ещё формируется, — рассказывает художник. — <…> Стиль, если и изменится, будет зависеть от новых поставленных задач. Он сформируется и устаканится, если делать работы, главное — найти то, что хочется художественно выразить» (rakovbaget.ru).
Дмитрий Воронин. Котенок. 2013
Дмитрий Борисович Воронин — художник-анималист, работающий в графике и станковой скульптуре, член Союза художников России, почётный член-корреспондент Международной академии культуры и искусства. Известен прежде всего как мастер деревянной скульптуры, виртуозно работающий в таких сложных техниках, как маркетри и инкрустация, поверхность его работ отличается богатой орнаментикой, игрой фактур и декоративностью.
Творческие поиски Воронина идут в русле модернистских исследований пластических возможностей, для которых характерна стилизация форм, абстрактность мышления, акцент на выразительной подаче образа. Созданные им анималистические композиции всегда узнаваемы, непосредственны и очаровательны. Глубокие знания и отточенное мастерство художника воплощаются в оригинальном авторском стиле, сочетающем академический инструментарий и эстетику народного и наивного искусства.
Высокое мастерство Воронина проявляется в умелом сочетании материалов, различающихся по физическим свойствам, твердости, цвету, фактуре, текстуре. Воронин сосредотачивает внимание на кропотливой работе с поверхностью. Несмотря на камерный размер, скульптурная композиция характеризуется тенденцией к монументальности. Воронин создает яркие, острохарактерные образы животных, в которых узнается оригинальный авторский стиль (Мария Беликова).
Телеинтервью скульптора Дмитрия Воронина
Источник: youtube.com
«В конце 90-х годов, монтируя одну из скульптурных выставок, неожиданно увидел необычную работу. Спрашиваю: кто автор? Подходит скромный, худенький молодой человек… Это был Дима Воронин, а работа называлась “Рыба”.
С тех пор встреча с каждым произведением Димы вызывает у меня удивление и восхищение.
По мастерству обращения с материалом ему нет равных…
К своим открытиям в скульптуре Дима прошел и через классическую школу Строгановки, и через реставрацию, и через работу гл. художником фрезерного завода. В разное время его учителями были такие большие скульпторы, как Лев Михайлов, Александр Белашов, Александр Бурганов. Но сильнее всего, по мнению самого автора, на него <повлияло> творчество Андрея Марца. Гротескность образа, предельная лаконичность стали основными приемами и в творчестве скульптора Дмитрия Воронина.
В своих произведениях Дима как бы балансирует на грани. Отказ от традиционной пластики, идеализация формы, предельная выявленность материала легко могут увести в холодный дизайн и потерю внутренней теплоты содержания. Не случайно автор иногда возвращается к традиционной пластике — “Кот”.
Очевидна безразмерность многих произведений Димы, они могут быть воплощены и в более крупных размерах.
Почему животные? У Димы с детства были животные, он любил их и наблюдал за ними. Думаю, что внутреннее восхищение божественным творчеством — неисчерпаемость форм и конструкций — подлинный фундамент творчества скульптора Дмитрия Воронина» (22 апреля 2014, скульптор Борис Чёрствый).
Михаил Ермолов. Лыжница. 2022
Михаил Ермолов — автор серии оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха». Автор воспроизводит на своих листах и полотнах атрибуты ушедшей эпохи, которые в своей ретро-стилистике напоминают выцветшие холсты, созданные в середине прошлого века.
«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).
«Это ностальгический проект о детстве, которое живет в нас до конца дней, о детстве без гаджетов, Интернета, мобильных телефонов, видеокамер, компьютерных игр и т.д., о детстве с играми во дворах — с утра и до вечера без надзора взрослых, о побегах в кино с любимыми героями, на которых так хотелось походить. А походы в цирк с клоуном Карандашом, воскресные гуляния с родителями в парках, катание на чертовом колесе, на качелях, наперегонки на великах, на картонках с ледяных горок, а деревянные кони и другие немногочисленные игрушки, часто самодельные, грубо раскрашенные, но такие любимые? Конечно, это память поколения дедов и немолодых отцов. <…> Сегодняшнее молодое поколение, напротив, будет вспоминать, как до самого совершеннолетия их за руку водили взрослые, куда, в какие страны ездили с родителями летом, как учили языки по обмену и т.д. а виртуальная реальность и реальная жизнь не разделимы, о дворовых играх в казаки-разбойники, 12 палочек, штандер и др. будут узнавать, если прочтут, из книг. Все проходит, как рассказал нам царь Соломон» (Ирина Филатова).
Картины Михаила Ермолова нередко посвящены единственному образу — очень точному в деталях и не обремененному антуражем. «Лыжница» — совсем маленькая девочка из середины ХХ века. На детских лыжах нет креплений, вместо них прикручены перепонки из ремня, куда плотно вставляется валенок. Под легким пальтишком необычного для тех лет бордового цвета наверняка надето несколько слоев одежды. На голове у девочки — тонкая вязаная шапочка, которая застегнута на такой же вязаный шнурочек с пуговкой, а под шапочку, как всегда, повязан тонкий хлопчатобумажный платок: он дополнительно согревает, не дает шерсти тереться о детскую кожу и надежно закрывает горло. А шарфик и варежки, конечно, связали бабушка или мама. Малышка делает на лыжах первые шаги, палки еще разлетаются в стороны, ей страшновато, но скоро она научится твердо держаться на ногах, скатываться с горок, падать и подниматься. Будет весело!
«Парк — памяти и культуры, и отдыха. Как бы вместе со временем в прошлое канула и культура», — пишет искусствовед Ирина Филатова. Может, и не канула, но точно стала другой.
Какими будут детские воспоминания тех, кто растет сегодня, кого не научили удивляться и радоваться тому, что происходит рядом с ними? Время покажет, но пусть в этих воспоминаниях будет хоть немного настоящего — искреннего чувства, простых, чистых детских радостей, какие во множестве населяют Парк Михаила Ермолова.
Николай Жатов. Равновесие. 2021
Серию авторских индустриальных городских пейзажей и интерьеров продолжает холст «Равновесие» (2021) Николая Владимировича Жатова. Работа производит впечатление футуристического городского пейзажа и отсылает к эстетике городов будущего 1920-х годов. В архитектурной композиции в духе американского архитектора Хью Ферриса, видевшего будущие мегаполисы городами небоскребов, звучит перекличка с творчеством мастеров ОСТа, их индустриальной графикой и машинной эстетикой.
Николай Жатов живет в Орле с 1985 года. Уроженец села Пески Воронежской области (31 января 1954), он окончил Саратовское художественное училище (1979) и Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина Академии художеств СССР (1985). Участвовать в выставках начал в 1983-м. Член ВТОО «Союз художников России» (1991). Преподавал в Орловском художественном училище (1985–2000). Художник пишет преимущественно портреты и пейзажи (orel-sh.ru, vrnguide.ru).
Александр Захаров. Паук. 2012
«У меня много ассоциаций из раннего детства, когда мы ловили жуков, личинок, разглядывали это все, собирали в коробочки. Кто-то боялся, мы пугали девочек. Поэтому это очень глубокие ощущения контакта с природой, страха перед ней и в тоже время освобождения от страхов. Некоторая жестокость у детей, когда, после преодоления страха, мальчишки начинали довольно жестоко играть с этими насекомыми.
Когда мне было лет пять-шесть, я не столько их коллекционировал, сколько разглядывал. У меня даже лупа была, мне подарили ее родители. И я рассматривал их. Так что впечатлений у меня много, связанных с общением с этим нижним миром: оно было очень тесное. Подобные воспоминания есть у каждого ребенка.
Дети видят этих насекомых гораздо больше, они крупнее в их сознании, чем они есть на самом деле. Много лет спустя в Германии я попал в заповедник, и вот я там встретил того жука, которого мы в детстве дровосеком называли. Когда он попадал нам, маленьким детям, в руки, мы испытывали ощущение сверхценности: это было какое-то мифологическое существо. И летали они там с таким звуком, словно вертолет. Он мне казался гигантским в детстве, а здесь он оказался совсем небольшим, 4-5 сантиметров. Да, достаточно интересный, но даже не жук-олень или жук-носорог.
Вот с этими ощущениями (разного рода воспоминаниями из детства) мне и было интересно поработать и в этой картине, и в этой серии в целом» (Александр Захаров).
Для меня как художника с некоторых пор игрушки стали окошком в мир далекого детства, дверкой, за которой развернулась волшебная страна мечты, целая Вселенная. Маленький мир разворачивается в глубину до бесконечности, так же как для нас, взрослых, «большой мир».
Миниатюра наиболее удобная для меня форма выражения. Я создаю «маленькое окошко», заглянув в которое и заинтересовавшись открывшимся за ним пространством, зрителю невольно приходится как бы «уменьшаться в размере», становиться маленьким. «Превратившись» в ребенка, он получает право попасть внутрь. В открывшемся мире, с виду совершенно реальном, существует «обратная перспектива»: маленькое порой важнее большого. Начав много лет назад с огромных картин-панорам, напоминавших плоский лубок, я пришел сегодня к развернутой в глубину миниатюре» (Александр Захаров, cumir.ru).
Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения — тут и мильтоновские душистые рощи, где «пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...», и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия (triumph.gallery).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».
Владимир Ковальчук. Гольф III. 2022
«“Иронический диалог” между классической европейской традицией и интуитивным подходом к использованию цвета и света», — так Владимир Ковальчук определяет художественное направление своего творчества.
Владимир Ковальчук — известный театральный художник, который выпустил около 200 спектаклей в различных театрах Литвы, Латвии, России, Канады, США, Франции, Италии, Бельгии, Германии, Украины, Румынии и других стран.
Создал несколько проектов с режиссером Анатолием Васильевым, основателем театра «Школа драматического искусства». Среди них «Вариации феи Драже» (ТЮЗ, Рига, 1987, «Амфитрион» (Комеди Франсез, Париж, 2002), «МедеяМатериал» (Школа драматического искусства, Москва, 2001) и другие. Сотворчество художника с Анатолием Васильевым началось в 1986 году в Риге, после того как Васильев познакомился с Ковальчуком-живописцем, и продолжается многие десятилетия.
Совместно с Юрием Любимовым в Театре на Таганке в 2004–2006 годах выпустил два спектакля: «Суф(ф)ле» — свободная фантазия на тему произведений Ф. Ницше, Ф. Кафки, С. Беккета, Д. Джойса, и «Антигона» Софокла.
В 2009 году в театре «Школа драматического искусства» прошла персональная выставка живописи Владимира Ковальчука «Размышления. Посвящения. Вариации», экспозицию которой составили более 30 полотен из разных циклов последних десятилетий, в том числе «Лама да Винчи», «Мадонна Дарвина» и другие.
Живописные работы Ковальчука хранятся в галереях и частных коллекциях по всему миру (gif.ru).
В работе «Гольф III» (2022) художник смешивает в одном композиционном пространстве образы из разных культурных эпох — пишет освещенную сразу двумя светилами (не обязательно Солнцем и Луной) сцену с гольфистом, играющим на фоне величественных древнеегипетских пирамид и словно не в своем, а в их времени. Динамику композиции обеспечивает целый ряд элементов: мощная диагональ из левого нижнего угла в правый верхний, спортивный сюжет, небесные светила, движение которых явно подразумевается, однако весь этот динамический «набор» уравновешивается образами пирамид — неподвижных и вечных.
В своем станковом творчестве Владимир Ковальчук продолжает театральную линию, «в каком-то смысле это театр, где сценой может быть и пейзаж, и поверхность стола, излучина женского тела» (Владимир Мирзоев). Но в отличие от театра главным на его полотнах становится пространство, где разворачиваются невероятные события. Это сюрреалистический мир, существующий на грани между сном и реальностью, где развиваются разные сюжетные линии. Потенциально сюжетов бесконечное множество, нужно только включить воображение.
Pata (Паата Мерабишвили). Материнство (Лунная Мадонна). 2018
«Любовь к женской фигуре — это в первую очередь уважение и дань красоте. Ничто так не передает красоту пластики, как линия женской формы. Женская фигура вдохновляет и одухотворяет все мое творчество — скульптуру, графику и живопись, и увлечение это постоянно» (Паата Мерабишвили).
Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) — скульптор, живописец, график, одинаково свободно чувствующий себя в объеме и на плоскости, в материале, линии и цвете.
«Давно ставшие классикой художественные образы античной Греции, Амедео Модильяни, Пабло Пикассо, Жоржа Брака являются базисом, на котором строится его собственный художественный мир. Они вдохновляют автора на создание образов, полных чувственности и экспрессии, — женских фигур и портретов, композиций и коллажей. Объемно-осязательные формы, мягкая моделировка, лиричность образа, текучесть линии сменяются стилизованными фигурами, пересечением линий и объемов, декоративностью композиции. Полистилизм эпохи постмодернизма как один из методов изображения и достижения художественного целого используется художником во всех видах искусства артистично и выразительно, без потери индивидуальности, и задает направление развития его собственной творческой манеры» (Нана Шервашидзе, искусствовед).
Паата Мерабишвили — представитель прославленной, мощной по таланту династии грузинских скульпторов. Владея в полной мере всеми приемами пластического наследия, переосмыслив стилистику классической лепки, Паата Мерабишвили четко определил свой творческий вектор. Будучи увлеченным с юных лет творчеством античных мастеров, пластикой Майоля, скульптор пришел в своих произведениях к решению модернистских задач пластики. По творческой манере скульптору всегда были близки Жак Липшиц, Александр Архипенко и Осип Цадкин, которые уделяли особое внимание фактуре и лаконичным формам.
Несмотря на абстрактную стилистику в работах Мерабишвили, его скульптуры всегда наполнены образностью и пространственным построением форм. Автор смело экспериментирует с цветом, техникой, материалами, создавая современные образные произведения. Геометризированные, сложносоставные объемы скульптур Мерабишвили всегда экспрессивны, динамичны, полны метафор. Автор умело воплощает стремление найти пластический прием, ассоциативно выражающий образ. Владение рисунком ощущается во всех работах автора, но его универсальное значение особенно наглядно при знакомстве с фантазиями из металлических лент и пластин, где все сосредоточено на взаимном их перетекании. Металлические плоскости словно вращаются, скручиваются и раскручиваются, пытаясь предъявить различные способы существования в трехмерном пространстве, при всем их архитектоническом единстве.
Мерабишвили стремится выразить не саму форму, а ее внутреннюю составляющую, ее изначальный смысл в чем, несомненно, следует традиции модернистов (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
Андрей Мунц. Апофеоз мечты. 2022
«Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям» (Андрей Мунц).
Будучи архитектором, а также педагогом, Мунц зачастую действует в рациональном творческом поле. Поэтому столь ценна для него становится возможность спонтанного самовыражения, которую дает живопись, не привязанная к натуре. Художник стремится изобразить не то, что видит, а то, что чувствует. Его работы являются отражением свободного и личного эмоционального переживания (Юлия Волгина, искусствовед).
Как бы ни был логичен и последователен окружающий нас мир, наполненный завершенными формами предметов, он все равно живет по законам содержания. Художники-реалисты, последовательно и скрупулёзно описывая форму за формой и взаимодействия их в пространстве, транслируют свои личные переживания и размышления, связанные с изображаемым.
Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена эта последовательность и внешняя логика, в нем, как будто, и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения, в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.
И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя (Наталья Сопова).
Городской вид на холсте Андрея Мунца — это абстрактная импровизация с элементами архитектурного пейзажа, один из излюбленных приемов автора. Андрей Мунц — действующий архитектор, фигуративные архитектурные элементы, воспроизведенные хоть и свободно, но пропорционально верно и потому узнаваемо, он использует в качестве своеобразной «точки отсчета», из которой разворачивается феерическое абстрактное действие. Абстракция и архитектура в его картинах сосуществуют и не противостоят, но гармонично дополняют друг друга.
Желаем удачи на 144-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
AI
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20221128_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20221128_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
