Открыт 130-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Семёна Агроскина, Анелии Алиповой, Даниила Архипенко, Нисо Атахановой, Константина Батынкова, Фарида Богдалова, Михаила Ермолова, Наталии Жерновской, Игоря Кислицына, Андрея Криволапова, Pata (Пааты Мерабишвили), Бориса Смотрова, Сергея Смурова
Каталог AI Аукциона № 444 и 130-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 27 августа, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — восемь живописных произведений, три работы в смешанной технике и две скульптуры.
Семён Агроскин. Бюст. 2015
Живопись «Бюст» (2015) Семёна Агроскина относится к серии «Стена», посвященной героям революции 1917 года. Объектом исследования автор выбрал их образы, созданные советской монументальной пропагандой. «Мне всегда казалось, что феномен революционеров изучен не полностью. В своих работах я стараюсь исследовать не историю, а энергетику этих людей. Мне интересна их живучесть, умение оставаться на плаву и их безусловная неординарность, источник этой энергии до конца не понят.
Мной он, конечно, тоже до конца не понят, я попытался взглянуть на них через призму советской монументальной пропаганды. Это богатый материал для художника, нам остался грандиозный пласт, который героизирует и превращает революционных деятелей в идолов.
Эти тиражные, часто ужасные скульптуры сохраняют в себе дух того времени. Кремль и его стены — это кодовые признаки места действия в сознании людей. Они закрепились в нашем сознании как признак советской власти.
Но одновременно это стена безликих монументов, которые отгораживают нас от большого мира
Моя цель — ощутить энергетику этих лидеров, понять как они “простояли” так долго и как они жили. К тому же это весьма актуальная, на мой взгляд, тема именно сейчас» (Семен Агроскин, cultobzor.ru).
Изначально серия носила название «Соратники», но позже название изменилось, хотя, рассказывая о картине «Бюст» на выставке в галерее ARTinvestment.RU «21-й век», автор употребил именно изначальную формулировку, и вряд ли можно считать это оговоркой: «“Бюст”. Работа из серии “Соратники”. Страшная реальность советской эпохи. На скульптурах меняли головы. Если героя репрессировали, то фигура пригодится для другого, пока живого героя» (Семён Агроскин).
«В большинстве произведений мастера отсутствует развитая фабула, им свойственна скупость деталей, строгость их отбора, сдержанность палитры, движение линий, объемов в пространстве…
Художник очень избирательно относится к цвету, избегает ярких цветовых диссонансов, предпочитает монохромную гамму, сложное сочетание полутонов — от серебристо-серых до желтовато-коричневых. Общая тональность колорита обладает определенным эмоциональным звучанием» (artinvestment.ru).
Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Семён Агроскин».
Анелия Алипова. Модель 1. 2019
«Для меня простота, умение видеть необычное в самых простых вещах, эксперимент, постоянный поиск являются основой творчества. Я работаю в разных стилях и направлениях, иногда смешивая их» (Анелия Алипова).
«Прогнозы футурологов на ближайшее и не очень будущее с каждым годом становятся все более разнообразными и в какой-то степени даже пугающими: многое из того, о чем они говорят, сбывается. И если раньше к подобным предсказаниям относились с достаточной долей скептицизма, то сегодня футурология — одна из самых обсуждаемых и актуальных областей науки, необходимость которой доказывается с каждым днем.
Один из самых животрепещущих вопросов относительно будущего, несомненно, выражается в отношении к роботизации многих сфер человеческой жизни, не только в контексте крупных многочисленных корпораций и предприятий, но и на уровне индивидуального подхода к решению бытовых задач отдельно взятого пользователя. Причем акцент делается на том, что робот в отличие от человека решит любой вопрос идеально, без погрешностей. В этом и заключается весь смысл автоматизации рабочего процесса: ликвидация всех возможных ошибок в процессе его выполнения.
Но не только механика самой деятельности важна для этой цели, немаловажным фактором становится и форма этих машин, то есть то, как они выглядят. Ведь внешний вид очень важен для восприятия, именно поэтому он должен быть таким же безупречным, как и выполнение их прямых функций. Очень показателен пример модели Шуду Грэм, которую в 2018 году придумал фотограф из Великобритании. Ее особенность в том, что она не человек, а полностью виртуально изобретенная девушка с идеальной внешностью и пропорциями. Некий недостижимый идеал для любой реально существующей модели.
Именно на основе ее образа написан портрет № 1 из серии “Монохром”.
Современные девушки с помощью фотошопа и фильтров стремятся стать похожими на безукоризненных красавиц, как будто добавить к своей внешности толику цифрового совершенства. Феномен Шуду Грэм заключен в обратном процессе: она явно пытается стать частью материально существующего мира, являясь по своей природе существом изначально бестелесным. Ее портрет, написанный красками по холсту и существующий в реальном измерении, как будто делает это чуточку возможным. Художник изображает ее, подчиняясь собственному восприятию. И на картине уже не бездушная модель, а девушка, у которой есть характер, мысли, тайны. Идеальная форма преобразовывается с помощью силы творчества, являя зрителю возможность выбора, кого он видит: виртуального робота, созданного человеком для решения его задач, или личность с трепетной душой и бьющимся внутри любящим сердцем?» (Надежда Соколова, искусствовед, арт-критик, специалист по работе с современным искусством).
Даниил Архипенко. Отпечатки. Глава «Рождение». 2021
«Я подумал о том, что все мы, наблюдатели, чем-то связаны по рукам и ногам — семьей, друзьями, различными событиями. Но когда ты находишься в естественной среде, то пребываешь в состоянии гармонии и уже ничем не связан. Сейчас мы выезжаем за город и восхищаемся лесом, полями, горизонтом. А раньше все было по-другому: люди жили в окружении природы, поражались строящимся домам, первым машинам. Но все будто перевернулось: мы уезжаем за город, чтобы удивиться, хотя живем в среде, которая удивляла людей раньше. Парадокс какой-то» (Даниил Архипенко, artzot.ru).
Даниил Архипенко, автор холста «Отпечатки. Глава “Рождение”» (2021) живет и работает в Санкт-Петербурге. В работах Архипенко человек и присутствует, и отсутствует одновременно. Он выступает как наблюдатель или оставляет свои отпечатки, растворяясь в окружающем его пейзаже, а порой совсем покидая его.
В восприятии Даниила «отпечаток — это след, оставленный природой или же человеком во времени и пространстве, свидетельство о прошлом, которое мы обнаруживаем в настоящем; это признак постоянства в вечно изменяющемся мире». Объединив в своих работах современные материалы и секреты старых мастеров, Архипенко создал пространство тотального погружения зрителя в экспрессивную плоскость живописи (uralvisiongallery.com).
«Художник — это “пленник” красоты, — говорит автор. — Восхитившись, он хочет удержать это состояние, продлить его, поделиться им с кем-то еще» (uralvisiongallery.com). В работе Архипенко разворачивается панорама стихийных сил природы, масштаб которой определяют миниатюрные стаффажные фигурки людей. Здесь нет мистики, нет страха, только земля, небо и те, кто восхищенно наблюдает красоту мира. Искусство существует, «чтобы не растерять память о гармонии мира и передавать эти знания следующим поколениям. Чтобы отвлечь человека от сугубо конкретных реалий жизни, вынуть его из скорлупки, показать, как прекрасен и разнообразен мир. Чтобы реальность воспринималась цельнее, и оставалось меньше шансов запутаться в хаосе жизни» (uralvisiongallery.com).
Нисо Атаханова. Ночное приключение (Долгая дорога. Ночь). 2017
«В своих работах я использую образы, увиденные в культурах Европы и Азии. Меня интересуют привычки людей, их практики, мировоззрение и то, как они связаны с окружающей средой, образом жизни людей. Часть работ посвящена уникальной природе мест, в которых я побывала. Поэтому путешествия и знакомства с традициями других стран очень тесно связаны с тем, что я создаю в своей мастерской в Москве.
Таким образом, в картинах соединяются образы идеализированного мной мира и реальные события из жизни общества. Угол зрения постепенно меняется. Раньше героями картин часто бывали животные и райские птицы. Сейчас все события развиваются в основном вокруг человека.
Мне нравится возрождать искренность, романтизм и надежду в своих работах, обращаясь назад к истокам и принимая концепции всего, что дала нам мировая художественная культура. С восторгом и озорством я погружаюсь в создание миров, вдохновленных опытом, историей, нашими предками и моей жизнью» (Нисо Атаханова).
Нисо Атаханова родилась в 1989 в Москве в семье художников Светланы и Азама Атахановых. Окончила Московскую государственную художественно-промышленную академию им С. Г. Строганова. Занимается живописью, мозаикой и инсталляцией. Работает в архитектуре как художник монументалист.
Азам Атаханов родом из Душанбе, Светлана Атаханова родилась в Киргизии, «Нисо Атаханова родилась в Москве, но унаследовала от родителей любовь к восточному миру в искусстве. Она окончила то же учебное заведение, что и родители, получив основы своих навыков на факультете монументально-декоративной живописи. Активно участвует в различных выставках и конкурсах. Она тоже много путешествует, а затем яркие и богатые впечатления трансформирует на полотнах. В волшебном саду Нисо Атахановой живут Феникс, Дневной и Ночной стражи и прекрасные птицы. В мозаике цвета переплетаются животный и растительный мир, геометрические фигуры, демонстрируя смелость и безудержный полет фантазии автора.
“Мои работы часто сравнивают с произведениями родителей, — говорит художник. — Это естественно, ведь мы — одна творческая семья, придерживаемся одних и тех же законов в живописи, любим цвет. Но в то же время мы говорим о разных темах, у каждого свой путь. Я черпаю вдохновение от ощущения счастья — от путешествий, от общения с людьми, и мне хочется это передать всем вокруг!”» (sovetskaya-adygeya.ru).
Константин Батынков. Реконструкция событий. 2007
«Константин Батынков, известный своей виртуозной живописью, тяготеющей к технике каллиграфии, — художник, чей панорамный всеохватывающий взгляд удивляет своей точностью к деталям. Эстетика его произведений отсылает к искусству Общества художников-станковистов, участники которого запечатлевали индустриализацию начала XX века. Константин Батынков, с юности увлеченный Александром Лабасом, также обращается к теме городского пейзажа. Однако пространство его работ наполняется узнаваемыми деталями: самолетами, вертолетами, дирижаблями, летающими тарелками, кораблями, подлодками – военной техникой, которую он изучал в Московском институте инженеров гражданской авиации. Эти объекты возникают в самых неожиданных местах, наполняя образ произведения фантазийной сюрреалистичностью» (Сергей Попов, popoffart.com).
Творчество Батынкова воплощает собой городскую атмосферу нового века, среду, в которой жизнь и энергия пульсируют на каждом уровне. Работы художника транслируют состояние человеческого сообщества и пространства, в котором оно существует.
Работа Батынкова абсолютно узнаваема: фирменная черно-белая палитра 2000-х и излюбленная тематика — в данном случае городской пейзаж древнего, но живого города, в котором сочетаются здания и архитектурные сооружения многих веков. На фоне современной высотки Батынков реконструирует события, отделенные от нее по меньшей мере несколькими столетиями: средневековые рыцари, конные и пешие, с мечами и пиками, штурмуют крепость, осененную полумесяцем. Мистичности происходящему добавляют исполинские полупрозрачные апокалиптические кони, а в реальность всю сцену переносит вертолет, как бы поддерживающий нападающих с воздуха, и характерная батынковская динамика всей композиции, на которой движется даже то, чему двигаться не положено: крепость и высотка вдали, лишенные статики жарким воздушным маревом. Художник создает совершенно реалистичную композицию, только в каком мире она реальна?
Эта композиция, как и многие другие батынковские вещи с его излюбленными объектами и образами, будто пришла из сна. «Своей зыбкостью, какой-то нездешностью все они напоминают творения любимцев Батынкова из числа современников — Валерия Кошлякова и Питера Дойга (Peter Doig). Декоративные картины словно проецируют какую-то отстраненную ностальгию вперемешку с чувством абсурдного» (artinvestment.ru).
Фарид Богдалов. Вам хорошо. 2016
«Я не скрою, я — постмодернист, и мое отношение к искусству, оно достаточно самокритичное, может, ироничное отчасти» (Фарид Богдалов, svoboda.org).
«Внешне с формальной точки зрения мои работы чаще всего являются неразрешимыми парадоксами. Таким образом, парадокс если и не выражает саму истину, то, во всяком случае, прозрачно намекает на ее существование и в определенном смысле указывает на истину» (Фарид Богдалов).
«Творческий метод Фарида Богдалова сформировался в конце 80-х, начале 90-х гг. Художник получил академическую подготовку на отделении живописи Суриковского института, а к проблематике современного искусства приобщился в арт-сквотах Фурманного переулка и Чистопрудного бульвара.
Собственно говоря, он был первооткрывателем художественных мастерских на Фурманном и организатором обоих сквотов. По этим легендарным московским адресам находились настоящие центры современной культуры, где происходил крайне интенсивный обмен креативной энергии и шёл неукротимый процесс формирования новых языков искусства. Именно в этот период и именно там московский художник, родом из подмосковных Луховиц, уверенно взял направление на развитие и постоянное совершенствование пластического посконцептуализма, принимающего формы то абстрактного симуляционизма, то иронического фигуративизма.
Особенный интерес у Фарида Богдалова вызывает анализ самых широких визуальных контекстов современной цивилизации и общества, которое описывается как “общество спектакля” по преимуществу… Во всей его новой серии “Сладкая сила” исходная сила образов, заимствованных из массовой визуальной культуры (рекламы, Интернета и т. п.) соревнуется с силой рефлексивного искусства, главное оружие которого — анализ, ирония и парадокс. Во внешне простодушных, исполненных, казалось бы, легкого юмора и мягкого абсурда композициях на самом деле всё не так просто и однозначно…
Захлебнется ли искусство в приторной тотальности или оно способно противопоставить кремовым образам некую незримую спасительную кислоту?» (Георгий Литичевский, bogdalov.com).
Михаил Ермолов. 12.04.1961. 2018
Известность Михаилу Ермолову принесла серия оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха», в которой представлены образы, ассоциирующиеся в массовом сознании с советским детством. Автор воспроизводит на своих полотнах атрибуты ушедшей эпохи, которые в своей ретро-стилистике напоминают выцветшие полотна, созданные в середине прошлого века.
«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).
«Это ностальгический проект о детстве, которое живет в нас до конца дней, о детстве без гаджетов, Интернета, мобильных телефонов, видеокамер, компьютерных игр и т.д., о детстве с играми во дворах — с утра и до вечера без надзора взрослых, о побегах в кино с любимыми героями, на которых так хотелось походить. А походы в цирк с клоуном Карандашом, воскресные гуляния с родителями в парках, катание на чертовом колесе, на качелях, наперегонки на великах, на картонках с ледяных горок, а деревянные кони и другие немногочисленные игрушки, часто самодельные, грубо раскрашенные, но такие любимые? Конечно, это память поколения дедов и немолодых отцов. <…> Сегодняшнее молодое поколение, напротив, будет вспоминать, как до самого совершеннолетия их за руку водили взрослые, куда, в какие страны ездили с родителями летом, как учили языки по обмену и т.д. а виртуальная реальность и реальная жизнь не разделимы, о дворовых играх в казаки-разбойники, 12 палочек, штандер и др. будут узнавать, если прочтут, из книг. Все проходит, как рассказал нам царь Соломон» (Ирина Филатова)
«Парк — памяти и культуры, и отдыха. Как бы вместе со временем в прошлое канула и культура», — пишет искусствовед Ирина Филатова. Может, и не канула, но точно стала другой. Какими будут детские воспоминания тех, кто растет сегодня, кого не научили удивляться и радоваться тому, что происходит рядом с ними? Время покажет, но пусть в этих воспоминаниях будет хоть немного настоящего — тех простых, чистых детских радостей, тех детских восторгов, какие во множестве населяют Парк Михаила Ермолова!
12 апреля 1961 года человек впервые совершил полет в космос. Художник обращается к этому событию и к образу первого космонавта. Портрет Юрия Гагарина он помещает в центр красной звезды — как абсолютную ценность.
Восторг охватил после сообщения о полете Гагарина всех, от мала до велика, и каждый мальчишка немедленно захотел стать космонавтом. В 1961-м будущему художнику было 6 лет, он мечтал о школе, а первоклашек принимали в октябрята и вручали значок — маленькую красную звездочку с детским портретом Ленина (тогда еще Володи Ульянова). О маленьком мальчике с портрета октябрятам нужно было рассказывать, соединять его в детском сознании с образом «дедушки Ленина» с памятников, названий и пр. А Гагарин стал понятен сразу — современник, первый человек, преодолевший земное притяжение, по стопам которого хотели пойти все мальчишки страны, живой символ их мечты! На небольшом холсте Михаил Ермолов словно расставляет все на свои места — правильно и понятно.
Наталия Жерновская. Пиковая дама. Из серии «Балеты Ролана Пети». 2004
«Наталья Жерновская художник известный. <…> И всякий раз, как верный последователь заветов Тимура Новикова и его Новой Академии изящных искусств (была основана в 1989 году), Наташа делает нам прививку Прекрасного.
Поначалу… это прекрасное было черно-белым. Затем начал появляться цвет… И хотя Наташа по-прежнему делает фотографии своим Nikon’ом, ее все больше и больше начинает занимать возможность изменения объективной реальности, данной нам в фотографии. Для чего она печатает снимки на акварельной бумаге разного формата. Затем ретуширует и раскрашивает пастелью и акварельными карандашами. Причем делает это в много слоев, каждый из которых покрывается лаком» (Юлия Логинова, foto-video.ru).
«Говоря более точно, рисует поверх фотографии, как живописец поверх карандашной прорисовки. Наталья может изменить цвет, контуры, добавить недостающие детали или убрать лишнее.
Жерновская работает в этой технике с 2000 года. Научилась она ей у Георгия Гурьянова» (club.foto.ru).
«Фотографии Натальи Жерновской сохранили способность говорить на лучших фотоязыках мира: на языке музейной фотографии, из старых черно-белых книг, где ракурсы взяты из канонов Микеланджело; на языке идеального тела балетных танцоров, говорящем поэзией симметрий и балансов античной живописи; на диалектах питерской школы фотографии ранних девяностых, собранных из возрождения эстетики старинных фотопроцессов — мягкости и точности всепоглощающего расфокуса, обволакивающего глаз и просачивающегося одновременно и в душу, и в сердце, и в мозг. В общем и целом фотографии Натальи Жерновской — эталон идеальных образов классической культуры некоего идеального панъевропейского города, где балерина, матросы и архитектура колонных портиков — всё является и красотой и предчувствием красоты же, во сне и наяву, как в бесконечном Шекспировском сне в летнюю ночь» (Елизавета Плавинская, историк искусства, художественный критик, куратор)
Игорь Кислицын. Синий всадник (Памяти Василия Кандинского). 1994
«Работа “Синий всадник”, написанная в 1994 году, является картиной-посвящением одному из любимых художников автора — Василию Кандинскому. Это одна из работ-посвящений значимым для художника собратьям по цеху, как правило тем, чье творчество оказывалось особенно важным на определенном этапе творческого становления, либо тем, с кем Кислицына связывала дружба и к кому он относился и относится с беспредельной любовью и уважением. К числу первых авторов принадлежат Ван Гог, Павел Филонов, Руфино Тамайо, художники итальянской метафизической школы, Жорж Руо, к числу вторых — Александр Харитонов и Анатолий Зверев (“Реквием по Анатолию Звереву” в 4 частях (2021) — последняя по времени из таких работ-посвящений).
Название работы напрямую отсылает к термину, используемому Кандинским и Марком в их издательской и выставочной деятельности.
В преддверии Первой мировой войны Василий Кандинский и Франц Марк с энтузиазмом ожидали грядущую эпоху “Великой духовности”, которая объединит все виды искусства. Символом такой универсальной духовной целостности стал «Синий Всадник» (Der Blaue Reiter), изображенный на обложке одноименного альманаха 1912 года, ставшего программным теоретическим и практическим документом, манифестом, развивавшим идею синтеза искусств как единственной правомерной формы их существовании.
“Название “Синий всадник” мы придумали за кофейным столом в саду в Зиндельдорфе, — писал Кандинский. — Мы оба любили синий, Марк — лошадей, я — всадников. И название пришло само”. Называя синий “типично небесным цветом”, Кандинский отмечал склонность синего к углублению с увеличением интенсивности, свойство пробуждать в человеке тоску по непорочному и сверхчувственному. В теории цвета Марка синий воплощает “мужское” и “аскетичное” начала. Символика синего настолько обширна и повсеместно встречается — в разные эпохи, в разных регионах земли, в различных мифопоэтических системах и священных традициях, что нет возможности говорить о ней подробно, отметим лишь, что почти всегда это цвет Бессмертия, Вечности, милосердия, совершенной силы, трансцендентной мудрости и т.п.
В европейской художественной традиции синий как цвет Царства Небесного наряду с золотом активно используется с XII века; минерал лазурит, из которого получали пигмент ляпис-лазурь, ценился наравне с тем же золотом и на Руси был известен как голубец (использовался Дионисием в росписях стен Ферапонтова монастыря, Рублёвым в иконах).
Возвращаясь к представленной работе, отметим в ней многообразие оттенков синего: ультрамариновые, церулеумные, кобальтовые, от сияющего голубого до таинственно мерцающего почти черного. Плавные линии фигур и резко очерченные контуры вызывают в памяти светоносные витражи готических соборов и капелл, а сочетание столь же разнообразных оттенков зеленого с синим заставляет вспомнить о медитациях на тему “бирюзы и изумрудов” мозаик Равенны. Собственно, эта работа и не скрывает своей генетической связи с сакральными образами европейской культуры.
Фигуративный образ и многочисленные абстрактные элементы хорошо уравновешены. Замечательна экспрессия полотна, ее задают поза юного рыцаря-крестоносца, упругая посадка, размах рук, наклон головы всадника, передающий движение вперед, энигматичная маска лица, гордо поднятая голова животного и его огромный “всеведущий” глаз.
Щит буквально вырывается из руки всадника, превратившись в осеняющее битву Светило, древний солярный знак, заключающий героя в круг смертей и возрождений; однако воин, как стрела, как вертикаль разрывает этот круг в сосредоточенности центростремительного порыва к Абсолюту. Лишь велум (лат. velum — парус), простирающийся над головой всадника, слегка сдерживает это бьющую непрерывным потоком энергию, ощутимо переливающуюся за границы полотна. В иконе велум обычно покоится концами на элементах архитектуры, здесь его поддерживают две колонны из камней-самоцветов, которые, как некая рама или кулиса, выдвигают на первый план монолитную фигуру Всадника-победителя, на лике, и шлеме, и доспехах которого еще полыхают отсветы грандиозной битвы. “Такая «рама», или граница, как бы возводит постепенно и ум и взор выше повседневной яви и глубже того, что лежит на поверхности” (Сергей Кусков).
Яростно-жаркий красный звучит как “фанфары” (Кандинский) триумфа, радостной вести о Новом Начале. Почти превращенный в знак, помещенный в симфоническое пространство цветовых аккордов, Всадник становится живописной метафорой победы восставшего: над хаосом, энтропией и мраком мира фатальной несвободы» (Вера Родина).
Андрей Криволапов. Обещал приехать. 2016
«В рельефах и скульптурных композициях из литого стекла Андрей Криволапов достиг удивительного мастерства в очень редкой технологии. Моллирование, которое он использует, — это особая авторская технология отливки из расплавленного стекла в специальных формах. Аналогичные приемы использовали, например, в Древнем Египте, до изобретения сирийцами стеклодувной трубки в I в. н. э. На рубеже XVIII — XIX веков технология была популярна в северо-восточной Франции. Моллирование позволяет Андрею Криволапову не только создавать сложные и большие скульптурные формы из стекла, но раскрывает зрителю совершенно новые грани технических возможностей этого материала. “В своих работах я стараюсь повторить и воссоздать природу стекла, добавляя в стекло окислы металлов, составляя шихту для отливов в форму”, — рассказывает мастер о своем творческом методе.
Многочастные серии Андрея Криволапова не имеют аналогов в современном художественном стеклоделии.
В композиции “Обещал приехать” (2016) прослеживается диалог со средневековой готической храмовой скульптурой. Готический спиритуализм проявляется в повышенном внимании скульптора к душевному состоянию своих персонажей, эмоциональной выразительности их образов. И зритель сочувствует им. Фигуры персонажей трактованы несколько наивно, но их позам, жестам и мимике автор уделил особое внимание. Сложная и разнородная фактура полупрозрачной скульптуры содержит потертости, имитирующие следы времени, что является характерной чертой многих произведений Криволапова. Здесь ощущается стремление автора не просто внести элемент декоративности в представленные образы, но в первую очередь придать этим героям вневременной характер и подчеркнуть, что чувства, которые они испытывают, понятны и близки каждому человеку» (Мария Беликова).
Pata. Сладкий сон. 2014
«Любовь к женской фигуре — это в первую очередь уважение и дань красоте. Ничто так не передает красоту пластики, как линия женской формы. Женская фигура вдохновляет и одухотворяет все мое творчество — скульптуру, графику и живопись, и увлечение это постоянно» (Паата Мерабишвили).
Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) — скульптор, живописец, график, одинаково свободно чувствующий себя в объеме и на плоскости, в материале, линии и цвете.
«Давно ставшие классикой художественные образы античной Греции, Амедео Модильяни, Пабло Пикассо, Жоржа Брака являются базисом, на котором строится его собственный художественный мир. Они вдохновляют автора на создание образов, полных чувственности и экспрессии, — женских фигур и портретов, композиций и коллажей. Объемно-осязательные формы, мягкая моделировка, лиричность образа, текучесть линии сменяются стилизованными фигурами, пересечением линий и объемов, декоративностью композиции. Полистилизм эпохи постмодернизма как один из методов изображения и достижения художественного целого используется художником во всех видах искусства артистично и выразительно, без потери индивидуальности, и задает направление развития его собственной творческой манеры» (Нана Шервашидзе, искусствовед).
«Изучение пластических возможностей человеческого тела, характерное для скульптуры, переносится художником и в сферу живописи и становится центральной художественной задачей. В частности, в изображении героини картины «Сладкий сон» (2014) заметно выраженное стремление акцентировать объёмы фигуры, в результате чего наблюдается «лепка» живописной формы, желание добиться максимальной осязательности образа. В отказе от натуроподобия, в упрощенной трактовке тела, подчеркивании удлиненных и непропорциональных конечностей женского персонажа обнаруживаются влияния наивного искусства в духе А. Руссо и Н. Пиросмани» (Мария Беликова).
Глубокие знания мировой художественной культуры позволяют художнику блестяще реализовать свою экспериментаторскую страсть. Паата свободно оперирует художественными стилями, придумывает новые техники работы с материалами на плоскости и в пространстве, добиваясь наибольшей выразительности собственного художественного высказывания.
Борис Смотров. Лето. 1994
«Если мы возьмем обозримое культурное пространство, которое мы сейчас знаем — от пещерного искусства до нашего времени, то на протяжении всего этого развития существуют две ясно различимые линии: есть дневные художники и есть ночные художники.
И под дневными художниками надо понимать радость свету, солнцу, жизни. А противоположная сторона — это всякие ритуалы, мистика, это гробы, потусторонность… Так вот эти две линии — они существуют от пещер до сегодняшнего дня. И вот этот мой всплеск — это один из тех всплесков той мощной жизнеутверждающей силы, которая заложена в нас от самого начала.
… Мои поиски — это может быть некий антитренд сейчас, ведь сегодняшняя культура развернута в сторону крематория и разрушения. Мне хотят внушить что чёрное — это белое, но я, извините, ведь могу еще различить, что белое и что чёрное.
Поэтому в моих работах задействован весь здоровый пласт, начиная с крестьянского примитивного искусства, обязательно иконопись. Потом авангард. И реализм прошлого и настоящего, лучшие образцы — Венецианов, Абрам Архипов, Борис Кустодиев …
Понимаете, живопись ведь познается не то, как мы махнем кистью, а как мы к ней вернемся, то есть живописью надо жить. В моём понятии живопись — это не какой-то акт, не какой-то перформанс, а та часть какого-то пространства, зафиксированного на плоскости, которое вы можете допустить к себе и жить с ним долго. Надеюсь, что моя живопись — продолжительное звучание. Я стараюсь делать так, чтобы кистью больше негде было ткнуть, стараюсь делать классику, выдавить из себя всё до предела» (Борис Смотров, cultobzor.ru).
Холст «Лето» (1994) Бориса Петровича Смотрова написан в узнаваемой авторской «лоскутной» манере. Эта работа воспроизведена на обложке авторского каталога.
«Борис Смотров любит упрощенную, как в традиционной культуре, форму, пластикой которой он легко владеет, локальные цвета и их сочетания, завораживающие своей открытостью.
Удивительно, что в изобразительных высказываниях этого мастера начала XXI века сохраняется чистота и непосредственность, незамутненная холодными постмодернистскими изысками и искусами, ироничным цитированием, свойственным большинству его современников.
И все же его живопись и есть порождение постмодернизма, поскольку в ней переплавились и слились воедино многие явления искусства разных времен, которые художник умело апроприировал, сделав их частью своего пластического метода» (cultobzor.ru).
За последний год прошли две крупные персональные выставки художника — в петербургском музее «Эрарта» и в музейно-выставочном комплексе «Новый Иерусалим», в подмосковной Истре, а AI открыл рассказом о нем рубрику «Новые имена».
Сергей Смуров. Русская элегия. 2004
«С детства я погружен в стихию скульптуры, работы с материалом. Никогда не оставался равнодушным к творчеству лучших европейских мастеров, изучал и подробно его анализировал. В то же время себя причисляю к отечественной школе скульптуры, к линии Александра Терентьевича Матвеева, здесь прямая преемственность от его учеников — моих учителей.
Я очень люблю русскую природу, сдержанную, скромную, Русский Север, тем более что и корни мои там тоже, один из дедов был из Вологды. Работая с деревом, я всегда помню деревянную архитектуру, все эти расписанные прялки, бытовую утварь, игрушки, сундуки, все это живет во мне, питает, переливается через край и наполняет мои работы.
Кроме того, обязательно нужно вспомнить и Пермскую деревянную скульптуру, особую традицию, связанную с церковными скульптурными композициями, — Спас полунощный, Никола с мечом и градом и др.
Для меня главным в скульптуре является архитектоническая конструкция человеческого тела. Скульптура напрямую происходит от формы человеческого тела, будь то кикладский идол, архаический курос или модернистский тотем. Я всегда стремлюсь к обобщению и абстрагированию, метафоричности, монументальности образа. Для меня важен лаконизм формы и отсутствие литературности, хотя иногда я и привношу элемент некоторой иронии и игры с социальным подтекстом. Я также часто ввожу цвет, который неожиданно организует ритм всей композиции и придает формам гармоническое равновесие. Меня всегда приводит в восторг, когда небольшой пластический объект, будучи поставленным в траву, при определенном ракурсе взгляда выглядит грандиозной монументальной скульптурой. Глаз и ум художника не забывают ничего. Древняя Греция, этрусская бронза, романское искусство — все подспудно живет и питает нас, незаметно, ненавязчиво, но неизбывно» (Сергей Смуров).
«Языком скульптуры и ее сущностью Смуров считает форму, пространство и пластику. Всегда стремится к обобщению и абстрагированию, метафоричности, монументальности образа. Для него важен лаконизм формы и отсутствие литературности, хотя иногда он и привносит элемент некоторой иронии и игры с социальным подтекстом. В то же время Смуров всегда подчеркивает, что для него искусство аполитично, индивидуально и не сиюминутно.
Скульптор часто вводит цвет, который неожиданно организует ритм всей композиции и придает формам гармоническое равновесие. Это особенно проявляется в его работах с деревом, которое он любит за его особую теплую энергетику. Будучи постоянным участником Международных скульптурных симпозиумов по камню на открытом воздухе, скульптор охотно работает с камнем. «За камнем нужно идти, — говорит художник. — Эскиз — одно, а камень часто дает совсем другое». Монументальные скульптуры Смурова украшают московские улицы и парки: Осенний бульвар, бульвар Дмитрия Донского, Музеон и др.; он же создал надгробие поэту Арсению Тарковскому.
Полностью отвергая всякого рода журналистику и публицистику в скульптуре, т. н. «злободневность» тем, он всегда стремится найти точный пластический образ той или иной идеи. Интересен его монументальный проект (общая высота композиции 5 метров) «Памяти погибших журналистов» — стилизованное стальное перо, переходящее в крылатую падающую раненую Музу. Образ крылатой Музы — ключевой в творчестве художника» (Вера Родина, artinvestment.ru).
Желаем удачи на 130-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220822_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220822_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
