Открыт 103-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   14 февраля 2022

В каталоге — произведения Константина Батынкова, Дмитрия Воронина, Михаила Дронова, Михаила Ермолова, Николая Жатова, Александра Захарова, САН САН КА РА, Игоря Кислицына, Александра Косолапова, Сергея Максютина, Бориса Марковникова, Андрея Медведева, Андрея Орлова

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 417 и 103-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 103-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 13 лотов — семь живописных произведений, две скульптуры, две работы в смешанной технике, один лист печатной графики и один коллаж.

Константин Батынков. Ливень. Москва. 2013

Константин Батынков, известный своей виртуозной живописью, тяготеющей к технике каллиграфии, —  художник, чей панорамный всеохватывающий взгляд удивляет своей точностью к деталям. Эстетика его произведений отсылает к искусству «Общества художников-станковистов», участники которого запечатлевали индустриализацию начала XX века. Константин Батынков, с юности увлеченный Александром Лабасом, также обращается к теме городского пейзажа. Однако пространство его работ наполняется узнаваемыми деталями: самолетами, вертолетами, дирижаблями, летающими тарелками, кораблями, подлодками – военной техникой, которую он изучал в Московском институте инженеров гражданской авиации. Эти объекты возникают в самых неожиданных местах, наполняя образ произведения фантазийной сюрреалистичностью (Сергей Попов, popoffart.com).

Работы Константина Батынкова всегда плотно наполнены движением, лишены статики. Поэтому московские ливни — тема для художника неисчерпаемая. Дождь раскачивает небо направо-налево… Вода стеной низвергается на город, заливает ветровые стекла машин, пешеходы с обычного московского быстрого шага переходят на бег с прыжками через лужи и потоки воды, несущиеся по тротуарам и мостовым, неуклюже уворачиваются от фонтанов брызг, взметающихся из-под колес не очень вежливых автомобилей. Ливень хоть немного, но смывает с улиц и домов пыль и копоть, и под струями дождя город меняет цвет — незаметно, но непрерывно. Серый, лиловый, желтый, а то вдруг на секунду тучи разойдутся, и солнечный луч рассыплется на чистых мокрых стеклах. А после ливня — радуга, и бегущие притормаживают, чтобы посмотреть на небо: радуга — к счастью.

«Дождевые» акрилы Константина Батынкова — черно-белые и цветные. Художник пишет мокрую Москву с радостью и увлеченно — это очень чувствуется в работах.

Дмитрий Воронин. Рыба. 2012

Дмитрий Борисович Воронин — художник-анималист, работающий в графике и станковой скульптуре, член Союза художников России, почётный член-корреспондент Международной академии культуры и искусства. Известен прежде всего как мастер деревянной скульптуры, виртуозно работающий в таких сложных техниках, как маркетри и инкрустация, поверхность его работ отличается богатой орнаментикой, игрой фактур и декоративностью. Создает лаконичные бронзовые композиции.

Телеинтервью скульптора Дмитрия Воронина
Источник: youtube.com

«В конце 90-х годов, монтируя одну из скульптурных выставок, неожиданно увидел необычную работу. Спрашиваю: кто автор? Подходит скромный, худенький молодой человек… Это был Дима Воронин, а работа называлась “Рыба”.

С тех пор встреча с каждым произведением Димы вызывает у меня удивление и восхищение.

По мастерству обращения с материалом ему нет равных, разве только скульптор Кирилл Александров.

К своим открытиям в скульптуре Дима прошел и через классическую школу Строгановки, и через реставрацию, и через работу гл. художником фрезерного завода. В разное время его учителями были такие большие скульпторы, как Лев Михайлов, Александр Белашов, Александр Бурганов. Но сильнее всего, по мнению самого автора, на него <повлияло> творчество Андрея Марца. Гротескность образа, предельная лаконичность стали основными приемами и в творчестве скульптора Дмитрия Воронина.

В своих произведениях Дима как бы балансирует на грани. Отказ от традиционной пластики, идеализация формы, предельная выявленность материала легко могут увести в холодный дизайн и потерю внутренней теплоты содержания. Не случайно автор иногда возвращается к традиционной пластике — “Кот”.

Очевидна безразмерность многих произведений Димы, они могут быть воплощены и в более крупных размерах.

Почему животные? У Димы с детства были животные, он любил их и наблюдал за ними. Думаю, что внутреннее восхищение божественным творчеством — неисчерпаемость форм и конструкций — подлинный фундамент творчества скульптора Дмитрия Воронина» (22 апреля 2014, скульптор Борис Чёрствый).

Михаил Дронов. Регбист. 2009

Михаил Дронов — один из ведущих отечественных скульпторов. Художник отточенной формы принадлежит к поколению «восьмидесятников», чьи творческие пути определялись временем и осознанием себя частью этого времени. Он создает свой художественный мир, причудливый и многообразный, основанный на взаимосвязи реальности, фантазий и гротеска. Скульптор — экспериментатор, и дух его поисков всегда интересен. С легкостью объединяя реалистически-иллюзорную лепку с обобщенными формами, скульптор создает станковую работу, многофигурную композицию или натюрморт, где образный мир произведений подчинен исключительно свободе мироощущения и самовыражения (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

Михаил Дронов — яркий представитель поколения художников, которые родились в годы «оттепели», сформировались в 1970-х и вступили в творческую жизнь в 1980-х. Он принадлежит к группе мастеров, широко образованных, прошедших серьезную классическую школу и внутренне свободных. Узнаваемый, яркий художественный язык Дронова строится на высочайшем профессионализме. Это позволяет ему сочетать классическую традицию с пластическими новациями.

Достигая минимальными средствами максимального эффекта, он создает фантастический, насыщенный аллегориями и символами, мир. Его остроумная образность включает и повествовательное начало — оно прочитывается не в многословной детализации формы, а через внутреннее состояние причудливых персонажей.

Монументальные произведения автора установлены в нескольких городах. На площади Рембрандта в Амстердаме — скульптурная группа «Ночной дозор». М. Дронов выполнил ее совместно с А. Таратыновым по мотивам знаменитого полотна. Жителям Москвы знакома композиция Дронова «Александр и Натали» перед храмом «Большое Вознесение» у Никитских ворот, где венчался Пушкин с Гончаровой, и изображения благоверного князя Гавриила Псковского и преподобного Варлаама Хутынского на оконной арке южного фасада храма Христа Спасителя. Еще две монументальные работы скульптора представлены в Петербурге: «Пётр I» в аэропорту Пулково и «Святой Пётр» в Александровском парке (museum.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Михаил Дронов».

Михаил Ермолов. Высотка. 2019

Михаил Ермолов — автор серии оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха».

«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).

«Это ностальгический проект о детстве, которое живет в нас до конца дней, о детстве без гаджетов, Интернета, мобильных телефонов, видеокамер, компьютерных игр и т.д., о детстве с играми во дворах — с утра и до вечера без надзора взрослых, о побегах в кино с любимыми героями, на которых так хотелось походить. А походы в цирк с клоуном Карандашом, воскресные гуляния с родителями в парках, катание на чертовом колесе, на качелях, наперегонки на великах, на картонках с ледяных горок, а деревянные кони и другие немногочисленные игрушки, часто самодельные, грубо раскрашенные, но такие любимые? Конечно, это память поколения дедов и немолодых отцов. <…> Сегодняшнее молодое поколение, напротив, будет вспоминать, как до самого совершеннолетия их за руку водили взрослые, куда, в какие страны ездили с родителями летом, как учили языки по обмену и т.д. а виртуальная реальность и реальная жизнь не разделимы, о дворовых играх в казаки-разбойники, 12 палочек, штандер и др. будут узнавать, если прочтут, из книг. Все проходит, как рассказал нам царь Соломон» (Ирина Филатова).

«Высотка» (2019) — тоже стоит где-то в этом парке. Там же летит «Самолет» (2017), несется «Паровоз» (2019)… Все они как будто проявляются из дымки времени: самолет вырывается из клубящихся туч в чистое небо к солнцу, паровоз мчится на всех парах. Высотка, изменившая свои реальные очертания, представляется неким волшебным замком или крепостью, окруженной садом. Этакая советская Фата-Моргана, увиденная восторженным взглядом мальчишки, — куда там Хогвартсу!

«Парк — памяти и культуры, и отдыха. Как бы вместе со временем в прошлое канула и культура», — пишет искусствовед Ирина Филатова. Может, и не канула, но точно стала другой. Какими будут детские воспоминания тех, кто растет сегодня? Время покажет, но пусть в них будет хоть немного тех простых, чистых детских радостей, тех детских восторгов, какие во множестве населяют Парк Михаила Ермолова!

Николай Жатов. Начало дня. 2020

Композиция «Начало дня» (2020) кисти Николая Владимировича Жатова пронизана первыми солнечными лучами. Они перепрыгивают с одной линии на другую, скользят по вертикалям и горизонталям, бегут по параболам и полуокружностям, развлекаются, без конца перекрашивая своими прикосновениями детали конструкции, и от этого вся композиция обретает легкость и динамику.

Николай Жатов живет в Орле с 1985 года. Уроженец села Пески Воронежской области (31 января 1954), он окончил Саратовское художественное училище (1979) и Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина Академии художеств СССР (1985). Участвовать в выставках начал в 1983-м. Член ВТОО «Союз художников России» (1991). Преподавал в Орловском художественном училище (1985–2000). Художник пишет преимущественно портреты и пейзажи (orel-sh.ru, vrnguide.ru).

Александр Захаров. Вечер. № 694. 2012

Выразительный женский образ создан кистью Александра Геннадьевича Захарова, автора холста «Вечер. № 694» (2012).

Яркая, но при этом лаконичная цветовая гамма, неоднородная фактурная поверхность, проработанная кистью, мастихином, процарапыванием, помогают художнику создать, скорее, собирательный образ, чем портрет конкретного человека. Образы Захарова — это «не люди, не определенные люди, не определенные личности, — говорит художник о своих работах, — я не пишу портреты».

Захаров пишет женщину, лишенную женственности, осталось только то, что имеет значение для ее профессии. Яркий свет лампы освещает столик с пустой бутылкой и лежащим на боку стаканом. Обычно Захаров скрывает лица своих героинь, отворачивая их даже не в профиль, а в три четверти, или помещая в глубокую тень, или даже закрывая русалочьей чешуей. Здесь все проще и драматичнее: лицо есть, но его нет, нет верхней части фигуры, лишь намек на корсет, нет рук. Только обнаженное бедро женщины на равных контрастирует с резким светом лампы.

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Геннадьевич Захаров».

Сан Сан Ка Ра. Игра. 1999‒2009

Сан Сан Ка Ра (Александр Карасёв) — приверженец геометрической абстракции, с помощью которой он следует, по собственному выражению, «универсальному принципу познания человеком себя и Вселенной». Создавая композиции из разнообразных фигур, окрашенных локальным цветом, он исследует ритмику и колористические соотношения этих образов-символов, олицетворяющих для автора некие первоосновы всего сущего.

По словам художника, сама идея геометрического изображения-познания окончательно сформировалась у него, прежде работавшего преимущественно в реалистической манере, после посещения в мае — июне 1993 года озера Байкал, уникальная арена которого не раз превращалась на его глазах в атмосферные мистерии.

Так, однажды, работая над пейзажем на прибережном склоне близ мыса Шаманка, Сан Сан увидел прямо перед собой два очень длинных параллельных облака, а потом слева появились еще два точно таких же облака. Удивлению и радости не было предела. Как такое может быть?! Невероятно! И каково же было его изумление и восторг, когда они неожиданно сошлись прямо над ним, выстроившись в ровный многокилометровый крест. Художник завороженно смотрел на чудо, теряя весомость собственного тела, не ощущая тверди под ногами, полностью сливаясь с крестовой феерией облаков. Все исчезло. Что-то из его тела втянулось в крест и, тотчас вернувшись, пронзило острым хладом с головы до пят. На закатном небе облака медленно расходились, унося с собой какую-то часть художника взамен своей, оставленной в нем.

Это случай не заслуживал бы столь пристального внимания, не имей он своего 17-летнего продолжения.

Во-первых, Сан Сан перестал писать пейзажи, как только вернулся с Байкала. То, чему он хотел себя посвятить, перестало существовать. Во-вторых, произошли радикальные перемены в его взглядах на изобразительное искусство. Если раньше он искал закономерности сцепления цвета и формы в буйстве красочных конфигураций закатов и рассветов для отображения их в пейзажах, то теперь он заключил эту полифонию и закономерности в смысловую вязь геометрических фигур для создания художественного антропокосмического изображения-познания.

Сегодня творчество Сан Сана пронизано потоком смысловых структур знаков и символов, которые духовно соприкасаются с древними учениями об универсальных принципах познания человеком самого себя и космоса (artinvestment.ru).

Творческая модель Александра Карасёва обладает матричной природой. Она способна создавать программы образных систем, содержащих в себе геометрические элементы, преобразованные в органические конструкции и структуры. Динамичная геометрия художника, энергетически связанная в кванты, в блоки, в «каскады», как говорит сам автор, превращает живописную материю в сложную «текстовую» ткань, представляя ее как сообщение, зашифрованную информацию. Вибрирующие формы, соединяющие горизонтальные и вертикальные координаты, позволяют выявить и обозначить новую художественную реальность, буквально тактильно определить ее контуры. Рожденные образы фактически обнаруживают возможность равновесия в многообразии неравновесных состояний (Виталий Пацюков, 2021).

Игорь Кислицын. Полет II (Птица, несущая рыбу). 1997

Народные корни искусства и сегодня влекут всех профессионалов, да не все из них могут подняться выше простой аранжировки или стилизации. Игорь Кислицын сумел уверенно претворить, «перекодировать» в новое качество типовую структуру древних композиций. Постепенно ему раскрылся весь глубинный образный «орнамент» архетипа: роль силовых линий и узлов, ритмических пауз и акцентов, «вечное» поступательное или круговое движение, здоровая гармония рисунка и цвета, знаковость и символика фигур (Лев Дьяконицын, nasledie-rus.ru).

В своем творчестве Игорь Кислицын часто обращается к сакральным художественным традициям былых эпох: к древнерусской и византийской иконописи, романской фреске, готическому витражу и т. п. Уверенно поднимаясь над любой имитацией канона, художник погружается в исследование многомерных пластических кодов древних образов. Движение от поверхности в глубину, к обретению внутренней художественной формы идет не без активной интерпретации уроков русского классического авангарда (Вера Родина, искусствовед, artinvestment.ru).

Работа «Птица, несущая рыбу» принадлежит к серии «Полёт», созданной художником в конце 1990-х годов.

В этом образе запечатлён весь динамизм полёта, преображающего земное существо, издревле мечтающее о воздушной стихии, о свободном пребывании в ней. Эта Птица не знает гнезда как места, где жизнь лишь подготавливается, концентрируется и трансформируется, чтобы обрести полноценность и автономность. Она сама — Жизнь, Бытие, его сердцевина, преодолевшая диалектику центра и горизонта, ибо нет в ней становления, скольжения, развертывания в реальной среде и линейном времени. Она сама — вечный полёт, измерение свободы, победа легкости над «духом тяжести» (Ницше), сам воздух, сам эфир, само небо.

Речь, разумеется, идёт не о конкретном пернатом, точно или не очень изображенном на полотне, а о воплощаемых художником в этом убедительном и законченном образе многослойных интуициях свободы, воли, преодоления, цели и т.п.

Подобно молнии, раскалывающей небосвод, живописный образ мощно вторгается в наше сознание. Волей художника превращённая в знак, как чистая абстракция движения, как динамическая схема чистого полёта, эта птица делает нас кинематически сопричастными пространству, не знающему насилия гравитации и власти унылого земного притяжения.

Эта птица, как сказал бы Ницше, уже знает формулу своего счастья: «Да, Нет, прямая линия, цель...» («Сумерки идолов»). Лишь небольшое «оконце» с красным перекрестием в правом верхнем углу полотна, окрашенное в глубокие умбристо-охристо-багряные цвета «земной» стихии, данной в нижнем регистре картины, напоминает, откуда надо вырваться для обретения невесомой жизни в царстве «легкости», в горних высях духа (ибо Птица — это ещё и всегдашний символ духа).

Работа написана мастихином, пастозно, с широким дыханием. Бело-золотистая поверхность «воздушной стихии» заставляет вспомнить о разреженном воздухе горных высот, тонизирующем, бодрящем, просветляющем сознание.

Сама птица подобна витражному окну средневековой капеллы или причудливо складывающимся в «танцующую звезду» граням магического кристалла (Вера Родина, искусствовед).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Игорь Кислицын».

Александр Косолапов. Caviar (Red). 1990

Александр Семёнович Косолапов родился в Москве, окончил «Строгановку» по специальности «монументальная скульптура» в начале семидесятых. Но советский монументализм его не захватил, и художник начал работать в стилистике поп-арта, который был переименован в соц-арт Виталием Комаром и Александром Меламидом. Как вспоминает сам Косолапов: «Они присвоили себе объекты идеологии и поставили под этим свою подпись… и создали формулу соц-арта». Художники ухватили главное: отсутствие в Советском Союзе западной культуры консюмеризма с лихвой перекрывалось избытком идеологических продуктов на телевидении, в прессе, на улице. Очевидное сходство между западной потребительской рекламой и советским плакатом легло в основу многих известных работ Косолапова, которые считываются как билборды. «Имиджи» масс-культуры и язык плаката воспринимаются моментально на уровне подсознания (Игорь Цуканов, sotsart.com).

Мое ноу-хау заключается в создании драматургии и конфликта. Я объединяю образы из разных культурных полей (кодов) — Малевич и Marlboro, Ленин и Микки-Маус, авангард и реклама, коммунизм и капитализм, икона и икра и так далее. Сегодня я вижу пространство искусства не как музей или галерею, а как хайвей, по которому зритель едет с бешеной скоростью, а за окном проносятся билборды, которые борются друг с другом за право привлечь его внимание. Конкуренция очень высока. Времени на восприятие мало, поэтому моя работа должна не только быть понятной, но и по возможности уйти в подсознание, а затем выплыть как новый сигнал. Значимость моих работ заключается в следующем: мне звонят из Гонконга и предлагают делать магнитные стикеры «Ленин Coca-Cola», а футболки с надписью McLenin’s десятилетиями продавались на Арбате и во всем восточноевропейском пространстве, став символом «перестройки». В моем представлении великий композитор — это не Бетховен (он сложен), а тот, кто сочинил «Чижик-пыжик», который прост и доступен миллионам. Это продукт не только массовой культуры, но и массового сознания. Месседж должен быть предельно простым. Такой же стратегии, к примеру, придерживается и Бэнкси, но он появился позже меня. Меня не интересует, кого — по Кабакову — «возьмут в будущее». Искусство — это то, что здесь и сейчас (Александр Косолапов, sotsart.com).

Сергей Максютин. Тунец. Диптих. 2021

Сергей Владимирович Максютин (1956) — живописец, график, архитектор, педагог.

Средствами живописи Максютин исследует первоэлементы природы. Он говорит о себе: «Я — художник первоматерии». Автора традиционно привлекают взаимодействия Земли, Воды и Неба, понимаемые им в онтологическом смысле как некие первоэлементы Бытия.

«Поймать смысл воды, ее суть — это очень интересная задача для меня. Изменчивость, вибрация, бесконечность ритмических и иррациональных явлений — какой простор и свобода....

Вода — это другое прочтение пространства, другое измерение времени... другое состояние. Имеет единовременно много измерений и пространств. 

Поверхность — реагирует на свет и цвет неба, окружающий лес, облака. Отражается целый мир, но в другом вибрирующем пространстве. 

Другой слой — дно. Это песок, водоросли, рыбы, камни, затонувшие ветки... Другой мир, другая жизнь.

Течение воды, как и течение времени, меняется и остаётся постоянным.

Но вряд ли это решаемая задача... и это ещё интересней…

Я пишу долго, очень долго. Тугодум. Я хочу, чтобы мои работы с каждым новым взглядом на них вскрывали новые слои восприятия, не были однозначными. Поэтому я накладываю новые впечатления слой за слоем. Цветовая и чувственная природа должна выражаться даже на небольших участках холста, который нередко можно рассматривать как полную эмоций абстракцию... мне бы этого хотелось. Не знаю, получается ли...» (Сергей Максютин).

Диптих «Тунец» (2021) — монументальное изображение рыбы, занимающее две части полотна. Этот образ тесно связан с программным интересом Максютина к водному пространству, которое он философски и художественно осмысляет во многих своих работах.

Основное внимание Максютин сосредотачивает на живописной поверхности, которая на его холстах обнажает все следы творческого процесса: «…подчас сама поверхность живописи может восприниматься абстрактно, самодостаточно определяя чувственную ткань произведения». Художник с одинаковым вниманием прорабатывает кистью и мастихином как само изображение, так и абстрактный фон.

Максютин пишет рыбу непосредственно в ее родной стихии, свет, рассеивающийся в воде, создает эффект размывания контуров тунца.

Диптих отличает свободная манера письма: широкие динамичные и разнонаправленные мазки накладываются по всей поверхности холста, а многочисленные потеки и царапины усиливают осязательность образа. Разнообразная неоднородная фактура произведения несет в себе отдельную эстетическую ценность, поскольку может служить объектом для созерцания и внимательного изучения (Мария Беликова).

Борис Марковников. Ритмическая композиция. 2007

... Надо остановиться и вспомнить о художественной молитве.

Все мысли, страхи, предчувствия, гнев, сексуальность, все «хочу», «могу», «дайте», «возьмите» всплывают, становятся более явными, выстраиваются в комбинации. Иногда соотношения бывают парадоксальными. Иногда из глубины появляется нечто, что вызывает очень сильное потрясение и — переживание. Настолько сильное, что невозможно не попробовать воссоздать его в материале.

Погрузись со мной в переживание, и ты будешь моим другом.

Сопереживай мне!

Чем сильнее переживание, тем лучше оно связано, с одной стороны, с первичным импульсом, а с другой — с путем, по которому зритель распознает это переживание, проходя через множество трудностей, подобно тому, как рыба-самка мечет намного больше икринок, чем в состоянии оплодотворить самец, а мальков появляется и того меньше.

Для меня «переживание» не только чувственная категория, вместе с ним приходит знание... (Борис Марковников, 1997 год, markovnikov.ru).

Мои нефигуративные работы — это закодированные поля, несущие в себе информацию: цветовую, ритмическую, пространственную, температурную и даже музыкальную (Борис Марковников).

В опытах живописи Борис Марковников отталкивается от интернациональной традиции минимализма и оптического искусства, но увязывает ее с национальными корнями — религиозно-философским содержанием, — принципиально двигаясь тем самым вразрез со всеми актуальными трендами (Сергей Попов, kandinsky-prize.ru).

Исследование пространства, света и цвета, природы материала у Марковникова имеет глубоко личностный характер: работа художника становится в подлинном смысле трудом — напряженным духовным переживанием, направленным на переосмысление архетипов человеческого и сверхчеловеческого божественного начала, переплетение индивидуального и общего опыта. Непростота этого проекта имеет принципиальный характер, в том числе на уровне техники: метода процарапывания, к которому часто обращается художник (Никита Махов).

Андрей Медведев. Эмигрантка. 2019

Авторские надписи на оборотах картин Андрея Викторовича Медведева не раз озадачивали нас. Вот и с этой картиной мы гадали, как художник назвал свою работу: «Эмигрантка» или «Иммигрантка». Хотя разницы никакой, все дело в том, с какой стороны границы смотреть. Как бы то ни было, но в «живописную гофманиаду», как называет автор созданный им мир, населенный странными персонажами, вторгается реальность.

По улице портового города в поисках клиентов бродит молодая женщина с котенком на поводке. Ее фигура с нарушенными пропорциями отсылает зрителя к дему медведевских кукол (самых живых и одухотворенных его персонажей), однако лицо героини с огромными грустными и одновременно встревоженными глазами совсем не похоже на «кукольные» лица, словно сошедшие со старинных портретов. Горошки на юбке, бантик, котенок, роза в руках матроса, кружева — весь этот антураж резко контрастирует со взглядом героини и призывает зрителя к сочувствию его обладательнице. А авторское название окрашивает всю сцену грустной иронией и недвусмысленно отвечает на первый из двух извечных русских вопросов.

«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).

Андрей Орлов. Оранжевая ню. 2021

Андрей Павлович Орлов — пейзажист, портретист, мастер натюрморта, абстракционист. Родился в 1979 в Ялте. В 2002 окончил Крымское художественное училище им. Н. С. Самокиша. Живет и работает в Ялте.

В ряду современных крымских живописцев имя Андрея Орлова прежде всего будет названо при разговоре о картине, которая определяется сутью осознания мира через цвет, а не исчерпывается названием темы или узнаваемостью сюжета, задушевностью мотива или поразительностью эффектов, вычурностью манеры или провокационностью формы.

Образный строй его произведений балансирует между декоративной энергичностью дерзкой конфронтации самодостаточных красок и изящной игрой богатой палитры оттенков. Живописный инструментарий замыкается в широком диапазоне выразительных средств от истоков колористических открытий нидерландских старых мастеров, обогащенных французскими постимпрессионистами до узаконенности американцами самоценности цвета в абстрактной картине. Марк Ротко, Кес ван Донген, Хаим Сутин, Пьер Боннар, Анри Матисс — в высшей степени обуздавшие краску — становятся для Орлова камертоном звучания цвета. Его живопись свободна от балласта символизма и концептуализма, в ней чистота неповторимого образа порождается органичной сложностью четко определенных взаимоотношений цвета на плоскости холста. Прохлада кобальта, ультрамарина или бирюзы не гасит, необузданно испаряясь, раскаленность кадмия, кармина или краплака, а утоляет пыл особого рода эстетической жажды. Самозабвенное размышление художника о колористической структуре явленной натуры, имя которому — сама картина, погружает истинного ценителя, тонких индивидуальных состояний в полнокровную жизнь цвета (Павел Хлебовский, искусствовед, ot-ido.art).

Желаем удачи на 103-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI