Открыт 84-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   20 сентября 2021

В каталоге собраны произведения Семёна Агроскина, Азама Атаханова, Юрия Бабича, Константина Батынкова, Анатолия Горяинова, Ильи Комова, Виктора Крапошина, Андрея Криволапова, Pata (Пааты Мерабишвили), Романа Рахматулина, Кати Филипповой, Николая Фурсова, Дмитрия Шорина, Татьяны Ян

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 398 и 84-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 84-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 16 лотов — десять живописных произведений, один лист печатной графики, три работы в смешанной технике, одна скульптура и одна работа в технике авторской фотопечати

Семён Агроскин. Коньки, ботинки лыжные. Из серии «Распаковка». 2019

«Мы знаем, какие радости и страдания заключены в арке ворот, в каком-нибудь уголке улицы, между стен комнаты или в пространстве ящика», — писал де Кирико.

Это «пространство ящика», его содержимое, вещи, снятые с антресоли или вынутые из старых чемоданов... Коробки ждут переезда или смены содержимого или окажутся на помойке в ближайшее время.

Лишенные реального цвета предметы, вынутые автором из воображаемых коробок и чемоданов, «разговаривают» друг с другом. Автор предоставляет зрителям возможность вспомнить свои «кладовки и антресоли».

Ассоциативный ряд появляется у каждого свой, в чем-то биографический. Некоторые предметы не вполне понятного или забытого назначения соседствуют с обычными предметами обихода и отдыха. Оболочка предметов отсылает к событиям жизни, дачного детства, походам и увлечениям юности зрителя. Вещи в роли свидетелей сами рассказывают о нас (Семён Агроскин, cultobzor.ru).

Старые термосы, чемоданы, коньки, документы близких — все это возвращает обладателя «упакованных» к встречам, разговорам, смеху за кухонным столом, прикосновению рук на катке, мягким и любящим взглядам уже ушедших близких. Это не просто предметы, интересные своей «пожитостью» и фактурой, старым дизайном или забытым предназначением, — это прежде всего мы сами, память поколений.

Взгляд в себя, обнажение своих чувств, «распаковка» эмоций. Это серьёзное, но позитивное переживание, которое художник дарит своим зрителям, разговаривая с нами визуальным языком со сдержанной колористической палитрой, трепетно и бережно обнажая нашу индивидуальность (artmoskovia.ru).

Азам Атаханов. Пора в Бухару! 2015

Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атаханов, kommersant.ru).

Сам Атаханов, когда говорит о своих духовных учителях, называет мастеров Проторенессанса Дуччо и Джотто, Фра Анджелико и Беноццо Гоццоли, художников высокого Возрождения Мантенью и Тинторетто. От них монументальность его живописных полотен (Дмитрий Буткевичkommersant.ru).

Творчество Азама Разиюллоевича Атаханова формируется на стыке восточного и западноевропейского искусства. Присущие восточной живописи экспрессия и насыщенность цветового решения гармонируют с композиционным и образным строем западной изобразительной традиции. Так, восточные сюжеты воплощаются в художественной манере, напоминающей искусство модернизма: порой она уходит в пуантилизм, а иногда цитирует приемы фовистов и примитивистов.

Работам Атаханова свойственна намеренная аппликативность, которой художник достигает при помощи четкого линейного контура и локальных цветовых пятен, и декоративность, проявляющаяся в плоскостном изображении и детализации. Художник не ограничивает свои творческие эксперименты одним жанром и пробует свои силы в пейзаже, портрете, натюрмортах, бытовых сюжетах. Полихромная, насыщенная живопись Атаханова изображает чарующий мир Востока и отражает его богатые культурные традиции (artinvestment.ru).

Источником вдохновения мастер называет красоту природы и человека в ней; всё то, что созидается человеком: произведения искусства и архитектуры, поэзия, сады и селения, жилища и предметы народного творчества, и конечно, музыка. Искусство для Азама Атаханова — это созидание благого, истинного, атрибутом которого является прекрасное. «Чем музыка отличается от шума, живопись от раскрашенной плоскости, литература от должностной инструкции? Лишь красотой. Только истинная красота придаёт искусству смысл. Постичь и передать её — единственная подлинная задача художника» (artmoskovia.ru).

Юрий Бабич. Кармапа. 2017

Мой метод был создан для производства фотографического изображения, обладающего станковым характером. В результате получаются произведения эксклюзивного музейного качества, воссоздающие пластику дагеротипного изображения, которое, как казалось ранее, осталось в истории фотографии середины XIX века (Юрий Бабич).

Эксперименты по созданию новых методов печати фотографических изображений были начаты Юрием Бабичем ещё в 1996 году. От первых опытов до уникальной авторской технологии, позволяющей получить высококачественное дагероскопическое изображение, в полной мере воссоздающее пластику старинных дагерротипов, прошло почти 12 лет.

С технической точки зрения дагероскоп — это многослойное изображение, полученное путём последовательного спекания образующих его слоёв. Основой дагероскопического изображения служит подложка из драгоценных металлов, на которую с помощью самых современных технологий, таких как технология масштабируемой печати, нанесено фотографическое изображение, покрытое ламинатом или нейтральными в химическом отношении лаками. Благодаря многослойной основе дагероскопа изображение меняет свои свойства в зависимости от ракурса, условий освещения и наличия микро-разрывов на золотых или серебряных слоях, наносимых поверх металлического листа перед переносом на него самого изображения. С этим связан и принципиальный отказ автора от репродуцирования его работ, которые теряют при плоскостном воспроизведении большую часть своих художественных качеств.

Каждую неделю в аукционном обзоре мы пишем, что аутентично передать произведение искусства ни одно устройство не может, ибо между произведением и зрителем стоят фотоаппарат и экран. Личное восприятие не заменит никакая техника, ибо каждый человек видит картину и чувствует ее ауру по-своему. Работы Юрия Бабича видеть лично необходимо — это главное условие их правильного восприятия.

Читайте об авторе и его уникальной технологии фотопечати на AI: «Персона недели: Юрий Бабич».

Константин Батынков. Москва, Каланчёвка, ливень. 2019

Константин Батынков, известный своей виртуозной живописью, тяготеющей к технике каллиграфии, —  художник, чей панорамный всеохватывающий взгляд удивляет своей точностью к деталям. Эстетика его произведений отсылает к искусству «Общества художников-станковистов», участники которого запечатлевали индустриализацию начала XX века. Константин Батынков, с юности увлеченный Александром Лабасом, также обращается к теме городского пейзажа. Однако пространство его работ наполняется узнаваемыми деталями: самолетами, вертолетами, дирижаблями, летающими тарелками, кораблями, подлодками – военной техникой, которую он изучал в Московском институте инженеров гражданской авиации. Эти объекты возникают в самых неожиданных местах, наполняя образ произведения фантазийной сюрреалистичностью (Сергей Попов, pop/off/art).

Каланчёвка — площадь трех вокзалов. Уезжающие, провожающие, приезжающие, встречающие, пересаживающиеся… Суета, машины, чемоданы, тюки, людской водоворот. Миллионы людей впервые увидели Москву, выйдя на Каланчевскую площадь.

Экскурсионный маршрут по Каланчевской площади и ее ближайшим окрестностям занял бы не один день: сначала экскурсантов поведет архитектор, рассказывая о каждом (!) здании уникального уголка Москвы, за ним — историк Москвы, литературовед, искусствовед… Каланчёвка — один из любимых городских мотивов для художников. Константин Батынков написал ее в ливень, как будто сквозь залитое струями дождя оконное стекло; дождь размывает резкие черты сталинской высотки — гостиницы «Ленинградская», многочисленные антенны, машины, люди скорее угадываются, чем видятся. И даже сквозь стену дождя зритель ощущает всеобщее движение на площади и в воздухе, где люди бегут по лужам и носятся привычные к городскому шуму голуби.

Анатолий Горяинов. Отпуск на море. 2020

Анатолий Петрович Горяинов (1957) — известный российский фотограф, его работы неоднократно публиковались, выставлялись на многих отечественных и зарубежных площадках. В каждом жанре фотоискусства, в котором он работает, — любимом городском пейзаже, сельских пейзажах, натюрмортах, флоральных композициях и т.д. — Горяинов нашел собственный авторский язык. Он всегда разный, и в этом его своеобразие, но объединяет все его фотоработы очевидная композиционная стройность и сделанность (выверенность до миллиметра), а еще — насыщенность каждого снимка действием, движением. Это наполненные воздухом и одновременно удивительно плотные работы: взгляд мастера не терпит неоправданной пустоты. Московские фотографы — люди замечательные и очень интересные, каждый может часами рассказывать о своих профессиональных приключениях, хотя, конечно, есть истории легендарные — о том, например, как Николай Рахманов снимал Соборную площадь Кремля или как Анатолию Горяинову в девяностых удалось перекрыть движение на Тверской, чтобы с самой середины проезжей части сделать красивейшую ночную панораму в огнях от Пушкинской площади к Кремлю.

По образованию Горяинов — профессиональный художник, график, выпускник Московского государственного художественного института им. Сурикова. Как живописец он развивает в своем творчестве достижения европейского модернизма первой трети ХХ века — Парижской школы, фовизма, экспрессионизма, а также наивного искусства.

Нашим участникам уже хорошо знакома живопись Анатолия Горяинова — загадочная «Жду гостя» (2019), нежная, трепетная «Встреча» (2020), ироничная «Меланхолия» (2021). В яркой разноцветной картине «Отпуск на море» (2020) две женщины расположились на пляже. Вероятно, это две подруги, которые работали весь год где-нибудь в офисе и наконец-то выбрались к морю. А может, это мать и дочь (но так совсем неинтересно). У женщин много общего, но при этом художник создает два совсем разных образа, два характера. Правая женщина раскинулась в свободной позе, она задремала на солнышке, книга выпала у нее из рук. Эта дама видится более самостоятельной, чем подруга, и не похоже, чтобы ее интересовали пляжные знакомства. А вот левая — трогательная и романтичная натура, книжку она отложила, бутылка вина и фрукты стоят ближе к ней, и ей скучно просто так лежать на пляже. Может быть, ее ждет курортный роман? Море, женские фигуры, веселые разноцветные, словно смальта, камешки на пляже — все радует глаз в этой забавной композиции, написанной в узнаваемой наивной авторской манере. Работу интересно разглядывать, фантазировать, придумывать характеры и их историю. Чудесная вещь.

Илья Комов. Рябиновый вторник. 2019

Его [Ильи Комова] ландшафты никогда не подчиняются стабильным схемам, ни осевым, ни кулисным. Дома и горы, облака и деревья, и все прочие элементы панорам обязательно покачиваются, смещаются. Корёжит их энергия, сжатая до предела. Ни одна река не течет горизонтально, ни одна башня не стоит вертикально. В этом котле бытия слишком горячо. Там колышется материя, насыщенная энергией (Александр Якимович, ilya-komov.com).

Визитной карточкой Ильи Комова была и остается любовь к цвету. Чистый, насыщенный, он господствует на плоскости холста. Пятна краски сталкиваются, то послушно ложась по форме, то разрывая ее, настаивая на собственной значимости и самодостаточности. Цвет становится основой художественной характеристики образа. Произвольное распластывание на полотне цветовых пятен не отменяет, однако, опыта традиционного искусства, которое неизменно задает точку отсчета. Колористическая экстравагантность демонстрируется в рамках продуманной композиции, не разрушая, а подчеркивая ее.

…Художник точен в своих наблюдениях, он «снимает виды» конкретных ландшафтов и архитектурных сооружений. Между тем натура, хотя и вызывает у мастера несомненное доверие, является скорее поводом, позволяющим углубиться в колористические и композиционные штудии. Пространство в работах Ильи Комова не глубоко, но любимый мастером синий цвет, подменяя собой законы прямой перспективы, уводит взгляд зрителя вдаль. Действие, если таковое существует, разворачивается на переднем плане картины, как правило, это неспешный провинциально-дачный быт, медленно протекающий перед глазами зрителя. Описание это весьма условно, как, впрочем, условен и сам жанровый момент в пейзажах художника. Их прочитываешь скорее как череду символов, нежели как бытовые зарисовки. Лаконизм, тщательный отбор деталей позволяет усматривать в пейзажах сцены, не привязанные жестко к определенным географическим координатам.

Вневременные пейзажи художника становятся декорациями некоего эпического театрального действия. Тот фантастический мир окрашивает равенство всех всем: люди здесь уподоблены кронам деревьев, монастырским колокольням, стогам сена. Их очертания повторяют друг друга, пробуждая мифологические воспоминания о первоначальной гармонии всего живущего.

Мир Ильи Комова очень декоративен, красочен — порой пространство холста превращается в панно мерцающих мазков, то озаренных игрой багровых, охристых тонов, то затухающих в глухих и загадочных фиолетовых далях. Это притягательное свечение завораживает больше, чем сюжет или изображенный персонаж. Игра красок делает ненужными названия работ, она сама становится их главным содержанием, смыслом и украшением; несмотря на многолюдство теснящихся героев, цвет становится главным действующим лицом умело срежиссированного спектакля (Алла Михайлова, nasledie-rus.ru).

О художнике читайте на AI: «Персона недели: Илья Комов».

Живопись Виктора Крапошина

До 30 сентября в галерее ARTinvestment.RU «21-й век» (Москва, Гороховский переулок, 7) с успехом проходит выставка «Фантасмагории Виктора Крапошина». В эти же сроки на сайте ARTinvestment.RU открыта онлайн-ретроспектива работ художника 1971–2021 годов.

Мы включили в каталог аукциона 3 холста художника.

Предметная, с подробными деталями, ясная живопись особенно привлекает меня. Набор тем, как мне кажется, стандартный для любого человека искусства: Жизнь, Любовь, Время, Смерть, Сбывшееся и Несбывшееся, Страх и Надежда. Главная моя задача (и не только моя) — найти свой язык для отображения настоящего времени и всего, что прошло через меня; того, что было когда-то настоящим, а теперь — прошлое (Виктор Крапошин).

В художественной реальности Виктора Крапошина смешиваются Раннее Возрождение и Ars nova, Брейгель и Босх, сюрреализм и метафизическая живопись 1920–30-х годов. Персонажи Крапошина, очень специфические и узнаваемые реальные типажи, помещаются в непривычный контекст истории искусства, мотивы из которой заставляют их играть несвойственные им роли. За приземленными на первый взгляд сюжетами художника проглядывают вечные темы, «упакованные» в причудливую, иногда даже шокирующую обертку, по колористическому решению часто отсылающую к раннему ренессансу — каким он считывается, к примеру, в живописи Дмитрия Жилинского (Патриция Семенюк, artinvestment.ru).

Как приверженец фигуративной живописи, ясной, предметной, с подробными деталями, он давно предпочел экзерсисам в области беспредметности тонкую многослойную лессировочную живопись, двигаясь в сторону реализма, реализма метафизического. Слегка деформируя формы, используя в композиции разные точки и углы зрения одновременно, художник выстраивает парадоксальный и многоплановый образ. Чтобы понять его метафизическую многозначность, зритель должен изменить ракурс «оптики», сделать его «антиномичным», отбросив логику и концепт. Минуя личину реальности, зритель вслед за художником проникает в ее сердцевину, попадая в измерение свободы, где Настоящее, включая Ушедшее и Будущее, становится единственно возможным местом При-Сутствия (Вера Родина).

Виктор Крапошин не следует какой-либо выбранной программе, не иллюстрирует идею, он движется в пространстве холста интуитивно, но всевластно, выталкивая на сцену персонажи, чья явленная на холсте жизнь озадачивает — привлекает — не отпускает — завораживает и в конце концов заставляет серьезно задуматься. Его картины всегда остаются в определенной мере загадкой, всегда есть «куда их продолжить»; задев за живое, они всплывают в памяти, будоража внутренний взор, иногда одаривая, как искрящийся поток, каким-нибудь новым бликом смысла и чуть приоткрыв свою тайну.

Добродушная ирония или едкий сарказм, гротеск, а иногда и романтическая меланхолия, исходящие от работ художника, часто прикрывают глубокую философскую идею. Большей частью в его работах представлено два среза, два сечения, два вектора движения: к истинно человеческому или от него, борьба центробежных или центростремительных сил становления человеческой формы (Вера Родина).

У мужчин моего поколения одним из самых ценных качеств считалось наличие чувства юмора. У Вити Крапошина его столько, что хватило бы и на десятерых. А самое главное, что его юмор, а иногда самый чёрный, выплёскивался в его творчество. Все его картины, как золотой патиной, пронизаны этим чисто московским сарказмом и иронией. Позволю себе одну параллель: если в литературе у нас есть потрясающий Венечка Ерофеев с гениальными «Москва — Петушки», то в живописи у нас есть не менее блестящий Витя Крапошин со всем своим творчеством. В любой его картине есть трагизм одновременно с чёрным юмором, есть философские обобщения с хулиганским хихиканьем, а главное, есть любимый мной наш российский быт с советским душком, замешанный на самом настоящим концентрированном сюрреализме.

Виктор Сидорович Крапошин, как и большинство художников его поколения, не относит себя ни к какому художественному течению. Но мне, как его другу и поклоннику, кажется, что наиболее близкое определение — это фантастический реализм. Замешав суровый советский реализм в фантасмагорию своих снов и фантазий, он получил на выходе ни на кого не похожий стиль, а именно — совершенно фантастический реализм (Константин Кошкин, художник, искусствовед, yandex.ru/q).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Виктор Крапошин».

Андрей Криволапов. Ликуй, Мадрид. 2019

В рельефах и скульптурных композициях из литого стекла Андрей Криволапов достиг удивительного мастерства в очень редкой технологии. Моллирование, которое он использует, — это особая авторская технология отливки из расплавленного стекла в специальных формах. Аналогичные приемы использовали, например, в Древнем Египте, до изобретения сирийцами стеклодувной трубки в I в. н. э. На рубеже XVIII — XIX веков технология была популярна в северо-восточной Франции. Моллирование позволяет Андрею Криволапову не только создавать сложные и большие скульптурные формы из стекла, но раскрывает зрителю совершенно новые грани технических возможностей этого материала. «В своих работах я стараюсь повторить и воссоздать природу стекла, добавляя в стекло окислы металлов, составляя шихту для отливов в форму», — рассказывает мастер о своем творческом методе.

Многочастные серии Андрея Криволапова не имеют аналогов в современном художественном стеклоделии.

Скульптура быка и название произведения отсылают к испанской корриде. История корриды, скорее всего, восходит к началу новой эры, к иберам, населявшим Пиренейский полуостров и почитавшим быка священным животным. Вероятно, первоначально убийство быка было ритуальным и совершалось только жрецами. К VIII веку, перед вторжением арабов, битвы с быком уже были излюбленной народной забавой. А к концу XV века, то есть времени завершения реконкисты и объединения Испании, коррида становится развлечением благородного сословия.

В XVI веке без корриды не обходились уже многие крупные праздники. В Мадриде бои устраивали на центральной площади, на Пласа Майор.

На протяжении веков корриду не раз запрещали, но потом разрешали вновь. А в середине XVI века сам испанский король Филипп II добился у папской курии отмены запрета. Он полагал, что именно это зрелище закаляет мужество — одну из главных черт настоящего испанца.

В сороковых годах XVIII столетия, с очередным возрождением прерванной запретом традиции, появилась коррида, похожая на современную. Начал формироваться строгий канон. Смертельная схватка превращается в подобие трагического балета со своей «божественной», как ее позже определил Лорка, геометрией и обязательными фигурами. Для настоящего тореро главное не то, как он избегает ударов быка, а то, как он следует традициям, выполняя очередную хореографическую фигуру (corrida.ru, lingvaflavor.com).

По-видимому, именно в такой корриде бился бык, созданный Андреем Криволаповым. Художник изображает животное в самый драматический момент боя. В его шею уже вонзились дротики-бандерильи, и сейчас начнется третья, завершающая, терция боя: на арену выйдет главное действующее лицо — матадор. Мадрид ликует.

***

Одна из главных художественных задач, которую автор решает при работе со стеклом, — подчеркнуть естественность материала; его произведения, в частности наша скульптура, выглядят так, словно ее не создал современный художник, а нашли археологи. Созданные художником «следы времени» — сложная, разнородная и полупрозрачная фактура стекла, трещины, потертости, утраты — подчеркивают живую связь этого художественного объекта с историей человечества (Мария Беликова).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Андрей Криволапов».

Pata. Сладкий сон. 2014

Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) — представитель прославленной, мощной по таланту династии грузинских скульпторов. Владея в полной мере всеми приемами пластического наследия, переосмыслив стилистику классической лепки, Паата Мерабишвили четко определил свой творческий вектор. Он известен в первую очередь как скульптор, развивающий традиции французской пластики рубежа веков и первой трети ХХ века (А. Майоля, Ж. Липшица, А. Архипенко, О. Цадкина, Н. Габо). Однако помимо скульптуры Pata создает множество живописных и графических произведений, стилистика которых также отсылает в первую очередь к французскому искусству: художник переосмысливает живописную манеру П. Пикассо, А. Модильяни и других мастеров.

Изучение пластических возможностей человеческого тела, характерное для скульптуры, переносится художником и в сферу живописи и становится центральной художественной задачей. В частности, в изображении героини картины «Сладкий сон» (2014) заметно выраженное стремление акцентировать объёмы фигуры, в результате чего наблюдается «лепка» живописной формы, желание добиться максимальной осязательности образа. В отказе от натуроподобия, в упрощенной трактовке тела, подчеркивании удлиненных и непропорциональных конечностей женского персонажа обнаруживаются влияния наивного искусства в духе А. Руссо и Н. Пиросмани. В результате художник создает чувственный женственный образ (Мария Беликова).

Роман Рахматулин. Вдоль Москвы-реки. 2015

При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь (Роман Рахматулин, romulen.ru).

Художник Роман Рахматулин искренне любит Москву, а его авторская манера деликатно преображает самые узнаваемые московские пейзажи: оставляя «в фокусе» единственный, самый значимый и выразительный объект, художник скрывает в потоках дождя, отсветах фонарей, наплывах тумана фрагменты городского пейзажа, легким намеком сообщая об их присутствии. Разбегающиеся в разные стороны автомобили сообщают всей композиции дополнительную естественную динамику. Дождь, свет, машины — все движется, и тем большее внимание зрителя сосредотачивается на «фокусном» объекте. Зритель любящим взглядом вглядывается в преображенный вид и знакомится с ним заново.

Работа «Вдоль Москвы-реки» написана в 2015-м, и в ней художник подошел очень близко к своей сегодняшней стилистике. В нашей работе пока еще два главных объекта — Кремль и Храм Христа Спасителя, но художник, во-первых, выбирает такой ракурс, при котором оба объекта расположены не в центре композиции: Кремль слегка сбоку, а Храм в отдалении, а во-вторых, уравновешивает их колористическим решением картины, причем не надуманным, а совершенно естественным: в дождливый вечер в самом центре города, на набережной, забитой машинами, возникают фантастические красочные и световые эффекты.

Художник необыкновенно остро чувствует окружающий мир, и пытается выразить свои ощущения только ему свойственным языком. Отсюда поиск необычных приемов и техник, поскольку стандартных технологий классической живописи (которыми Роман, кстати, безукоризненно владеет) ему явно не хватает для выражения всего богатства эмоций.

Здесь и эксперименты с акриловыми смесями, с различными смешанными техниками, с использованием объема и дополнительного материала — иногда травы, иногда потали. В общем, границ у искусства нет и быть не может, если художник страстно любит этот мир и честно пытается передать свои чувства зрителю (art-gnezdo.ru).

Катя Филиппова. Софи Лорен. 2004

Катя Филиппова — модельер, декоратор, мастер декоративно-прикладного искусства, потрясшая отечественную художественную сцену еще в перестроечные годы своими эксцентричными авторскими нарядами, получила признание в последние годы и как автор оригинальных произведений, в которых эклектично сочетаются разные стили и обыгрываются образы массовой культуры.

Портрет итальянской актрисы Софи Лорен входит в серию работ художницы, знакомящую зрителей с зарубежными кинозвездами, особенно полюбившимися советской публике. Все эти портреты выполнены в смешанной технике в характерной узнаваемой манере: женщины изображены в шикарных одеяниях на золотом или серебряном фоне, окаймленные декоративными рамами, богато украшенными камнями. Перед зрителем предстает какой-то идеальный, сказочный образ кинодивы, отраженный в зеркале. Софи Лорен изображена в леопардовом платье, ее голова увенчана диадемой, усеянной россыпью драгоценных камней. Весь ее роскошный облик отсылает к эстетике киноплаката или глянцевого журнала, на котором медийные личности предстают публике во всем своем великолепии, лишенные изъянов. Надписи на арабском языке, которые можно увидеть рядом с портретом актрисы, отсылают, вероятно, к популярному фильму с ее участием «Арабески» (1966).

В создании этого, равно как и других подобных портретов Филиппова активно задействует эстетику китча и гламура, в результате чего портреты получаются намеренно выхолощенными, уподобленными алтарным образам. В частности, вокруг головы Лорен можно наблюдать подобие нимба с расходящимися лучами, декоративная рамка отсылает к окладам икон, имитируя монохромные рельефные узоры и орнаменты. Все это призвано подчеркнуть культовый статус модели. Филиппова, можно сказать, продолжает дело Энди Уорхола и других мастеров поп-арта, признаваясь, что ее также интересуют «культовые лица, которые являются лицом эпохи, лицом какого-то большого исторического периода» (Мария Беликова).

Николай Фурсов. Девочка с котом. 2021

Николай Андреевич Фурсов — советский и российский художник, участник группы «Молот», созданной Виктором Казариным из своих учеников с началом перестройки, в первой половине 1990-х, и получившей название в честь задуманного эффекта (artinvestment.ru).

Его полотна не оставляют равнодушными, их энергия и красочность, сознательно культивируемая пестрота заставляют вспомнить и «диких», и пионеров пленэра, и отечественных маринистов, добивавшихся волшебных феерических эффектов. Рождению такой броской манеры способствовали биографические факты: военная служба в Архангельске, где сама натура магнетизирует, учёба в Строгановке на витражиста, которому материал подсказывает перепады света и яркие цветовые удары.

«Писать нужно самое красивое, что есть на Земле, — это женщины и цветы», — говорит Фурсов. Несмотря на трудности девяностых, именно тогда у художника складывается свой стиль: наивные барышни c букетами, со следами грусти и доброты в глазах, сады невиданной красоты.

«Когда у меня нет определенного замысла, — говорит Николай Фурсов,— я просто подолгу смешиваю краски, изучаю возможности цвета — фиолетового, белого, красного. Вообще, мое убеждение: чем грязнее и беспросветнее наша жизнь, тем ярче и светлее должна быть живопись! Иначе — зачем?..»

Дмитрий Шорин. Махолёт. 2019

«Дмитрий Шорин из тех художников, которые, один раз найдя тему в искусстве, разрабатывают её годами. Такой темой стал для Шорина утрированный и пикантный образ “девушки мечты”, навеянный рекламой и популярным кинематографом».

«Шорин разговаривает со зрителем привычным языком билбордов и первых полос глянцевых журналов, повествующих о существовании солнечных островов, где млеют, поглощая мороженое и обливаясь духами, какие-то неземные женщины. Возможно, по этой причине Дмитрия Шорина называют “зеркалом молодого российского общества потребления”».

«Искусствовед Александр Боровский подметил своеобразный реализм Шорина, противопоставив его рекламе, призванной изображать идеальное и недостижимое. По мысли критика, девушка с работ Шорина находится по нашу сторону экрана, а пространство картины позволяет заглянуть в ее нехитрые грезы, навеянные кинематографом и рекламой».

«Картины Дмитрия Шорина узнаваемы благодаря созданному им образу современной девушки, который балансирует между изяществом и вульгарностью. Манера написания также своеобразна: реалистичный минимализм соседствует с яркими и порой насмешливыми метафорами» (shakko.ru).

Татьяна Ян. № 7. Из серии «Боги, люди и герои». 2018

Татьяна Ян отталкивается в своем творчестве от эстетики древних росписей разновременных исторических эпох (античных, раннехристианских, византийских, древнерусских) и создает станковые произведения, в которых звучит живой диалог традиций прошлого с современностью.

Античная эпоха — неиссякаемый источник вдохновения для художницы, ее личный золотой век, дух которого она стремилась уловить и передать в монументальных фрагментах росписей, скульптуры и барельефов серии «Боги, люди и герои».

«Античность безнадежно отдалена от нас, — пишет художник. — Доступно глазу лишь живописное собрание артефактов: фрагменты, части, утраты, гипотезы и реконструкции. Сегодня возможна лишь встреча с ней как “через мутное стекло”, которую вернее назвать переживанием, вслушиванием, мечтой об утраченной гармонии. Пожалуй, это самое важное для меня в античности, ее главный урок — величие минуты жизни человека, ее равновеликость космосу, которое несомненно знали мастера античности. Оттого-то то мгновение и длится тысячелетия, не угасая и сегодня. И порой, чем значительнее утраты целого, тем важнее для нас фрагменты, говорящие с нами сквозь глубокую тишину иного» (cultobzor.ru).

Ян в укрупненном формате исследует черно-белое изображение головы античной статуи молодого юноши — воображаемый фрагмент произведения далеко ушедшей эпохи Художник акцентирует все следы, оставленные на статуе прошедшими тысячелетиями, — трещины, потертости и сколы на мраморной поверхности лица юноши, которое, несмотря на разрушающую силу времени, сохранило свой гармоничный и притягательный облик. Строгая черно-белая гамма произведения дополняет идейную основу всей серии: нам не дано в полной мере узреть все величие ушедших эпох, но мы можем ощутить их присутствие в настоящем через созерцание отдельных осколков прошлого — реальных или воображаемых, что мы наблюдаем в работах Ян, в творчестве которой продолжает жить античная эстетика (Мария Беликова).

Желаем удачи на 84-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!


Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20210920_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20210920_auctionAI_XXI.html

При цитировании ссылка на https://artinvestment.ru обязательна

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.


Индексы арт-рынка ARTIMX
Индекс
Дата
Знач.
Изм.
ARTIMX
13/07
1502.83
+4,31%
ARTIMX-RUS
13/07
1502.83
+4,31%
Показать:

Топ 37

Узнайте первым об открытии аукциона!

На этом сайте используются cookie, может вестись сбор данных об IP-адресах и местоположении пользователей. Продолжив работу с этим сайтом, вы подтверждаете свое согласие на обработку персональных данных в соответствии с законом N 152-ФЗ «О персональных данных» и «Политикой ООО «АртИн» в отношении обработки персональных данных».
Наверх