Открыты 52-е торги проекта «XXI век. Современное российское искусство»
Каталог составили работы Алексея Ваулина, Александра и Николая Жатовых, Александра Захарова, Игоря Кислицына, Юлии Малининой, Вячеслава Михайлова, Яны Ческидовой и Нины Шапкиной-Корчугановой
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 366 и 52-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».
Лоты аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
Окончание аукциона: в пятницу, 12 февраля, в 12:00.
Алексей Ваулин. Горная местность. 2020
На живопись должно быть интересно смотреть. За каждым мазком зрителя должен ждать неожиданный поворот. Вот знакомые элементы реального мира уже угадывались, а вот они растворились и превратились в чистую абстракцию: мне чрезвычайно интересно это тонкое перетекание реальных и абстрактных форм (Алексей Ваулин, vaulin.info).
… Он создает бесконечное разнообразие сюжетов, которые объединяются особым подходом к цвету. Ваулин использует цвет как фактурную, практически скульптурную массу, из которой буквально лепит формы, а также как изящную графическую технику, рисуя цветными спонтанными линиями и пятнами; работает как декоративно, так и невероятно сложно с живописной точки зрения. В интеллектуальной абстракции Ваулина цвет достигает своей полной выразительности и свободы… Он становится живой, творящей стихией, мыслящей субстанцией, живописным «океаном Солярисом» со своим характером. Цвет каждый раз играет разные роли: подчеркивает индивидуализм модели или выводит сюжет на уровень обобщения, сообщает то дух бунтарства, то настроение умиротворения и покорности, воспевает любовь, страсть, секс, чистоту и порок, движение и поиск (vaulin.info).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Алексей Ваулин».
Александр Жатов. Время жизни — время творения. 2019
К эстетике голландского натюрморта XVII века отчасти отсылает мотив большого холста «Время жизни — время творения» (2019) Александра Николаевича Жатова.
Александр Жатов родился в 1982 году в Саратове, в семье художника Николая Владимировича Жатова. В 2003-м окончил Саратовское художественное училище. Участник выставок. Живет и работает в Орле. Работы его находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.
Николай Жатов. Орел литературный. 2019
Орел часто называют третьей литературной столицей России. По определению Лескова, Орел «вспоил на своих мелких водах столько русских литераторов, сколько не поставил их на пользу Родины никакой другой русский город» (rg.ru).
Тургенев, Лесков, Бунин, Тютчев, Фет, Апухтин, Леонид Андреев, Борис Зайцев, Пришвин и еще десятки писателей родились, жили, работали или были так или иначе связаны с Орлом или дворянскими усадьбами Орловской губернии. Здесь разворачивались события их романов, повестей, рассказов…
Тамара Синякова, старший научный сотрудник дома-музея Н. С. Лескова (Орёл): «Старый губернский Орел XIX века он <Н. С. Лесков> подробно описал на страницах многих своих произведений, таких как “Грабеж”, “Тупейный художник”, “Несмертельный голован”, “Пугало”, “Мелочи архиерейской жизни” и многих других, эти произведения можно долго перечислять. Он — настоящий орловец».
Антон Бушунов, научный сотрудник музея И. С. Тургенева (Орёл): «Недаром музей Тургенева находится на бывшей Георгиевской улице, где стоял дом Варвары Петровны, и здесь родился сын Иван, и здесь он сделал свои первые шаги, сказал свои первые слова. А позже он отразил орел в своих произведениях. Уже в ранних рассказах можно угадать орловские реалии».
Елена Аркатова, научный сотрудник музея И. А. Бунина (Орёл): «Именно в нашем городе Бунин встретил свою первую любовь Варвару Владимировну Пащенко. Память об этом чувстве он пронес через всю свою жизнь. И Бунин так описывает их первую встречу: “Вышла к чаю утром девица высокая, с очень красивыми чертами лица, в пенсне, в цветисто расшитом русском костюме. Она мне показалась довольно умной, развитой, и я тогда еще не знал, что эта быстрота исчезновения времени есть первый признак влюбленности”» (ogtrk.ru).
Художник Николай Жатов по-своему почувствовал город: «Картина — это зеркало, что было на душе, то и выплеснул на холсты» (Николай Жатов, ogtrk.ru).
Николай Жатов живет в Орле с 1985 года. Уроженец села Пески Воронежской области (31 января 1954), он окончил Саратовское художественное училище (1979) и Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина Академии художеств СССР (1985). Участвовать в выставках начал в 1983-м. Член ВТОО «Союз художников России» (1991). Преподавал в Орловском художественном училище (1985–2000). Художник пишет преимущественно портреты и пейзажи (orel-sh.ru, vrnguide.ru), так что наша картина в смешанном жанре не вполне обычна для автора и тем более интересна.
Александр Захаров. Утренний макияж. 2016 / Колибри. 2020
Две композиции представляют в каталоге творчество Александра Витальевича Захарова.
***
Для меня как художника с некоторых пор игрушки стали окошком в мир далекого детства, дверкой, за которой развернулась волшебная страна мечты, целая Вселенная. Маленький мир разворачивается в глубину до бесконечности, так же как для нас, взрослых, «большой мир».
Созерцание маленьких вселенных сильно повлияло на характер и размер моих картин. Миниатюра наиболее удобная для меня форма выражения. Я создаю «маленькое окошко», заглянув в которое и заинтересовавшись открывшимся за ним пространством, зрителю невольно приходится как бы «уменьшаться в размере», становиться маленьким. «Превратившись» в ребенка, он получает право попасть внутрь. В открывшемся мире, с виду совершенно реальном, существует «обратная перспектива»: маленькое порой важнее большого. Начав много лет назад с огромных картин-панорам, напоминавших плоский лубок, я пришел сегодня к развернутой в глубину миниатюре (Александр Захаров, cumir.ru).
Огромные работы искажают наше нормальное восприятие. Ребенок всегда видит не просто большую картину — он видит множество деталей. Из таких деталей и состоят мои работы. На них можно смотреть долго и каждый раз находить новые подробности. Именно так мы видели в детстве окружающий мир. Я пытаюсь «расковырять» и максимально расширить пространство (Александр Захаров, bolshoi.by).
У его работ есть еще одно важное свойство — «сверхплотность» поверхности: она безвоздушна, герметична, максимально концентрированна. Они как хороший цифровой исходник в тысячи пикселей, который можно растянуть на десятки метров (triumph.gallery).
Огромная (70 × 70) печатная работа, выполненная с миниатюрного (20 × 20) живописного оригинала, проявляет почти невидную на крошечной картине скрупулезную авторскую работу: мазки, тончайшие цветовые переходы, какие-то малюсенькие капелюшки, которые при огромном увеличении обретают самостоятельность важнейших деталей. Композиция тиражной работы столь же гармонична, сколь и живописного оригинала, только насыщеннее, краски такие же яркие, только разнообразнее.
***
Занимаясь долгие годы художественной печатью, работая в разное время с разными технологиями — от обрезной гравюры на дереве до офсетной литографии, я обратился сегодня к новым видам печати. Каждая моя миниатюра, являясь законченной картиной, одновременно служит мне как графику-печатнику чем-то вроде “негатива” для создания на ее основе произведений печатной цветной графики. Этот маленький “негатив” я использую в качестве основы (как медную доску-оригинал в гравюре) для создания многократно увеличенных по сравнению с оригиналом печатных листов. Результатом долгой и сложной работы с цветом становится цифровая “доска”, с которой я печатаю ограниченный тираж. Это очень важная часть моего творческого метода. Увеличенный PRINT — это своеобразная помощь моему зрителю “разглядеть” пространство, иногда размером с ладонь, во всех подробностях, не прибегая к помощи увеличительных приборов. Полученные изображения — самостоятельные произведения в области цветной печати (Александр Захаров, cumir.ru).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».
Игорь Кислицын. Битва. 1995
Народные корни искусства и сегодня влекут всех профессионалов, да не все из них могут подняться выше простой аранжировки или стилизации. Игорь Кислицын сумел уверенно претворить, “перекодировать” в новое качество типовую структуру древних композиций. Постепенно ему раскрылся весь глубинный образный «орнамент» архетипа: роль силовых линий и узлов, ритмических пауз и акцентов, «вечное» поступательное или круговое движение, здоровая гармония рисунка и цвета, знаковость и символика фигур (Лев Дьяконицын, nasledie-rus.ru).
Практически в любой художественной традиции есть изображения всадников, в европейской — это фольклорно-сказочные богатыри, витязи, языческие по происхождению, или рыцари, крестоносцы, воины средневековой христианской традиции, в том числе и канонические иконные образы Архангела Михаила, Георгия Победоносца и т.д. и т.п.
Всадник на коне — одна из моих программных тем. Для меня это образ-символ, это знак, Крест, иероглиф Центра, который мы носим в себе. Это и символ подчинения низшей природы высшей, обуздания животных страстей. Мои всадники ощутимо вертикальны по сути, они движутся поперек-наперекор инертности плоских земных низин. Всадник устремлен вперед и ввысь, за пределы возможного, в сам эпицентр Неведомого и невидимого, чаще всего обозначаемого в моих картинах знаком Черного солнца или иного светила. Красный цвет передает здесь мужественный жар огненного покорения материи, борьбы с земнородно-подземной энергией черного (Игорь Кислицын).
В определенный период творчества художника особо настойчиво звучит тема всадника, витязя или рыцаря, воина (реже — воительницы, напоминающая о Валькирии и о русском богатырском эпосе). Эта тема наметилась уже в апокалипсическом цикле, в том числе воплотившись в образах страшных и прекрасных всадников-мстителей, в образах последней битвы света и мрака.
В дальнейшем такая образность формирует самостоятельный, особо интересный и по сей день актуальный для художника цикл, где лейтмотив Всадника уже полностью доминирует, щедро варьируется живописно, углубляется в своей смысловой многослойности, одновременно увязываясь с темой Черного Солнца, восходящего в небе Героев.
Особую роль играет и характерная для картин живописца как бы возникшая из преломлений цветового спектра специфичная, писаная «рама в раме». Возникая как преграда между «реальной» жизнью за пределами холста и внутренним микрокосмом, созерцаемым внутри этой «ограды», она охраняет сердцевину этого малого мира своей геометрией (Вера Родина, artinvestment.ru).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Игорь Кислицын».
Юлия Малинина. Озеро. Пирс. 2015
Юлия Малинина — художник с метафизическим взглядом на мир, органически присущим отечественной школе живописи. Такой взгляд обнаруживает в окружающем художника пространстве объекты, созданные человеком, и объекты природы, несущие на себе печать отрешенности от повседневного (Анна Флорковская, член-корреспондент РАХ, artcontract.ru).
Для композиции <картин Юлии Малининой> характерно приближение к нижнему краю холста объектов первого плана и определение психологически достаточного расстояния, зоны комфорта от художника до объекта. Зритель наблюдает, но напрямую не взаимодействует с изображенным на картине. При внешней отрешенности и холодности, цвет звучит как внутреннее эмоциональное состояние конструкта. Художник многократно экспериментирует с цветовым решением, формальной структурой и степенью условности пространства (artcontract.ru).
Отвечая на вопрос о художниках прошлого или настоящего, оказавших на нее влияние, Юлия Малинина разделила их на несколько периодов:
«…Со временем пул таких виртуальных наставников или творческих ориентиров меняется. Меняюсь я, изменяется и мой художественный вкус.
Моя первая детская любовь Карл Брюллов. Для меня это было воплощением самой магии живописи! Как можно так сделать? Как можно создать настолько идеальную, приукрашенную реальность, лица без морщин, платья без заломов и складок и бархат, бархат, бархат…
Позже были импрессионисты. Отдельно Гоген. До сих пор можно проследить мое стремление в своих работах использовать характерный для него красный цвет, его умение работать с ним, так писать красный и красным. То же можно сказать о его умении передавать идею золотистости.
Наше время. Важны два художника: Джорджо де Кирико — великий метафизик — и Рене Магритт. И если у первого видна энергия на поверхности холста, мы часто видим мазок, передающий эмоцию картины, то у Рене поверхность отчужденно холодная, выглаженная до глянцевой лаковости, и в этом ее загадочная притягательность. Вместе с тем в моей личной системе иерархии оба эти художника прекрасны, гениальны. Конечно, к сожалению, на репродукциях всех этих нюансов и особенностей не увидеть. Находясь в Брюсселе, где представлены работы Магритта, я смогла в полной мере ощутить его особую манеру гладкого письма. Их смесь метафизики и сюрреализма притягательна и весьма затягивает, это тот мир, который мне очень близок.
Еще одно имя — это Фрэнсис Бэкон. Его мир также весьма близок для меня. Это тот художник, которого я сейчас достаточно серьезно изучаю» (Юлия Малинина, artuzel.com).
Важной для себя Юлия Малинина называет «концепцию чистой поверхности. Стерильность живописи без наблюдаемых мазков, без переписок. Важно, чтобы первоначальная поверхность и цвет холста не были сокрыты под большим количеством слоев и сеансов. И снова мы вернулись к Магритту и к его гладкой манере письма…» (Юлия Малинина, artuzel.com).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Юлия Малинина».
Вячеслав Михайлов. Прощение. 1989
Я уверен, что кроме воды и хлеба есть такое важное понятие, как духовность. Особенно оно важно для русского человека. Правда, сам я не очень люблю это слово и не до конца понимаю, что за ним стоит: то ли это икона, то ли храм, то ли сам человек. Но склоняюсь скорее к последнему. Я думаю, что духовность — это живой озабоченный человек. Помните, как Лев Толстой говорил: «Делай что должно, и будь что будет!» (Вячеслав Михайлов, spbdnevnik.ru).
Специфика моих работ — поверхность. Бывает, что без поверхности картина совсем не воспринимается. Мне не нравится, когда видна работа художника. Но если это концептуально, как, например, у Клода Моне, то движение кисти оправдано. А я всегда хотел, чтобы не понятен был путь делания картин, чтобы не было ощущения краски, а была поверхность, возникающая сама по себе, как в природе: кора дерева, лист.
Меня привлекает мистерия самой живописи, формы. Художник должен вторгаться в мир, как Бог, творить собственную форму, но не задирать при этом нос. Соревноваться с Богом — неверный путь. Я называю Богом солнце, холмы, реки, деревья… Когда смотришь цветок или жука, то видишь, что ничего не стоишь. И тебе к этому не приблизиться, не сделать такого, настолько форма сложная.
Художник не должен ничему себя противопоставлять. Он должен быть органичен. Органика — единственное точное ощущение, которое не позволит тебе соврать. Органика, как дар любви, — божественный дар. Не все им наделены (Вячеслав Михайлов, ru.wikipedia.org).
Основой творчества Вячеслава Михайлова является переосмысление классической художественной традиции средствами, близкими языку беспредметной живописи. Преувеличенная экспрессия манеры исполнения, акцентирование рельефной фактуры красочного слоя позволяет художнику органично сочетать в своих полотнах реальное и условное, которые неизменно дополняют и усиливают друг друга (web.archive.org).
Михайлову посчастливилось найти свой выразительный язык, делающий работы узнаваемыми и вызывающими неподдельный интерес. В его произведениях смысл и символика вызывают не меньший интерес, нежели художественные средства выразительности. Михайлов смело обращается с формой и материалом, не боится экспериментировать и отклоняться от созданной ранее и признанной зрителем манеры. Велик диапазон сюжетов, к которым обращается мастер: в его галерее образов соседствуют библейские мотивы, жанровые сцены, сложные многофигурные композиции.
Человеческое тело Михайлов всегда трактует объёмно, наделяя его особенной пластичностью и гибкостью, и кажется, его больше интересует анатомия, структура плоти, а не внешняя красота и эстетика обнаженного тела. Михайлов работает сериями, продолжительно осмысляя ту или иную тему. Художник признается, что для него важна память, ощущение включенности в мир, где есть не только сегодняшний день, но и прошлое. Творчество Михайлова не скандально и не злободневно (ru.wikipedia.org).
Янина Ческидова. Крыши. 2010
Яна Ческидова работает без эскизов и не умеет писать на заказ. Образы могут всплыть совершенно случайно: вот видела она ситуацию или человека, а подойдя к рабочему месту, вспомнила образ. У нее, что поразительно для творческих людей, нет страха перед белым холстом, она просто идет и работает. Ведь времени не так много… Художница заполняет все пространство — по ее словам, от переизбытка чувств, и выстроить его невозможно.
«Если честно, то я не знаю, как оправдаться в этой ситуации. У меня в одной картине куча народа, а в зале целая толпа. У меня есть маниакальная потребность каждый квадратный сантиметр заполнить. Пишу холсты на природе, я это всё не придумываю. Там постоянные движения. То ветер, то кошка пробежала. Каждый раз, рисуя, ты же не знаешь, что тебя ждет, а потом накрывает с головой, и ты чувствуешь, что вот оно. Любой художник, подходя к холсту, вряд ли думает: “Что я сейчас человечеству скажу!”». Трагедия, если человечество не заметит или неправильно поймёт» (https://yana-cheskidova.wixsite.com/my-art).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Янина Ческидова».
Нина Шапкина-Корчуганова. Яблоки. 2008
Я пытаюсь говорить на языке живописи, строя свои фразы без фальши, и не считаю необходимым следовать моде в искусстве, зачастую ведущей во врата абсурда и пустоты в глянцевой упаковке (Нина Шапкина-Корчуганова).
Что меня интересует? — Меня всегда привлекали люди, их психология, формы строения тела, пластика. Я скорее любуюсь ими, как если бы я была скульптором…
Моя любимая тема сегодня? — «Прохожие». Она, думаю, отражает основную мысль моего творчества — одиночество. Мы — прохожие, получившие от Господа нашего энергетический запас, руки, ноги и прочее для выполнения своей миссии на земле. В этом смысле каждый одинок. Хотя мы и связаны цепью взаимоотношений, обязательств. Это не исключает факта нашего подлинного одиночества.
Как должен быть прочтен сюжет? — Так: подул ветер, коснулся ветки, качнул ее и улетел, остался только след его прикосновения. Ни о чем и обо всем. Не думаю, что нужно обязательно в лоб говорить о чем-либо. Гораздо важнее подкладка, подтекст. Я понимаю, ритм сегодняшней жизни тороплив, картинки меняются, как калейдоскоп, и многие следуют этому правилу, пытаются успеть. Мне же ближе неторопливость в искусстве. Ведь должна же быть остановка в потоке движения. Думаю, живопись, так же как и музыка, стихи, и есть та остановка — передышка» (Нина Шапкина-Корчуганова, artpanorama.su).
Несмотря на точный мощный рисунок, выявляющий характер персонажей, «высекающий» образ до салтыково-щедринской узнаваемости типажей, холсты Нины собраны, «сделаны» исключительно цветом. Не краска, но цвет главенствует в ее картинах, цвет, пульсирующий в пятне, цвет, сходящийся в цветную же линию, цвет — как безусловный, моделирующий композицию, рисунок, форму, эмоцию и мысль элемент (museum.ru).
Желаем удачи на аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20210208_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20210208_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
