Открыты 49-е торги проекта «XXI век. Современное российское искусство»
Каталог составили работы Дмитрия Беловолова, Марины Колдобской, Владимира Коркодыма, Олега Кулика, Анны Лавровой, Pata (Пааты Мерабишвили), Романа Рахматулина, Бориса Смотрова и Максима Татаринцева
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 363 и 49-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».
Лоты аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
Окончание аукциона: в пятницу, 22 января, в 12:00.
Дмитрий Беловолов. Барбарис. 2016
Родился я в день весеннего равноденствия. Тот день пахнул манной кашей, и озорные воробьи собирались в серые группировки, чтобы урвать у неба и земли положенную порцию весны. В детском саду воспитатели рекомендовали родителям отдать меня в художественную школу, но из-за стеснительности я отказался. Зато я закончил школу — номер тринадцать. Она отличалась от всех своей способностью вдалбливать любому учащемуся, даже дегенерату, что у него есть все шансы в будущем стать личностью. Год отучился в Выборгском авиатехническом колледже. Бросил и поступил в Санкт- Петербургский университет профсоюзов, на факультет искусствоведения. После двух с половиной лет обучения мне перекрыли кислород из-за несдачи зачета по фортепиано и выперли. Пошел работать на стройку. Одновременно писал картины. Учителей по живописи не имел, кроме старых и вымерших мастеров. С их подачи написал более ста живописных полотен (Дмитрий Беловолов, ngvk.ru).
Марина Колдобская. Сердце. 2016
В моих картинах все равно самому себе. Если кто-то что-то хочет увидеть дополнительно, углубиться — это его право. Это не постмодернизм. Это не ребус и кроссворд, который требует расшифровки. Это прямое визуальное ощущение. Я свою работу закончила, а дальше работа зрителя.
Я хочу дойти до самой сути. Цивилизацией выработаны этикеты, существуют многочисленные табу, умолчания, вещи, о которых, считается, говорить неприлично или неприятно. Например, кошка ест мышку. Но это жизнь. И может быть, главное в жизни. Человек похож на кочан капусты. Мы живем в 21 веке, но культурные слои, в которых существовали наши родители и прародители, никуда не исчезли. Они наслоились друг на друга, как листы капусты. Они остались в нашей культурной памяти, просто скрыты. И если снимать листик за листиком, то можно дойти до нашей кочерыжки, до ядра, понять — что за существо человек.
Если посмотреть на древнее искусство, то три цвета: красный, черный и белый — главные, потому что они про главное: свет и тьму, кровь и огонь. И при помощи этого нехитрого алфавита, используя уголь, охру и белую глину — человек излагал то, что ему, действительно, важно. Но что важно именно ему — каждому зрителю придется решать самому, ведь у каждого своя кочерыжка (Марина Колдобская, most.tv).
«Охота и собирательство» — серия живописных работ Марины Колдобской, объединенных стремлением художницы выйти за рамки условностей традиционной живописи. Максимально обнажая и намеренно упрощая профессиональные приемы, слой за слоем художница снимает весь накопившийся тысячелетиями опыт истории искусства, добираясь до основ художественного праязыка. Масштабные полотна по воле автора становятся не то сводами пещеры времен палеолита, не то листом детского альбома для рисования — сакральной территорией высказывания. С картин за нами пристально наблюдают стаи растерзавших свою добычу хищников, опьяненных потоками крови. Экспрессивные образы-тотемы понятны каждому, как каждому знакомы общие для человека и животного эмоции ярости, вожделения, жажды и страха (Андрей Саков, искусствовед, marinakoldobskaya.net).
Владимир Коркодым. Пестрый букет. 2015
Я пишу картины, потому что не могу иначе, это стало потребностью, бесконечной мукой и радостью, смыслом жизни, частью меня самого (Владимир Коркодым).
Как и у великих классиков, у Коркодыма пониманию бренности жизни сопутствует еще большая любовь к ней, внимание к мельчайшим ее деталям, в каждой из которых заключаются подлинные счастье и радость бытия. Хрупкость цветов, собранных в букеты, лишь добавляет им красоты, в них особенно ярко раскрывается чувство цвета, присущее художнику, — цвета сложного, насыщенного, богатого на самые смелые оттенки (artinvestment.ru).
Большое и важное место в творчестве Коркодыма занимают цветы. Они настоящее воплощение буйства и разнообразия жизни. Сколько оттенков, форм и ароматов! Искренняя любовь художника к цветам отражена в его замечательных композициях с букетами. Он сам выбирает, покупает, сажает семена и луковицы, ухаживает за ними. Садовые, полевые, луговые, лесные цветы — всё воплощает его талантливая кисть. В этих натюрмортах проявляется страстная душа автора, его темперамент, задор и колористическая смелость. И в этих работах в равной степени проявляются талант живописца, композитора картины и чувство юмора, с которым составлены многие холсты. Удачно поставленный натюрморт — половина успеха. В слишком «правильном» букете художник надламывает стебель, выдёргивает пучок, нарушая симметрию, бросает опавшие лепестки на первый план. Цветочные натюрморты Коркодыма — это признание в любви ко всему растительному миру нашей планеты (Юлия Ануфриева).
Читайте о художнике на AI: «Новые имена: Владимир Коркодым».
Олег Кулик. Русская Тройка. Из проекта «Русское». 1999–2009
Проект «Русское» Олега Кулика — узнаваемый по характерным для его творчества сюжетам и по обилию собак (в 1990-х в России, Европе и США художник прославился перфомансами в образе «человека-собаки»). Символика русского представлена в новом проекте Кулика известным набором — Красная площадь, Мавзолей, Храм Христа Спасителя, много промозглого снежного простора. При этом очевидные штампы служат фоном для невероятных историй. Кулик венчается то ли с дамой, то ли с собачкой. Доит бульдога, размером с корову. Уворачивается от прицельного огня двух милиционеров и человека, похожего на Набокова. С красным знаменем в руках и возбужденными псами в ногах зовет к стылому горизонту. Воет на небо, затянутое американским флагом, в кругу «европейского сообщества».
При этом сквозь серую нейтральность черно-белой фотографии, призванной узаконить, документировать фантасмагорические картины вдруг проступает цвет. Вернее три цвета — красный, синий, белый. Триколор. Иногда обильная позолота. «Русское» Олега Кулика (с очередным посвящением Льву Толстому) насквозь литературно, пронизано откровенным морализаторством и черным юмором. Все это было бы смешно, когда бы не было так холодно. Неизбывный экзистенциальный российский холод — главная находка Кулика в этом проекте.
В «Русском» нет привычного для Олега Кулика накала животных страстей. Похоже, Кулику удалось по капле выдавить из себя собаку. Теперь она бегает рядом. Невооруженным глазом видно, что главный персонаж «Русского» не Олег Кулик, а его alter ego — бульдог Клэр Куильти. Резонный вопрос — с чего бы это России, вслед за Куликом, доверять свое представительство английскому бульдогу? Однако некоторые основания есть. Всему русскому — искусству, образу жизни, парламентерству и т.д. — традиционно необходим взгляд со стороны. Взгляд Другого. Как правило, это взгляд из-за границы. Взгляд из-за границы другого биологического вида кажется идеальным в системе ценностей Олега Кулика.
Генеральная линия русского изобразительного искусства XIX века (литературность) была прервана в начале XX века авангардом, который помимо страсти к формотворчеству привнес в искусство страсть к социальному ангажементу. В этом смысле в России мало таких традиционных художников, как Олег Кулик. Проект «Русское» — с его объявленной любовью к рассказыванию историй в духе позднего Льва Толстого, эстетике художников-передвижников и одновременно формальным изыскам — предлагает рассмотреть потенции обеих прерванных русских традиций, привлекая современные изобразительные возможности (Мила Бредихина, 1999, vladey.net).
Анна Лаврова. Надежда. 1991
Наполненное драмой человеческих чувств, передаваемых через очень личное и острое восприятие, выраженное современными авангардными художественными средствами, искусство Анны Лавровой апеллирует к мыслям и эмоциям современных людей… (Агнешка Доброчиньска, искусствовед).
Анна Михайловна Лаврова была членом студии «Новая реальность» под руководством Элия Белютина, участницей практически всех выставок студийцев вплоть до конца существования «Новой реальности», включая знаменитые пароходные поездки по Волге в начале 1960-х годов. Занятия живописью Лаврова совмещала с работой в прикладном искусстве, проектируя одежду для советской текстильной промышленности и участвуя в международных выставках (в том числе в Москве, Лондоне, Нью-Йорке и Варшаве). Даже работая с масштабными формами, Лаврова создавала сбалансированные и технически выверенные композиции, наполненные драмой человеческих чувств.
Следуя «теории всеобщей контактности» Белютина, участники «Новой реальности» разрабатывали собственную систему для выражения в искусстве глубинных переживаний человека. «Пишите не то, что видите, а что при этом испытываете. Создавайте не подобие предмета, но всю сложность переживаний, которыми вы в момент работы охвачены», — эти слова Белютина наиболее точно описывают творческое кредо Анны Лавровой (artinvestment.ru).
Pata. Виолончелистка. 2008 / Белла. 2008
Две работы представляют в каталоге творчество скульптора и живописца, известного под именем Pata, — Пааты Мерабовича Мерабишвили.
Представитель прославленной, мощной по таланту династии грузинских скульпторов. Владея в полной мере всеми приемами пластического наследия, переосмыслив стилистику классической лепки, Паата Мерабишвили четко определил свой творческий вектор. Будучи увлеченным с юных лет творчеством античных мастеров, пластикой Майоля, скульптор пришел в своих произведениях к решению модернистских задач пластики. По творческой манере скульптору всегда были близки Жак Липшиц, Александр Архипенко и Осип Цадкин, которые уделяли особое внимание фактуре и лаконичным формам.
Несмотря на абстрактную стилистику в работах Мерабишвили, его скульптуры всегда наполнены образностью и пространственным построением форм. Автор смело экспериментирует с цветом, техникой, материалами, создавая современные образные произведения. Геометризированные, сложносоставные объёмы скульптур Мерабишвили всегда экспрессивные, динамичные, полные метафор. Автор умело воплощает стремление найти пластический прием, ассоциативно выражающий образ. Владение рисунком ощущается во всех работах автора, но его универсальное значение особенно наглядно при знакомстве с фантазиями из металлических лент и пластин, где все сосредоточено на взаимном их перетекании. Металлические плоскости словно вращаются, скручиваются и раскручиваются, пытаясь предъявить различные способы существования в трехмерном пространстве, при всем их архитектоническом единстве.
Мерабишвили стремится выразить не саму форму, а её внутреннюю составляющую, её изначальный смысл в чем, несомненно, следует наследию модернистов (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор авторских выставок Московского государственного объединенного художественного историко-архитектурного и природно-ландшафтного музея-заповедника «Коломенское»).
О художнике читайте на AI: «Персона недели: Скульптор Паата Мерабишвили — Творец создает то, что чувствует, а не то, что видит»
Роман Рахматулин. Ночной троллейбус. 2020
При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь (Роман Рахматулин, romulen.ru).
Редкая, уникальная возможность — рассказать о произведении современного художника даже не поэтическими строками, а песней.
Источник: youtube.com
Художник необыкновенно остро чувствует окружающий мир, и пытается выразить свои ощущения только ему свойственным языком. Отсюда поиск необычных приемов и техник, поскольку стандартных технологий классической живописи (которыми Роман, кстати, безукоризненно владеет) ему явно не хватает для выражения всего богатства эмоций.
Здесь и эксперименты с акриловыми смесями, с различными смешанными техниками, с использованием объема и дополнительного материала — иногда травы, иногда потали. В общем, границ у искусства нет и быть не может, если художник страстно любит этот мир и честно пытается передать свои чувства зрителю (art-gnezdo.ru).
…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами. В общем, при взаимодействии с произведением искусства советую выстроить замкнутое пространство, где будете только вы и объект. (Пространство должно блокировать исторические, культурологические и прочие пояснения и расшифровки, включая то, что про эту вещь думает критик и ваш сосед по лестничной клетке…) Оказавшись в этом пространстве, вы должны наладить исключительно ваше взаимодействие (прослушивание, просмотр, ощупывание) с объектом. Музыка, скульптура, живопись — становятся таковыми только при наличии зрителя (для природы и физики это все те же элементы, молекулы, колебания волн, а для времени — пыль); таким образом, предмет искусства без вас, без зрителя, пустышка — значит, ТЫ, зритель, — его часть и изволь функционировать как часть произведения, со всей ответственностью, не перекладывая ни на кого своей работы, не облегчая себе жизнь (Роман Рахматулин, romulen.ru).
Борис Смотров. Лето. 1996
Борис Смотров любит упрощенную, как в традиционной культуре, форму, пластикой которой он легко владеет, локальные цвета и их сочетания, завораживающие своей открытостью.
Удивительно, что в изобразительных высказываниях этого мастера начала XXI века сохраняется чистота и непосредственность, незамутненная холодными постмодернистскими изысками и искусами, ироничным цитированием, свойственным большинству его современников.
И все же его живопись и есть порождение постмодернизма, поскольку в ней переплавились и слились воедино многие явления искусства разных времен, которые художник умело апроприировал, сделав их частью своего пластического метода (cultobzor.ru).
За последний год прошли две крупные персональные выставки художника — в петербургском музее Эрарта и в музейно выставочном комплексе «Новый Иерусалим», в подмосковной Истре.
Читайте о художнике на AI: «Новые имена: Борис Смотров».
Максим Татаринцев. Три листа из проекта «Сегодня». 2020
Максим Татаринцев — российский художник, создающий видео, инсталляции, произведения живописи и графики, а также реализующий свои проекты в формате паблик-арта. Проект «Сегодня» отчасти продолжает собой многолетний групповой социально-художественный проект «Другая атмосфера», в котором Максим Татаринцев участвовал вместе с другими художниками современного искусства. В детских больницах художники проводили своеобразную арт-терапию: помогали детям сломать стереотипы и изменить грустный больничный воздух на позитивный, с хорошим настроением, наполняя пространство больницы творчеством и включая детей в процесс создания актуального искусства, стараясь научить их делать из привычных вещей уникальные, думать и чувствовать на все 100 %, поменять атмосферу в душе (fondartproject.ru).
В проекте «Сегодня» Максим Татаринцев вновь обращается к медицине, он рассказывает о врачах 2020 года.
Желаем удачи на аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20210118_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20210118_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
