XXI век. Современное российское искусство — IX
ARTinvestment.RU   30 марта 2020

Приглашаем познакомиться с творчеством 10 мастеров отечественной арт-сцены: Валерия Бабина, Фарида Богдалова, Галины Быстрицкой, Елены Гориной, Марины Зенчевой, Юрия Изосимова, Анны Лавровой, Сергея Максютина, Ольги Рудаковой и Нины Шапкиной-Корчугановой

Валерий Бабин

Московский художник Валерий Иосифович Бабин родился в Березовском, небольшом городке на Урале. Этот простой биографический факт служит ключом к более точному пониманию характера его творчества, главной темой которого сам художник считает суровый уральский пейзаж.

Его отличительными чертами являются: пристальное внимание к цветовому решению, которое чаще всего тяготеет к неброской и монохромной палитре; простые сюжеты, чья обыденность под рукой мастера приобретает возвышенную многозначительность мифа, за которой географическая привязанность теряется, а ей на смену приходит узнаваемая каждым человеком универсальность. Атмосфера российской глубинки у Бабина вызывает щемящее чувство ностальгии, но при этом лишена какой бы то ни было слащавости или сентиментальности. Его камерные пейзажи, на которых неприметные персонажи заняты самыми будничными делами, как будто погружены в состояние «сна наяву». У зрителя все это взывает чувство легкого дежавю, позволяя художнику вдохнуть новую жизнь в собственные впечатления и воспоминания, делая их близкими и понятными каждому человеку.

Фарид Богдалов

Близкий эстетике поп-арта узнаваемый визуальный стиль Фарида Богдалова сформировался в конце 1980-х — начале 1990-х годов, когда художник уже имел за плечами профессиональную подготовку (в 1984 году он окончил Московское художественно-промышленное училище им. М. И. Калинина по специальности «художник по гобеленам», а в 1984–1986 годах учился на отделении живописи Суриковского института). Впоследствии он участвовал в создании московского арт-сквота «Фурманный переулок», ставшего локомотивом формирования нового языка искусства.

Используя в своих работах образы, заимствованные из массовой культуры, Богдалов уделяет особое внимание исследованию таких аспектов современной цивилизации, как власть, экономика и культура потребления. В особенности в их визуальном выражении. Богдалов очень разносторонний художник. К примеру, его «зеркальная» серия одновременно служит оммажем поп-арту и классическому западноевропейскому искусству (достаточно вспомнить «Менины» Веласкеса или «Портрет четы Арнольфини» ван Эйка). Одними из ключевых для творчества Богдалова инструментов, по его собственному признанию, являются ирония и парадокс: «Внешне с формальной точки зрения мои работы чаще всего являются неразрешимыми парадоксами. Таким образом, парадокс, если и не выражает саму истину, то, во всяком случае, прозрачно намекает на ее существование и в определенном смысле указывает на истину».

Марина Зенчева

Ключевое влияние на творчество Марины Георгиевны Зенчевой оказало ее членство в студии «Новая реальность» под руководством Элия Белютина, учителями которого в свою очередь были Аристарх Лентулов и Павел Кузнецов. Тем самым художественная «родословная» Зенчевой прослеживается вплоть до первопроходцев русского авангарда, отголоски которого можно найти и в работах самой художницы.

В своих произведениях Зенчева ищет способы передать в пластической форме эмоциональное состояние и душевные порывы конкретных людей, возводимые до уровня общечеловеческих феноменов. Это стремление можно напрямую связать с идеями русских авангардистов о духовных основах жизни и экзистенциальном предназначении искусства, нуждающегося в актуальных формах выражения.

Анна Лаврова

Анна Михайловна Лаврова также была членом студии «Новая реальность» под руководством Элия Белютина. Она была участницей практически всех выставок студийцев вплоть до конца существования «Новой реальности», включая знаменитые пароходные поездки по Волге в начале 1960-х годов. Занятия живописью Лаврова совмещала с работой в прикладном искусстве, проектируя одежду для советской текстильной промышленности и участвуя в международных выставках (в том числе в Москве, Лондоне, Нью-Йорке и Варшаве). Даже работая с масштабными формами, Лаврова создавала сбалансированные и технически выверенные композиции, наполненные драмой человеческих чувств.

Следуя «теории всеобщей контактности» Белютина, участники «Новой реальности» разрабатывали собственную систему для выражения в искусстве глубинных переживаний человека. «Пишите не то, что видите, а что при этом испытываете. Создавайте не подобие предмета, но всю сложность переживаний, которыми вы в момент работы охвачены», — эти слова Белютина наиболее точно описывают творческое кредо Анны Лавровой.

Елена Горина

Не вписываясь в рамки конкретных художественных течений, творчество Елены Ивановны Гориной балансирует на грани реализма и абстракции. Ее неповторимый стиль стал результатом медитативной внимательности к собственному внутреннему миру. По словам самой художницы, прислушиваясь к самой себе, она переносит на холст или бумагу образы, которые возникают в ее сознании и настойчиво просятся наружу. Анализируя ее работы, можно говорить о несомненном влиянии представителей отечественного авангарда начала ХХ века и древнерусской иконы, любовь к которой Гориной привил отец, видный советский реставратор.

Начиная с 1970-х годов, в произведениях художницы наблюдается постепенный отход от академизма и преобладающее стремление выразить конкретную эмоцию путем кропотливой работы с цветом и формой. Сама Горина объясняет чувственную природу своих творений тем, что в процессе работы ею движет не желание изобразить тот или иной объект, а переживаемые в этот момент эмоции: «Пространство листа и цвет не являются изображением “видимого мира”, они — производное от внутренней жизни. Образ мира отражен в человеке. Понять его можно, если видеть душой». Тончайшее чувство цвета, его сочетаний и оттенков является характерной особенностью живописного языка Гориной, на нём она ведет диалог со зрителем, для которого эмоциональное начало при восприятии искусства важнее рационального.

Галина Быстрицкая

Работая решительными мазками, Галина Альбертовна Быстрицкая преимущественно пишет с натуры, стараясь максимально точно передать атмосферу конкретного объекта или места, пропущенную через собственное сознание. Результатом этого стремления становятся пейзажи, натюрморты и портреты, наполненные неповторимой энергетикой и динамизмом. Первостепенное значение Быстрицкая уделяет цвету, разнообразие которого на ее полотнах критики чаще всего описывают словами «водоворот», «буйство» и «фейерверк».

 Отдельное место в творчестве Быстрицкой занимают картины, созданные во время путешествий. Их особенностью является то, что пишутся они сразу маслом. Источником вдохновения может послужить что угодно, любой пейзаж или сцена, которая «цепляет» внимание художницы. По ее собственным признаниям, порой это приводит к самым неожиданным результатам: «Через несколько дней пошел такой потрясающий импульс от города [Венеции], что я не могла спать. Я работала непрерывно. У меня дрожали руки от возбуждения. То есть я понимала, что теряю каждую минуту, если не пишу».

Юрий Изосимов

В творчестве Юрия Григорьевича Изосимова первостепенное внимание уделяется линии, которая чаще всего приобретает скульптурную объемность и становится самостоятельным выразительным средством, вступающим в диалог с другими элементами композиции. Окончивший Абрамцевское художественно-промышленное училище художник на сегодняшний день является участником творческого объединения «David Group», в составе которого он регулярно экспонируется, и руководителем основанной им студии «Улей», перенявшей свое название у знаменитой парижской резиденции художников (La Ruche) на Монпарнасе.

Заслуженный работник культуры РФ и член Московского Союза Художников Юрий Изосимов работает в области станковой живописи, скульптуры и ассамбляжа. Его работы, как считает художник, отражают его жизненный опыт, а их отличительные черты — беспредметность супрематического толка, сочетание резких линий и ярких цветов.

Сергей Максютин

На этапе становления своего творчества Сергей Владимирович Максютин преимущественно создавал сложные концептуальные композиции, будь то портреты, натюрморты или пейзажи. Позже, отойдя (хотя и не полностью) от фигуративности и повествовательности, он сосредоточился на пейзаже, тяготеющем к абстракции, а место загадочных символов на его картинах стали занимать элементы стихии — воздух и вода. Начиная с этого времени за Максютиным закрепился статус «художника первоматерии». Более «текучими» стали не только образы, но и смысл его картин, и техника их исполнения. Привычные координаты — такие как перспектива, передний план или линия горизонта — теперь отсутствуют. Цветовая палитра состоит из природных оттенков, работая с которыми, художник передает особенности взаимодействия между воздухом и водой.

 На уровне смысла «подвижность» творений Максютина заключается том, что образы на картинах лишены статичных рамок. Они мерцают перед глазами зрителя мимолетными и эфемерными призраками. В этом смысле особый интерес представляют промежуточные работы, созданные на стыке фигуративности и абстракции, когда в потеках воды очертания предметов лишь угадываются.

Ольга Рудакова

Для Ольги Михайловны Рудаковой натюрморт является синкретическим жанром (сродни симфонии в музыке), позволяющим сочетать в себе широкое разнообразие изобразительных техник и смысловых плоскостей. Выстраивая композицию из минимального набора объектов, отсекая все лишнее и используя при написании картины всего несколько цветов, художница не ограничивает спектр своих выразительных средств, а достигает максимальной сбалансированности, при этом оставляя зрителю полную ассоциативную свободу восприятия.

Энергичными мазками Рудакова создает пейзажи, натюрморты и портреты, каждый из которых является отражением ее личности, несет на себе неповторимый отпечаток ее узнаваемого стиля. В поздних работах главенствующую роль в произведениях художницы играет черный цвет, обилие которого, как ни странно, не делает ее картины мрачными. В сочетании с утолщенными контурами предметов он создает уверенный каркас, на основе которого вырастают дышащие воздухом композиции, преисполненные внутренней драмы.

Нина Шапкина-Корчуганова

Творческое становление Нины Борисовны Шапкиной-Корчугановой пришлось на эпоху 1980-х годов — период в истории России, когда возник жесткий разлом между личностью и обществом, которое было порой равнодушно, а зачастую и откровенно враждебно по отношению к частному человеку. Именно в это время сформировалась сквозная тема творчества Шапкиной-Корчугановой как видного представителя неореалистической школы — тема одиночества, нашедшая выражение в образе прохожего.

Наиболее частым сюжетом фигуративных полотен художницы, выполненных в традиционной технике, становятся сцены повседневной жизни с участием самых обычных людей. При этом сама Шапкина-Корчуганова избегает навязывать зрителю однозначные трактовки своих работ, сосредотачивая внимание на подтексте. В условиях ускоряющейся реальности она рассматривает творчество и его восприятие как неспешный, сугубо медитативный процесс: «Я пытаюсь говорить на языке живописи, строя свои фразы без фальши, и не считаю необходимым следовать моде в искусстве, зачастую ведущей во врата абсурда и пустоты в глянцевой упаковке».

Работы этих художников можно приобрести на IX аукционе «XXI век. Современное российское искусство».

Александр Быковский