Открыт 31-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   02 сентября 2020

В каталоге: Азам Атаханов, Алексей Ваулин, Даша Делоне, Наталия Жерновская, Игорь Кислицын, Ирина Корсакова, Андрей Мунц, Арман Сирунян, Катя-Анна Тагути, Наталия Турнова

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 345 и 31-го аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 31-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона — 9 живописных произведений и 1 работа в смешанной технике.

Азам Атаханов. Сон о влюблённом. 2012

Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атаханов, kommersant.ru).

Сам Атаханов, когда говорит о своих духовных учителях, называет мастеров Проторенессанса Дуччо и Джотто, Фра Анджелико и Беноццо Гоццоли, художников высокого Возрождения Мантенью и Тинторетто. От них монументальность его живописных полотен (Дмитрий Буткевич, kommersant.ru).

Атаханов — художник, синтезирующий в своём творчестве культурные традиции персидского Востока, русского авангарда и европейского Ренессанса, показывает иную, метафизическую сторону реальности, лишь внешне подобную окружающей действительности.

Источником вдохновения мастер называет красоту природы и человека в ней; всё то, что созидается человеком: произведения искусства и архитектуры, поэзия, сады и селения, жилища и предметы народного творчества, и конечно, музыка. Искусство для Азама Атаханова — это созидание благого, истинного, атрибутом которого является прекрасное. «Чем музыка отличается от шума, живопись от раскрашенной плоскости, литература от должностной инструкции? Лишь красотой. Только истинная красота придаёт искусству смысл. Постичь и передать её — единственная подлинная задача художника» (artmoskovia.ru).

Алексей Ваулин. Морская волна. Из серии «Знаки». 2013

…Я мог бы рассказать цветом о каждом дне своей жизни! (Алексей Ваулин).

Цвет каждый раз играет разные роли: подчеркивает индивидуализм модели или выводит сюжет на уровень обобщения, сообщает то дух бунтарства, то настроение умиротворения и покорности, воспевает любовь, страсть, секс, чистоту и порок, движение и поиск. Словом, цвет в композициях Ваулина отражает все качества противоречивого, истекающего желаниями и внутренними метаниями, но такого хрупкого, ранимого и уставшего современного человека (vaulin.info).

Ваулин использует цвет как фактурную, практически скульптурную массу, из которой буквально лепит формы, а также как изящную графическую технику, рисуя цветными спонтанными линиями и пятнами; работает как декоративно, так и невероятно сложно с живописной точки зрения. В интеллектуальной абстракции Ваулина цвет достигает своей полной выразительности и свободы — он раскрывает сам себя, собственную чистоту и красоту, приравнивая живопись к философии (vaulin.info).

В современном искусстве вообще очень важен элемент неожиданности: непредсказуемость сообщает свежесть восприятию и обостряет наши чувства. Непредсказуемость стала нашим допингом, необходимой порцией «душевного экстрима», к которой все стремятся, несмотря на вечные слезы по поводу отсутствующего покоя. Современный человек — он не для покоя, он — для вечного поиска, горения, накала чувств и мыслей. У художника тем более не должно быть покоя как «внутренней тишины», убаюкивающей внимание умиротворенности. Живопись для меня — сама стихия непредсказуемости, хотя как автор я стараюсь продумывать свои композиции. Но в какой-то момент работа начинает вести тебя за собой и, взращивая ее, шлифуя её, ты вновь и вновь меняешься сам (Алексей Ваулин).

Даша Делоне. Рыбный мир. 2015

Пространство картин Даши Делоне приглашает зрителя в мир личного воображения и культурных архетипов. Вселенная художника населена множеством странных и в тоже время легко узнаваемых существ: драконов, фей и фантастических животных. В работах Делоне наша повседневная реальность приобретает новое мистериальное измерение, а кажущаяся детская простота раскрывает философские глубины (Александр Панов, критик).

Откуда появилась эта странная Вселенная у художницы, чье детство и юность пришлись на последние советские десятилетия? «Началось все со средневековой русской книжности, миниатюр и реставрации средневековых церквей. Параллельно — студия графического дизайна Бориса Трофимова: изучение сетки, знака, типографики и законов длящихся композиций» (Елизавета Плавинская). После была студия, где учили писать маслом на холсте, учеба у авангардного керамиста 1980-х Ирины Лабутиной, самостоятельные опыты с керамикой, эмалями, изучение химии, достижение чистых цветов, работа с дизайнером Аркадием Троянкером и — возвращение к живописи со всем этим огромным техническим и в первую очередь духовным багажом. «Первыми появились драконы и рыбы: “Я собиралась рисовать совсем другое, а тут он вдруг взял и появился”. Даша рисует трамвай — появляется дракон, рисует рыбу — а на нее садятся парки (тетки, ведающие судьбой)» (Елизавета Плавинская, куратор, искусствовед, критик).

Даша Делоне — художник Третьего русского авангарда, по определению автора термина Елизаветы Плавинской, — «хаотичного сборища художников, находящихся вне системы не только по обстоятельствам, но и по убеждениям, свободных в творческом выборе всего и объединенных только диким желанием работать».

Вот о чем я думаю в связи с искусством Даши Делоне: авангард — это не клишированное высказывание, это искусство не идеологическое и не философское. Это сказочный экзистенциализм такой. Вариант реализма — только реальность совсем экзотическая. Творчество Делоне — это авангард, опирающийся на многовековой культурный опыт столичного жителя, но не подавленный им, а, как на старом  аэроплане, улетающий все время в некий особенный климат, где драконы чувствуют себя нормально (Елизавета Плавинская).

Наталия Жерновская. Тень. 2020

Когда я начала заниматься фотографией, меня сразу интересовало, как можно изменить и усовершенствовать фотоизображение. Я пользовалась химическим способом протравливания, раскрашивала фотографии анилином и акварелью. Потом Георгий Гурьянов показал мне, как можно использовать живописные лаки, акварельные и пастельные карандаши и работы уже настолько перестали напоминать фотографии, что как-то сам собой произошёл переход к живописи. Живописью я занималась с детства, потом на какое-то время забросила совсем и вернулась в начале нулевых.

Авиация, летчики, парашютисты — это одна из любимых тем, над которой я сейчас работаю и ищу идеальную композицию для каждого сюжета, поэтому в процессе возникают разные версии (Наталия Жерновская).

Живопись Наталии Жерновской продолжает и развивает эстетику её знаменитых фотосессий. Ее живописная манера отличается контрастностью и светоносностью, что делает её картины исключительно красивыми и очень глубокими по смыслу. Эстетика солнечной античности и интеллектуального неоклассицизма в современную эпоху имеет прекрасное воплощение в живописных произведениях Наталии Жерновской (Елизавета Плавинская).

Игорь Кислицын. Территория. Из цикла «Территория». 1997

Практически в любой художественной традиции есть изображения всадников, в европейской — это фольклорно-сказочные богатыри, витязи, языческие по происхождению, или рыцари, крестоносцы, воины средневековой христианской традиции, в том числе и канонические иконные образы Архангела Михаила, Георгия Победоносца и т.д. и т.п.

Всадник на коне — одна из моих программных тем. Для меня это образ-символ, это знак, Крест, иероглиф Центра, который мы носим в себе. Это и символ подчинения низшей природы высшей, обуздания животных страстей. Мои всадники ощутимо вертикальны по сути, они движутся поперек-наперекор инертности плоских земных низин. Всадник устремлен вперед и ввысь, за пределы возможного, в сам эпицентр Неведомого и невидимого, чаще всего обозначаемого в моих картинах знаком Черного солнца или иного светила. Красный цвет передает здесь мужественный жар огненного покорения материи, борьбы с земнородно-подземной энергией черного (Игорь Кислицын).

Народные корни искусства и сегодня влекут всех профессионалов, да не все из них могут подняться выше простой аранжировки или стилизации. Игорь Кислицын сумел уверенно претворить, «перекодировать» в новое качество типовую структуру древних композиций. Постепенно ему раскрылся весь глубинный образный «орнамент» архетипа: роль силовых линий и узлов, ритмических пауз и акцентов, «вечное» поступательное или круговое движение, здоровая гармония рисунка и цвета, знаковость и символика фигур (Лев Дьяконицын, nasledie-rus.ru).

Ирина Корсакова. Головка 9. Из серии «Куклы». 2018

Я всегда считала достойным, когда искусство несет надежду и красоту людям. И так сложно живется, зачем делать еще больнее? Но видно, моя боль за человечество искала выход, и я дала ей волю в новой теме «Куклы».

«Куклы» — о наших душах, прекрасных и чистых, мудрых, больных и одиноких. Часто под нарядами, локонами, улыбками скрываются травмы, уродства душевные. Когда изображаешь человека, это всегда конкретный персонаж, а в портретах кукол я вижу отвлеченные образы. О людях вообще.

Почему я изображаю кукол в основном обнаженными? Прежде всего, это ужасно красиво, это то, чего мы не видим обычно, когда куклы одеты.

О чем я рассказываю в своих работах? Так же как человек одевается, женщина красится — чтобы казаться чем-то другим, чем они есть на самом деле. А если человека раздеть, а еще покопаться у него в душе, то можно найти что-то совсем другое. Мне хочется рассказать об этом через кукол, потому что если изобразить человека, то он будет восприниматься как конкретный персонаж. А мне хочется обобщения.

Кукла — как образ души, но не одной, а многих душ.

***

Вижу в этой теме безграничные возможности, думаю, мне ее хватит на всю жизнь (Ирина Корсакова).

Андрей Мунц. Праздничное настроение. 2017

У окна стою я как у холста,
ах, какая за окном красота.
Будто кто-то перепутал цвета,
и Неглинку, и Манеж.
Над Москвой встает зеленый восход.
По мосту идет оранжевый кот.
И лотошник у метро продает
апельсины цвета беж.

Леонид Филатов

Художник стремится изобразить не то, что видит, а то, что чувствует. Его работы являются отражением свободного и личного эмоционального переживания (Юлия Волгина). «Праздничное настроение» Андрея Мунца представляется городским пейзажем с перепутанными, как в стихотворении Леонида Филатова, цветами. Праздничное настроение — оно и возвышенное, и наполненное ожиданием, и искрящееся цветным фейерверком, и легкое, и обволакивающее плавными, мягкими линиями… «Мне, друзья мои, ужасно смешно // Наблюдать в окошко мир», — пишет Леонид Филатов. Так же радостно наблюдает мир художник, и мы вслед за ним.

Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям (Андрей Мунц).

Арман Сирунян. № 5. 2019

Художник, как подражатель Творцу, ограниченный материалами, техникой, манерой, отображает всю систему мироздания исключительно как акт чистого искусства со стороны Абсолюта, со всеми возможными смыслами и их отсутствием (Арман Сирунян).

Творчество Армана Сируняна отличается неподдельной искренней живописностью. Это свойство требует от художника максимального напряжения всех его гармонических способностей ради достижения некоего живописного качества, не вполне поддающегося описанию словами. Важными сведениями о творчестве Армана являются знания о том, что он много работал с пространством, звуком и светом как театральный режиссер и то, что он не имел в виду подражание Василию Кандинскому, когда начинал свою серию «Космических букетов». Просто их мысли и опыт совершенно случайно совпали.

Процесс написания картин для Армана распадается на две равные части. Сначала в голове художника, в его фантазии появляется ощущение необходимости чего-то сверхважного, и он, человек невероятно гостеприимный и очень талантливый, начинает буквально мучить своих собеседников этим предвосхищением необходимости творения до тех пор, пока… внезапно его посещает видение объекта, который на этот раз станет воплощением его творческого предощущения. Так родилась серия космических букетов, так же родилась и галерея «Лингуа Латина» со всеми ее десятью живописными выставками и последующие концептуальные серии.

Вторая часть творческого процесса Армана Сируняна состоит в какой-то древнегреческой борьбе с холстом. И это не поиски правильного цвета. Где какой цвет будет располагаться, Арман знает практически с самого начала. Но затем начинается мучительный процесс перевоспитания цветовых пятен. Художник многажды изменяет насыщенность и фактурность цветового пятна, не изменяя его формы и места на холсте. Внешнему наблюдателю не представляется возможным понять ход творческой мысли Армана, который занят поиском космического пространства среди прямоугольных обозначений цветов в букете. И только самому художнику известно, когда все эти соотношения приходят в долженствующий порядок. Результат же практически механическим способом достигает волшебного ощущения свечения и мерцания цветов на огромных, космических расстояниях друг от друга (Елизавета Плавинская, куратор, искусствовед, критик).

Катя-Анна Тагути. Портреты 1. 2016

Мне захотелось показать человечество как единый поток жизни, энергии, ощущений, эмоций. Поэтому люди в моих картинах смешиваются, перетекают один в другого, становятся частью друг друга (Катя-Анна Тагути).

…Это всё один персонаж: автор, принимающий на себя обличие каждого из своих героев. Он, а не кто-либо другой, являет нам лицо человека на Портрете, и это лицо не маска, а фон, и декорация — не ширма. Every portrait that is painted with feeling is a portrait of the artist, not of sitter (Оскар Уайлд) (ИльдарГалеев, annataguti.ru).

Время стремительно превращает настоящее в прошлое: то, что было только что, становится минутой, часом, днем, годом назад… В портретах я хочу передать сосредоточенное состояние человека, который вспоминает свое прошлое, пытается осознать настоящее и предугадать свое будущее (Катя-Анна Тагути, erarta.com).

Наталия Турнова. Без названия. Из серии «Конец зоны ограничений». 1997

Когда критики находили в моих работах элементы поп-арта, я удивлялась: как можно настолько не понимать, чем я занимаюсь? Кроме яркого цвета, в моих работах нет ничего, никакого поп-арта точно (Наталия Турнова, artinvestment.ru).

Мне интересен большой формат, ведь когда делаешь маленький — начинаешь закапываться в деталях. С маленькими работаешь ближе, начинаешь “видеть блох” — я это страшно не люблю. Есть люди, которым это нравится, а для меня — мучительно и совершенно неинтересно(Наталия Турнова, artinvestment.ru).

Долгое время Турнова искала свой путь. Подобно ученому, она методично экспериментировала с цветом, изучала его особенности при изменении насыщенности и интенсивности, ставила перед собой художественные задачи и с увлечением их решала. Этот исследовательский этап был для нее периодом внутреннего становления — Турнова оттачивала интересные ей средства художественной выразительности, вырабатывала индивидуальный пластический язык и одновременно выявляла органичную этому языку смысловую составляющую работ, их особый образный строй. Довольно рано Турнова начала работать сериями (tretyakovgallery.ru). Серия «Конец зоны ограничений» экспонировалась в 1997 году на персональной выставке Наталии Турновой в московской галерее «Велта».

Наталия Турнова — один из самых сильных в России живописцев за последние три десятилетия. Ее творчество занимает особое, совершенно отдельное положение. Если на Западе можно условно найти аналоги ее живописи в искусстве нового экспрессионизма, новой вещественности или в некоторых постмодернистских проектах, то в России художницу сопоставить не с кем (tretyakovgallery.ru).

Желаем удачи на аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

AI