Открыт 27-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
В каталоге собраны произведения Семёна Агроскина, Алексея Ваулина, Димы Горячкина, Даши Делоне, Анны Лавровой, Дениса Михайлова, Андрея Мунца, Армана Сируняна, Кати-Анны Тагути и Татьяны Ян
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18%.
Каталог AI Аукциона № 341 и 27-го аукциона «XXI век. Современное российское искусство».
Лоты 27-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона 10 лотов — девять живописных работ и одна скульптура.
Семён Агроскин. Набережная. 2014
Пейзажи и натюрморты Семёна Агроскина натурны, фигуративны, и, на первый взгляд, очень близки к реальности, однако к реальности какой — умозрительной, воображаемой или физической, материальной? «Предметный и видимый мир на грани исчезновения, растворения и схлопывания перед неизбежным концом цивилизации — вот, пожалуй, концепция, близкая мне» (Семён Агроскин, vladey.net).
Мы уже давно знаем, умные люди объяснили, что картина умерла, а заниматься живописью неприлично. Ну а Агроскин что? Не в курсе? Да он просто журналов не читает и за достижениями критической мысли следит невнимательно. Простой человек. Простой художник. Просто художник.
В сущности — школярские штудии. Натурщики. Один сидит, другой стоит, третий повернулся. В сущности — написано грязью. ГРЯЗЯЙЛЬ. Ну, надел на них полиэтиленовые мешки, чтоб детали не отвлекали от главного. А что тут, собственно, главное? По-моему, главное, что человек, ничтоже сумняшеся, дерзает претендовать на мастерство. И не без основания. Художник дело пытает. Красоты нет, ну такой, чтоб сразу захотелось заплатить и на стенку повесить. Крутизны нет, ну такой, чтоб статью тиснуть захотелось. А картины есть. Живопись есть. Есть искусство, заявляющее себя вполне очевидно, независимо от того, кто и что про это скажет. Скажет самим фактом своего существования (Семен Файбисович). О художнике на AI: «Персона недели: Семён Агроскин».
Алексей Ваулин. Орбита жизни. 2013
Ваулин использует цвет как фактурную, практически скульптурную массу, из которой буквально лепит формы, а также как изящную графическую технику, рисуя цветными спонтанными линиями и пятнами; работает как декоративно, так и невероятно сложно с живописной точки зрения. В интеллектуальной абстракции Ваулина цвет достигает своей полной выразительности и свободы — он раскрывает сам себя, собственную чистоту и красоту, приравнивая живопись к философии (vaulin.info).
В современном искусстве вообще очень важен элемент неожиданности: непредсказуемость сообщает свежесть восприятию и обостряет наши чувства. Непредсказуемость стала нашим допингом, необходимой порцией «душевного экстрима», к которой все стремятся, несмотря на вечные слезы по поводу отсутствующего покоя. Современный человек — он не для покоя, он — для вечного поиска, горения, накала чувств и мыслей. У художника тем более не должно быть покоя как «внутренней тишины», убаюкивающей внимание умиротворенности. Живопись для меня — сама стихия непредсказуемости, хотя как автор я стараюсь продумывать свои композиции. Но в какой-то момент работа начинает вести тебя за собой и, взращивая ее, шлифуя её, ты вновь и вновь меняешься сам (Алексей Ваулин).
Дима Горячкин. Ветер в лицо. 2020
Устремленные ввысь скульптуры Димы Горячкина всем своим видом говорят нет условностям. Отсутствие плавильной печи не повод отказываться от работы с металлом. Изобретение новой технологии опять как решение насущных проблем. Нет пробуксовке! Только вперед! Интуитивно складывая кусочки металла и оплавляя их сварочным аппаратом, Дима достигает поставленной цели. Его скульптуры живут и дышат, танцуют и стремятся ввысь (Ольга Погасова).
Какое-то время мы с моей женой, художницей Дашей Делоне, снимали мастерскую, и я любил фотографировать инсталляции или натюрморты из старого железа. Я вообще схожу с ума по старому железу, любому. И однажды Даша приходит и говорит: «Горячкин, тебе не надоело? Может быть, тебе уже заняться скульптурой? В конце концов, у тебя отец скульптор». Я сказал: «Ты что, с ума сошла?» <…>
Тем не менее, я дал объявление в Facebook: ребята, я хочу поучиться у сварщика, только при одном условии: он не будет выносить мне мозг. В результате нашелся человек, который научил меня варить железо. Парень собирался эмигрировать в Латинскую Америку и хотел продать свою мастерскую. Я приехал к нему, он ткнул четыре раза и сказал: «Ну, все, ты теперь все знаешь». И продал мне свой старый сварочный аппарат. Через какое-то время я уже купил более профессиональные инструменты.
Сначала я пошел по пути, по которому идут многие: находил остатки старых вещей и из них собирал конструкцию. Потом я понял, что все эти предметы несут частички прошлой жизни, не моей, а своей собственной, это не целиком мое, я не подхожу к полному пониманию себя. И я нашел собственную технологию – нагреваю железо до 2 тысяч градусов, чтобы получить рваную фактуру, которая мне нужна.
И я понял, что произведение от начала до конца должно быть выполнено моими руками. Я изготавливаю остов, затем нагреваю кислород и обрабатываю его (Дима Горячкин, rus.lsm.lv)
Даша Делоне. Конница. 2016
Представитель Третьего авангарда художник Даша Делоне — это сложная и длинная история, в которой Живописец, Поэт, Дизайнер, Издатель и Всадник попеременно выходят на сцену и творят жизнь, наполненную событиями, которые в свою очередь причудливыми рефлексами отражаются на холстах в виде цветов и драконов, бутылок и валькирий, пиратов, музыкантов и предков (Лиза Плавинская, искусствовед, куратор, критик). О художнике на AI: «Персона недели: Даша Делоне».
Работа «Конница» (2016) демонстрировалась на выставке «Кому — пролог, а кому — эпилог» в музее М.А. Булгакова (2017) в рамках совместного проекта Музея М.А. Булгакова и творческого дуэта «ДаДим» — Димы Горячкина и Даши Делоне.
На выставке современное искусство вступило в прямой диалог с Историей, тем самым подчеркивая взаимосвязь и актуальность соперников. Работы современных художников на выставке дополнили предметы из коллекции музея, связанные с романом и пьесой М. Булгакова «Белая гвардия». Историческую память хранят произведения Михаила Афанасьевича Булгакова и бывшая коммунальная квартира №50, в которой был написан роман «Белая гвардия» (bulgakovmuseum.ru).
Анна Лаврова. Ностальгия. 1991
Анна Михайловна Лаврова — член студии «Новая реальность» под руководством Элия Белютина. Она была участницей практически всех выставок студийцев вплоть до конца существования «Новой реальности», включая знаменитые пароходные поездки по Волге в начале 1960-х годов. Занятия живописью Лаврова совмещала с работой в прикладном искусстве, проектируя одежду для советской текстильной промышленности и участвуя в международных выставках (в том числе в Москве, Лондоне, Нью-Йорке и Варшаве). Даже работая с масштабными формами, Лаврова создавала сбалансированные и технически выверенные композиции, наполненные драмой человеческих чувств.
Следуя «теории всеобщей контактности» Белютина, участники «Новой реальности» разрабатывали собственную систему для выражения в искусстве глубинных переживаний человека. «Пишите не то, что видите, а что при этом испытываете. Создавайте не подобие предмета, но всю сложность переживаний, которыми вы в момент работы охвачены», — эти слова Белютина наиболее точно описывают творческое кредо Анны Лавровой (artinvestment.ru).
Наполненное драмой человеческих чувств, передаваемых через очень личное и острое восприятие, выраженное современными авангардными художественными средствами, искусство Анны Лавровой апеллирует к мыслям и эмоциям современных людей, ее «Дерево жизни», хотя и измученное жестокими ветрами судьбы, является живым и теплым уголком в бесконечном мире, в котором мы мимолетно живем, а затем сливается с вечным существом (Агнешка Доброчиньска, искусствовед).
Денис Михайлов. Похищение Прозерпины. 2016
В «Похищении Прозерпины» (2016) Денис Михайлов переосмысливает одноименную фреску неаполитанского живописца Луки Джордано из палаццо Медичи-Риккарди во Флоренции (1684–1686). «И я решил провести эксперимент — заставить мою любимую классику [живопись старых мастеров] жить в современном мире. Так, я добавил новых персонажей, новые истории в их [старых мастеров] работы. Я начал экспериментировать с образами…» (Денис Михайлов).
«Михайлов обращается к классическим произведениям разного времени и уровня — Микеланджело, Караваджо, Бассано, Гвидо Рени, К.Х. Блоха и др., подвергая их переформатированию, перекомпоновке, трансформациям коллажного толка. <…>
Внешне всё это напоминает хорошо знакомую практику contemporary art: и постмодернистскую деконструкцию, и политический концептуализм. Однако, как мне представляется, главное… лежит глубже. Типологичные постмодернистские процедуры обычно оставляют ощущение сугубой умышленности, операционности интеллектуального плана. У Михайлова установка другая. Он «берет в работу» не только классику, но и эмоционально-культурный пласт взаимоотношений с ней — некую новую субъективность. Именно субъективность — здесь сочетается аналитический план и моменты транса, озарения. Высвобождается ресурс трансцендентного — и тогда в классические иконографические схемы и духовные смыслы… «втягиваются», как в воронку, новые персонажи. Не только изображенные, но и «закадровые». То есть принадлежащие к зрительской аудитории. Думаю, именно ситуация этого «втягивания», порыва, в котором физическое сопряжено с метафизическим, более всего интересует художника» (Александр Боровский, из статьи «Денис Михайлов»).
Андрей Мунц. Гранада, Альгамбра, Сьерра-Невада. 2019
Моя концепция — это отсутствие концепции. Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям (Андрей Мунц).
В живопись Андрея Мунца «активно вошло переживание сделанных в1910-х и 1920-х годах открытий Кандинского, Шагала, Лентулова, Малевича. Речь идет не о прямом сопоставлении, а об осмыслении образно-пластической системы выдающихся мастеров авангарда.
Свободная импровизация, выражение накопившихся впечатлений и эмоций составляет основу живописных произведений Андрея Мунца. Будучи в том числе архитектором и педагогом, Мунц остро чувствует сковывающие рамки рационального искусства. Поэтому столь ценна для него возможность самовыражения, которую дает живопись, не привязанная к натуре, когда между художником и рождающимся произведением не существует никаких образов реального мира (Юлия Волгина, кандидат искусствоведения).
Арман Сирунян. №10. 2020
Творчество Армана Сируняна отличается неподдельной искренней живописностью. Это свойство требует от художника максимального напряжения всех его гармонических способностей ради достижения некоего живописного качества, не вполне поддающегося описанию словами. Важными сведениями о творчестве Армана являются знания о том, что он много работал с пространством, звуком и светом как театральный режиссер и то, что он не имел в виду подражание Василию Кандинскому, когда начинал свою серию «Космических букетов». Просто их мысли и опыт совершенно случайно совпали.
Процесс написания картин для Армана распадается на две равные части. Сначала в голове художника, в его фантазии появляется ощущение необходимости чего-то сверхважного, и он, человек невероятно гостеприимный и очень талантливый, начинает буквально мучить своих собеседников этим предвосхищением необходимости творения до тех пор, пока… внезапно его посещает видение объекта, который на этот раз станет воплощением его творческого предощущения. Так родилась серия космических букетов, так же родилась и галерея «Лингуа Латина» со всеми ее десятью живописными выставками и последующие концептуальные серии.
Вторая часть творческого процесса Армана Сируняна состоит в какой-то древнегреческой борьбе с холстом. И это не поиски правильного цвета. Где какой цвет будет располагаться, Арман знает практически с самого начала. Но затем начинается мучительный процесс перевоспитания цветовых пятен. Художник многажды изменяет насыщенность и фактурность цветового пятна, не изменяя его формы и места на холсте. Внешнему наблюдателю не представляется возможным понять ход творческой мысли Армана, который занят поиском космического пространства среди прямоугольных обозначений цветов в букете. И только самому художнику известно, когда все эти соотношения приходят в долженствующий порядок. Результат же практически механическим способом достигает волшебного ощущения свечения и мерцания цветов на огромных, космических расстояниях друг от друга.
Катя-Анна Тагути. Гостиница «Ленинградская». 2018
В своей работе «Гостиница «Ленинградская» (2018) Катя-Анна Тагути запечатлевает одну из семи сталинских высоток, построенную в 1949–1952 годах по проекту архитекторов Л.М. Полякова, А. Б. Борецкого и инженера Е.В. Метлюка. Гостиница «Ленинградская» открылась 1 ноября 1953 года, и до сегодняшнего дня сохранила свою исконную функцию — ныне в ней располагается один из отелей сети Hilton.
Время — величайший анонимный переписчик. Древние тексты прошли через многие руки, в них проступило что-то одно, утратилось что-то другое. Катя-Анна Тагути в своих интерпретациях исключает из исходного материала что-то одно и усиливает, акцентирует что-то другое.
Своими работами она выявляет внутренние связи и энергетику, которые исторический материал набирает на протяжении веков. Эта энергетика — результат огромной целенаправленной работы Времени, в которой всё-таки больше утрат и потерь. Например, Время уничтожило Александрийскую библиотеку и сохранило погребённые под лавой Везувия Помпеи. В исторической перспективе вся наша жизнь представляется «палимпсестом», то есть текстом, который постоянно рискует оказаться в свою очередь стёртым.
«В основе моей техники — холст, фон которого может быть неоднородным; поверх этой фактуры я начинаю рисовать углем, сангиной. Затем покрываю изображение белилами и поверх них — снова уголь, сангина, акрил. Рисунок постепенно становится многослойным — своеобразный палимпсест. Что-то проступает сквозь все слои — вот это «что-то» проявляю, создавая новую оптику» (Катя-Анна Тагути, annataguti.ru).
Татьяна Ян. Красный стол. 2007
Легкая, иногда античная, иногда акварельная с лучезарной улыбкой Таня Ян, столь мощная и яростная в работе — дерзновенная. Ее столы, рыбы, гранаты, инжир, цветы, являют собой торжественный смысл предмета… Атака на зрителя, происходящая из холста, есть восторг самой художницы от увиденного (Ирина Старженецкая).
Натюрморты московской художницы Татьяны Ян отличаются своеобразным «портретным» подходом к предметному миру. Современное видение цвета, формы и композиции в ее картинах сочетается с глубоким мировоззренческим содержанием, за которым — мощная традиция раннехристианского искусства и наследие мастеров прошлого (Андрей Толстой, tatyanayang.ru).
Желаем удачи на 27-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20200804_auctionAI_xxi.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20200804_auctionAI_xxi.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
